Historia del arte: orígenes, evolución de las artes visuales Traductor traducir
Contenido
Resumen cronológico de los principales movimientos, estilos, períodos y artistas que han contribuido a la evolución y el desarrollo del arte visual.
ARTE DE EDAD DE PIEDRA (c. 2, 500, 000 – 3, 000 BCE)
mesolítico – Neolítico
ARTE DE EDAD DE BRONCE (3, 000 – 1200 AEC)
egipcio – Sumerio – persa – Minoico – Metalistería de la Edad de Bronce
ARTE DE EDAD DE HIERRO (c.1500-350 CE)
Micénico – Arte griego antiguo – etrusco – Arte celta – Arte romano
ARTE MEDIEVAL (c. 350-1300 CE)
Arte bizantino – Arte cristiano temprano irlandés
Arte románico (carolingio, ottoniano) – gótico
EL RENACIMIENTO (c.1300-1620)
Proto-Renacimiento – Renacimiento temprano – Alto renacimiento
Renacimiento del norte – Manierismo
ARTE POSTERIOR AL RENACIMIENTO (c.1600-1850)
Barroco – Rococó – Neoclasicismo – Romanticismo – Realismo
ARTE MODERNO (c.1850-1970)
Impresionismo – Post impresionismo – Colorismo: fauvismo
Escultura del siglo XIX / principios del siglo XX – Expresionismo
Diseño: Art Nouveau / Bauhaus / Art Deco – Cubismo – Surrealismo
Arte americano de principios del siglo XX – Expresionismo abstracto
Arte pop – Escultura de mediados del siglo XX
ARTE CONTEMPORÁNEO (c.1970-presente)
Pintura posmoderna – Escultura posmoderna
Vanguardia – Arquitectura del siglo XX
Para una cronología específica de eventos, ver:
Historia de la línea de tiempo del arte .
Para una breve guía de estilos, vea Movimientos de arte, períodos, escuelas .
Arte prehistórico Proviene de tres épocas de la prehistoria: paleolítico, mesolítico y neolítico. los arte grabado más temprano es el Petroglifos de Bhimbetka (un conjunto de 10 cúpulas y un grabado o surco) encontrado en un refugio de roca de cuarcita conocido como la cueva Auditorium en Bhimbetka en el centro de India, que data de al menos 290, 000 aC. Sin embargo, puede llegar a ser mucho más antiguo (aproximadamente 700, 000 aC). Este primitivo arte rupestre fue seguido, a más tardar 250, 000 aC, por simples figuras (por ejemplo, Venus de Berekhat Ram [Altos del Golán] y Venus de Tan-Tan [Marruecos]), y desde 80, 000 aC por los grabados rupestres de Blombos, y la cúpulas en el refugio rocoso de Dordoña en La Ferrassie. La cultura y la creatividad prehistórica están estrechamente asociadas con el tamaño y la eficiencia del cerebro, lo que impacta directamente en las funciones "superiores", como el lenguaje, la expresión creativa y, en última instancia, la estética. Así, con el advenimiento de pintores y escultores "modernos" del homo sapiens (50, 000 aC en adelante) como Cro-Magnon Man y Grimaldi Man, vemos un gran estallido de magnífica escultura y pintura paleolítica tardía en Francia y la península ibérica. Esto comprende una gama de obesidad en miniatura estatuillas de venus (por ejemplo, las Venus de Willendorf , Kostenky , Monpazier , Dolni Vestonice , Moravany , Brassempouy , Gagarino , por nombrar solo algunas), así como tallas de marfil de mamut encontradas en las cuevas de Vogelherd y Hohle Fels en el Jura de Suabia. Sin embargo, el mayor arte de la prehistoria es el pintura rupestre en Chauvet, Lascaux y Altamira.
Estos murales fueron pintados en cuevas reservadas como una especie de galería de arte prehistórico, donde los artistas comenzaron a pintar animales y escenas de caza, así como una variedad de dibujos abstractos o simbólicos. En Francia, incluyen las imágenes monocromáticas de animales y dibujos abstractos de la Cueva Chauvet , el arte de la plantilla de la mano en la Cueva Cosquer y las imágenes policromadas de carbón y ocre en Pech-Merle y Lascaux . En España, incluyen imágenes policromadas de bisontes y ciervos en la cueva de Altamira en España. Fuera de Europa, los principales ejemplos de arte rupestre incluyen: obras de arte aborigen de Ubirr (de 30, 000 a. C.), pinturas de figuras de animales en carbón y ocre en la cueva del Apolo 11 (de 25, 500 a. C.) en Namibia, pinturas de Bradshaw (de 17, 000 a. C.) en el oeste Australia, y las imágenes de la plantilla de la mano en las Cuevas de las Manos (de 9500 a. C.) en Argentina, entre muchos otros.
Arte mesolítico (c.10, 000-4, 000 aC)
En un contexto de un nuevo clima, mejores condiciones de vida y los patrones de comportamiento consecuentes, el arte mesolítico da más espacio a las figuras humanas, muestra una observación más aguda y una mayor narrativa en sus pinturas. Además, debido al clima más cálido, se mueve de cuevas a sitios al aire libre en numerosos lugares de Europa, Asia, África, Australasia y América. Las obras de arte mesolíticas incluyen las pinturas rupestres de los bosquimanos en el área de Waterberg en Sudáfrica, las pinturas en los Refugios de rocas de Bhimbetka en India, y Arte aborigen australiano de Arnhem Land . También presenta más arte tridimensional, incluidos bajorrelieves y esculturas independientes. Ejemplos de esto último incluyen las figuras antropomórficas descubiertas en Nevali Cori y Göbekli Tepe cerca de Urfa, en el este de Asia Menor, y las estatuas de Lepenski Vir (por ejemplo, El Dios de los peces) en Serbia. Otros ejemplos de arte portátil mesolítico incluyen pulseras, piedras pintadas y dibujos decorativos en objetos funcionales, así como cerámica antigua de la cultura japonesa Jomon . Una de las mejores obras de Arte mesolítico es la escultura " Pensador de Cernavoda " de Rumania.
Arte neolítico (c. 4, 000-2, 000 a. C.)
La era neolítica más "asentada" y poblada vio un crecimiento en artesanías como la cerámica y el tejido . Esto se originó en la época mesolítica de aproximadamente 9, 000 a. C. en las aldeas del sur de Asia, después de lo cual floreció a lo largo de los valles de los ríos Amarillo y Yangtze en China (c. 7, 500 a. C.) – ver Arte neolítico en China – luego en la fértil media luna de los valles de los ríos Tigris y Éufrates en el Medio Oriente (c.7, 000) – la ’cuna de civilización ’- antes de extenderse a India (c.5, 000), Europa (c.4, 000), China (3, 500) y las Américas (c.2, 500). Aunque la mayoría del arte permaneció funcional por naturaleza, hubo un mayor enfoque en la ornamentación y la decoración. Por ejemplo, caligrafía – uno de los grandes ejemplos del arte chino – aparece por primera vez durante este período. Ver: Cronología del arte chino para detalles. El arte neolítico también presenta esculturas de pie, estatuillas de bronce (especialmente por la civilización del valle del Indo ), primitivo joyería y diseños decorativos en una variedad de artefactos. La forma más espectacular de tarde Arte neolítico era arquitectura : presentaba grandes estructuras de piedra conocidas como megalitos , que van desde las pirámides egipcias, hasta las tumbas de paso del norte de Europa, como Newgrange y Knowth en Irlanda, y los ensamblajes de grandes piedras verticales (menhires) como las de los Stonehenge Stone Circle y Avebury Circle en Inglaterra. (Para más información, consulte: arte megalítico .) Sin embargo, el medio principal del arte neolítico fue cerámica de cerámica , los mejores ejemplos de los cuales se produjeron alrededor de la región de Mesopotamia (ver Arte mesopotámico ) y el Mediterráneo oriental. Para más cronología, ver: Cronología de la cerámica . Hacia el final de esta era, los sistemas de escritura jeroglíficos aparecen en Sumer, anunciando el final de la prehistoria.
Para obtener más información sobre pintura, escultura, arquitectura y artesanía prehistórica durante este período, consulte: Arte de la edad de piedra .
Los ejemplos más famosos del arte de la Edad del Bronce aparecieron en la ’cuna de la civilización’ alrededor del Mediterráneo en el Cercano Oriente, durante el surgimiento de Mesopotamia (actual Irak), Grecia, Creta (civilización minoica) y Egipto. El surgimiento de las ciudades, el uso de idiomas escritos y el desarrollo de herramientas más sofisticadas condujeron a la creación de una gama mucho más amplia de obras de arte monumentales y portátiles.
Arte egipcio (desde 3100 a. C.)
Egipto, posiblemente la mayor civilización en la historia de arte antiguo , fue la primera cultura en adoptar un estilo de arte reconocible. Los pintores egipcios representaban la cabeza, las piernas y los pies de sus sujetos humanos de perfil, mientras retrataban el ojo, los hombros, los brazos y el torso desde el frente. Otras convenciones artísticas establecieron cómo deberían representarse dioses, faraones y personas comunes, regulando elementos como el tamaño, el color y la posición figurativa. Una serie de maravillosas pinturas de cera encáustica egipcia, conocidas como los retratos de Fayum, ofrecen una visión fascinante de la cultura helenística en el antiguo Egipto. Además, el estilo único de Arquitectura egipcia contó con una amplia gama de cámaras funerarias de piedra, llamadas pirámides. La experiencia egipcia en piedra tuvo un gran impacto en la arquitectura griega posterior. Famoso Pirámides egipcias incluyen: La pirámide escalonada de Djoser (c. 2630 a. C.) y La gran pirámide de Giza (c. 2550 a. C.), también llamada Pirámide de Keops o "Pirámide de Keops".
Arte sumerio (desde 3500 a. C.)
En Mesopotamia y la antigua Persia, los sumerios estaban desarrollando su propio edificio único, una forma alternativa de pirámide escalonada llamada zigurat . Estas no eran cámaras funerarias, sino montañas artificiales diseñadas para acercar a gobernantes y personas a sus dioses que, según la leyenda, vivían en las montañas del este. Los zigurats fueron construidos con ladrillos de arcilla, típicamente decorados con esmaltes de colores. Ver Arte sumerio (c.4500-2270 a. C.).
Arte persa (desde 3500 a. C.)
Para la mayor parte de la antigüedad, el arte de la antigua Persia estaba estrechamente entrelazado con el de sus vecinos, especialmente Mesopotamia (actual Irak), e influyó, y fue influenciado por, el arte griego. Las primeras obras persas de arte portátil presentan las intrincadas cerámicas de Susa y Persépolis (c. 3000 a. C.), pero los dos períodos importantes del arte persa fueron la Era aqueménida (c. 550-330 a. C.), ejemplificadas por los palacios monumentales en Persépolis y Susa, decorada con esculturas, relieves en piedra y el famoso "Friso de arqueros" (Louvre, París) creado con ladrillos esmaltados, y la era sasánida (226-650 CE), destaca por sus mosaicos de piedra altamente decorativos, oro y plata. platos, frescos y manuscritos iluminados , así como artesanías como alfombras y tejidos de seda . Pero, las mayores reliquias del arte sasánida son las esculturas de roca talladas en los acantilados de piedra caliza empinadas en Taq-i-Bustan, Shahpur, Naqsh-e Rostam y Naqsh-e Rajab.
Arte minoico (c.2100-1425 a. C.)
El primer hilo importante de Arte egeo , creado en Creta por los minoicos, se basó en la arquitectura de su palacio en Knossos, Phaestus, Akrotiri, Kato Zakros y Mallia, que se construyeron con una combinación de piedra, adobe y yeso, y se decoraron con coloridos murales y frescos. retratar símbolos mitológicos de animales (por ejemplo, el toro), así como una variedad de narraciones mitológicas. Arte minoico también presenta tallas en piedra (especialmente piedras de sello) y trabajos en metal precioso. El período protopalacional minoico (c. 1700 a. C.), que terminó en un gran terremoto, fue seguido por un período neopalatial aún más ornamentado (c. 1700-1425 a. C.), que fue testigo del punto culminante de la cultura antes de ser terminado por un segundo conjunto. de terremotos en 1425. Los artesanos minoicos también se destacan por su cerámica y pintura en florero , que presentaba una gran cantidad de motivos marinos y marítimos. Este enfoque en la naturaleza y los eventos, en lugar de gobernantes y deidades, también es evidente en los murales y esculturas del palacio minoico.
Metalistería de la Edad de Bronce
El nombre del metal que lo hizo próspero, el período de la Edad del Bronce fue testigo de una gran cantidad de maravillosos metalistería Hecho de muchos materiales diferentes. Esta forma de metalurgia está ejemplificada por dos obras maestras extraordinarias: El "Ram in the Thicket" (c.2500 aC, Museo Británico, Londres), una pequeña escultura iraquí hecha de pan de oro, cobre, lapislázuli y piedra caliza roja; y El "Toro de oro de Maikop" (hacia 2500 a. C., Hermitage, San Petersburgo), una escultura de oro en miniatura del Maikop Culpture, norte del Cáucaso, Rusia. Ver también: Arte asirio (c.1500-612 a. C.) y Arte hitita (C.1600-1180 AEC). El período también vio la aparición de piezas de bronce chinas (desde 1750 a. C.), en forma de placas de bronce y esculturas a menudo decoradas con jade, de la cuenca del río Amarillo de la provincia de Henan, China central.
Para las civilizaciones de la Edad de Bronce en las Américas, ver: Arte precolombino , que cubre el arte y la artesanía de las culturas mesoamericana y sudamericana.
Para obtener más información sobre la historia de la pintura, la escultura, la arquitectura y la artesanía durante este período, consulte: Arte de la Edad de Bronce .
Historia del arte de la Edad del Hierro y la antigüedad clásica (c.1500-200 a. C.)
Arte de la antigüedad clásica Fue testigo de un gran crecimiento durante este período, especialmente en Grecia y en todo el Mediterráneo oriental. Coincidió con el surgimiento de la cultura helénica (influencia griega).
Arte micénico (c.1500-1100 a. C.)
Aunque Micenas era una ciudad griega independiente en el Peloponeso griego, el término cultura "micénica" a veces se usa para describir el arte griego primitivo en su conjunto durante la Edad de Bronce tardía. Inicialmente muy bajo la influencia de la cultura minoica, Arte micénico gradualmente logró su propio equilibrio entre el vivo naturalismo de Creta y el lenguaje artístico más formal de la parte continental, como se ejemplifica en sus numerosos frescos al temple, escultura, cerámica, piedras preciosas talladas, joyas, vidrio, adornos y metales preciosos. Además, en contraste con la cultura de "comercio marítimo" minoica, los micénicos eran guerreros, por lo que su arte fue diseñado principalmente para glorificar a sus gobernantes seculares. Incluía varias tumbas tholos llenas de orfebrería, armas ornamentales y joyas preciosas.
Arte griego antiguo (c.1100-100 a. C.)
Antiguo Arte griego se divide tradicionalmente en los siguientes períodos: (1) la Edad Media (c.1100-900 a. C.). (2) El Período Geométrico (c.900-700 AEC). (3) El período de estilo oriental (c.700-625 aC). (4) El período arcaico (c.625-500 aC). (5) El período clásico (c.500-323 a. C.). (6) El período helenístico (c.323-100 aC). Desafortunadamente, casi todos Pintura griega y una gran proporción de Escultura griega se ha perdido, dejándonos con una colección de ruinas o copias romanas. Arquitectura griega También es conocido en gran parte por sus ruinas. A pesar de este pequeño legado, los artistas griegos siguen siendo muy venerados, lo que demuestra cuán verdaderamente avanzados estaban.
Como todos los artesanos del área mediterránea, los antiguos griegos tomaron prestadas varias técnicas artísticas importantes de sus vecinos y socios comerciales. Aun así, por la muerte del emperador macedonio Alejandro Magno en 323 a. C., el arte griego fue considerado en general como el mejor que se haya hecho. Incluso los romanos, a pesar de sus increíbles habilidades militares y de ingeniería, nunca superaron su sentido de inferioridad frente a la artesanía griega, y (afortunadamente para nosotros) copiaron asiduamente obras de arte griegas. Diecisiete siglos después, la arquitectura griega, los relieves escultóricos, las estatuas y la cerámica se redescubrirían durante el Renacimiento italiano y se convertirían en la piedra angular del arte occidental durante más de 400 años.
Edad Oscura
Después de la caída de la civilización micénica (siglo XII a. C.), Grecia entró en un período de decadencia, conocida como la Edad Media, porque sabemos muy poco al respecto. La escultura, la pintura y la arquitectura monumental casi cesaron.
Periodo Geométrico
Luego, alrededor de 900 a. C., estas artes (creadas principalmente para familias aristocráticas que habían alcanzado el poder durante la Edad Media) reaparecieron durante el período geométrico, llamado así por los diseños decorativos de su cerámica.
Período Oriental
El siguiente período de orientalización se caracterizó por la influencia del diseño del Cercano Oriente, en particular los patrones curvilíneos, zoomorfos y florales.
Periodo Arcaico
El período arcaico fue una época de experimentación gradual; La forma escultórica más preciada era el kouros (pl.kouroi), o hombre desnudo de pie. Esto fue seguido por el período clásico, que representa el apogeo del arte griego.
Período clásico
La arquitectura griega floreció, basada en un sistema de "órdenes clásicas" (dóricas, jónicas y corintias) o reglas para el diseño de edificios, basadas en proporciones de y entre las partes individuales. los Partenón en la Acrópolis El complejo en Atenas es el ejemplo supremo de la arquitectura clásica griega: otros ejemplos famosos incluyen: el Templo de Zeus en Olimpia, el Templo de Hephaistos, el Templo de Atenea Nike, el Teatro de Delfos y el Templo Tholos de Atenea Pronaia. En las artes plásticas, grandes escultores griegos clásicos como Polykleitos , Myron y Phidias demostraron un dominio del realismo que permanecería sin igual hasta el Renacimiento italiano. Pero la pintura siguió siendo la forma de arte más respetada, en particular las pinturas de paneles ejecutadas en temple o pintura encáustica, con pintores griegos de renombre como Zeuxis , Apelles y Parrhasius añadieron nuevas técnicas de resaltado, sombreado y coloración.
helenismo
El comienzo de la fase helenística final coincidió con la muerte de Alejandro y la incorporación del Imperio persa al mundo griego. En cuanto al estilo, el realismo clásico fue reemplazado por una mayor solemnidad y heroicismo (ejemplificado por la estatua masiva "El coloso de Rodas", del mismo tamaño que la Estatua de la Libertad), así como por un creciente expresionismo. El período se caracteriza por la difusión de la cultura griega (helenización) en todo el mundo civilizado, incluidas las técnicas de escultura y arte mosaico . Famosas esculturas helenísticas incluyen: el célebre " Venus de Milo ", " Dying Gaul "de Epigonus; el Altar de Pérgamo de Zeus (c.166-156 a. C.); "Victoria alada de Samotracia"; y " Laocoon y sus hijos "por Hagesandrus, Polydorus y Athenodorus.
Cerámica griega
Cerámica griega desarrollado mucho antes que otras formas de arte: en 3000 a. C., el Peloponeso ya era el principal centro de alfarería. Más tarde, después de la toma del territorio griego por las tribus indoeuropeas alrededor del año 2100 a. C., se introdujo una nueva forma de cerámica, conocida como Minyan Ware. Fue el primer tipo griego que se hizo en un torno de alfarero. A pesar de esto, fue la cerámica minoica en Creta, con su nuevo estilo oscuro sobre luz, la que predominó durante el segundo milenio antes de Cristo. A partir de entonces, sin embargo, los alfareros griegos recuperaron la iniciativa, presentando una serie de innovaciones deslumbrantes que incluyen: cerámica de estilo geométrico bellamente proporcionada (900-725), así como oriental (725-600), figura negra (600-480) y rojo. Figura (530-480) estilos. Los ceramistas griegos famosos incluyen Exekias, Kleitias, Ergotimos, Nearchos, Lydos, el pintor Amasis, Andokides, Euthymides y Sophilos (todos Black-Figure), además de Douris, Brygos y Onesimos (Red-Figure).
Arte etrusco (c.700-90 aC)
En Etruria, Italia, la cultura más antigua de Villanova dio paso a la civilización etrusca alrededor del año 700 a. C. Esto alcanzó su punto máximo durante el siglo VI a. C. cuando sus ciudades-estado tomaron el control del centro de Italia. Al igual que los egipcios, pero a diferencia de los griegos, los etruscos creían en una vida futura, por lo que la tumba o el arte funerario era un rasgo característico de la cultura etrusca. Los artistas etruscos también fueron reconocidos por su escultura figurativa , en piedra, terracota y bronce. Por encima de todo, el arte etrusco es famoso por su "joi de vivre", ejemplificado por su animado fresco. pintura mural , especialmente en las villas de los ricos. Además, la habilidad de los orfebres etruscos era muy apreciada en toda Italia y más allá. La cultura etrusca, fuertemente influenciada por los estilos griegos, tuvo un marcado impacto en otras culturas, especialmente en los estilos de arte celta de Hallstatt y La Tene. La cultura etrusca disminuyó a partir del 396 a. C. en adelante, ya que sus ciudades estado fueron absorbidas por el Imperio Romano.
Para obtener más información sobre la historia de la pintura, la escultura, la arquitectura y la artesanía de Etruria, consulte: Arte etrusco .
Arte celta (c.600-100 aC)
Desde aproximadamente el 600 a. C., las tribus paganas migratorias de las estepas rusas, conocidas como celtas, se establecieron a horcajadas en el Alto Danubio en Europa central. Cultura celta , basado en habilidades comerciales excepcionales y un dominio temprano del hierro, facilitó su expansión gradual en toda Europa y condujo a dos estilos de Arte celta cuyos artefactos nos son conocidos a través de varios sitios arqueológicos clave en Suiza y Austria. Los dos estilos son Hallstatt (600-450) y La Tene (450-100). Ambos fueron ejemplificados por la hermosa carpintería metálica y el complejo diseño lineal. Aunque a principios del primer milenio de nuestra era, la mayoría de los artistas celtas paganos habían sido totalmente absorbidos por el Imperio Romano, sus tradiciones de diseños espirales, zoomórficos, de nudos y entrelazados resurgieron y florecieron (600-1100 CE) en muchas formas de arte hiberno-sajón (ver a continuación), como manuscritos del Evangelio iluminados, trabajos en metal religiosos y esculturas de alta cruz. Ejemplos famosos de arte celta de metalistería incluyen el caldero Gundestrup, la corona Petrie y el torc de oro Broighter.
Arte romano (c.200 BCE-400 CE)
Arquitectura
A diferencia de sus vecinos intelectuales griegos, los romanos eran principalmente personas prácticas con una afinidad natural por la ingeniería, los asuntos militares y la construcción del Imperio. Arquitectura romana fue diseñado para asombrar, entretener y atender a una población en crecimiento tanto en Italia como en todo su Imperio. Así, los logros arquitectónicos romanos se ejemplifican con nuevos sistemas de drenaje, acueductos, puentes, baños públicos, instalaciones deportivas y anfiteatros (por ejemplo, el Coliseo 72-80 CE), caracterizados por importantes avances en materiales (por ejemplo, la invención del concreto) y en el construcción de arcos y cúpulas de techo. Este último no solo permitió el techado de edificios más grandes, sino que también le dio al exterior mucha más grandeza y majestad. Todo esto revolucionó el campo de la arquitectura dominada por los griegos, al menos en forma y tamaño, si no en creatividad, y brindó una oportunidad infinita de embellecimiento en forma de relieves, estatuas, murales frescos y mosaicos. Los ejemplos más famosos de arquitectura romana incluyen: el coliseo masivo, el arco de Tito y la columna de Trajano.
Pintura, escultura
Si la arquitectura romana era excepcionalmente grandiosa, sus pinturas y esculturas continuaron imitando el estilo griego, excepto que su propósito principal era la glorificación del poder y la majestad de Roma. El arte romano temprano (c.200-27 a. C.) fue detallado, no idealizado y realista, mientras que los estilos imperiales posteriores (c.27 a. C. – 200 d. C.) fueron más heroicos. La pintura mediocre floreció en forma de murales al fresco de diseño de interiores, mientras que la pintura de paneles de mayor calidad se realizó en temple o en pigmentos encáusticos. Escultura romana también, variada en calidad: así como decenas de miles de calidad promedio bustos de retratos de los emperadores y otros dignatarios, los escultores romanos también produjeron algunas maravillosas esculturas en relieve históricas, como la escultura en espiral de bajo relieve en Columna de Trajano , celebrando la victoria del emperador en la guerra de Dacia.
Para obtener más información sobre la historia de la pintura, la escultura, la arquitectura y la artesanía de la antigua Roma, consulte: Arte romano .
Arte temprano de todo el mundo
Aunque la historia del arte se considera comúnmente relacionada principalmente con las civilizaciones derivadas de las culturas europeas y chinas, una gran cantidad de artes y oficios aparecieron desde los primeros tiempos en la periferia del mundo conocido. Para obtener más información sobre la historia y los artefactos de estas culturas, consulte: Arte oceánico (del Pacífico Sur y Australasia), Arte africano (de todas partes del continente) y Arte tribal (de África, las islas del Pacífico, Indonesia, Birmania, Australasia, América del Norte y Alaska).
Constantinopla, cristianismo y arte bizantino
Con la muerte en el año 395 d. C., del emperador Teodosio, el imperio romano se dividió en dos mitades: una mitad occidental con sede inicialmente en Roma , hasta que fue saqueada en el siglo V d. C., y luego Rávena ; y una mitad oriental ubicada en la ciudad más segura de Constantinopla . Al mismo tiempo, el cristianismo se convirtió en la religión oficial exclusiva del imperio. Estos dos desarrollos políticos tuvieron un gran impacto en la historia del arte occidental. Primero, la reubicación en Constantinopla ayudó a prolongar la civilización y cultura grecorromana; segundo, el crecimiento del cristianismo llevó a una categoría completamente nueva de Arte cristiano que proporcionó a arquitectos, pintores, escultores y otros artesanos lo que se convirtió en el tema dominante en las artes visuales durante los siguientes 1.200 años. Así como formas prototipo de arte cristiano primitivo , en gran parte de las catacumbas, también condujo directamente a la aparición del arte bizantino. Ver también: Arte cristiano, período bizantino .
Arte de Bizancio (Constantinopla) (330-1450 CE)
Arte bizantino fue casi por completo arte religioso , y centrado en su arquitectura cristiana. Las obras maestras incluyen la impresionante Hagia Sophia (532-37) en Estambul; la Iglesia de Santa Sofía en Sofía, Bulgaria (527-65); y la Iglesia de Hagia Sophia en Salónica. El arte bizantino también influyó en el Mosaicos de Rávena en las basílicas de Sant’Apollinare Nuovo, San Vitale y Sant ’Apollinare in Classe. Ejemplos seculares incluyen: el Gran Palacio de Constantinopla y la Cisterna Basílica. Además de las nuevas técnicas arquitectónicas, como el uso de pechinas para distribuir el peso de la cúpula del techo, permitiendo interiores más grandes, se introdujeron nuevos métodos decorativos como mosaicos hechos de vidrio, en lugar de piedra. Pero la marca del cristianismo ortodoxo oriental (a diferencia de su contraparte en Roma), no permitía obras de arte en 3D como estatuas o relieves, creyendo que glorificaban el aspecto humano de la carne en lugar de la naturaleza divina del espíritu. Así, el arte bizantino (p. Ej., Pintura, trabajos en mosaico) desarrolló un estilo particular de imágenes significativas (iconografía) diseñado para presentar una teología compleja de una manera muy simple. Por ejemplo, los colores se usaron para expresar diferentes ideas: el oro representaba el Cielo; azul, el color de la vida humana, etc.
Después de 600 d. C., la arquitectura bizantina progresó a través de varios períodos, como el período medio (c.600-1100) y los períodos de Comenia y Paleólogo (c.1100-1450), gradualmente influenciados por las tradiciones orientales de construcción y decoración. En Europa occidental, la arquitectura bizantina fue reemplazada por los estilos románico y gótico, mientras que en el Cercano Oriente continuó teniendo una influencia significativa en la arquitectura islámica temprana, como lo ilustra la Gran Mezquita Omeya de Damasco y la Cúpula de la Roca en Jerusalén.
Pintura bizantina
En ausencia de esculturas, los artistas bizantinos se especializaron en pintura en 2-D, convirtiéndose en maestros de la pintura de paneles , incluidas miniaturas , especialmente iconos , e iluminación de manuscritos . Sus obras tuvieron una gran influencia en los artistas de toda Europa occidental y central, así como en los países islámicos de Oriente Medio.
Arte cristiano irlandés (c.600-1100 CE)
Ubicada en la periferia remota de Europa occidental, Irlanda permaneció libre de interferencias de Roma o de los bárbaros que la siguieron. Como resultado, el arte celta irlandés no fue desplazado por modismos griegos o romanos, ni enterrado en la Edad Media pagana. Además, la Iglesia pudo establecer una red relativamente segura de monasterios irlandeses, que rápidamente se convirtieron en importantes centros de aprendizaje y erudición religiosa, y se extendió gradualmente a las islas frente a Gran Bretaña y partes del norte de Inglaterra. Esta red monástica pronto se convirtió en un importante mecenas de las artes, atrayendo a numerosos escribas y pintores a sus scriptoriums para crear una serie de ornamentos cada vez más ornamentados. manuscritos del evangelio iluminados : los ejemplos incluyen: el Cathach de Colmcille (c.560), el Libro de Dimma (c.625), los Evangelios de Durham (c.650), el Libro de Durrow (c.670) y el Libro supremo de Kells (también llamado el Libro de Columba), considerado el apogeo de la caligrafía occidental. Estas iluminaciones evangélicas emplearon una variedad de letras históricas, rombos, cruces, adornos de trompetas, imágenes de pájaros y animales, ocupando ocasionalmente páginas enteras (páginas de alfombras) de patrones geométricos o entrelazados. El éxito creativo de estos manuscritos decorados fue mejorado en gran medida por la disponibilidad de diseños celtas de joyería y trabajo en metal, producidos para la élite secular irlandesa, y por el aumento de los contactos culturales con los artesanos anglosajones en Inglaterra.
Otra de las primeras formas de arte cristiano desarrolladas en Irlanda fue el trabajo en metal religioso, ejemplificado por obras maestras como el Broche de Tara, el Cáliz de Ardagh, el Cáliz de Derrynaflan y el Santuario del Cinturón de Moylough, así como cruces procesionales como la Cruz de Tully Lough del siglo VIII / IX. la gran Cruz del Cong del siglo XII, encargada por Turlough O’Connor. Finalmente, desde finales del siglo VIII, la Iglesia comenzó a encargar varias cruces religiosas grandes decoradas con escenas de la Biblia y entrelazados abstractos, nudos y otros patrones de estilo celta. Los ejemplos incluyen la Cruz de Muiredach en Monasterboice, County Louth y la Cruz de Ahenny High en Tipperary. Estas altas cruces de las Escrituras florecieron entre 900 y 1100, aunque la construcción continuó hasta el siglo XV.
Desafortunadamente, con el advenimiento de los vikingos (c.800-1000), la contribución irlandesa única a la civilización occidental en general y al cristianismo en particular, comenzó a desvanecerse, a pesar de alguna contribución de Arte vikingo . A partir de entonces, la cultura romana, impulsada por la Iglesia de Roma, comenzó a reafirmarse en toda Europa.
Una palabra sobre arte asiático
En contraste con el cristianismo que permite la representación figurativa de los profetas, los santos y la sagrada familia, el Islam prohíbe todas las formas de iconografía humana. Así arte islámico se centró en cambio en el desarrollo de patrones geométricos complejos, textos iluminados y caligrafía .
En el este de Asia, las artes visuales de la India y el Tíbet incorporaron el uso de figuras muy coloridas (debido a su amplia gama de pigmentos) y contornos fuertes. Pintar en India era extremadamente diversa, al igual que los materiales (los textiles eran más duraderos a menudo reemplazaban al papel) y el tamaño (las miniaturas indias eran una especialidad). Arte chino especializado en escultura ceremonial de bronce, pintura caligráfica y pincel y talla de jade , así como laca y Cerámica china . En Japón, el arte de los templos budistas, la pintura de tinta zen, los grabados en madera de Yamato-e y Ukiyo-e fueron cuatro de los principales tipos de arte japonés .
Arte románico (carolingio, ottoniano) (c.775-1050)
En el continente, el renacimiento de arte cristiano medieval comenzó con Carlomagno I , rey de los francos, coronado emperador del Sacro Imperio Romano, por el papa León III en 800. Los scriptoriums de la corte de Carlomagno en Aquisgrán produjeron una serie de magníficos textos cristianos iluminados, tales como: el Evangelista de Godscalc, los Evangelios de Lorsch y el Evangelios de San Medardo de Soissons. Irónicamente, su principal obra arquitectónica, la Capilla Palatina en Aquisgrán (c.800), no fue influenciada por San Pedro u otras iglesias en Roma, sino por la Basílica de San Vitale de estilo bizantino en Rávena. El imperio carolingio se disolvió rápidamente pero Arte carolingio marcó un primer paso importante en la difusión de Arte medieval y la revitalización de la cultura continental. Además, muchas de las iglesias románicas y góticas se construyeron sobre los cimientos de la arquitectura carolingia. Los primeros logros arquitectónicos románicos de Carlomagno fueron continuados por los santos emperadores romanos Otto I-III, en un estilo conocido como Arte Ottoniano , que se transformó en el "románico" de pleno derecho. (En Inglaterra e Irlanda, el estilo románico generalmente se llama arquitectura normanda).
La Iglesia invierte en arte para transmitir su mensaje
La propagación de Arte románico en el siglo XI coincidió con la reafirmación del cristianismo romano, y la influencia de este último en las autoridades seculares llevó a la reconquista cristiana de España (c.1031), así como a la Cruzada para liberar a Tierra Santa del control del Islam. El éxito de los cruzados y su adquisición de reliquias sagradas desencadenó una ola de nuevas catedrales en toda Europa. Además de su influencia sobre la política internacional, Roma ejerció un poder creciente a través de su red de obispos y sus vínculos con órdenes monásticas como los benedictinos, los cistercienses, los cartujos y los cánones agustinos. A partir de estos monasterios, sus funcionarios ejercieron un poder administrativo creciente sobre la población local, en particular el poder de recaudar ingresos fiscales que dedicó a obras religiosas, en particular la construcción de catedrales (que abarcan esculturas y trabajos en metal, así como la arquitectura), manuscritos del evangelio iluminados , y erudición cultural, un proceso ejemplificado por el poderoso monasterio benedictino de Cluny en Borgoña.
Arquitectura románica (c.1000-1200)
Aunque basado en la antigüedad griega y romana, Arquitectura románica No mostró ni la creatividad de los griegos, ni la habilidad de ingeniería de los romanos. Emplearon gruesos muros, arcos redondos, pilares, columnas, bóvedas de ingle, ventanas estrechas, grandes torres y arcadas decorativas. La carga básica del edificio no era transportada por sus arcos o columnas, sino por sus enormes paredes. Y sus techos, bóvedas y contrafuertes eran relativamente primitivos en comparación con los estilos posteriores. Por encima de todo, los interiores eran oscuros y relativamente encerrados con pesados muros de piedra. Aun así, la arquitectura románica reintrodujo dos formas importantes de bellas artes: la escultura (que había estado en suspenso desde la caída de Roma) y las vidrieras , aunque en menor escala.
Arte gótico (c.1150-1400)
En gran parte financiado por órdenes monásticas y obispos locales, arquitectura gótica explotó una serie de avances técnicos en arcos apuntados y otros factores de diseño, para asombrar, inspirar y educar a las masas. Así, salieron las paredes masivamente gruesas, las ventanas pequeñas y los interiores oscuros, entraron techos altos ("llegando al cielo"), paredes delgadas y vidrieras. Esto transformó el interior de muchas catedrales en santuarios inspiradores, donde las congregaciones analfabetas podían ver la historia de la Biblia ilustrada en la hermosa arte de vidrieras de sus enormes ventanales. De hecho, los arquitectos vieron que la catedral gótica representaba el universo en miniatura. Casi todas las características fueron diseñadas para transmitir un mensaje teológico: a saber, la impresionante gloria de Dios y la naturaleza ordenada de su universo. Religioso Arte gótico -es decir, arquitectura, escultura en relieve y estatuas- se ejemplifica mejor con las catedrales del norte de Francia, especialmente Notre Dame de Paris; Reims y Chartres , así como la Catedral de Colonia, la Catedral de San Esteban de Viena y, en Inglaterra, la Abadía de Westminster y la Catedral de York .
Fuertemente influenciado por Gótico internacional , el renacimiento europeo de las bellas artes entre aproximadamente 1300 y 1600, conocido popularmente como "el Renacimiento", fue un fenómeno único y (en muchos aspectos) inexplicable, sobre todo debido a (1) la peste de la Peste Negra (1346), que borró un tercio de la población europea; (2) la Guerra de los 100 años entre Inglaterra y Francia (1339-1439) y (3) la Reforma (c.1520), ninguna de las cuales condujo al desarrollo de las artes visuales. Afortunadamente, ciertos factores en el corazón renacentista de Florencia y Roma, en particular la energía y la enorme riqueza de los florentinos Familia Medici y las ambiciones papales del papa Sixto IV (1471-84), el papa Julio II (1503-13), el papa León X (1513-21) y el papa Pablo III (1534-45) lograron superar todos los obstáculos naturales, incluso si la Iglesia estuvo casi en bancarrota en el proceso.
Arte renacentista fue fundado en clasicismo – Una apreciación de las artes de la antigüedad clásica, una creencia en la nobleza del hombre, así como los avances artísticos tanto en la perspectiva lineal como en el realismo. Evolucionó en tres ciudades italianas principales: primero Florencia , luego Roma , y por último Venecia . La cronología del renacimiento generalmente se enumera de la siguiente manera:
Arquitectura renacentista empleó preceptos derivados de la antigua Grecia y Roma, pero mantuvo muchas características modernas de la invención bizantina y gótica, como cúpulas y torres. Arquitectos importantes incluyen: Donato Bramante (1444-1514), el máximo exponente de la arquitectura de alto renacimiento; Baldassare Peruzzi (1481-1536), un importante arquitecto y diseñador de interiores; Michele Sanmicheli (1484-1559), el principal alumno de Bramante; Jacopo Sansovino (1486-1570), el arquitecto veneciano más famoso; Giulio Romano (1499-1546), el practicante principal del diseño de edificios de estilo renacentista tardío italiano; Andrea Palladio (1508-1580), un teórico influyente; y, por supuesto, el propio Miguel Ángel, que ayudó a diseñar la cúpula para Basílica de San Pedro en Roma .
Entre los escultores más importantes del Renacimiento del Norte se encontraban: el escultor alemán de tilo Tilman Riemenschneider (1460-1531), conocido por sus relieves y escultura de madera independiente; y el tallador de madera Veit Stoss (1450-1533) destaca por sus delicados retablos.
Para más, ver: Arte renacentista holandés (1430-1580); Arte renacentista alemán (1430-1580) y pintura flamenca .
Arte barroco (c.1600-1700)
Fue durante este período que la Contrarreforma católica se puso en marcha en un intento de atraer a las masas lejos del protestantismo. El patrocinio renovado de las artes visuales y la arquitectura fue una característica clave de esta campaña de propaganda, y condujo a un estilo más grandioso y teatral en ambas áreas. Este nuevo estilo, conocido como Arte barroco fue efectivamente el punto culminante del manierismo dramático.
La arquitectura barroca aprovechó al máximo el potencial teatral del paisaje urbano, ejemplificado por la Plaza de San Pedro (1656-67) en Roma, frente a la cúpula de la Basílica de San Pedro. Su arquitecto, Gianlorenzo Bernini (1598-1680) empleó una serie cada vez mayor de columnatas en el acercamiento a la catedral, transmitiendo la impresión a los visitantes de que están siendo abrazados por los brazos de la Iglesia Católica. Todo el enfoque está construido a una escala gigantesca, para inducir sentimientos de asombro.
En pintura, el máximo exponente de Arte de la Contrarreforma católica was Peter Paul Rubens (1577-1640) – "the Prince of painters and the painter of Princes". Other leading Catholic artists included Diego Velazquez (1599-1660), Francisco Zurbaran (1598-1664) and Nicolas Poussin (1594-1665).
In Protestant Northern Europe, the Baroque era was marked by the flowering of Pintura de género realista holandés , a style uniquely suited to the new bourgeois patrons of small-scale interiors, genre-paintings, portraits, landscapes and still lifes. Several schools of Pintura holandesa del siglo XVII sprang up including those of Haarlem, Delft, Utrecht, and Leiden. Leading members included the two immortals Rembrandt (1606-1669) and Jan Vermeer (1632-1675), as well as Frans Snyders (1579-1657), Frans Hals (1581-1666), Adriaen Brouwer (1605-38), Jan Davidsz de Heem (1606-84), Adriaen van Ostade (1610-85), David Teniers the Younger (1610-90), Gerard Terborch (1617-81), Jan Steen (1626-79), Pieter de Hooch (1629-83), and the landscape painters Aelbert Cuyp (1620-91), Jacob van Ruisdael (1628-82) and Meyndert Hobbema (1638-1709), among others.
Rococo Art (c.1700-1789)
This new style of decorative art, known as Rococó , impacted most on interior-design , although architecture, painting and sculpture were also affected. Essentially a reaction against the seriousness of the Baroque, Rococo was a light-hearted, almost whimsical style which grew up in the French court at the Palacio de Versalles before spreading across Europe. Rococo designers employed the full gamut of plasterwork, murals, tapestries, furniture, mirrors, porcelain, silks and other embellishments to give the householder a complete aesthetic experience. In painting, the Rococo style was championed by the French artists Watteau (1684-1721), Fragonard (1732-1806), and Boucher (1703-70). But the greatest works were produced by the Venetian Giambattista Tiepolo (1696-1770) whose fantastic wall and ceiling fresco paintings took Rococo to new heights. See in particular the renaissance of Arte decorativo francés (1640-1792), created by French Designers especially in the form of French Furniture , at Versailles and other Royal Chateaux, in the style of Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) and Louis Seize (XVI). As it was, Rococo symbolized the decadent indolence and degeneracy of the French aristocracy. Because of this, it was swept away by the French Revolution which ushered in the new sterner Neoclassicism, more in keeping with the Age of Enlightenment and Reason.
Neoclassical Art (Flourished c.1790-1830)
In architecture, Neoclassicism derived from the more restrained "classical" forms of Baroque practised in England by Sir Christopher Wren (1632-1723), who designed St Paul’s Cathedral . Yet another return to the Classical Orders of Greco-Roman Antiquity, the style was characterized by monumental structures, supported by columns of pillars, and topped with classical Renaissance domes. Employing innovations like layered cupolas, it lent added grandeur to palaces, churches, and other public structures. Famous Neoclassical buildings include: the Pantheon (Paris) designed by Jacques Germain Soufflot (1756-97), the Arc de Triomphe (Paris) designed by Jean Chalgrin, the Brandenburg Gate (Berlin) designed by Carl Gotthard Langhans (1732-1808), and the United States Capitol Building , designed by English-born Benjamin Henry Latrobe (1764-1820), and later by Stephen Hallet and Charles Bulfinch. See also the era of Arte colonial americano (c.1670-1800).
Neoclassicist painters also looked to Classical Antiquity for inspiration, and emphasized the virtues of heroicism, duty and gravitas. Leading exponents included the French political artist Jacques-Louis David (1748-1825), the German portrait and history painter Anton Raphael Mengs (1728-79), and the French master of the Arte académico style, Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867). Neoclassical sculptors included: Antonio Canova (1757-1822),
Bertel Thorvaldsen (1770-1844), and Jean-Antoine Houdon (1741-1828).
For more about the history of painting, sculpture and architecture during this period, see: Arte neoclásico .
Romanticism Movement (Flourished c.1790-1830)
In contrast to the universal values espoused by Neo-Classicism, Romantic artists expressed a more personal response to life, relying more on their senses and emotions rather than reason and intellect. This idealism, like Neoclassism, was encouraged by the French Revolution, thus some artists were affected by both styles. Nature was an important subject for Romantics, and the style is exemplified, by the English School of Landscape Painting , the plein air painting of John Constable (1776-1837), Corot (1796-1875) along with members of the French Barbizon School and the American Hudson River School of landscape painting , as well as the more expressionistic JMW Turner (1775-1851). Arguably, however, the greatest Romantic landscape painter is arguably Caspar David Friedrich (1774-1840). Narrative or history painting was another important genre in Romanticism: leading exponents include: Francisco Goya (1746-1828) Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) and Eugene Delacroix (1798-63), as well as later exponents of Pintura orientalista , and moody Pre-Raphaelites and Symbolists.
For more information about the history of Romantic painting and sculpture, see: Romanticism in art .
Realism (c.1845 onwards)
As the 19th century progessed, growing awareness of the rights of man plus the social impact of the Industrial Revolution caused some artists to move away from idealistic or romantic subjects in favour of more mundane subjects, depicted in a more true-life, style of naturalismo . This new focus (to some extent anticipated by William Hogarth in the 18th century, see Pintura figurativa inglesa ) was exemplified by the Realismo style which emerged in France during the 1840s, before spreading across Europe. This new style attracted painters from all the genres – notably Gustave Courbet (1819-77) (genre-painting), Jean Francois Millet (1814-75) (landscape, rural life), Honore Daumier (1808-79) (urban life) and Ilya Repin (1844-1930) (landscape and portraits).
Impressionism (c.1870-80)
French Impressionism , championed above all by Claude Monet (1840-1926), was a spontaneous colour-sensitive style of pleinairism whose origins derived from Jean-Baptiste Camille Corot and the techniques of the Barbizon school – whose quest was to depict the momentary effects of natural light. It encompassed rural landscapes [ Alfred Sisley (1839-1899)], cityscapes [ Camille Pissarro (1830-1903)], genre scenes [ Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Paul Cezanne (1839-1906), and Berthe Morisot (1841-95)] and both figurative paintings and portraits [ Edouard Manet (1832-83), John Singer Sargent (1856-1925)]. Other artists associated with Impressionism include, James McNeil Whistler (1834-1903) and Walter Sickert (1860-1942).
Impressionists sought to faithfully reproduce fleeting moments outdoors. Thus if an object appeared dark purple – due perhaps to failing or reflected light – then the artist painted it purple. Naturalist "Academic-Style" colour schemes, being devised in theory or at least in the studio, did not allow for this. As a result Impressionism offered a whole new pictorial language – one that paved the way for more revolutionary art movements like Cubism – and is often regarded by historians and critics as the first modern school of painting .
In any event, the style had a massive impact on Parisian and world art, and was the gateway to a series of colour-related movements, including Post-Impressionism, Neo-Impressionism, Pointillism, Divisionism, Fauvism, Intimism, the American Luminismo or Tonalism, as well as Impresionismo americano , the Newlyn School and Grupo Camden Town , the French Les Nabis and the general Expressionist movement.
Post Impressionism (c.1885 onwards)
Essentially an umbrella term encompassing a number of developments and reactions to Impressionism, Post impresionismo involved artists who employed Impressionist-type colour schemes, but were dissatisfied with the limitations imposed by merely reproducing nature. Neoimpresionismo with its technique of Puntillismo was pioneered by Georges Seurat and Paul Signac (1863-1935), while major Post-Impressionists include Paul Gauguin , Vincent Van Gogh and Paul Cezanne . Inspired by Gauguin’s synthetism and Bernard’s cloisonnism , the Post-Impressionist group Les Nabis promoted a wider form of decorative art; another style, known as Intimisme , concerned itself with genre scenes of domestic, intimate interiors. Exemplified by the work of Pierre Bonnard (1867-1947) and Edouard Vuillard (1868-1940), it parallels other tranquil interiors such as those by James McNeil Whistler, and the Dutch Realist-influenced Peter Vilhelm Ilsted (1861-1933). Another very important movement – anti-impressionist rather than post-impressionist – was Simbolismo (flourished 1885-1900), which went on to influence Fauvism, Expressionism and Surrealism. Note also that many post-Impressionist artists adopted the forms and aesthetics of classicism, as a response to the passive naturalism of Impressionist art. This led to a widespread Renacimiento clásico en el arte moderno , known as the ’return to order’, between 1900 and 1930.
For more about art politics in France, see: the Salon de Paris .
Colourism: Fauvism (1900 onwards)
The term "Fauves" (wild beasts) was first used by the art critic Louis Vauxcelles at the 1905 Salon d’Automne exhibition in Paris when describing the vividly coloured paintings of Henri Matisse (1869-1954), Andre Derain (1880-1954), and Maurice de Vlaminck (1876-1958). Other Fauvists included the later Cubist Georges Braque (1882-1963), Raoul Dufy (1877-1953), Albert Marquet (1875-1947) and Georges Rouault (1871-1958). Most followers of Fauvismo moved on to Expressionism or other movements associated with the Ecole de Paris .
19th Century/Early 20th Century Sculpture
Sculptural traditions, although never independent from those of painting, are concerned primarily with space and volume, while issues of scale and function also act as distinguishing factors. Thus on the whole, sculpture was slower to reflect the new trends of modern art during the 19th century, leaving sculptors like Auguste Rodin (1840-1917) free to pursue a monumentalism derived essentially from Neoclassicism if not Renaissance ideology. The public dimension of sculpture also lent itself to the celebration of Victorian values and historical figures, which were likewise executed in the grand manner of earlier times. Thus it wasn’t until the emergence of artists like Constantin Brancusi (1876-1957) and Umberto Boccioni (1882-1916) that sculpture really began to change, at the turn of the century.
Expressionist Art (c.1900 onwards)
Expresionismo is a general style of painting that aims to express a personal interpretation of a scene or object, rather than depict its true-life features, it is often characterized by energetic brushwork, impastoed paint, intense colours and bold lines. Early Expressionists included, Vincent Van Gogh (1853-90), Edvard Munch (1863-1944) and Wassily Kandinsky (1866-1944). Un numero de Expresionista alemán schools sprang up during the first three decades of the 20th century. These included: Die Brucke (1905-11), a group based in Dresden in 1905, which mixed elements of traditional German art with Post-Impressionist and Fauvist styles, exemplified in works by Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erik Heckel, and Emil Nolde; Der Blaue Reiter (1911-14), a loose association of artists based in Munich, including Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, and Paul Klee; Die Neue Sachlichkeit (1920s) a post-war satirical-realist group whose members included Otto Dix, George Grosz, Christian Schad and to a lesser extent Max Beckmann. Expressionism duly spread worldwide, spawning numerous derivations in both figurative painting (eg. Francis Bacon) and abstract art (eg. Mark Rothko). Ver también: Historia de la pintura expresionista (c.1880-1930).
Decorative Arts: Art Nouveau (1890-1910) and Art Deco (1920s-30s)
Art Nouveau (Late 19th Century – Early 20th Century)
Art Nouveau (promoted as Jugendstil by the Secesión de Munich (1892) and Secesión de Berlín (1898), as Sezessionstil in the Secesión de Viena (18
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