Escultura griega: historia, cronología, características Traductor traducir
Para otros ejemplos de escultura del área del este del Mediterráneo,
ver el Arte de la antigüedad clásica (c.1000 aC – 450 CE).
Nota sobre la evaluación del arte
Para apreciar el arte tridimensional
de la antigua Grecia, ver:
Cómo apreciar la escultura .
Para trabajos posteriores, ver:
Cómo apreciar la escultura moderna .
¿De dónde vino la escultura griega?
Arte griego de la antigüedad clásica se cree que es una mezcla de culturas egipcia, siria, minoica (Creta), micénica y persa, que (a juzgar por el idioma) se derivan de tribus indoeuropeas que emigran desde las estepas abiertas al norte del Mar Negro. Los escultores griegos aprendieron tanto la talla de piedra como la fundición de bronce de los egipcios y sirios, mientras que las tradiciones de escultura dentro de Grecia fueron desarrollados por los dos grupos principales de colonos de Tesalia: los jonios y los dorios. (Para obtener más información sobre la mampostería de piedra en el antiguo Egipto, consulte: Arquitectura egipcia .)
¿Cuál es la línea de tiempo de la escultura griega?
La cronología de escultura en la antigua Grecia se divide tradicionalmente en tres períodos principales:
[Nota: para obtener información sobre arte cerámico , incluida la técnica geométrica, figura negra, figura roja y fondo blanco, consulte: Cerámica griega: historia y estilos .]
¿Cuál es la historia de la escultura griega temprana?
Hueso y talla de marfil había sido producido en Egipto desde aproximadamente 5, 000 a. C., como parte de las tradiciones culturales establecidas durante la Edad de Piedra tardía (10, 000-5, 000 a. C.). Luego, desde 2.600 a. C. en adelante, llegaron varios hilos de Arte egeo , notablemente la civilización minoica en Creta, con su escultura de piedra (notablemente piedras de sello), pintura al fresco , cerámica y metalistería . Después de una serie de terremotos, Cultura minoica colapsó alrededor de 1425 a. C., y el continente Arte micénico se convirtió en el tipo dominante de la cultura griega, conocida por su cerámica de cerámica, piedras preciosas talladas y adornos de vidrio, hasta alrededor de 1150 a. C., cuando también fueron ocupados, esta vez por invasores dorios. Después de esto vino la "Edad Media" griega, un período de 400 años de caos y lucha, cuando se produjo poco o ningún arte. Durante el siglo VIII a. C., más tranquilo, sin embargo, una nueva cultura de arte visual comenzó a surgir, involucrando cerámica y algo de pintura y escultura, mientras que la Ilíada de Homero y La Odisea también se escribieron en esta época. Sin embargo, el desarrollo escultórico permaneció extremadamente lento hasta el Período Arcaico (c.600-500 aC). Para obtener más información sobre los primeros estilos arcaicos, consulte: Escultura griega daedalica (650-600) . Para un ámbito más amplio, ver: Arte etrusco (c.700-90 AEC).
¿La escultura griega era principalmente religiosa?
Sí. Durante los períodos arcaico y clásico, la escultura griega más importante era de carácter religioso, hecha para templos que generalmente estaban dedicados a una sola divinidad. Las estatuas divinas fueron esculpidas a semejanza del hombre, y fueron hechas en varios materiales y tamaños. Otras estatuas votivas se encontraban dentro y fuera del templo, así como urnas, imágenes de animales sagrados y otros objetos de naturaleza escultórica.
¿Por qué la escultura griega se desarrolló más rápidamente en el período arcaico?
Una característica clave del período arcaico fue la renovación de los contactos comerciales y los vínculos comerciales marítimos entre Grecia y Oriente Medio (especialmente Egipto, así como las ciudades-estado de Asia Menor), lo que inspiró a los artistas griegos a comenzar a establecer una tradición monumental. escultura de mármol . Además, fue durante la era arcaica que los griegos comenzaron a usar piedra para sus edificios públicos, y comenzaron a desarrollar sus tres órdenes de arquitectura ( dórica , jónica y corintia ), cada una de las cuales constaba de una columna, con una base, eje, capitel, y entablamento con friso de arquitrabe y cornisa. Lo más importante, fue durante este período que el templo griego de piedra alcanzó su forma esencial, permitiendo una gran cantidad de esculturas arquitectónicas, que incluyen: relieves y frisos en los frontones del templo (el frontón triangular bajo el techo de un edificio) y metopas (el rectangular paneles sobre las columnas), así como estatuas de todo tipo. Vale la pena tener en cuenta que el historia de la escultura muestra una clara correlación entre arquitectura y arte plástico: cuantos más edificios se construyen, más esculturas se necesitan. Esto ocurrió en la antigüedad clásica, y también en Escultura medieval (Románico / gótico), Escultura renacentista (Temprano y alto), Escultura barroca (Siglo XVII) y Escultura neoclásica (siglo 18).
¿Cuáles son las características de la escultura griega arcaica?
En general, durante este período, los escultores griegos hicieron frisos y relieves de diferentes tamaños (en piedra, terracota y madera), así como muchos tipos diferentes de estatua (en piedra, terracota y bronce), y esculturas en miniatura (en marfil, hueso y metal). Las figuras arcaicas independientes tienen la masa sólida y la postura frontal de los modelos egipcios, pero sus formas son más dinámicas: véase, por ejemplo, el Torso de Hera (660-580, Louvre).
Alrededor de 620, las tres estatuas más comunes fueron la juventud desnuda de pie ( kouros , kouroi plural), la niña drapeada de pie ( kore , korai plural) y la mujer sentada. (Los kouros siguieron siendo populares hasta aproximadamente 460). Para empezar, estas obras figurativas, como la mayoría de las esculturas griegas independientes de la era arcaica, se parecían a estatuas egipcias en forma y postura (frontal, de hombros anchos, cintura estrecha, brazos colgando cerca del cuerpo, puños cerrados y ambos pies en el suelo, pie izquierdo ligeramente avanzado, expresión facial limitada a una "sonrisa arcaica" fija). Sin embargo, a medida que la apreciación griega de la anatomía humana mejoró, estos kouroi y korai se volvieron menos rígidos y de aspecto artificial, y más realistas, mientras que los escultores egipcios se adhirieron estrictamente a los rígidos diseños hieráticos establecidos por sus autoridades culturales.
Otra característica claramente griega era que, a diferencia de las figuras egipcias, los kouroi no tenían un propósito religioso explícito: podían usarse como marcadores conmemorativos o lápidas, o estatuas votivas, o para representar a héroes locales como atletas, o para representar al Dios Apolo o Heracles. Los griegos habían decidido durante mucho tiempo que el cuerpo humano era el tema más importante para cualquier artista, y dado que dieron a sus dioses la forma humana, no hicieron distinción entre lo sagrado y lo secular. Además, los kouroi estaban desnudos, mientras que las figuras masculinas egipcias se mostraban vestidas.
La estatua femenina, la kore, fue vista como menos importante. En su creación, los escultores arcaicos se centraron principalmente en la proporción y el patrón de las cortinas, en lugar de la anatomía física. Los artistas jonios fueron los mejores en representar los pliegues del vestido holgado y drapeado ( quitón ) y el manto ( himation ). La mayoría de los korai eran esculturas votivas, de pie como dedicatorias en santuarios, como la Acrópolis de Atenas.
¿Cuáles son las estatuas griegas más famosas del período arcaico?
Famosos ejemplos de Escultura Griega Arcaica incluir:
Kleobis y Biton (610-580 aC) Museo Arqueológico de Delfos
Kouros (c.600) Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
El Strangford Apollo de Anafi (c.600-580) Museo Británico Londres
The Dipylon Kouros (c.600) Atenas, Museo Kerameikos
El Moschophoros o Becerro (c.570) Museo de la Acrópolis, Atenas
El Anavysos Kouros (c.525) Museo Arqueológico Nacional de Atenas
Friso de la Tesorería de Siphn , Delphi (c.525) Museo Arqueológico, Delphi
Para ver cómo avanzaban los diseños griegos, compare, por ejemplo, la estatua de piedra caliza Lady of Auxerre (c.630 a. C., Louvre, París), con el "Peplos Kore" (c.530, Museo de la Acrópolis, Atenas); compárese también, el Sounion Kouros (c.600, Museo Arqueológico Nacional de Atenas), con el "Kritios Boy" (490-480, Museo de la Acrópolis, Atenas).
¿Qué materiales usaron los escultores griegos?
Los materiales escultóricos más populares utilizados en la antigua Grecia incluyen: mármol y otras rocas calcáreas, bronce, terracota y madera. Vale la pena señalar que aproximadamente la mitad de todas las estatuas creadas durante la antigüedad fueron hechas de bronce , a pesar de que el metal solo se usó ampliamente en la escultura desde aproximadamente 550-500 en adelante. Independientemente del material utilizado, la superficie final de la estatua se veía más real al ser recubierta con aceite y cera caliente, antes de ser coloreada y dorada. Incluso escultura en relieve No se consideró terminado hasta pulido y coloreado.
¿Se pintaron las esculturas griegas?
En general sí. Ya sea de mármol, bronce, madera, terracota o metal, la mayoría de las esculturas griegas (estatuas y relieves) fueron pintadas en policromía. Sorprendentemente, esta característica clave fue descartada en gran medida durante varios siglos debido a los prejuicios de historiadores de arte influyentes como el experto neoclásico Johann Joachim Winckelmann (1717-68), quienes permanecieron decididamente opuestos a la idea misma de la escultura griega "pintada". No fue hasta que el arqueólogo alemán Vinzenz Brinkmann demostró recientemente que todo el Partenón estaba pintado, que el color de las antiguas esculturas griegas fue aceptado como un hecho. Ver también: Pintura griega arcaica (c.625-500).
¿Qué pasó con la escultura griega durante el período clásico?
El período clásico fue testigo de una rápida mejora en la estatuaria griega. Hubo un aumento dramático en las habilidades técnicas de los escultores griegos en su capacidad para representar el cuerpo humano en una postura relajada en lugar de rígida. El clasicismo mejoró la rigidez del idioma arcaico y trajo un sentido más natural de movimiento y corporeidad a la figura humana, como se ejemplifica, por ejemplo, en las metopas y frontones del Templo de Zeus en Olimpia. Además, el bronce se convirtió en el medio predominante para las estatuas monumentales independientes, sobre todo debido a la capacidad del metal para mantener su forma, sin importar cuán compleja, lo que permitió la creación de poses menos rígidas. Además de ser más fuerte y ligero, una figura de bronce podría estabilizarse colocando pesas de plomo dentro de sus pies huecos. Esto permitió la creación de nuevas poses, que, si estuvieran esculpidas en mármol, habrían provocado la caída de la estatua. Desafortunadamente, el bronce fue tan importante para la creación de armas, y tan fácil de fundir, que la mayoría de las estatuas griegas de bronce han desaparecido, lo que dificulta la apreciación adecuada del logro artístico griego y nos deja dependientes de copias romanas de originales griegos.
¿Cuáles son los principales tipos de escultura griega clásica?
La escultura clasicista continuó estando relacionada principalmente con la religión e incluyó la panoplia completa de divinidades griegas y figuras mitológicas. Así, además de los doce dioses y diosas olímpicos: Zeus, Apolo, Poseidón, Deméter, Hera, Artemisa, Hefesto, Atenea, Ares, Afrodita, Hermes y Hestia, los escultores tallaron divinidades menores como Dioniso y su ciclo de sátiros, ninfas y centauros; Plutón y Perséfone; Eros, Psique y Ariadna; las musas, las gracias, las estaciones y los destinos; así como héroes, incluidos Aquiles, Herakles, Teseo, Perseo y otros.
Además de las obras religiosas, los artistas clásicos también produjeron una serie de figuras deportivas tridimensionales, que representan a atletas de varios tipos, incluidos lanzadores de discos, corredores, luchadores y corredores de carros. Curiosamente, sin embargo, la escultura histórica practicada en Egipto y Asiria era casi desconocida en la antigua Grecia. Los eventos importantes fueron representados en términos mitológicos, en lugar de a través de una narrativa objetiva.
¿Cuáles son las características de la escultura griega clásica?
Las características principales del estatuario clásico se referían a la precisión de su anatomía y al realismo de su postura. Sin embargo, tales mejoras no ocurrieron de la noche a la mañana. Por lo tanto, en Escultura Griega Clásica Temprana (c.500-450), los escultores se concentraron en hacer figuras que se veían moviéndose a través del espacio, en lugar de simplemente pararse en él. (Una obra maestra del clasicismo temprano es Discobolus (c. 450) de Myron.) Luego, durante la fase de Alta escultura griega clásica (c.450-400), aplicaron un canon platónico de proporciones a sus figuras. El cuerpo humano fue retratado en una forma "ideal", una idea que fue reavivada por Leonardo, Miguel Ángel y Rafael durante el Alto renacimiento . Además, los escultores de High Classical desarrollaron la postura contrapposto , en la que el peso corporal del sujeto se desplaza sobre un solo pie, dejando el otro ligeramente doblado. Un ejemplo es Doryphorus (c.440, copia de mármol en el Museo Nazionale, Nápoles). Más natural que las poses anteriores, el contrapposto por primera vez permitió que la influencia de la gravedad afectara la relación entre los músculos y las extremidades del sujeto. Inventado por los griegos, este tipo de postura fue la base de la escultura europea hasta el siglo XX. Finalmente, durante el período de Escultura griega clásica tardía , las figuras llegaron a ser vistas como formas tridimensionales, que ocupaban y cerraban el espacio. Se podían ver desde cualquier ángulo. Esta etapa tardía del clasicismo (siglo IV) también produjo el primer proyecto independiente. desnudos femeninos . (El estatuario del Clásico Tardío está ejemplificado por Afrodita de Knidos (350-40) por Praxiteles).
¿Quiénes son los escultores clásicos más famosos?
Otra característica de la escultura clásica griega es la aparición de escultores con nombre, aunque sus obras se conocen casi por completo a través de copias romanas posteriores. los grandes escultores incluido: Kalamis (activo 470-440), Pitágoras (activo c.440-420), Fidias (488-431 a. C.), Kresilas (c.480-410), Myron (activo 480-444), Polykleitos (activo c.450-430), Callimachus (activo 432-408), Skopas (activo 395-350), Lisipo (c.395-305), Praxiteles (activo 375-335), y Leochares (activo 340-320).
¿Cuál es la escultura arquitectónica griega más famosa del período clásico?
Fue durante el siglo V (c.480-400) que el arte griego (especialmente el de Atenas) alcanzó su punto álgido. Fue testigo de la creación de Atenas. Partenón (447-422) – universalmente reconocida como una de las grandes obras maestras de la escultura griega clásica, con su friso de 500 pies, cientos de relieves y el colosal escultura criselefantina de Atenea , por Fidias, así como muchos otros ejemplos famosos de Arquitectura griega , incluyendo: el complejo de la Acrópolis (550-404), el Templo de Zeus en Olimpia (468-456), el Templo de Hephaistos (c.449), el Templo de Atenea Nike (c.427) y el Teatro de Delfos (c.400). Todos estos edificios importantes necesitaban decoración con pintura al fresco y una amplia gama de esculturas, en mármol, bronce y, a veces, incluso criselefantina. orfebrería . Cuando se necesitaban relieves para decorar elementos arquitectónicos específicos, los escultores crearon narrativas que incorporan historias de la mitología griega, como los Trabajos de Hércules , La batalla de los lapitas y los centauros , y muchos otros: ver, por ejemplo, el famoso Friso del Partenón , también como el posterior Bassae Frieze (420-400).
¿Cuáles son las estatuas griegas más famosas del período clásico?
Aquí hay una breve lista de grandes esculturas de la era clásica:
Leda y el cisne (500-450) de Timotheus.
The Tyrannicides Hamodius Aristogeiton (c.477) por Critios.
El Auriga de Delfos (c.475) por artista desconocido.
Discobolus (c.450) de Myron.
The Farnese Heracles (5to siglo) por artista desconocido.
Zeus o Poseidón (c.460) por Fidias.
Riace Bronze A (c.450) de Fidias.
"El Apolo Parnopio" (c. 450) de Fidias.
Athena Parthenos (c.447-5) por Fidias.
Estatua de Zeus (c.432) de Fidias.
Amazon herido (440-430) por Polykleitos.
Doryphorus (440) de Polykleitos.
Estatua de Zeus en el Templo de Zeus, en Olimpia (c.432) por Fidias.
Afrodita (Venus Genetrix) (siglo 5) por Callimachus.
Juventud de Anticitera (siglo IV) por artista desconocido.
Apollo Sauroktonos (siglo IV) de Praxiteles.
Hermes y el infante Dionisos (siglo IV) de Praxiteles.
Afrodita de Knidos (350-40) de Praxiteles.
Apollo Belvedere (c.330) de Leochares.
Artemisa con un Hind (c.330) de Leochares.
El Hércules Farnese (350-300) por Lisipo.
La juventud victoriosa (350-300) atribuida a Lisipo.
Apoxyomenos (Juventud raspando hacia abajo) (c.330) por Lisipo.
¿Qué sucedió en el mundo griego durante el período helenístico?
El helenismo, la expansión externa de la cultura griega a las zonas vecinas del Mediterráneo oriental y más allá, tradicionalmente comienza con la muerte de Alejandro Magno (323 a. C.), cuando su gran imperio se dividió en tres: Antígono I (Monoftalmo) y la dinastía Antígona. se hizo cargo de Grecia y Macedonia; Seleuco I (Nicator) y la dinastía seléucida controlaron Anatolia, Mesopotamia y Persia; y Ptolomeo I (Soter) y la dinastía ptolemaica gobernaron Egipto. Además de Atenas, ciudades como Alejandría en Egipto y Antioquía, Pérgamo y Mileto en Asia Menor (Turquía), se convirtieron en maravillas del mundo antiguo. Eventualmente, sin embargo, todas estas regiones quedaron bajo el control de los romanos: el último en caer fue Egipto en el 31 a. C., y es este evento el que marca el final del helenismo y el comienzo de Escultura romana . Para ver más allá de las fronteras de Grecia, vea: Arte mesopotámico (4500-539 AEC) y el Arte de la antigua Persia (3500-330 a. C.).
¿Qué cambios introdujo la escultura griega helenística?
Escultura griega helenística introdujo una serie de cambios en el tipo de arte producido durante la era clásica. Para empezar, la escultura monumental ya no se creó principalmente para servir a una religión austera, sino que se convirtió en una importante herramienta de promoción para reforzar los regímenes autocráticos establecidos en toda la región (en Pérgamo, en Alejandría, etc.). Además, a medida que surgieron nuevos centros de cultura griega en Egipto, Siria, Anatolia y más allá, hubo una gran demanda de esculturas arquitectónicas y monumentales para decorar templos locales y lugares públicos. Esta combinación de mayor demanda y expansión de la función llevó a la escultura a convertirse (como la cerámica griega) en menos Art º y más de una industria. Como resultado, los diseños se estandarizaron y la calidad disminuyó.
Aún así, arte plástico Se hizo más interesante. Esto se debió a que el aumento general de la demanda llevó a un llamado a una mayor variedad . Así, los escultores ampliaron su temática y ya no se limitaron a los heroicos idealizados de la escultura clásica, sino que representaron una gama más amplia de personalidades, estados de ánimo y escenas. Los temas aceptables ahora incluyen: un bárbaro herido, un niño quitándose una espina, una cazadora, una anciana, niños, animales y escenas domésticas. Incluso aparecieron caricaturas. Para obtener más detalles de este nuevo estilo, consulte: Escuela de escultura helenística de Pergamene (241-133 a. C.).
Nota: Durante la era del helenismo, después de la muerte de Alejandro Magno, la influencia de la escultura griega se extendió hasta el este de la India, donde tuvo un gran impacto en Escultura india – notablemente las estatuas greco-budistas de la escuela Gandhara.
¿Cuáles son las principales características de la escultura griega helenística?
Lo más importante, hubo un cambio importante en estética : en particular, el helenismo reemplazó la belleza serena del clasicismo con un tipo de escultura más emocional, que también incluía un realismo intenso. En esta nueva era de expresionismo, las estatuas exudaban energía y poder; véase, por ejemplo, El toro de Farnese o La victoria alada de Samotracia (220-190); las figuras humanas comenzaron a irradiar sufrimiento y emoción; ver, por ejemplo, The Dying Gaul (c.240 BCE) o Laocoon y sus hijos (c.42-20). La sensualidad genuina también aparece, en obras como Afrodita, Pan y Eros (c.100), excavadas en Delos, mientras que para una versión más sutil, vea el exquisito "Afrodita de Cirene" (c.100). En el retrato, el helenismo fue testigo de una creciente fascinación por la psicología individual: véase, por ejemplo, la escultura melancólica e introspectiva de Demóstenes (c.280) de Polyeuktos.
Sin embargo, una cierta serenidad perduró en esculturas como Las tres gracias (siglo II) y Venus de Milo (c.100).
Si el período Clásico Alto estableció el estándar para el Alto Renacimiento, la era de Arte helenístico fue el prototipo para escultores de los movimientos manieristas y barrocos. No es sorprendente, por lo tanto, que el tamaño se convirtiera en un factor importante, con escultores compitiendo para crear esculturas más grandes y más impresionantes: un proceso que culminó en el Coloso de Rodas , por Chares of Lindos, una estructura aproximadamente del mismo tamaño que la Estatua de la Libertad. Más tarde fue catalogado como uno de los Siete Maravillas del Mundo Antiguo , por el poeta griego Antípatro de Sidón.
Quizás el monumento más extraordinario al "expresionismo barroco" de la escultura griega helenística fue el enorme Altar de Pérgamo de Zeus , construido durante 30 años (c.180-150). (Ver también: Estatuas helenísticas y relieves .) El monumento celebró el papel crucial de los reyes de Pérgamo, como guardias fronterizos de la civilización griega en Asia Menor, e ilustra sus numerosos triunfos sobre las fuerzas bárbaras que invaden desde el este. Después del friso del Partenón, el Altar de Pérgamo es el ejemplo más extenso de escultura monumental griega conocida por el arte. El friso exterior representa La batalla de los Dioses y los Gigantes en toda su violencia desenfrenada, mientras que los relieves internos exhiben un estilo narrativo más controlado, señalando desarrollos posteriores en la escultura en relieve, como Columna de Trajano en Roma, 250 años después: para más detalles, ver: Escultura en relieve de la antigua Roma . Para obtener más información sobre las primeras fases de la escultura, pintura y arquitectura italianas, consulte: Arte romano helenístico .
¿Cuáles son las estatuas griegas más famosas del período helenístico?
Aquí hay una pequeña selección de las mejores esculturas de la época:
Coloso de Rodas (292-280 a. C.) Por Chares of Lindos.
Hermafrodita agazapada (siglo III) Louvre. Por artista desconocido.
Menelaos con el cuerpo de Patroklos (siglo III) Por artista desconocido.
Galia moribunda (c. 240 a. C.) Musei Capitolini, Roma. Por Epigonus.
Ludovisi Galos (c.240) Museo Nacional de Roma. Por artista desconocido.
Victoria alada de Samotracia (Nike) (220-190) Louvre. Por artista desconocido.
El Fauno Barberini (c.220) Glyptothek, Munich. Por artista desconocido.
El Altar de Pérgamo (c.180-150) Pérgamo, Asia Menor. Por artista desconocido.
Jockey de Artemision (c.140) Museo Arqueológico, Atenas. Artista desconocido.
"El toro Farnese" (siglo II) Por Apolonio de Tralles.
Hermafrodita durmiente (siglo II a. C.) Louvre. Por artista desconocido.
Las tres gracias (siglo II) Louvre. Por artista desconocido.
"The Medici Venus" (150-100) Uffizi, Florencia. Por artista desconocido.
"Afrodita de Cirene" (c.100) Museo delle Terme, Roma. Por artista desconocido.
Borghese Gladiator (c.100) Louvre. Por Agasias de Efeso.
Afrodita, Pan y Eros (c.100) Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
"La Venus de Arles" (c.100) Louvre. Por artista desconocido.
Venus de Milo (Afrodita de Melos) (c.100) Louvre. Por Andros de Antioquía.
Spinario (Niño quitando la espina del pie) (c.80) Palazzo dei Conservatori.
Laocoon y sus hijos (42-20 a. C.) Por Hagesander, Athenodoros, Polydorus.
¿Dónde están las mejores colecciones de escultura griega original?
La mayoría de las estatuas y relieves sobrevivientes de la antigüedad clásica son copias romanas de originales griegos. Estos se pueden ver en muchos de los mejores museos de arte en Grecia e Italia, así como más lejos. Aquí hay una breve lista de las mejores colecciones.
GRECIA
Museo Arqueológico Nacional, Atenas
Museo de la Acrópolis, Atenas
Museo Arqueológico, Olympia
ITALIA
Museos vaticanos
Musei Capitolini, Roma
Museo Nazionale Romano, Roma
Museo Archeologico Nazionale, Nápoles
Museo Nazionale, Calabria
EUROPA
Museo de Pérgamo, Berlín
Staatliche Museen, Berlín
Glyptothek, Munich
Louvre, Paris
Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague
Museo del Hermitage, San Petersburgo
Museo Británico, Londres
Estados Unidos
Instituto de Arte de Chicago
Museo de Arte Carnegie (Pittsburgh)
Museo J Paul Getty, Los Ángeles
Museo de arte del condado de los Ángeles
Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Nuestro conocimiento de la escultura griega antigua
La escultura monumental en la antigua Grecia comenzó alrededor del 650 a. C., y alrededor del 600 a. C. fue un elemento importante en el arte griego con un mercado establecido y en crecimiento. Proporcionó figuras de culto de dioses, dedicatorias en santuarios, monumentos para pararse sobre tumbas, decoraciones arquitectónicas y, finalmente, estatuas y relieves para casas privadas ricas. De todo esto, relativamente poco queda: mucho ha perecido por causas naturales, pero aún más fue destruido deliberadamente durante la época medieval. La razón no era generalmente el celo religioso, sino el valor del mármol como materia prima para la cal y el bronce para la chatarra, de modo que para sobrevivir, la escultura tenía que estar fuera de la vista y del alcance.
Por lo tanto, lo que tenemos ahora es una muestra distribuida de manera desigual en tiempo, tipo y calidad. Es probable que la escultura arquitectónica, aún en su lugar, fuera removida y, cuando el edificio colapsó, podría ser enterrada bajo una masa de mampostería. Los relieves independientes, especialmente las lápidas, pueden caerse y, si están cubiertos, ser olvidados; y cualquier losa tallada en bajo relieve podría reutilizarse como un bloque estructural. Las estatuas independientes tenían menos posibilidades, ya que era menos probable que estuvieran ocultas lo suficiente por los escombros, especialmente en lugares poblados. Merece la pena cavar el metal, por lo que han aparecido menos de una veintena de bronces griegos que están razonablemente completos, varios de ellos dragados del mar. En cuanto al mármol, las obras del período arcaico sobrevivieron mejor; siendo menos admirado, fue conservado con menos cuidado por los griegos y romanos posteriores, por lo que podría perderse antes de que comenzara el período de destrucción, y también está el gran caché de la Acrópolis de Atenas, donde gran parte de la estatua que los persas rompieron en 480- 79 se utilizó como relleno durante la restauración que siguió.
En el otro extremo, Arte romano nos proporciona un exceso de copias de esculturas griegas populares de las épocas clásica y helenística. Estas copias, algunas helenísticas tardías pero más romanas, obstaculizan y ayudan al disfrute y al estudio de la escultura griega. Aunque los copistas fijaron puntos por medida, los puntos eran mucho más escasos que los utilizados en la práctica moderna y los espacios intermedios y los detalles fueron tallados a mano alzada y, por lo general, sin mucho cuidado, como se puede ver al comparar diferentes reproducciones del mismo original.
En general, las copias son bastante confiables para la pose, pero en su mayoría son tan duras e insensibles en su tratamiento de la superficie que repelen más que interesan al espectador sin prejuicios; y con los ejemplos más finos existe el problema de si los copistas pueden no haber sido también creativos. Desafortunadamente, muy pocos estatutos clásicos de primer nivel o aquellos del período helenístico de la escultura griega han sobrevivido en el original y los que se conocen a través de las copias son mucho más numerosos, por lo que las copias son una referencia esencial en cualquier estudio estilístico de la escultura griega.
Además de los originales y copias sobrevivientes, hay otra fuente de información en los restos de la literatura griega y latina. Plinio el Viejo (el autor romano, 23-79 d. C.) incluye un relato continuo de la escultura griega en la Naturalis Historia que compiló a mediados del siglo I d. C., mientras que Pausanias un siglo después menciona muchas de las obras que vio cuando viajaba. por su Descripción de Grecia . Además, hay referencias casuales a escultores y esculturas de otros autores. Pausanias fue bastante acrítico, informando fielmente lo que le dijeron, pero estaba más interesado en la mitología que en el arte. El relato de Plinio, principalmente de segunda mano, se compone de anécdotas coloridas pero poco confiables, listas de escultores y sus obras más famosas, y una serie de juicios estilísticos que probablemente fueron tomados de un crítico griego del siglo III con un conocimiento bueno y sensible de Escultura clásica (c.500-323 a. C.) pero no escultura arcaica (650-500 a. C.).
En la práctica, nuestra comprensión del desarrollo de la escultura griega depende del análisis estilístico de las obras sobrevivientes, respaldado por una mezcla de fechas de registros históricos e inscripciones. La más importante de estas fechas es la captura persa de la Acrópolis de Atenas en 480, que da un límite inferior para las obras que dañaron; la finalización del Templo de Zeus en Olimpia a más tardar 456; la decoración escultórica del Partenón, realizada en secuencia del 447 al 432; la Nike de Paionios, encargada alrededor de 420; la lápida de Dexileos, asesinada en Corinto en 394; la construcción del mausoleo, que estaba sucediendo en los 350; el embellecimiento del Gran Altar en Pérgamo, que probablemente sea de principios del siglo II a. la destrucción de Delos en 69; y la dedicación de la Ara Pacis Augustae en Roma en el año 9 a.
El estado actual del conocimiento de arte antiguo En Grecia es muy desigual. Para el período arcaico, donde no hay listas en Plinio para distraer a los estudiantes, el examen del estilo ha producido una evolución razonablemente creíble, como también lo ha hecho, a pesar de Plinio, para el período clásico hasta cerca del final del siglo quinto; pero incluso aquí, los expertos pueden estar en desacuerdo hasta por veinte años sobre la datación de trabajos particulares. El cuarto siglo es oscuro, digan lo que digan los libros de texto, y el período helenístico aún más, excepto quizás hacia su final. Aunque con el tiempo debería haber más precisión sobre las tendencias, no parece que tengamos suficiente material para comprender las personalidades de la escultura griega, y eso no disuadirá a los muchos estudiantes que siguen dedicados a su Historia Natural.
Para más información sobre la influencia de la escultura griega en los artistas del siglo XX, ver: Renacimiento clásico en el arte moderno (1900-30).
Materiales escultóricos en la antigua Grecia
Los principales materiales para la escultura griega fueron la piedra (especialmente el mármol) y el bronce (la piedra caliza, la terracota y la madera son muy inferiores) y hubo varios ejemplos famosos de talla de marfil, en particular las estatuas criselefantinas hechas por Fidias con láminas de oro y marfil montadas en madera. núcleo.
El mármol, que se utilizó desde el principio, se produce en varios lugares dentro y alrededor del Egeo, aunque no en el sur de Italia y Sicilia. A los griegos les gustaban las variedades blancas, de grano medio a fino, con mucho más brillo que la Carrara (o Luna) más tarde explotada por los romanos y aún familiar en los cementerios de Europa occidental. La piedra caliza, que los arqueólogos clásicos a menudo llaman ’poras’, es abundante en la mayoría de las tierras griegas y algunas son de muy buena calidad; Era la piedra más común para las estatuas en el siglo VII, pero luego pasó a ser reconocida solo por la escultura arquitectónica en lugares como Sicilia, donde el mármol era demasiado caro. La terracota también era un material económico para trabajos arquitectónicos, particularmente antefijos y acroterías. La madera, por supuesto, tenía pocas posibilidades de sobrevivir, y juzgar por los registros antiguos nunca se usó regularmente para la escultura terminada, aunque posiblemente los moldes para las estatuas de bronce se formaron en figuras de madera. El bronce no fue importante hasta la segunda mitad del siglo VI, cuando el martilleo de la chapa metálica fue reemplazado por una fundición hueca, pero a principios del siglo V era el medio preferido para la mayoría de los tipos de estatua independiente (aunque no para relieves y escultura arquitectónica). Las estatuas criselefantinas, que eran demasiado caras y tal vez también se dañaban demasiado fácilmente para ser comunes, se remontan al menos a mediados del siglo VI: fueron apreciadas particularmente como imágenes de culto en los templos. Hay otras instancias, también infrecuentes, de combinaciones de materiales: algunas estatuas grandes eran ’acrolithie’, que es de piedra para la carne y madera para las otras partes, y ocasionalmente el cabello de las estatuas de mármol se completaba en estuco.
La escultura griega era de color, como la mayoría de la escultura hasta Renacimiento y, de hecho, si las antiguas estatuas de mármol que fueron encontradas y admiradas en ese momento habían conservado su pintura, los más conservadores de nosotros probablemente todavía esperarían colorear en la escultura. De los detalles de la pintura griega de mármol, así como de piedra caliza y madera, nuestra información es irregular. Para el siglo VI, los hallazgos en la Acrópolis de Atenas dan buenas muestras y luego hay sarcófagos de Sidón y Etruria donde los colores están bien conservados, pero generalmente tenemos suerte si tenemos rastros incluso de los límites de las áreas pintadas. En terracota, la pintura ha sobrevivido mucho mejor, ya que fue disparada, pero desafortunadamente debido a la cocción, la gama de colores era limitada y bastante tosca. También existe la dificultad de que, a través de la acción química, algunos colores pueden haber cambiado, en particular los azules a veces se han convertido en verdes, y el rojo, que es el pigmento más persistente, a veces puede haber servido como una capa inferior. Aún así, uno puede afirmar que los ojos, el cabello, los labios y los pezones se pintaban regularmente (y las mejillas a veces), que la carne femenina se dejaba en el blanco natural del mármol o solo se teñía ligeramente, que la carne masculina a menudo tenía un color marrón cálido, y que drapery was usually painted over completely unless for a garment was left white for contrast. En general, hasta el siglo IV, hubo un progreso continuo hacia una coloración más sutil y más natural, aunque más tarde se hizo más común que el cabello se dorado.
Para obtener más información sobre las técnicas de pintura en la antigua Grecia, consulte: Pintura griega clásica (c.500-323) y Pintura griega helenística (323-31 a. C.)
Con este gusto por la policromía, no es sorprendente que los griegos estuvieran listos para agregar accesorios como aretes y armas en metal, cuán extensivamente pueden juzgarse los agujeros perforados para su fijación. El resultado de todo esto fue hacer que la escultura antigua fuera mucho más vivaz, más obviamente al dar la vista a los ojos. Es más difícil calcular los efectos en las cortinas, pero a veces la composición debe haber sido clarificada o reforzada por un color contrastante, como en la Nike de Paionios. (c. 420 a. C.), donde un muslo estaba desnudo y el otro cubierto. En los relieves, el fondo estaba pintado de rojo o azul, y en los frontones, de azul. En cuanto al bronce, el sabor griego prefería mantenerlo brillante, y la patinación (brillo verde o marrón) era un signo de abandono, aunque en el período romano algunos coleccionistas consideraban la pátina como un certificado de antigüedad. Los ojos se llenaban regularmente con pasta o alguna otra sustancia, y los labios y los pezones a menudo tenían incrustaciones de cobre o plata, pero los expertos aún discuten si el cabello y otras áreas se oscurecieron artificialmente o incluso se pintaron. Entonces, cuando uno mira la escultura griega, vale la pena hacer el esfuerzo de recordar que había más que forma.
Para los relieves, es natural dibujar el tema en la superficie preparada y trabajar a partir de ese bosquejo, pero hasta bien entrado el período helenístico, los escultores griegos de mármol no utilizaron modelos detallados al tallar estatuas, o eso puede deducirse razonablemente de lo terminado y lo inacabado. trabajos. Primero, no es hasta el siglo pasado a. C. que hay rastros de cualquier sistema de apuntado, el método por el cual las posiciones determinadas en un modelo se transfieren precisamente al bloque desde el que se tallará la estatua final, e incluso entonces los puntos estaban lo suficientemente separados como para dejar grandes áreas para tallar a mano alzada. En segundo lugar, en la escultura pediátrica, donde al menos la relación de las figuras tenía que planificarse con precisión de antemano, los diversos escultores del equipo podían desarrollar las cortinas de sus figuras como quisieran;Esto está muy claro en el frontón oeste del Templo de Zeus en Olimpia, donde en algunas figuras el tratamiento de los pliegues es anticuado y en otras es discordantemente progresivo.
Desde la identidad del estilo con la de las estatuas de mármol, las estatuas de bronce también deben haber dependido de la talla, presumiblemente aquí de la figura preliminar, y es apenas antes del siglo II que hay alguna sugerencia en el trabajo terminado de ese tipo de modelado fluido. que es alentado por arcilla blanda o cera. Más sorprendentemente, tampoco existe tal modelado plástico en terracotas. Evidentemente, la tradición escultórica griega fue fundada y fijada por la talla.
Los originales sobrevivientes que fueron abandonados en varias etapas de progreso muestran que el procedimiento normal de tallar una estatua de mármol no era terminar una parte a la vez (como suele suceder al señalar desde un modelo a escala), sino trabajar alrededor de la figura etapa por etapa.. Esto significaba que no había mucho que el escultor pudiera delegar de manera segura a un asistente y que se le recordara continuamente el efecto del conjunto al tratar los detalles. Presumiblemente, comenzó dibujando los contornos de su figura en los cuatro lados del bloque. Esto habría sido lo suficientemente práctico con las poses sencillas de cuatro cuadrados que eran regulares para las estatuas hasta el siglo IV.
Luego quitó la piedra sobrante a una pulgada o menos de la superficie final prevista, utilizando primero el martillo y el taladro y luego cada vez más el punzón. Luego siguió la forma áspera de la figura con la punta, un golpe fino que se puede reconocer por la picadura que deja, y cavidades incómodas (como el espacio entre un brazo y el cuerpo o pliegues profundos de cortinas) fueron parcialmente ahuecadas por el taladro. El taladro, que tenía un cincel redondo para su broca, se usó de dos maneras, ya sea para perforar orificios individuales o series de orificios, o (como un taladro ’en marcha’) que viajaba oblicuamente hacia adelante para cortar un surco. El método del simulacro de funcionamiento parece haberse inventado poco, si es que lo hizo, antes del 370 BCE y, desde que ahorró mano de obra, pronto se hizo muy popular.
La siguiente y más decisiva etapa del tallado fue el modelado detallado de la superficie con cinceles de varios tipos: el cincel de garras (que parece haber sido inventado alrededor de 560 a. C.), el cincel plano y el cincel redondo. Estos cinceles se usaron tanto oblicuamente como verticalmente, como era el punto, y normalmente con trazos cortos y suaves.
Después del modelado, la superficie se alisó con escofinas de formas y calibres adecuados, y luego se alisó con abrasivos, probablemente virutas de esmeril y polvo seguido de piedra pómez en polvo. Este alisado no produjo el alto brillo de muchas esculturas romanas y recientes. Para un acabado brillante, la superficie debe pulirse con abrasivos más finos, como masilla en polvo o colorete. Finalmente, la estatua fue pintada, a partir del 500 a.
Para alivio, el procedimiento fue muy similar. Primero, el tema debe haber sido bosquejado en el bloque preparado. Luego se cortó el contorno, en relieves más profundos, a menudo con un taladro, y después de eso, la punta, el cincel, la escofina y los abrasivos se usaron en secuencia. En general, los escultores griegos de relieves no tallaron ninguna parte mucho más alejada del plano frontal de lo que requería el modelado efectivo de esa parte. Por lo tanto, el fondo tiende a no estar nivelado y la profundidad a la que se establecen las figuras y partes de las figuras se rige más por relaciones ópticas que naturales.
Para figuras pediátricas la práctica variada. A veces, el procedimiento se usaba para las estatuas independientes, aunque a menudo la parte posterior no estaba terminada, pero a veces, como con los cuerpos de los centauros en 0lympia, se los trataba como un gran alivio. El estándar de acabado era muy alto y se esperaba que todas las marcas de herramientas visibles de una etapa se despejaran en la siguiente, aunque había lugares incómodos donde los abrasivos o la escofina no se podían usar correctamente y muy ocasionalmente una herramienta cavaba demasiado profundo en un superficie abierta El gusto en el acabado variaba, pero era menos exigente a medida que pasaba el tiempo. En los relieves, los fondos y las grandes áreas neutras, como los asientos, a menudo se raspaban, pero los abrasivos no los alisaban más. En el siglo IV, algunos escultores optaron por dejar las cortinas solo raspadas, para contrastar la textura con la carne completamente alisada;y en piezas menores hubo una tendencia creciente a la negligencia. Aun así, la diferencia entre incluso la talla griega mediocre y la copia romana promedio es obvia; los copistas solo ocasionalmente se molestaban por el trabajo del cincel. Por cierto, un escultor griego generalmente tardó entre seis y nueve meses en tallar una estatua de mármol de tamaño completo.
Las estatuas de bronce son raras, por lo que es mucho más difícil deducir los métodos por los cuales fueron hechas, en comparación con las estatuas de mármol. Por lo tanto, la cuenta resumida que sigue puede estar equivocada en partes. Durante el siglo VII y principios del siglo VI, se construyeron algunas estatuas considerables con la técnica del ’esfintetono’, es decir, delgadas láminas de bronce forjadas y fijadas con clavos a un marco o núcleo de madera, pero los resultados no fueron satisfactorios; y aunque las figuritas pequeñas se fundieron en moldes, la fundición sólida era demasiado costosa (incluso si era posible) para figuras grandes. Luego, probablemente a mediados del siglo VI, un proceso de fundición hueca, que se había utilizado durante algún tiempo para objetos pequeños, fue prestado y desarrollado para estatuas de tamaño completo.Los griegos no estaban lo suficientemente avanzados en su metalurgia para construir grandes marcos tan rígidos como los necesarios para la fundición de cajas de arena, por lo que deben haber dependido de un proceso de "cera perdida".
La secuencia regular de trabajo parece haber sido algo así. Primero, el escultor preparó su figura preliminar con todo detalle y precisión; Es probable que el material haya sido cera, o tal vez arcilla o madera, pero de todos modos el efecto sugiere tallar en lugar de modelar la superficie. Luego, esta figura se revistió con arcilla (o posiblemente yeso) para hacer un molde. Luego, el molde y la figura preliminar tuvieron que separarse, y aquí se introduce más incertidumbre. La siguiente etapa requería que el molde se abriera, y también era habitual echar grandes estatuas en varias partes. Si entonces el material de la figura preliminar fuera blando, es decir, cera o arcilla, podría ser apreciado o excavado o tal vez corrido o lavado; o bien la figura se eliminó intacta y, dado que el corte inferior era frecuente, especialmente en pliegues de cortinas, esto significa que la figura ya se había diseccionado en muchas piezas separables o que ahora se realizó una disección igualmente compleja en el molde; aunque si el molde se diseccionó de esta manera, la mayoría de las piezas más pequeñas deben haberse ensamblado antes de la siguiente etapa. En esto, el molde abierto estaba forrado con cera al grosor deseado para la pared de bronce de la estatua terminada. A su vez, el revestimiento de cera estaba revestido con arcilla para formar un núcleo, que estaba conectado al molde mediante clavijas metálicas (guirnaldas), de modo que el molde y el núcleo mantuvieran sus posiciones relativas cuando la cera se derritiera. Este núcleo de arcilla puede haber sido golpeado en húmedo o vertido en líquido, y dependiendo del proceso utilizado, el molde se volvió a ensamblar en sus partes completas después o antes de la fabricación del núcleo. Si el molde era de yeso, era necesaria una operación adicional, ya que el yeso tuvo que retirarse cuidadosamente del núcleo cubierto de cera y reemplazarse por una gruesa capa de arcilla. (Nota: el procedimiento descrito hasta ahora es el de fundición indirecta de ’cera perdida’, pero los escultores griegos a veces utilizaron el procedimiento directo menos económico en su lugar: aquí la figura preliminar, que es de arcilla y también sirve como núcleo, está recubierta con una capa de cera y esta capa, que está terminada con todo detalle, está encerrada en una carcasa de arcilla).está cubierto con una capa de cera y esta capa, que está terminada con todo detalle, está encerrada en una carcasa de arcilla).está cubierto con una capa de cera y esta capa, que está terminada con todo detalle, está encerrada en una carcasa de arcilla).
Ahora todo estaba listo para disparar. Los moldes con sus núcleos se calentaron para que la cera se derritiera y el bronce fundido corriera hacia las cavidades dejadas por la cera; pero dado que la arcilla secada al aire no tomará metal fundido sin al menos pandearse, se supone que después de que la cera se haya derretido, los moldes y núcleos se dispararon a la temperatura requerida para la terracota o incluso más, y el metal se ejecutó mientras todavía estaban a este calor Luego, cuando todo se había enfriado, la fundición de bronce se liberó rompiendo el molde exterior o el revestimiento. Por supuesto, no era necesario seleccionar todo el núcleo y, de hecho, se han encontrado trozos de núcleo que aún sobreviven dentro de las estatuas de bronce.
Todavía quedaba mucho trabajo por hacer. En esta etapa, el yeso tiene una piel granular, que necesitaba rasparse; las grietas se taparon y las fallas se arreglaron cortando y llenando con tiras de chapa metálica (las depresiones rectangulares visibles en algunas estatuas sobrevivientes son cortes de los que se han caído los rellenos). Las piezas moldeadas por separado se unieron entre sí, por lengüeta y ranura, si es grande, o por soldadura o soldadura si es pequeña. Se grabaron detalles, se insertaron y fijaron los ojos, a menudo los labios y los pezones estaban incrustados en cobre u otro metal, y toda la superficie se bruñió a fondo para ocultar los bordes de las uniones y parches y para producir un brillo adecuado. El brillo se mantuvo, como lo muestran los registros, mediante aplicaciones de aceite o resina, y quizás betún.En conjunto, la fabricación de una estatua de bronce fue un trabajo complicado y los riesgos de fallar al disparar el molde y fundar el metal deben haber sido graves, fue el mayor costo de los materiales lo que hizo que las estatuas de bronce fueran más caras que las estatuas de mármol.
Algunas estatuas, especialmente las más pequeñas, se colocaron sobre pedestales altos o incluso columnas o pilares, pero el tipo más normal de base griega era relativamente baja, rectangular y hecha de mármol. En el siglo V, para una estatua de tamaño completo, la base era comúnmente de menos de un pie de altura y su superficie podría terminar solo con la punta, aunque más tarde hubo una tendencia a producir algo más alto y más ornamentado. Las estatuas de mármol en pie fueron talladas con un pequeño zócalo alrededor de los pies y esto se dejó en la base y se fijó con plomo, a menudo desordenadamente. Las estatuas de bronce fueron fijadas. Ver también: Carpintería griega .
El escenario generalmente estaba al aire libre y, dado que en el siglo V los escultores griegos eran lo suficientemente sofisticados como para hacer correcciones ópticas para el ángulo de visión, se supone que también tuvieron en cuenta la naturaleza de la iluminación. Estos factores muy importantes a menudo se ignoran en la exhibición de la escultura griega en los museos antiguos y nuevos, donde las estatuas se encuentran en su mayoría demasiado altas sobre el suelo y su iluminación tiende a ser unilateral y oblicua. La disposición tampoco es del todo correcta, en largas filas o agrupaciones estudiadas; La costumbre griega era considerar cada estatua como una entidad independiente y ubicarla en un lugar convenientemente vacante sin preocuparse por su relación estética con las estatuas o edificios vecinos.
Hay una advertencia más. La mayoría de las estatuas antiguas han sido mutiladas en el paso del tiempo. Desde el siglo XVI hasta el XIX, era habitual restaurar al menos las deficiencias más obvias y, aunque la moda actual aborrece cualquier restauración, todavía se exhiben muchas piezas que han sido restauradas, a veces de manera engañosa. Hay una regla bastante confiable para distinguir lo que es original en una estatua de mármol y lo que no. Cuando se unen dos piezas de piedra, es muy difícil ocultar la línea de la unión. Ahora, una ruptura natural deja un borde irregular y, si una línea de unión es irregular, se puede considerar que las dos piezas pertenecen entre sí. Pero dado que uno necesita una superficie regular para encajar una nueva pieza en otra, una línea de unión recta muestra que una de estas piezas es nueva y se puede sospechar que la superficie dentada de una rotura anterior se ha cortado y alisado para hacer un ajuste limpio para un reemplazo. Ocasionalmente, tales reemplazos se hicieron en la antigüedad, pero generalmente una unión directa es evidencia de la restauración moderna en los tiempos modernos. El Museo Nacional de Nápoles, que heredó la magnífica colección renacentista de la familia Farnese, es un lugar admirable para practicar esta prueba de autenticidad.Es un lugar admirable para practicar esta prueba de autenticidad.Es un lugar admirable para practicar esta prueba de autenticidad.
NOTA: Para escultores posteriores inspirados en las esculturas escultóricas de la antigua Grecia, consulte: Clasicismo en el arte (800 en adelante).
Usos para la escultura griega antigua
Los griegos usaron estatuas para las llamadas figuras de culto de deidades, dedicatorias, monumentos en tumbas y decoración arquitectónica, pero no fue hasta el período helenístico que adquirieron o encargaron más que estatuillas para disfrute privado. Los usos de los relieves fueron similares, excepto que no sirvieron como figuras de culto.
Las estatuas de culto, a veces colosales, eran relativamente raras. Normalmente, una de esas estatua, del dios patrón o diosa, se encontraba dentro del área interior de un templo, pero el término ’estatua de culto’ es engañoso. Estas esculturas fueron consideradas como obras de artesanía humana, ilustrando pero no personificando a la deidad. Por lo tanto, aunque admirados, no fueron adorados.
Se establecieron dedicatorias en santuarios y otros lugares públicos, por personas privadas o por comunidades, para celebrar la victoria en competiciones deportivas o guerras, para pagar un voto o una multa, expresar gratitud por el éxito o la seguridad, y anunciar a un donante. Otros, desde el siglo IV en adelante, incluyeron estatuas que conmemoran a ciudadanos distinguidos. Algunos sitios populares se llenaron de estas estatuas dedicatorias, como es muy evidente en las bases sobrevivientes en el santuario de Apolo en Delfos. Los socorros solían ser menos imponentes y más baratos; varían ampliamente en tamaño y calidad y fueron especialmente populares como ofrendas votivas, como las placas de madera pintada o de terracota ofrecidas por los pobres. Gran parte de las estatuas más numerosas fueron las dedicatorias.
Los monumentos graves fueron otra clase importante de escultura. La mayoría de ellos estaban en alivio. Pero aquellos que podían permitírselo a veces preferían una estatua, especialmente en el período arcaico. Aunque los griegos respetaban las tumbas de sus muertos, los monumentos conmemorativos sobre ellos satisfacían el sentimiento familiar y la ostentación en
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