Arte académico: características, historia: academias de bellas artes Traductor traducir
¿Qué es el arte académico?
En arte fino , el término "arte académico" (a veces también "academismo" o "eclecticismo") se usa tradicionalmente para describir el estilo de la vida real pero de mente elevada pintura realista y escultura defendido por las academias europeas de arte, en particular el Academia Francesa de Bellas Artes . Este estilo de arte "oficial" o "aprobado", que luego se asoció estrechamente con Pintura neoclásica y en menor medida la Simbolismo movimiento, se materializó en una serie de convenciones pictóricas y escultóricas a seguir por todos los artistas. En particular, había un fuerte énfasis en el elemento intelectual, combinado con un conjunto fijo de estética . Sobre todo, las pinturas deben contener un mensaje de mentalidad adecuada. Los artistas cuyas obras han llegado a tipificar los ideales del arte académico incluyen a Peter-Paul Rubens (1577-1640), Nicolas Poussin (1594-1665), Jacques-Louis David (1748-1825) Jean-Antoine Gros (1771-1835), JAD Ingres (1780-1867) Paul Delaroche (1797-1856), Ernest Meissonier (1815-91), Jean-Leon Gerome (1824-1904), Alexandre Cabanel (1823-89), Pierre Puvis de Chavannes (1824-98), Thomas Couture (1815-79) y William-Adolphe Bouguereau (1825-1905).
La historia de la Academia francesa, cuya formación solo obtuvo la aprobación oficial como un medio para impulsar la autoridad política del Rey, ilustra perfectamente los problemas de establecer un sistema de control cultural tan monolítico. Desde su fundación en 1648, la Academia Francesa trató de imponer su autoridad en la enseñanza, producción y exhibición de bellas artes, pero posteriormente demostró ser incapaz de modernizarse o adaptarse a los gustos y técnicas cambiantes. Como resultado, en el siglo XIX fue cada vez más ignorado y dejado de lado, ya que artistas modernos como Gustave Courbet, Claude Monet, Vincent Van Gogh y Pablo Picasso revolucionaron la teoría y la práctica del arte.
Orígenes
Desde el siglo XVI en adelante, una serie de especialistas escuelas de arte surgió en toda Europa, comenzando en Italia. Estas escuelas, conocidas como "academias", fueron patrocinadas originalmente por un mecenas de las artes (típicamente el papa, un rey o un príncipe), y se comprometieron a educar a los artistas jóvenes de acuerdo con las teorías clásicas de las artes. Arte renacentista . El desarrollo de estas academias artísticas fue la culminación del esfuerzo (iniciado por Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel ) para mejorar el estado de los artistas en ejercicio, distinguirlos de meros artesanos dedicados al trabajo manual y emanciparlos del poder de los gremios. Para más, ver Historia del arte académico (abajo).
Características del arte académico
Los principios más importantes del arte académico, según lo establecido por la Academia Francesa, se pueden expresar de la siguiente manera:
1. Racionalidad
La Academia se esforzó por promover un estilo de arte "intelectual". En contraste, digamos, con el estilo "sensual" del Rococó , el estilo "socialmente consciente" del francés Realismo , el estilo "visual" de la Impresionismo o el estilo "emocional" de Expresionismo . Consideraba que las bellas artes eran una disciplina intelectual que implicaba un alto grado de razón, por lo que la "racionalidad" de una pintura era lo más importante. Tal racionalidad fue ejemplificada por el tema de una obra, su uso de alegoría clásica o religiosa, y / o por sus referencias a temas clásicos, históricos o alegóricos. Planificación cuidadosa – a través de preliminares dibujar o el uso de modelos de cera, también se valoró.
2. Mensaje
Se le dio gran importancia al "mensaje" de la pintura, que debería ser "edificante" y tener un alto contenido moral. Este principio fue la base del funcionario " Jerarquía de los géneros ", un sistema de clasificación anunciado por primera vez en 1669 por el Secretario de la Academia Francesa. Los géneros se enumeraron en el siguiente orden de importancia: (1) Pintura de la historia ; (2) Arte retrato ; (3) Pintura de género ; (4) Paisajes ; (5) Pintura de bodegones . La idea era que las pinturas de historia fueran mejores plataformas para comunicar un mensaje de mente alta. Una escena de batalla o una pieza de Arte bíblico transmitiría un mensaje moral obvio sobre (digamos) coraje o espiritualidad, mientras que una imagen de naturaleza muerta de un jarrón de flores lucharía por hacer lo mismo. En la práctica, los artistas lograron inyectar contenido moral en todo tipo de imágenes, incluso bodegones. Ver, por ejemplo, el género de pintura de vanitas , dominado por Harmen van Steenwyck (1612-56) y otros, que típicamente representaban una serie de objetos simbólicos, todos los cuales transmitían una serie de mensajes morales basados en la futilidad de la vida sin valores cristianos.
Además de los principios cristianos o las cualidades humanísticas, se alentó a los artistas académicos a comunicar al espectador alguna verdad o ideal eterno. Por lo tanto, algunas pinturas académicas no son más que simples alegorías con nombres como "Dawn", "Evening", "Friendship", etc., en los que la esencia de estos ideales está encarnada por una sola figura.
3. Otras convenciones artísticas
Con el tiempo, las autoridades académicas construyeron gradualmente una serie de reglas y convenciones pictóricas. Aquí hay una pequeña selección:
Historia y desarrollo del arte académico
Las características anteriores del arte académico no aparecieron de la noche a la mañana. Más bien surgieron con el tiempo, como resultado de varios debates en curso entre diferentes puntos de vista, típicamente encarnados por ciertos artistas que luego se convirtieron en "modelos" para ser copiados. Hubo varios debates, tales como:
Disegno o Colorito: ¿Cuál tiene primacía?
los Renacimiento italiano abrazó dos facciones importantes: la Renacimiento Florentino facción que defendió " disegno "(diseño); y la facción renacentista veneciana que prefería" colorito "(color). La diferencia entre estas dos facciones se puede resumir de la siguiente manera:
Para un florentino , una pintura consistía en forma / diseño más color: en otras palabras, el color era una cualidad que debía agregarse al diseño. Pero para un veneciano , una pintura consistía en forma / diseño fusionado con color: en otras palabras, era inseparable del diseño. En Florencia, el color era considerado como un atributo del objeto al que pertenecía: por lo tanto, un sombrero azul o un árbol verde eran parches de azul y verde confinados dentro de las líneas fronterizas de esos objetos. En Venecia, se entendía que el color era una cualidad sin la cual difícilmente podría decirse que existía el sombrero o el árbol, por lo tanto, la capacidad de un pintor para mezclar pigmentos de color Fue muy importante.
Poussin o Rubens?
No mucho después de que la Academia Francesa se reorganizó en 1661, el debate del Renacimiento fue revivido por dos facciones rivales. La cuestión se refería a qué estilo de arte era superior: el del artista francés. Nicolas Poussin (1594-1665) o la del pintor flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640). Poussin especializada en medio formato pintura mitológica y paisajes pastorales clásicos, ver, por ejemplo, Et en Arcadia Ego (1637, Louvre, París, y valoraba la claridad y la racionalidad por encima de todo. Para muchos, este enfoque racional de alta mentalidad lo convirtió en la encarnación perfecta de los ideales de la Academia. Rubens, por otro lado, pintó todas las grandes escenas religiosas e históricas con enorme entusiasmo y estilo, y con un ojo maravilloso para el color suntuoso. En términos simples, la pregunta era: ¿debería predominar la línea (disegno) de Poussin o el color (colorito) de Rubens? En un nivel superior, el problema era sobre qué radicaba El corazón del arte: ¿intelecto o emoción? El problema nunca se resolvió de manera concluyente, sobre todo porque ambos eran artistas tan excepcionales, y resurgió un siglo y medio después.
Ingres o Delacroix?
En el siglo XIX, el argumento revivió, pero esta vez con nuevos campeones. Ahora eran las pinturas neoclásicas, frescas y pulidas del artista político Jacques-Louis David (1748-1825) – ver: Muerte de marat (1793) y El juramento de los Horacios (1785) – y su seguidor JAD Ingres (1780-1867), frente al colorido y dramático romanticismo de Eugene Delacroix (1798-1863). Ingres fue el máximo académico, cuyos retratos apagados, desnudos femeninos y pinturas de historia fueron exquisitamente arreglados y pulidos de acuerdo con la convención clásica. En contraste, Delacroix era el héroe ardiente del francés. Romanticismo cuyos lienzos a gran escala vigorosos, a veces violentos (aunque cuidadosamente preparados y bosquejados) representaban una interpretación mucho más desinhibida de la teoría clásica. (En comparación, un pintor que se situó a ambos lados de esta división estilística fue el pintor de historia napoleónico Antoine-Jean Gros: 1771-1835).
El debate finalmente fue a favor de Ingres, quien fue nombrado director de la Academia Francesa en Roma (1835-40). Sin embargo, el objetivo del mundo del arte francés pronto se convirtió en sintetizar la línea de Clasicismo con el color del romanticismo. El académico William-Adolphe Bouguereau, por ejemplo, creía que el truco para ser un buen artista es reconocer la interdependencia fundamental de la línea y el color, una opinión que hizo eco el académico Thomas Couture, quien dijo que cada vez que alguien describía una pintura con mejor color o mejor línea, realmente no tenía sentido, porque el color dependía de la línea para transmitirla, y viceversa.
¿Copiar viejos maestros o copiar la naturaleza?
Otro debate sobre el estilo de arte académico se refería a los métodos básicos de trabajo. ¿Era mejor para un artista aprender arte mirando la naturaleza o escudriñando las pinturas de los viejos maestros? Dicho de otra manera, que era superior: ¿la capacidad intelectual de interpretar y organizar lo que uno ve, o la capacidad de reproducir lo que uno ve? En cierto modo, este debate académico anticipó la discusión entre impresionistas y postimpresionistas sobre los méritos de la meticulosa pintura de estudio versus la espontánea. pintura al aire libre .
NOTA: Ninguno de estos temas tenía una respuesta precisa y, en general, el argumento se centraba en qué artista o qué tipo de pintura sintetizaba mejor las características en competencia. La principal debilidad de la Academia como institución, radica en su suposición de que había un enfoque "correcto" del arte y (más importante) de que eran el cuerpo adecuado para encontrarlo.
Mientras tanto, los pintores y escultores europeos continuaron su búsqueda incesante de nuevos estilos de arte, nuevos esquemas de color, nuevas formas de composición y nuevos tipos de pinceladas, sin prestar demasiada atención a los argumentos doctrinales que se desataron en las academias. El poderoso pinturas modernas de Gustave Courbet ( The Painter’s Studio , 1855, Musee d’Orsay), Whistler ( Symphony in White, No. 1: The White Girl 1862, National Gallery of Art, Washington DC), Jean-Francois Millet ( Los espigadores 1857, Musee d’Orsay y Hombre con una azada , 1862, Getty Museym LA), Edouard Manet ( Olympia , 1863, Musee d’Orsay) y Claude Monet ( Impresión: Sunrise 1872, Musee Marmottan Monet, París; o Nympheas 1920-6, Museo Orangerie, París), fueron más que un partido para aquellos pintores académicos conformistas como Alexandre Cabanel, Jean-Leon Gerome y Adolphe-William Bouguereau.
Cómo las academias controlaron la educación artística y las exposiciones
La Academia francesa tenía un monopolio virtual en la enseñanza, producción y exhibición de arte visual en Francia, la mayoría de las otras academias estaban en la misma posición. Como resultado, sin la aprobación de la Academia, un pintor en ciernes no podría obtener una "calificación" oficial, ni exhibir sus obras al público, ni acceder a patrocinios oficiales o puestos docentes. En resumen, la Academia tenía la clave de la prosperidad futura de un artista.
Cómo se enseñó el arte académico
Las escuelas de la Academia enseñaron arte de acuerdo con un estricto conjunto de convenciones y reglas, y solo involucraron arte representativo : no hubo arte abstracto permitido. Hasta 1863 las clases dentro de la academia se basaban enteramente en la práctica de dibujar figuras – es decir, dibujar las obras de los viejos maestros. Se consideró que copiar tales obras maestras era el único medio de absorber los principios correctos de contorno, luz y sombra. El estilo enseñado por los profesores de la academia se conocía como arte académico.
Los estudiantes comenzaron con dibujo , primero de grabados o dibujos de la escultura griega clásica o las pinturas de los antiguos maestros como Miguel Ángel (1475-1564) y Rafael (1483-1520) de la Alto renacimiento era. Una vez completada esta etapa, los estudiantes tuvieron que presentar dibujos para su evaluación. Si tienen éxito, luego pasaron a dibujar con moldes de yeso u originales de estatuas antiguas. Una vez más, tuvieron que presentar dibujos para su evaluación. Si tienen éxito, se les permitió copiar desde vivo desnudos masculinos (conocido como ’dibujo de la vida’).
Nota: un efecto secundario del enfoque en el dibujo del desnudo masculino fue dificultar que las mujeres artistas ingresen a la Academia, hasta la segunda mitad del siglo XIX (1861 para la Real Academia de Londres), debido a la moral. cuestiones.
Solo después de completar varios años de capacitación en dibujo, así como en anatomía y geometría, se les permitió a los estudiantes pintar: es decir, usar color . De hecho, la pintura ni siquiera estaba en el plan de estudios de la Ecole des Beaux-Arts (la escuela de la Academia Francesa) hasta 1863: en cambio, los estudiantes tuvieron que unirse al estudio de un académico para aprender a pintar. (Nota: Entre los mejores estudios académicos se encontraba el estudio de Gustave Moreau , en París.) Este método de enseñanza dogmática fue reforzado por estrictas calificaciones de ingreso y evaluaciones de cursos. Por ejemplo, entrada al parisino Ecole des Beaux-Arts solo fue posible para los estudiantes que aprobaron un examen y poseían una carta de referencia de un notable profesor de arte. Si es aceptado, el estudiante comenzó el curso de bellas artes, avanzando en etapas (como hemos visto) solo después de presentar una cartera de dibujos para su aprobación. Además, se realizaron concursos de arte regulares en condiciones cronometradas, para registrar la capacidad de cada estudiante.
Al mismo tiempo, las academias mantuvieron el estricto sistema de clasificación de la géneros de pintura . La pintura de historia fue la forma más elevada, seguida de retratos, pinturas de género, paisajes y finalmente naturaleza muerta. Por lo tanto, los premios más altos se otorgaron a los pintores de historia, una práctica que causó mucho descontento entre los artistas estudiantes.
Exposiciones de salón
Por lo general, cada academia de arte organizó una serie de exposiciones (salones) durante el año, lo que atrajo un gran interés de los compradores y coleccionistas de arte. Para que una pintura fuera aceptada por el Salón, primero tenía que ser aprobada por el "jurado" del Salón, un comité de académicos que examinó cada presentación.
Una exhibición exitosa en una de estas exhibiciones fue un sello de aprobación garantizado para un aspirante a artista. Dado que generalmente se exponían varios miles de cuadros, colgados desde el nivel de los ojos hasta el techo, hubo una tremenda competencia para asegurar una posición privilegiada del Comité Colgante, que, como siempre, estaba influenciado por el género de un cuadro y (sin duda) por el ’conformidad académica’ de su artista.
La Academia Francesa, por ejemplo, tuvo su propia exposición oficial de arte, conocida como la Salon de Paris . Celebrado por primera vez en 1667, el Salón fue el evento de arte más prestigioso del mundo. Como resultado, su influencia en Pintura francesa – en particular sobre el estilo artístico, las convenciones pictóricas y la reputación de los artistas fue enorme. Hasta la década de 1850, el Salón de París fue enormemente influyente: hasta 50, 000 visitantes podían asistir en un solo domingo, y hasta 500, 000 podrían visitar la exposición durante su recorrido de 8 semanas. Una exitosa presentación en el Salón le dio a un artista una gran ventaja comercial.
Incluso si un artista se había graduado con éxito de una escuela de la Academia y se había "presentado" en el Salón, sus perspectivas futuras aún dependían en gran medida de su estatus en la academia. A los artistas que se presentaron regularmente en el Salón de París, y cuyas pinturas o esculturas fueron ’aprobadas’, se les podría ofrecer Asociado y, en última instancia, membresía completa de la academia (estatus académico). Asegurar este codiciado galardón era el objetivo de cualquier pintor o escultor ambicioso. Incluso los pintores impresionistas que habían sido rechazados por el Salón, como Manet, Degas y Cezanne, continuaron presentando obras al jurado del Salón con la esperanza de ser aceptados.
Nota: aunque los británicos real Academia (RA) compartió algunas de las debilidades de la Academia Francesa de Bellas Artes y otras, adoptó una línea más independiente. Por ejemplo, el estilo poco ortodoxo de JMW Turner no impidió que se convirtiera en el miembro más joven de la RA.
Declinación del salón
En la década de 1860, la Academia Francesa y otros habían perdido el contacto con las tendencias artísticas y continuaron obstinadamente para promover una forma de arte académico y un método de enseñanza rígido, anticuado y fuera de contacto con los estilos modernos. (Todavía clasificaron las pinturas de acuerdo con la "Jerarquía de los géneros" [ver arriba], por lo tanto, por ejemplo, una pintura de historia siempre ’superó’ a un paisaje y, por lo tanto, se colgó en una mejor posición en el Salón).
Debido a esta incapacidad para mantenerse actualizado, el Salón se volvió cada vez más conservador, y finalmente entró en un serio declive. La primera señal abierta de problemas se produjo en 1863 con el anuncio del emperador francés Napoleón III de que un especial Salon des Refuses se realizaría, simultáneamente con el Salón oficial, para exhibir todas las obras que habían sido rechazadas por el jurado del Salón. El salón alternativo demostró ser tan popular como el oficial. Aun así, vale la pena recordar que el impresionismo francés, que sigue siendo el estilo de pintura más popular del mundo, fue rechazado por el Salón oficial, lo que obligó a sus seguidores a exhibir en privado. Ver Exposiciones impresionistas en París (1874-86).
Para ser justos, uno debe tener en cuenta que no todas las pinturas colgadas en el Salón anual de la Academia Francesa tenían un estilo antiguo o un contenido retroactivo. Algunas pinturas progresivas superaron al jurado. Tales obras incluyeron: la pintura histórica Juana de Arco (1879, Metropolitan Museum of Art, NY) por Jules Bastien-Lepage ; la Pintura orientalista Hassan et Namouna (1870, Colección privada) por Henri-Alexandre-Georges Regnault; La muerte de Francesca da Rimini y de Paolo Malatesta (1870, Musee d’Orsay, París) de Alexandre Cabanel, el clásico Pollice Verso de Jean-Leon Gerome (1872, Phoenix Art Museum); La imagen neo-rococó de Pierre-Auguste Cot Spring (1873, Metropolitan Museum of Art, NY; y William-Adolphe Bouguereau’s The Wave (1896, Metropolitan Museum of Art, NY).
Más tarde, salones alternativos más progresivos, como el Salon des Independants , fundada por Albert Dubois-Pillet, Odilon Redon, Georges Seurat y Paul Signac, y el Salon d’Automne , iniciado por Héctor Guimard, Frantz Jourdain, Georges Desvallieres, Eugene Carriere, Felix Vallotton y Edouard Vuillard, surgieron para proporcionar al público una gama completa de arte Moderno . En el período de 1884 a 1914, estos nuevos salones ayudaron a introducir nuevos estilos revolucionarios de pintura al público, incluidos el neoimpresionismo, el fauvismo y el cubismo, por nombrar solo tres. Solo entonces el público pudo ver pinturas abstractas y escultura abstracta .
Arte académico a fines del siglo XIX
En la década de 1880, había dos sistemas de arte operando en Francia, en paralelo: el sistema "oficial" de arte académico , que involucraba a la Academia de Bellas Artes, y su escuela, la Ecole des Beaux Arts (había renunciado al control del Salón en Francia). 1881); y un sistema alternativo de arte moderno , que involucra a escuelas privadas, más el Salon des Independants y otros lugares privados de exhibición.
El sistema oficial atendía a los círculos conservadores, por ejemplo, tanto la escultura como la arquitectura estaban dirigidas por fuertes creyentes en el arte académico, pero no tuvo una influencia real en otros lugares, sobre todo porque no logró alentar la innovación. Fue criticado por artistas realistas como Gustave Courbet por su promoción del idealismo, en lugar de prestar más atención a las preocupaciones sociales contemporáneas. Fue criticado por Pintores impresionistas por su acabado cosmético bien cuidado, mediante el cual los artistas se vieron obligados a alterar la pintura para cumplir con los estándares estilísticos académicos, idealizando las imágenes y agregando detalles perfectos. Y los practicantes tanto del realismo como del impresionismo se opusieron enérgicamente a la baja clasificación otorgada a los paisajes, las pinturas de género y los bodegones en la jerarquía académica de los géneros.
Mientras tanto, el sistema alternativo estaba floreciendo. Todo serio coleccionistas de arte , distribuidores y críticos de arte En París, se prestó mucha más atención a los nuevos desarrollos en el Salón de los Independientes que al antiguo estilo repetitivo de pintura académica en el Salón oficial. Las escuelas privadas prosperaron, incluidas las Academie Julian (comenzó en 1868), Charles Gleyre’s School (comenzó en 1843), Academie Colarossi (comenzó en 1870) y la Academia Lhote (comenzó en 1922). En Londres, la principal academia no oficial fue la Slade School of Fine Art (inaugurada en 1871), que compitió con los métodos de enseñanza irremediablemente áridos de la Royal Academy oficial. Había otras escuelas que enseñaban diseño artístico , como el famoso alemán Escuela de diseño Bauhaus (1919-32). Mientras tanto, Secesión, véase, por ejemplo, el Secesión de Munich (1892), el Secesión de Viena (1897) y el Secesión de Berlín movimiento (1898) – se extendía por toda Europa, creando organizaciones alternativas progresivas a las academias de estilo antiguo. En resumen, para el cambio de siglo, todo lo que era nuevo, innovador y emocionante estaba sucediendo "fuera" del sistema oficial.
Academias Europeas de Bellas Artes: orígenes e historia
La primera academia de arte moderno fue la Academia de arte en Florencia fundada en 1562 por el pintor, arquitecto e historiador del arte Giorgio Vasari (1511-74), bajo el Gran Duque Cosimo 1 de Medici.
La segunda academia de arte importante, la Academia de arte en Roma (llamado así por San Lucas, el santo patrón de los pintores), iniciado en Roma alrededor de 1583, fue patrocinado por el Papa y presidido por el pintor Federico Zuccaro (1542-1609). Debido a la oposición de los poderosos gremios de pintores locales, la difusión de las academias de arte en toda Italia fue lenta.
Crecimiento del sistema de academia
Fuera de Italia, la primera academia establecida (1583) fue en Haarlem en Holanda, bajo Karel Van Manda (1548-1606). En Francia, la primera fue la Academie Royale de Peinture et de Sculpture , fundada en París en 1648 gracias a los esfuerzos del pintor. Charles Lebrun (1619-1690), cuya influencia en la pintura y escultura francesa fue dominante durante el período 1663-83.
A pesar de su estrecha afinidad con las academias italianas, que fueron muy respetadas por los viajeros en el Grand Tour , la Real Academia Francesa fue mucho más activa. Abrió sucursales en ciudades provinciales, otorgó becas para estudiar en la Academia Francesa en Roma y se convirtió en el modelo para todas las otras academias reales e imperiales del norte de Europa.
A su debido tiempo, Joachim Von Sandrart (1606-1688), Polonia (1694), Berlín (1697), Viena (1705), St Petersberg (1724), Estocolmo (1735) establecieron escuelas de bellas artes en la Academia de Nuremberg (1674)., Copenhague (1738), Madrid (1752), Londres (1768).
Se establecieron academias menores durante el siglo XVIII en varios estados alemanes y en ciudades de Italia y Suiza. La primera Academia Americana de Bellas Artes oficial apareció en Filadelfia, en 1805. En Irlanda, hay dos academias de artes visuales: la Real Academia Hiberna (RHA), fundada en 1823, y el Royal Ulster Academy of Arts (RUA), establecida en 1930.
Arte académico en el siglo XX: en gran medida irrelevante
La reputación del arte de estilo académico cayó aún más durante las primeras tres décadas del siglo XX. Primero, como se mencionó anteriormente, estaba el Movimiento expresionista seguido por Cubismo , los cuales fueron vistos como totalmente anti-establecimiento. Luego, durante el período 1916-25, el Movimiento Dada atacó la idea misma del arte tradicional. Después de esto, con la excepción del surrealismo figurativo (1925-50) y American Scene Painting (1925-45), la abstracción dominó el arte hasta al menos los años 60. Por lo tanto, movimientos como Neoplasticismo (1918-31), Expresionismo abstracto (1947-65), y Arte abstracto (1955-70), por nombrar solo tres, defendió un conjunto de estética completamente diferente al del arte académico. Ninguno de estos estilos requería ningún tipo de formación académica, o artesanía tradicional, y la mayoría parecía contradecir algunas, si no todas, las reglas establecidas por los griegos, redescubiertas por el Renacimiento italiano y promovidas por las academias.
Después de 1960, el mundo del arte, cuyo centro ahora se ubicaba en Nueva York, no en París, se quedó sin habla aún más: las imágenes de consumo masivo de Arte pop en contraste con la austera severidad de Minimalismo . Para confundir aún más las cosas, completamente nuevo tipos de arte fueron inventados, como Arte conceptual y Arte de instalación . Nuevas formas de fotografía de bellas artes surgido, así como varios tipos de digital y arte de la computadora . A fines de la década de 1980 / principios de 1990, arte contemporáneo competiciones, como el Premio Turner rara vez, si es que alguna vez, fueron ganados por artistas tradicionales o académicamente entrenados. En otras palabras, al menos en la superficie, la academia de bellas artes se había vuelto, para el año 2000, casi irrelevante para la práctica principal del arte.
Arte académico en el siglo XXI: viejos valores v software informático
No obstante, mientras queda un abismo superficial entre el estilo de arte posmoderno y el estilo de la pintura académica, hay razones para pensar que las cosas pueden cambiar. Esto a pesar del hecho de que el arte no académico, como lo demuestran artistas como Francis Bacon (1909-92), Andy Warhol (1928-87) y Picasso (1881-1973) – es el tipo de arte más de moda en las salas de venta de casas de subastas como Christie’s y Sotheby’s.
Entonces, ¿por qué podría haber un resurgimiento del arte académico? Bueno, aclaremos una cosa: el arte que se enseña en las academias de hoy es muy diferente al que se enseñó hace 50 años, y mucho menos hace 100 años. Entonces, el arte académico en sí mismo ha experimentado una modernización significativa, tanto en contenido como en métodos de instrucción. Pero la razón principal por la que puede llegar a ser más importante es que hoy es el arte abstracto e hipermoderno el que domina: es esta cosa la que ahora es dominante. Entonces, tal vez los coleccionistas busquen algo nuevo, como un retorno a los viejos valores, al menos en pintura o escultura. Frente a esto, está el poder cada vez mayor de las computadoras, con su software de diseño y arte, y otras herramientas en línea, que eventualmente pueden hacer que todo el arte hecho a mano sea redundante, si no se extingue.
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