Rembrandt: retratista holandés, pintor de historia bíblica Traductor traducir
Rembrandt van Rijn (1606-1669)
Supremo retratista
Considerado por los críticos de arte como uno de los más grandes de Europa. Viejos maestros y el más importante de todos Artistas realistas holandeses , Rembrandt Harmenszoon van Rijn fue el retratista supremo y un maravilloso exponente de Realismo holandés como influenciado por las cepas más amplias de Pintura barroca . En particular, es especialmente famoso por su Arte bíblico , así como su grabado (notablemente grabado). Sus pinturas ejemplifican la manera oscura de Arte barroco holandés – un estilo inspirado en Caravaggio, y se caracterizan típicamente por pinceladas exuberantes, colores intensos y un dominio de claroscuro (tratamiento de luz y sombra).
Su retrato, especialmente su autorretratos – Refleja una capacidad única para penetrar en el carácter humano, y su trabajo en general constituye un registro vívido de la vida contemporánea en Amsterdam. Menos superficialmente dramático que su contemporáneo Rubens , Las pinturas de Rembrandt reflejan las emociones contenidas y el espíritu devoto de la Holanda calvinista y el nuevo Arte de la reforma protestante . Él era un maestro de todos los géneros de pintura, incluida la pintura de paisajes, historia y género, así como el retrato.
Métodos de pintura
Las pinturas de Rembrandt se caracterizan por pinceladas amplias y gruesas, el uso de capas de esmaltes para dar a las escenas mayor profundidad y gravedad y, en particular, su tratamiento magistral de la luz y la sombra ( claroscuro ). Fue fuertemente influenciado por el pintor italiano. Caravaggio (1573-1610) y el Caravagismo movimiento, pero Rembrandt fue más allá al representar el estado de ánimo y los sentimientos mentales internos de sus figuras a través de una acentuación de las características físicas y la expresión facial, como se ilustra en su amplia gama de retratos y autorretratos.
Rembrandt mantuvo un estudio de enseñanza de arte durante muchos años, instruyendo a casi todos los pintores holandeses importantes de la época. Sus alumnos de arte incluyeron a Bol, Flinck, Eekhout, Koninck y Aert de Gelder, aunque su influencia se extiende a toda la historia del arte moderno. Entre muchos otros artistas famosos, el gran pintor de género estadounidense Edward Hopper fue un admirador particular del holandés.
La singularidad y la reputación artística de Rembrandt se basan en su profunda humanidad. La percepción de su retrato sigue siendo inigualable y su dominio sin igual del claroscuro (tratamiento de la luz y la sombra) fue reconocido por todos los críticos de arte, incluso cuando consideraron que su tema era inapropiado.
Mejores pinturas
Los expertos en arte de principios del siglo XX evaluaron la producción de Rembrandt en más de 600 pinturas, casi 400 grabados y 2, 000 dibujos. Sin embargo, una investigación reciente realizada por el Proyecto de Investigación Rembrandt ha reducido esto a más de 300 pinturas, 300 grabados (grabados) y algo menos de 2, 000 dibujos. Incluye pintura paisajística y bíblica Arte cristiano , además de algunos ejemplos de pintura de paisajes, así como su retrato más famoso.
Aquí hay una pequeña selección de sus mejores pinturas, obras más importantes.
Un artista en su estudio (c.1629) Museo de Bellas Artes, Boston, MA.
Samson traicionado por Dalila (c.1630) Gemaldegalerie, Berlín.
The Merchant Nicolaes Ruts (1631) The Frick Collection, Nueva York.
La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632) Mauritshuis, La Haya.
Retrato de una mujer joven con el abanico (1632) Nationalmuseum Stockholm.
El constructor naval Jan Rijcksen y su esposa Griet Jans (1633) Royal Collection.
La fiesta de Belsasar (c.1635) National Gallery, Londres, Reino Unido.
El sacrificio de Isaac (1635) Ermita, San Petersburgo.
El cegamiento de Sansón (1636) Stadelsches Kunstinstitut Frankfurt am Main.
Danae (1636) Hermitage, San Petersburgo, Rusia.
Predicador menonita Cornelis Claesz Ansloo y su esposa (1641) Berlín.
Retrato de Agatha Bas (1641) Royal Collection, Reino Unido.
Viejo rabino (1642) Szepmuveseti Muzeum, Budapest.
La guardia nocturna (1642) Rijksmuseum, Amsterdam.
Susanna Sorprendida por los ancianos (1647) Gemaldegalerie, Berlín.
La cena en Emaús (1648) Louvre, París.
Retrato de Hendrickje Stoffels (c. 1650) Louvre, París.
Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653) Museo Metropolitano, NY.
Betsabé con la carta del rey David (1654) Louvre, París.
Retrato de Jan Six (1654) The Six Collection, Amsterdam.
Una mujer bañándose en un arroyo (1655) National Gallery, Londres.
Jacob bendiciendo a los hijos de José (1656) Kassel.
Señora con un abanico de plumas de avestruz (1660) National Gallery, Washington DC.
La conspiración de Claudio / Julius Civilis (1661) Nationalmuseum, Estocolmo.
Los síndicos del gremio de fabricantes de ropa (Staalmeesters) (1662) Rijksmuseum.
La novia judía (c.1665-8) Rijksmuseum, Amsterdam.
Lucrecia (1666) Instituto de Artes de Minneapolis, Minneapolis, MN.
El regreso del hijo pródigo (1669) Museo del Hermitage, San Petersburgo.
Considerado desde el punto de vista de la técnica, Rembrandt es simplemente el adaptador y perfeccionador de la llamada "forma oscura" de pintura que Caravaggio y sus discípulos habían extendido ampliamente por Europa occidental. Considerado más íntimamente, Rembrandt es el exponente de una simpatía y glamour romántico propio, de una poesía personal que trasciende por completo a la Escuela Holandesa . Así, Rembrandt es el primer gran pintor de la historia que habitualmente reacciona contra su entorno, prefiriendo vivir en un orgulloso aislamiento, el primer genio rebelde en la pintura, el primer pintor del género moderno.
Llegó a esta posición de disidencia gradualmente, después de quince años de conformidad.
Aunque ahora está firmemente establecido como la mayor figura en Pintura holandesa del siglo XVII , La carrera de Rembrandt fue problemática por fuera y por dentro. Sus adversidades materiales las compartió con muchos artistas contemporáneos; su inadaptación moral fue de su propia creación. Se elevó por encima a través de muchos pasos dolorosos. La suya parece una doble personalidad. En un aspecto, él es simplemente el más fiel de los retratistas holandeses y el más literal de los pintores narrativos holandeses. En el otro aspecto, es un buscador de extrañeza y misterio, un temperamento incorregiblemente romántico igualmente capaz de las sublimidades y puerilidades románticas. Puede descender a una mascarada barata; él puede elevarse a alturas de visión imaginativa. Esta dualidad atraviesa los casi cuarenta años de su actividad.
Junto a sus creaciones más visionarias, pinta los retratos más sinceros y objetivos. Puede ser muy bueno en cualquier estado de ánimo, genial en Lady with the Fan ; en el retrato de Saskia , en Cassel; en el retrato de Jan Six ; aún más y más él mismo en el Buen Samaritano y la Cena en Emaús . Fracasa, relativamente, cuando no puede armonizar los dos objetivos, como en la Lección de anatomía , que, con gran realidad, no tiene glamour, o la Guardia nocturna , que, con un glamour extraordinario, carece de realidad. Él es más grande cuando invierte la realidad palpable con glamour, como en el Autorretrato en la Colección Frick, y el grupo inmortal de los Sindicatos del Gremio de la Tela .
Primeros años
Rembrandt Harmensz van Ryn nació en Leyden el 15 de julio del año probablemente 1606. Su padre era un molinero, bastante próspero y ambicioso para la familia, ya que envió al niño a la escuela latina en preparación para la ley. Este plan cedió a la evidente vocación del joven Rembrandt por pintura de bellas artes . Estudió tres años con Jakob van Swanenburch , un pintor italiano de talento modesto pero agradable en un paisaje idílico, un imitador inteligente de los norteños italianos en Roma como Adam Elsheimer y Paul Bril, y lo que quizás fue más importante para el entrenamiento de Rembrandt, un consumado grabador. Más tarde, el joven Rembrandt trabajó seis meses con un maestro más vigoroso pero aún italiano, el Caravaggian Pieter Lastman , en Amsterdam. Para 1626, cuando Rembrandt tenía unos veinte años, comenzamos a obtener pequeñas imágenes firmadas de un tipo enérgicamente feo que muestran al joven maestro luchando seriamente con el problema de la representación. Este esfuerzo se completó con éxito en unos seis años, en 1632. Es el período de la autoeducación técnica de Rembrandt.
Desea construir de la nueva y moderna "manera oscura" que se abrió paso desde Caravaggio, recientemente muerto, a través de su emulador, Gerard Honthorst , hasta el sur de Holanda. La "manera oscura" requería una renuncia a los viejos esquemas decorativos de colores a favor de una construcción sólida en luz y oscuridad, predominio oscuro, y también implicaba una afirmación del interés de la gente común y sus formas en contra de lo aristocrático y algo dignidad convencional del estilo renacentista. Young Rembrandt quiere en forma, el máximo énfasis de la construcción; en expresión, máximo énfasis de la emoción, y con estos ideales durante tres o cuatro años pintó los primeros cuadros más repelentes que jamás haya perpetrado un gran pintor. Una mirada a ellos es suficiente ya menudo demasiado: Tobias y su esposa , 1626; Balaam y el ángel , 1626; Jesús expulsando a los cambistas , 1626; el pesador de oro, 1627; excepto por firmas imposibles de desafiar, sería muy difícil ver en un trabajo tan forzado y laborioso los comienzos del creador de la Guardia Nocturna , la Cena de Emaús y los Sindicatos del Gremio de la Tela .
Hay una duda entre la línea y el borde: ambos son duros, nerviosos y feos, tal vez porque no son lo suficientemente duros. Existe una preocupación en todas partes con los efectos sensacionales de la iluminación, como la luz de las velas en el Gold Weigher , pero estos efectos no se realizan como apariencias naturales o como factores en el diseño imaginativo. Hay una vacilación técnica. Al joven Rembrandt le gustan las sombras amplias, sin problemas, más bien opacas de los tenebristas, pero también las quiere transparentes, y carga la sombra para causar corsiones que complican y perturban la simplicidad del método.
Pronto, las pequeñas narrativas mejoran, pierden algo de sensacionalismo en el manejo y la expresión, alcanzan una justa armonía de tono. Una imagen como la pequeña Andrómeda , tan hogareña y tan pintorescamente concebida, ya es magistral. La pequeña Betsabé ; la cena teatralmente efectiva en Emaús ; El Simeón escenificado románticamente en el Templo , con su intención, grupo destacado, su vago orientalismo y sus altos espacios donde se interpenetran misteriosamente la luz y la oscuridad, todo esto muestra un gran talento de un tipo dramático que descarta rápidamente defectos melodramáticos más crudos, refinando constantemente en su métodos de presentación, claramente llegando a su propio.
Pero la marca de la garra del joven león aparece más claramente en los numerosos retratos pequeños de estos años juveniles. Tenemos alrededor de un centenar de ellos, principalmente de él o de su padre, madre y hermana. Posiblemente el más temprano, y seguramente el más instructivo de estos, es el pequeño autorretrato familiar de Cassel. Muestra una máscara bastante tosca y sensual; En los labios inconscientemente abiertos y en los ojos profundos casi borrados por la sombra, hay un indicio del descontento y la volatilidad del visionario. El método, con una distribución bastante uniforme de luz y oscuridad fuertemente contrastantes, es prácticamente el de Caravaggio. Pero creo que el cabello rizado y despeinado, tan bien sugerido en masa con unos pocos trazos individuales, difícilmente podría haber sido pintado de esa manera sin ver primero algo por Tintoretto . Uno tiene la sensación de un personaje formidable y hosco que todavía vive en una confusión de los objetivos de la carne y el espíritu. De hecho, fue una confusión que Rembrandt superó muy lentamente. Por el autorretrato de 1629, en La Haya, Rembrandt parece haberse encontrado a sí mismo. Se enfrenta al mundo con confianza, ya es plenamente consciente de su propio dominio. El manejo es más urbano; el gorget de acero no solicitado es un poco de disfraces que Rembrandt usará y que a menudo abusará en retratos de sí mismo y de otros.
El progreso de Rembrandt hacia tal dominio fue rápido, pero también interrumpido. Hay mucha desigualdad en estas cabecitas tan apasionadas. Muchos no tienen nada valioso sobre ellos, excepto el monograma RHL, que dice que Rembrandt, el hijo de Harmen de Leyden, los pintó. Un excelente hito de su progreso en estos días de estudiante es el retrato de 1629, de sí mismo con un sombrero emplumado, en el Museo Isabella Stewart Gardner, Boston. A la vieja energía le agrega urbanidad y distinción. Todavía carece de la riqueza de la tonalidad que pronto ordenará, pero ya muestra al gran maestro.
En 1632, a fines de sus veinte años, Rembrandt había llevado retratos realistas hasta donde su técnica inicial lo permitía. Tomemos, por ejemplo, el busto ovalado de su hermana. Tiene casi todo lo que se necesita para hacer un gran retrato: una fuerte representación de la forma con medios muy delicados, una comprensión verdadera y comprensiva de un carácter fino y robusto, una composición admirable en el patrón y en la profundidad atmosférica. Y esta chica holandesa competente y noble parece a punto de decir algo sensato y amigable. Darse cuenta de la vasta superioridad de este retrato sobre los otros siete u ocho de la misma joven es aprender una lección de gusto. Excepto por una cierta calidez y encanto de tonalidad, no le falta nada del Rembrandt perfeccionado.
Período maduro de Rembrandt: Amsterdam (1632-41)
Podemos considerar 1632 como el año de la graduación de Rembrandt de sus actividades estudiantiles. Un año antes había dejado Leyden para buscar fortunas más amplias en la capital comercial, Amsterdam. Además de su pintura, había hecho muchos grabados. Como clase, estas primeras placas ásperas no son impresionantes, pero los retratos grabados como los de su madre, con fecha de 1628 y 1631, anuncian su inminente dominio. Para marcar su graduación era necesario un diploma, y este lo proporcionó en la Lección de anatomía del Dr. Tulp , La Haya, 1632.
Es probablemente la imagen más sobrevalorada del mundo, ya que aunque abunda en observación precisa y manejo tenaz, carece de unidad y dignidad.
En color es bastante neutro y crudo. La excesiva insistencia en el efecto plástico de las cabezas perjudica cualquier patrón que exista y hace que la superficie sea grumosa de manera desagradable. El grupo está incluso ubicado de manera ambigua: ¿a qué distancia se supone que está del plano de la imagen? La disposición de las cabezas con demasiadas posturas paralelas es monótona, y el alivio que se intenta hacer que tres hombres miren fuera de la imagen es desmotivado y artificial. El Dr. Tulp mismo es singularmente insignificante. El cadáver está flojo y sin la fina rigidez de la muerte. Hay que imaginarlo pintado de un modelo vivo. Solo hay que comparar este grupo con la primera Doelen de St. George de Frans Hals, dieciséis años antes, para darse cuenta de su inferioridad en la cuestión esencial de la buena composición.
Por supuesto, una sobreestimación que dura siglos debe tener sus razones. El mérito sólido de la imagen, una creación estupenda, después de todo, para un pintor de solo veinticinco años, radica en la consideración profesional y la concentración de las cabezas. Tomados individualmente, son magníficamente característicos. Cualquier próspero Amsterdamer que vio esta imagen querría con razón que Rembrandt pintara los retratos de su familia. Y esto es lo que realmente sucedió. Durante nueve años, hasta 1641, y la Guardia Nocturna , Rembrandt prosperó poderosamente como retratista profesional, perfeccionó su "manera oscura", haciendo que la oscuridad sea aún más penetrable, dando al tono armonizado la riqueza y el valor de color .
Esta fase de su progreso puede captarse más fácilmente de una imagen demasiado familiar para necesitar reproducción, el Pequeño Erudito cerca de una escalera sinuosa , 1632. Aunque gran parte de la superficie es muy oscura, no hay áreas muertas. La construcción es clara, incluso donde casi se pierde. Todo está pintado con la mayor ternura, sin pérdida de fuerza, énfasis o carácter. Finalmente, la pequeña figura del pensador domina extrañamente una gran escena que en un aspecto es simplemente su estudio; en otro, parece una especie de emanación de su estado de ánimo contemplativo. Pintado completamente en marrones, no hay sensación de monocromo. Se acepta tanto color rico y variado.
Su ganancia en el refinamiento como retratista puede medirse por los dos retratos dobles: el Capitán de barco y su esposa , 1633, y el predicador menonita Cornelis Claesz Ansloo y su esposa , 1641. Ambas parejas están atrapadas hábilmente en relaciones momentáneas, casi obvias, pero relaciones que son significativas. La esposa del capitán desaparecerá en el momento en que se entregue la carta. Su mano no ha dejado la manija de la puerta; no hay más interrupción del diseño del barco de lo que es absolutamente necesario. La esposa del predicador escucha con atención y respeto lo que parece ser un sermón bien iniciado. Es su parte de esposa, y ella la ha aceptado voluntariamente. Ambos interiores se sugieren admirablemente, la imagen posterior con una modulación más sutil y rica de luces y sombras, y con un sentido de espacialidad más vibrante.
El matrimonio de Rembrandt con Saskia van Uylenborch
El 10 de junio de 1634, Rembrandt se casó con una chica simpática y amable, y por cierto con una heredera, Saskia van Uylenborch . Su felicidad se publicita casi demasiado enfáticamente en la famosa imagen, en Dresde, con Rembrandt levantando una copa de vino, mientras acaricia a Saskia sobre sus rodillas, 1635. Es una obra maestra exultante, y pintada mágicamente.
Es habitual fechar una fase dramática y sensacional del arte de Rembrandt desde su matrimonio, como una exaltación del amor físico, y eso es posible. En cualquier caso, junto con el retrato objetivo, encontramos un nuevo interés en temas sensacionales. Es la época de la violación de Proserpina y Sansón amenazando a su suegro ; el cegamiento de Sansón ; los Danae ; cuadros grandes, a menudo tumultuosamente demasiado enfáticos. Grabados de carácter similar son Cristo expulsando a los cambistas , la lapidación de San Esteban , la muerte de la Virgen , el ángel partiendo de la familia de Tobías , el levantamiento de Lázaro , el descenso de la cruz , las dos cacerías de leones .
Ahora es una hipótesis agradable que Rembrandt encontró en los brazos de Saskia la inspiración para la expresión de una energía principalmente física; pero, después de todo, le habían gustado estos temas al final de su adolescencia, y es más razonable, aunque también más prosaico, imaginar que volvió a esos temas cuando su propio patrocinio y la dote de Saskia parecían justificar su pintura para complacerlo.
En el retrato profesional de este segundo período, naturalmente, existe cierta desigualdad. El hábito de imponer accesorios fantásticos e inapropiados (armaduras, sombreros falsos orientales) es casi desagradable a veces. Corresponde al lado más barato de su fantasía. Pero también revela al gran técnico que ama multiplicar las dificultades. Y, en general, el retrato de su madurez temprana es admirable por su rectitud inquebrantable. Abundan los retratos inolvidables: el óvalo de sí mismo con la cabeza descubierta, 1633; la media longitud infinitamente justa y delicada de Saskia de perfil; o la perfección tranquila y sin pretensiones del Herman Doomer, "The Gilder"; o la quietud aristocrática de la longitud media de la Dama con abanico , 1641. Estos retratos de su primo primitivo, una vez vistos, nunca se olvidan. Más tarde iba a pintar retratos más profundos con una investidura más profunda de simpatía y misterio, pero simplemente como pintor apenas podía superar estos mejores retratos de su joven virilidad. Solo las mejores obras de Frans Hals y Diego Velázquez de los mismos años se pueden comparar con seguridad con estos retratos bastante tempranos de Rembrandt. Los Halses parecerán un poco sobreajustados y quebradizos; los Velazquezes, aunque son tan discretos como la pintura, pueden parecer menos significativos para el hombre
Una vez más, la indirecta de la personalidad múltiple en Rembrandt parece justificada por la considerable desigualdad incluso de su retrato: su tendencia a consentirse en la mascarada pueril, y aún más por el hecho de que contemporáneamente con su magnífico retrato objetivo pinta cuadros escandalosamente sensacionalistas o melodramáticos baratos, y Al mismo tiempo, comienza a pintar temas bíblicos con una seriedad y penetración únicas, con nuevas interpretaciones totalmente propias. El mejor trabajo de este tipo cae en su último período, pero la tendencia se estableció firmemente en estos seis o siete años de felicidad probablemente extravagante, y ciertamente de vida extravagante.
Rembrandt estuvo de acuerdo con Caravaggio, el inventor de la "manera oscura", que la gente de la Biblia no tenía dignidad clásica, sino gente pobre como las de Roma y Amsterdam. En esto, ambos se enfrentaron con la tradición de helenizar el decoro transmitida por los maestros italianos. La reacción de Rembrandt fue tanto más notable que, a diferencia de Caravaggio, que despreciaba las nobles convenciones, él mismo apreciaba estas cualidades, estudiaba constantemente imágenes italianas, incluso las coleccionaba. Como buen protestante y creyente en la verdad literal de las Escrituras, Rembrandt fue más allá de la fórmula generalizadora de Caravaggio, que la gente de la Biblia era gente humilde, e insistió específicamente en que eran judíos, tales como los judíos que pululaban en los barrios pobres de Ámsterdam. Pasaron diez años hasta que se dio cuenta en su Art º El valor total de su propio punto de vista.
La serie Pasión , Múnich, que realizó en la década de 1630 para Frederik Hendrik de Orange, utiliza los nuevos ideales solo superficialmente y revela gran parte del sensacionalismo de lo que debemos llamar los años tumultuosos de Rembrandt. Incluso la técnica es retrospectiva, como si Rembrandt tuviera que aprender de nuevo en temas bíblicos la lección que ya había dominado en el retrato.
Quizás la obra maestra de pintura más lograda en el segundo período es la llamada Danae , 1636. En la delicada vivacidad con la que está representada la mujer desnuda, Rembrandt rivaliza con éxito con todos los grandes claroscuristas: Correggio , cuya pintura conocía bien; Velázquez, que aún no había pintado su Venus. En medio de accesorios de muebles pesados e insípidos en sí mismos, pero, como iluminada, parte de un país de las hadas, la chica desnuda y ardiente está lista para saludar al amante cuya cara aparece más allá de la cortina. Los reflejos del cálido marfil de su cuerpo y de las sábanas blancas parecen irradiar la escena fantástica, brillando aquí y allá en madera tallada, bordes de cortinas de terciopelo y un cupido inherentemente absurdo, pero pictóricamente valioso que se cierne sobre su cabeza. De todos los Rembrandts bastante tempranos, este es probablemente el que más valoraría un pintor. Simplemente concebido como una glorificación legítima de la pasión física, es un verdadero tesoro de la pintura fina. Trae a una armonía singular la rectitud, sensacionalismo y exotismo de los años prósperos de Rembrandt.
Mientras tanto, vivía en una extravagancia imprudente. La hermosa casa en la calle Bree se estaba convirtiendo en un museo. Imágenes raras y objetos de arte, con el optimismo incorregible del coleccionista, lo consideraba una inversión segura de la pequeña fortuna de Saskia y del dinero que provenía tan fácilmente de la pintura de retratos y la enseñanza. Junto con lo que puede parecer un mal juicio simplemente perdonable, parece haber ido un poco de relajación del carácter. Tuvo decenas de alumnos y vendió su trabajo de manera rentable, sin duda como la suya. Este hecho puede explicar las más de trescientas imágenes inferiores en las listas estándar de unos setecientos Rembrandts.
En cuanto a la forma de trabajar de Rembrandt, como Frans Hals, constantemente hacía pequeños bocetos de cabezas al óleo, muchos para practicar, aparentemente, porque muy pocos corresponden a retratos terminados. Más estudios sumarios de figuras, composiciones de figuras y paisajes, se desvanecían constantemente con las herramientas más gruesas: grandes pinceles, la pluma de caña, un palo de madera blanda, sus dedos. Una línea gruesa sirve como contorno y sombra de modelado, siendo una abstracción para ambos. Estas dibujos tienen el poder más extraordinario para dar forma y crear espacio.
También hay dibujos de figuras rico en connotaciones emocionales, como el estudio de Saskia enferma en la cama, o su viuda tratando de alimentar al bebé Titus con una cuchara. El método, mediante el cual un solo proceso, una línea gruesa modulada, transmite a la vez el patrón en el plano y la existencia en profundidad y masa de un diseño, es similar al de los grandes chinos y japoneses. pintores de pluma y tinta . En Hokusai lo encontrarás a la perfección. Por lo tanto, no es de extrañar que los aficionados del Lejano Oriente, que generalmente son reacios a lo que consideran el literalismo del dibujo occidental, acepten y admiren los dibujos, grabados y pintura de figura de Rembrandt.
Toda la extravagancia y el exceso romántico de Rembrandt en sus treinta y pocos años se encarna en su más famosa, aunque lejos de ser su mejor, la Night Watch , 1642. Era un retrato del Capitán Banning Cocq, con unos quince oficiales de su empresa militar La fórmula para este tipo de grupo se estableció sólidamente. Todos los guerreros patriotas debían ser representados de la manera más reconocible y cada uno recibiría una prominencia en el grupo que corresponde aproximadamente a su contribución y su rango. Lo que llevaba cada oficial era casi tan importante como la expresión de su rostro varonil. Pero Rembrandt rechazó el sólido principio de que la tarea era una de retrato directo, sustituyendo en su lugar un misterio y glamour completamente irrazonable en las circunstancias. Al hacerlo, no solo ofreció una afrenta inconsciente al gusto y la economía de sus clientes, sino que también repudió lo que era más querido para el gusto nacional. (¿Qué importa si, a través de una autoexpresión aparentemente deliberada, creó una gran obra maestra? Escucho una protesta individualista amante del arte). ¿Pero Rembrandt creó una gran obra maestra, o algo que, hecho con esa intención, no alcanzó su objetivo?
Es fácil ver por qué los oficiales del Capitán Cocq sintieron que no tenían el valor de su dinero. Del personal de unos quince años, solo cuatro o cinco eran fácilmente reconocibles. El foco pictórico no era el capitán, sino el ayudante, de color amarillo plateado. Había rasgos extraños, como la enana blanca que se desliza con una polla en la mano entre las piernas de los soldados. El lugar y la hora del día de la asamblea eran completamente ambiguos. Finalmente, una compañía bien entrenada fue representada como una confusión inútil. No es de extrañar que los oficiales se pelearan por el precio y aprovecharan el asunto al menos tener sus nombres inscritos en una tableta. Es justo decir que sus expectativas se han visto seriamente socavadas.
Lo que es mucho más interesante y menos fácil de adivinar es la actitud de Rembrandt al respecto. Probablemente, la gran escala de la imagen, más de doce por veinte pies, lo atrajo a tratar de extender la colorida "manera oscura" que había trabajado con éxito en la pequeña escala de la narrativa y el retrato. Esta decisión fue hacer que el gran lienzo no fuera un retrato de una compañía militar, sino un campo de batalla de luz y oscuridad, donde los oficiales y el aparato militar sirvieran simplemente como absorbentes o reflectores de la luz. Esto fue para hacer fantasmal una escena completamente familiar. Para justificar el procedimiento, eligió el momento de aparente desorden antes de que un grupo militar se formara. Esto puede haber hecho las cosas bien consigo mismo, pero no con sus patrocinadores. De hecho, el relativo éxito con el que Rembrandt llevó a cabo un esfuerzo esencialmente irrazonable, ya que la imagen tiene un glamour fascinante, no debería cegarnos al hecho de que su método fue y es aplicable solo en una escala bastante pequeña. Una gran imagen narrativa o histórica quiere más claridad, más convencionalidad, y los pintores exitosos de tales imágenes, los Tintorettos, Veroneses, Halses, Rubenses y Velazquezes, se han mantenido modestamente dentro de esta convención. Y aquí es significativo que, salvo por la Guardia Nocturna , el puñado de grandes lienzos históricos de Rembrandt son tan insignificantes que los críticos rara vez los mencionan. Todos fallan por la misma razón, que un método luminístico adecuado para imágenes pequeñas e íntimas se vuelve vacío y sin sentido cuando se aplica a imágenes grandes de importancia pública. Se puede agregar que en esta gran escala, el ojo exige razonablemente más riqueza y variedad de color que el método de Rembrandt.
Entonces, aunque la Guardia Nocturna , simplemente por pasajes aislados de pintura mágicamente ligera e imaginativa, es un campo fascinante para la observación, en general es una obra maestra que salió mal.
Es habitual fechar la trágica caída de la fortuna de Rembrandt a partir de la controversia sobre la Guardia Nocturna y su impopularidad general. Desde este punto de vista, probablemente exista una exageración dramática. Probablemente hagamos todo más repentino de lo que realmente fue. Pero la verdad general es que después de las comisiones de retratos de Night Watch Rembrandt se reducen significativamente. Pinta a sus amigos, los judíos sombríos que atraen su curiosidad y simpatía, escenas bíblicas de la más profunda comprensión hecha, probablemente no por paga, sino por su propio ojo. Y simplemente por cuestión de cronología, cuando Saskia murió en junio de 1642, pocas semanas después de la finalización de la Guardia Nocturna , la felicidad personal de Rembrandt se derrumbó con su fortuna profesional. Rembrandt se quedó en la casa grande y desordenada con un hijo enfermo, Titus , de nueve meses de edad, sobreviviente de cuatro niños que, en el transcurso de tantos años, habían muerto naturalmente en la primera infancia.
Los críticos suelen escribir sobre un período en el arte de Rembrandt limitado por la muerte de Saskia en 1642 y su bancarrota en 1656. Desde este período de años vio la síntesis de su esfuerzo fantástico y realista, la realización de sus mejores impresiones y prácticamente el final de esta actividad., la división parece justificada. Pero debe notarse que no existe una diferencia marcada en los ideales entre un tercer período de este tipo y el trabajo de sus últimos años, sino una diferencia en las oportunidades y el logro. Entró en este período como un hombre fuerte y orgulloso de unos treinta y cinco años, lo terminó a los cuarenta y nueve debilitado y prematuramente envejecido.
En estos días de estrechamiento de fortunas, se hizo una nueva y humilde felicidad. La fiel enfermera y ama de llaves, Hendrickje Stoeffels , una joven de extrema amabilidad y amabilidad, como sus numerosos retratos de su espectáculo, se convirtió en su amante y, dado que la relación no estaba oculta, en todo menos en nombre de su esposa. En estos días debe haber leído constantemente la Biblia, tal vez no tanto por consuelo religioso como por su sorprendente repertorio de relaciones humanas conmovedoras: historias de sus compañeros que han sufrido viejos tiempos.
Dentro de estos años caen las mejores imágenes religiosas: el buen samaritano y la cena en Emaús ; La visión de Daniel . Si bien el método no ha cambiado materialmente, la tristeza penetrable con la que a Rembrandt le encantaba velar y aliviar sus figuras ha asumido un valor nuevo y espiritual.
Hay muchos retratos de Hendrickje Stoeffels, ninguno más perfecto que el del Louvre, tan instintivo con humildad benigna y firmeza modesta. Lleva inconscientemente y sin orgullo joyas ricas, probablemente compradas con el dinero de Saskia. Los pocos retratos profesionales de estos años son de la mejor calidad. La de su amigo y mecenas, Jan Six , 1654, es inferior a ningún retrato en el mundo, ya sea en una construcción rápida y masiva, un rico efecto decorativo o en una visualización simpática del personaje. Para una pintura tan completamente perfecta, todo elogio verbal es una impertinencia. El único homenaje real es olvidarse de sí mismo mientras lo mira. Velázquez o Hals nunca pintaron algo más hábil y correctamente, mientras que el retrato hace hincapié en el carácter y el valor que incluso estos grandes rivales apenas tenían.
Estos años monótonos y esbeltos vieron la mayoría de sus mejores creaciones imaginativas. Tenemos la encarnación misma de la esperanza y la aventura juvenil en el jinete polaco . Cuán confiadamente el joven enfrenta cierto peligro y posible muerte. Caballo y jinete son de una pieza, ambos purasangres. Incluso el paisaje montañoso y roto transmite una sensación de peligro al acecho. En este tiempo caen la mayoría de sus paisajes. Él concibe la naturaleza como siniestra y hostil, un lugar de tormentas inminentes, que amenazan tanto a los árboles como a las construcciones del hombre. En estos paisajes hay más énfasis en el estado de ánimo trágico que en la veracidad. De hecho, el método, con sus contrastes extremos de luz y oscuridad y su reducción de color a tono, es esencialmente dramático, no descriptivo. En dos de las imágenes más grandes, el paisaje con ruinas y el molino – una obra maestra que algunos críticos le niegan – Rembrandt ha captado la tranquilidad difusa de eventideide. Probablemente, Rembrandt era fundamentalmente un hombre de ciudad que rara vez daba mucha observación directa a la naturaleza, y simplemente provocaba su exceso romántico en las improvisaciones de estudio, que eran menos paisajes que la liberación de su propio humor tumultuoso. Su excelente trabajo de observación en el paisaje no está en sus pinturas sino en sus grabados.
Sus mejores desnudos son recreaciones ocasionales de estos años intermedios. El Danae ya lo hemos considerado, mientras que otras obras incluyen Bathing Woman y la gran Bathsheba , cuyas formas, como más tarde diría Renoir, "toman la luz" maravillosamente. Tales fueron algunas de las sobras suficientes para disminuir la salud y la fortuna.
El grabado , que en los años prósperos pudo haber sido principalmente una recreación, pronto comienza a ser una fuente crucial de ingresos. A principios de la década de 1650 se crearon obras maestras como la predicación de Cristo , la curación de los enfermos en Cristo , el Cristo ante el pueblo , el Dr. Fausto . El viejo emocionalismo romántico reaparece en forma castigada y disciplinada en las Tres Cruces , en el Sacrificio de Isaac , en la más patética de las evocaciones, Blind Tobit . El precio de cualquiera de estas impresiones hoy habría mantenido a la pequeña familia cómoda durante muchos años. A medida que sucedieron las cosas, la situación familiar se volvió cada vez más angustiosa. La lujuria del coleccionista de Rembrandt era insaciable. La dote de Saskia y el poco dinero que ganó se escapó de sus dedos sueltos.
Finalmente, las relaciones de Saskia intervinieron legalmente y se salvaron un poco para formar un fideicomiso para el joven Titus. En 1656, la gran casa en la calle Bree fue inventariada para una venta en quiebra. Dos salas contenían más de cincuenta pinturas, muchas de maestros italianos estimados, sin mencionar armas y armaduras, miniaturas persas y cientos de grabados. Rembrandt, en mayo de 1656, trató de evitar a sus acreedores transmitiendo su propiedad a Tito. La venta de la subasta, de la que Rembrandt esperaba con cariño recuperarse, se desastrosamente. Solo después de nueve años y muchos litigios, Titus recuperó la pequeña suma que le debía.
La gran casa se vendió sobre sus cabezas, la pequeña familia se mudó a la Posada de la Corona. Rembrandt probablemente hizo un poco de sus grabados, pero cuando, en 1660, Hendrickje y Titus establecieron una imprenta, sus artículos de sociedad declararon que Rembrandt era incapaz de ganar nada.
¡Pero no incapaz de pintar grandes cuadros! El autorretrato de la Colección Frick, Nueva York, fue pintado en el año de la quiebra de Rembrandt. Tenemos un hombre triste y cansado, pero con confianza manteniendo su dignidad como un gran personaje. Rembrandt arruinado sigue siendo Rembrandt. Hay algo en el retrato que inspira, con simpatía, un cierto asombro. Contemplamos a un rey, para estar seguros con insignias deslucidas, pero aún así un rey. La imagen tiene una especie de monumentalidad, que es la nueva nota en muchos de los retratos posteriores. Está fuertemente presente en el Seis de enero de 1654, e igualmente marcado en una anciana que se corta las uñas , como en la dama supremamente elegante con una pluma de avestruz , uno de los últimos retratos de su mano. Esta calidad monumental debe haber sido excelente en la Lección de anatomía del Dr. Joan Deijman , de la cual la parte central se conserva en Amsterdam. El cadáver fuertemente escorzado tiene el mayor acento, al igual que las manos firmes y hábiles del manifestante. El fuego que destruyó la mayor parte de esta gran imagen de 1656, después de todo, nos ha dejado pruebas suficientes de su dominio, y un boceto de composición muestra que el tema fue concebido monumentalmente. Una comparación del fragmento con la Lección de anatomía de 1632 dirá cuán lejos había viajado Rembrandt en veinticuatro años.
La mejor imagen de estos años de estrechamiento es, por supuesto, los Sindicatos del Gremio de Tela , pintados en 1662. Uno de los mejores pinturas barrocas , seguramente es el mejor grupo de retratos existente. De una mera reunión del comité de cinco hombres de negocios, Rembrandt ha forjado un símbolo universal de rectitud y prudencia. Hay una sorprendente variedad de personajes claramente denotados: ironía, buena naturaleza, franqueza directa, sospecha de astucia y tenacidad aburrida. Y estos diversos temperamentos se concentran en el único propósito de salvaguardar los intereses de un comercio importante, que es prácticamente un servicio público. Es el sentido de unión, de comprensión amistosa mutua, que es el contenido espiritual de los síndicos . Dos años más tarde, en Haarlem, el anciano y decrépito Frans Hals debía expresar el mismo sentimiento que fielmente, y aún más conmovedor, en el Hospital Regentes del Hospital St. Elizabeth. . Pero ya no podía, de hecho nunca había podido, encarnar tal visión con una belleza de mano de obra que se aproxima a la de Rembrandt.
De alguna manera misteriosa, el rojo opaco de la alfombra oriental que sirve de mantel parece impregnar toda la superficie marrón. El impecable arabesco del grupo se admira admirablemente por los elementos rectangulares en la mesa, la silla y el revestimiento. Las figuras viven en su propia atmósfera. Mientras observa este arreglo de marrones fríos y enrojecidos, observa un mundo que es precisamente el mundo cotidiano de los grandes asuntos.
Los síndicos era realmente la canción del cisne de Rembrandt, y era una canción magníficamente sonora. Un año antes, 1661, su último grabado está fechado. Sus ojos cansados ya no son aptos para un trabajo tan cercano. Cómo se mantuvo con él hacia el final uno puede adivinar en el autorretrato en Kenwood House, Londres. No queda nada de la belleza del retrato de Frick. Un anciano cansado y casi roto, acurrucado en busca de calor, mira casi sin ver más allá de la mano que sostiene la paleta y los pinceles. El fino cabello blanco no tiene atención. Con la sabiduría de la resignación, Rembrandt ha aceptado la posición de un hombre pobre y en mal estado. La cara no es triste; El artista tiene el consuelo de su arte. Es una cara que obliga a la simpatía hasta el punto de las lágrimas, sin realmente reclamar lástima. Curiosamente, esta apacible y apacible aparición tiene una extraña monumentalidad espectral. Junto con Syndics muestra cuán grande podría ser Rembrandt cuando las apariencias reales y la visión imaginativa desafiaron conjuntamente su genio.
En la vejez de cada hombre fuerte debe haber momentos negros en los que se da cuenta de lo horrible que es la degradación gradual de su cuerpo. En ese momento, seguramente, Rembrandt pintó el autorretrato en Colonia, en el que nos mira a él y a nosotros mismos con impotente desafío. Y este fantasma que hace muecas es el retrato de un hombre de menos de sesenta años. Esto es importante para las profundidades de la pena, pero la imagen no es autocompasiva. Simplemente considera los hechos atroces, y la sórdida efigie de los restos humanos es extrañamente glorificada por una luz dorada, ya que la puesta del sol podría transfigurar un casco pudriéndose sórdidamente en la playa.
El penoso amoroso, Hendrickje, murió en 1661. El hijo enfermo, Titus, la siguió a la tumba en 1668. Todavía quedaba un año de soledad para Rembrandt. Fue enterrado en Westerkerke, el 8 de octubre de 1669, a principios de los sesenta.
Cuando Rembrandt murió, Amsterdam probablemente sabía que había perdido un personaje muy excéntrico e interesante, pero, uno siente, no tenía sentido que un gran pintor se hubiera ido. Docenas de pintores jóvenes, muchos alumnos de Rembrandt, sabían mejor que esto. Intentaron valientemente imitar lo que era casi inimitable, su estilo pictórico, y aún más desagradablemente, lo que era completamente inimitable: su emoción personal.
Las obras de Rembrandt se pueden ver en el mejores museos de arte en todo el mundo, especialmente el Rijksmuseum Amsterdam .
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