Escultura: Definición, Tipos: Estatuas, Relieves Traductor traducir
Para una descripción fácil de seguir de la época más creativa en la historia del arte plástico, vea: Escultura griega hecha simple .
¿Qué es la escultura?
La forma más duradera y, posiblemente, la más grande de arte fino conocida por el hombre, la escultura ha jugado un papel importante en la evolución de la cultura occidental. Su historia y desarrollo estilístico son los del propio arte occidental. Es un indicador clave de los logros culturales de Antiguedad clasica , y se convirtió en una influencia importante en el desarrollo de Arte renacentista en Italia. Junto con la arquitectura, fue la forma principal de monumental arte religioso que durante siglos (c.400-1800) fue la fuerza impulsora de los europeos civilización . Incluso hoy, aunque evoluciona continuamente, la escultura sigue siendo el método principal para expresar y conmemorar figuras y eventos históricos.
Durante su historia, ha atraído a algunos de los mejores artistas del mundo, incluidos escultores clásicos como Fidias, Myron of Eleutherae, Polyklitos, Skopas, Lysippos, Praxiteles y Leochares, así como Donatello (1386-1466), Miguel Ángel (1475-1654) Giambologna (1529-1608), el gran Bernini (1598-1680), Auguste Rodin (1840-1917), Henry Moore (1898-1986), Picasso (1881-1973), Constantin Brancusi (1876-1957) y Damien Hirst (nacido en 1965).
Se pueden encontrar ejemplos supremos de esta forma de arte público establecida en muchos de los mejores museos de arte .
También conocido como "arte plástico", por el proceso de conformación o "plasticidad" que implica, la escultura debe ser bastante simple de definir, pero desafortunadamente no lo es.
Forma de arte en constante expansión
Esto se debe a que la definición o el significado de la escultura se ha ampliado mucho durante el siglo XX. Con el desarrollo de nuevas herramientas y tecnología escultórica, las obras contemporáneas ahora emplean una variedad tan grande de nuevos materiales, técnicas y esquemas de referencia espacial, que "escultura" ya no es un término fijo que se refiere a una categoría fija de objetos o actividades creativas., sino más bien una forma de arte en constante expansión que evoluciona constantemente y se redefine a sí misma.
Definición de escultura tradicional
La escultura tradicional anterior al siglo XX tenía cuatro características definitorias principales. Primero, era la única forma de arte tridimensional. Segundo, era representacional. Tercero, fue visto como un arte de forma sólida. Cualquier espacio vacío involucrado era esencialmente secundario a su volumen o masa. Además, como forma sólida no tenía movimiento. Cuarto, los escultores tradicionales usaron solo dos técnicas principales: tallado o modelado. Es decir, tallaron directamente de su material elegido (por ejemplo, piedra, madera) o construyeron la escultura desde el interior, por así decirlo, usando arcilla, yeso, cera y similares. Los modelos de escultura tradicional derivan del griego y Escultura romana de la antigüedad clásica.
Definición de escultura moderna y contemporánea
El arte de la escultura ya no está restringido por los conceptos, materiales o métodos de producción escultóricos tradicionales. Ya no es exclusivamente representativo, sino con frecuencia totalmente abstracto. Tampoco es puramente sólido y estático: puede hacer referencia al espacio vacío de una manera importante, y también puede ser cinético y capaz de moverse. Finalmente, además de ser tallado o modelado, puede ensamblarse, pegarse, proyectarse (holográficamente) o construirse en una amplia variedad de formas. Como resultado, el significado tradicional de cuatro puntos y la definición de escultura ya no se aplican.
Formas básicas de escultura ahora anticuadas
Anteriormente, el historia del Arte entendió solo dos formas escultóricas básicas: la escultura en redondo (también llamada escultura independiente) y los relieves (incluidos el bajorrelieve, el alto relieve y el relieve hundido). Hoy en día, las nuevas formas de escultura relacionadas con la luz (por ejemplo, hologramas) y escultura móvil requieren una redefinición de las formas posibles.
Definición y significado de la escultura hoy
La gran diversidad del siglo XXI. arte plástico nos ha dejado con una sola característica definitoria: la tridimensionalidad. Así, la definición actual de escultura es algo como esto:
"La escultura es la única rama de las artes visuales que se ocupa específicamente de la forma expresiva en tres dimensiones".
La historia de la escultura
El arte tridimensional comienza con escultura prehistórica . Las primeras obras conocidas de la Edad de Piedra son La Venus de Berekhat Ram y La Venus de Tan-Tan , ambas efigies primitivas que datan de 230, 000 aC o antes. A partir de entonces, los escultores han estado activos en todas las civilizaciones antiguas y en todos los principales movimientos artísticos hasta el presente. Después Escultura egipcia , las principales edades de oro en la evolución de la escultura han sido: (1) Antigüedad clásica (500-27 a. C.); (2) La era gótica (c. 1150-1300); (3) El Renacimiento italiano (c.1400-1600); y (4) escultura barroca (1600-1700). Para una cronología detallada de los orígenes y el desarrollo del arte tridimensional, ver: Historia de la escultura .
La teoría de la escultura.
Debido a su naturaleza tridimensional y al hecho de que se puede mostrar en muchos más tipos diferentes de ubicación que (por ejemplo) la pintura, hay una serie de conceptos importantes y cuestiones teóricas que rigen el diseño y la producción de esculturas. Aquí hay una breve muestra.
Elementos de diseño escultórico
Los dos elementos principales de la escultura son la masa y el espacio . La masa se refiere al volumen de la escultura, la parte sólida contenida dentro de sus superficies. El espacio es el aire alrededor de la escultura sólida, y reacciona con esta última de varias maneras: primero, define los bordes de la escultura; segundo, puede encerrarse en parte de la escultura, formando huecos o áreas de vacío; tercero, puede vincular partes separadas de la escultura que se relacionan entre sí a través del espacio.
Las obras de escultura pueden evaluarse y diferenciarse según su tratamiento de estos dos elementos. Por ejemplo, algunos escultores se centran en el (los) componente (s) sólido (s) de su escultura, mientras que otros están más preocupados por cómo se relaciona con el espacio en el que se encuentra (por ejemplo, cómo se "mueve" a través del espacio o cómo lo encierra). Compare la escultura egipcia con las obras de Alexander Calder (1898-1976) y Naum Gabo (1890-1977) y verá lo que quiero decir.
Otro elemento importante de (la mayoría) de las esculturas son sus superficies . Estos pueden producir efectos visuales muy diferentes según sean (p. Ej.) Convexos o cóncavos, planos o modelados, coloreados o sin colorear. Por ejemplo, las superficies convexas expresan satisfacción, saciedad, presión interna y "plenitud" general, mientras que las superficies cóncavas sugieren presión externa, una insustancialidad interna y un posible colapso. Por otra parte, una superficie plana no sugiere la tridimensionalidad, mientras que una superficie modelada, que contiene crestas o huecos que atrapan la luz / las sombras, puede transmitir fuertes efectos de formas tridimensionales que emergen o se retiran a la oscuridad, similar a un El uso del pintor del claroscuro. Aunque la mayoría de los rastros de pigmento han desaparecido, una gran parte de la escultura producida en la antigüedad (por ejemplo, estatuas / relieves egipcios, griegos, romanos) y la época medieval (por ejemplo, esculturas de la catedral gótica) estaba cubierta con pintura u otros materiales colorantes, incluidos hoja de oro o plata y otros colorantes preciosos. Alternativamente, los escultores tallados directamente de materiales de colores preciosos, como marfil, jade y oro, o combinaciones de los mismos. El color obviamente puede dotar a una superficie con diferentes atributos de (entre otros) textura, proporción, profundidad y forma. Se puede ver un uso interesante del color por un escultor moderno en la obra Pop-Art Ale Cans (1964, óleo sobre bronce, Offentliche Kunstsammlung, Basilea) de Jasper Johns (nacido en 1930).
Para obtener una guía de los principios estéticos detrás de la escultura oriental en China, consulte: Arte tradicional chino: características .
Principios del diseño escultórico
Estos regulan el enfoque de los escultores a cuestiones tales como orientación , proporción , escala , articulación y equilibrio .
Orientación
Para crear una sensación de armonía (o falta de armonía) en la escultura en sí, o entre partes de ella, o entre la escultura y el espectador, o entre la escultura y sus alrededores, el escultor generalmente trabaja según un plan espacial o esquema de referencia particular.. Tal plan, a menudo basado en un sistema de ejes y planos, es esencial para mantener una proporción lineal entre otras cosas. Así, por ejemplo, las poses de las figuras humanas se calculan y crean típicamente con referencia a los cuatro planos cardinales, a saber: el principio de la axialidad (por ejemplo, el movimiento anatómico), el principio de la frontalidad (predominante en las figuras de pie kouros del arcaico griego) escultura), contrapposto - la pose dinámica en la que una parte del cuerpo se retuerce o se aleja de otra parte, ejemplificada en las obras de Miguel Ángel (1475-1564) y Giambologna (1529-1608) – y la postura quiástica (la pose en la que el peso del cuerpo descansa principalmente en una pierna, una característica típica de la escultura figurativa griega del período clásico alto).
Proporción
La forma en que los escultores manejan la proporcionalidad varía considerablemente. Algunos (por ejemplo, escultores egipcios) observaron cánones de proporciones jerárquicos no naturalistas (por ejemplo, Dioses los más grandes, los faraones más grandes, los ciudadanos más pequeños, etc.). Otros escultores han seguido reglas de proporción más naturalistas pero igualmente iconométricas. En comparación, muchas culturas tribales emplean sistemas que, por razones religiosas o culturales, otorgan mayor tamaño a ciertas partes del cuerpo (por ejemplo, la cabeza). Además, el emplazamiento específico de una escultura puede requerir un enfoque especial de proporcionalidad. Por ejemplo, una estatua humana montada en la parte superior de una estructura alta puede requerir una parte superior del cuerpo más grande para equilibrar los efectos del escorzo cuando se ve desde el nivel del suelo. (El gran pintor rococó Tiepolo fue un maestro en contrarrestar este efecto al crear sus frescos en el techo).
Escala
Esto se refiere, por ejemplo, a la necesidad de crear una escultura en sintonía con la escala de su entorno. Pasee por cualquier catedral gótica importante y observe la gran variedad en la escala de las esculturas que decoran las puertas, fachadas y otras superficies. Además, ciertos grupos de figuras, que ilustran escenas bíblicas, pueden contener varias escalas diferentes: la Virgen María y Jesús pueden ser de tamaño similar, mientras que (por ejemplo) los Apóstoles pueden ser más pequeños.
Articulación
Esto describe cómo se articulan las figuras escultóricas (y otras formas), o cómo las diferentes partes de un cuerpo se fusionan en una sola forma, o cómo se unen las secciones separadas. El escultor francés realista Auguste Rodin (1840-1917) creó una continuidad de estilo impresionista en sus figuras, en contraste con los primeros escultores clásicos griegos (por ejemplo, Polklitus) y escultores renacentistas que preferían distintas unidades de forma delineada.
Equilibrar
En la escultura figurativa independiente, el equilibrio involucra dos asuntos principales. Primero, el cuerpo escultórico debe ser físicamente estable, lo suficientemente fácil de lograr en una figura que se arrastra o reclinado, menos fácil en una estatua de pie, especialmente si se inclina hacia adelante o hacia atrás. Si es naturalmente inestable, se debe usar una base. En segundo lugar, desde un punto de vista compositivo, la estatua debe proyectar una sensación de equilibrio dinámico o estático. Sin tal armonía, la belleza es casi imposible de lograr.
La mejor manera de entender la escultura
¿Estás desconcertado por todos estos conceptos extraños sobre los elementos y principios de la teoría del diseño escultórico? No te preocupes muchos críticos de arte son también. La mejor manera de entender la escultura es mirarla tanto como puedas, idealmente en persona. Si es posible, visite el museo de arte público más cercano y eche un vistazo a algunas copias de la escultura griega o renacentista. Esto debería darle una buena comprensión de las obras de estilo tradicional. Además, si es posible, visite cualquier exposición que incluya obras de escultores abstractos como Umberto Boccioni (1882-1916), Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), Alexander Calder (1898-1976), Alberto Giacometti (1901-1966), Barbara Hepworth (1903-1975), Louise Bourgeois (1911-2010), Sol LeWitt (1928-2007) o Richard Serra (nacido en 1939). Obras de escultura abstracta por cualquiera de estos artistas modernos debería darte mucho en qué pensar.
Materiales
Casi cualquier material capaz de ser moldeado en tres dimensiones puede usarse para esculpir. Pero algunos materiales como la piedra, especialmente la piedra caliza dura (mármol), madera, arcilla, metal (por ejemplo, bronce), marfil y yeso tienen atributos "plásticos" excepcionales y, por lo tanto, han demostrado ser más populares entre los escultores desde la prehistoria en adelante. Como resultado, durante la mayor parte de su historia, la escultura se ha creado utilizando cuatro métodos básicos: talla de piedra, talla de madera, fundición de bronce y cocción de arcilla. Un tipo raro era escultura criselefantina , reservado exclusivamente para las principales estatuas de culto.
Escultura de piedra
Escultura de piedra , probablemente la primera forma de escultura monumental, así como el mejor medio para obras monumentales, era común en muchas épocas de la Edad de Piedra Paleolítica. Las obras prototipo de escultura de piedra prehistórica incluyen la figura basáltica conocida como La Venus de Berekhat Ram (c. 230, 000 a. C. o anterior) y la figura de cuarcita conocida como La Venus de Tan-Tan (c. 200, 000 a. C. o anterior). Desde entonces, probablemente el mayor cuerpo de escultura en piedra fue la serie de estatuas de columnas y relieves producidos para los grandes europeos. Catedrales góticas de Chartres, Notre Dame de Paris, Amiens, Reims, Colonia, entre muchos otros, durante el período 1150-1300.
Se han esculpido piedras de las tres categorías principales de formación rocosa, que incluyen ígneas (por ejemplo, granito), sedimentarias (por ejemplo, calizas y areniscas) y metamórficas (por ejemplo, mármol). El mármol blanco puro de Carrara italiano se utilizó en el arte romano y en Escultura renacentista italiana por artistas como Donatello y Miguel Ángel, mientras que los artistas griegos prefirieron el mármol pentelico para hacer el Partenón esculturas (Ver también: Escultura de mármol .) La escultura irlandesa en la era medieval tardía se limitó principalmente a Cruces altas celtas , hecho de granito.
Ejemplos supremos de escultura de mármol son Venus de Milo (c.130-100 AEC) por Alexandros de Antioquía; Laocoon y sus hijos (c.42-20 BCE) por Hagesander, Athenodoros y Polydorus; Piedad (1497-99) y David de Miguel Ángel ; los Éxtasis de santa teresa (1647) por el genio barroco Bernini; Cupido y Psique (1796-7) del neoclasicista Antonio Canova; y El beso (1889) del genio francés Auguste Rodin.
Escultura De Jade
La forma más conocida de escultura de piedra dura, talla de jade Ha sido una especialidad de maestros artesanos chinos desde el Neolítico. La nefrita y la jadeíta son los dos tipos más comunes de piedra de jade, aunque también se usa la bowenita (una forma de serpentina). Los chinos atribuyen cualidades importantes al jade, incluida la pureza, la belleza, la longevidad, incluso la inmortalidad, y los escultores valoran las piedras de jade por su brillo, colores y tonos translúcidos.
Escultura de madera
Talla de madera Es el tipo de escultura más antiguo y continuo. Especialmente conveniente para trabajos pequeños, el tallado en madera se practicó ampliamente durante la era prehistórica y más tarde durante la era de Escultura cristiana primitiva – vea, por ejemplo, la talla de roble dorado conocida como la Cruz de Gero (965-70, Catedral de Colonia) – y tuvo su Edad de Oro en Occidente, especialmente en Alemania, durante la era tardía Arte medieval : sea testigo de las exquisitas tallas religiosas de madera de tilo de los talladores de madera alemanes Veit Stoss (1445-1533) y Tilman Riemenschneider (1460-1531). Más tarde, en la época barroca, la madera a menudo estaba recubierta de estuco de yeso y pintada, a la manera del antiguo arte egipcio. Los grandes escultores de madera modernos incluyen a Henry Moore (1898-1986), conocido por su figura reclinada de madera de olmo (1936), y Barbara Hepworth (1903-75).
Escultura de bronce
Esculpiendo en bronce Es un proceso complicado que se desarrolló independientemente en China, América del Sur y Egipto. La fundición de bronce requiere el modelado de una forma en arcilla, yeso o cera, que luego se elimina después de que se haya vertido el bronce fundido. El método de cera perdida fue una técnica común durante la época del Renacimiento. También fue una técnica ampliamente utilizada en Escultura africana de Benin y Yoruba.
Las piezas famosas incluyen The Dancing Girl of Mohenjo-Daro (c.2, 500 BCE), una obra maestra de principios Escultura india de la cultura Harappan o la civilización del valle del Indo en India, y el gran tesoro de placas y esculturas de bronce (hechas con piezas moldeadas) con decoración de jade que se encuentra en la cuenca del río Amarillo de la provincia de Henan, China central, que data del Reino de Xia y más tarde del período de la dinastía Shang (desde c. 1.750 AEC).
Las obras maestras de bronce posteriores incluyen las Puertas del Paraíso , de Lorenzo Ghiberti (1378-1455), David de Donatello (1386-1466) y Miguel Ángel, Violación de los sabinos (c.1583) de Giambologna, Los burgueses de Calais (1884- 9) y las puertas del infierno (1880-1917) de Auguste Rodin, Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) de Umberto Boccioni (1882-1916), Pájaro en el espacio (1923) del escultor abstracto rumano Constantin Brancusi (1876- 1957), Woman with her Throat Cut (1932) y Walking Man I (1960) de Alberto Giacometti (1901-66) y The Destroyed City (1953) de Ossip Zadkine (1890-1967).
Escultura de arcilla
Esculpir en arcilla data de la era paleolítica de la Edad de Piedra. Conocido (cuando se dispara) como escultura de terracota , es el más plástico de todos los métodos de escultura, versátil, ligero, económico y duradero. Aunque la arcilla se usa principalmente para modelos preliminares, luego fundidos en bronce o tallados en piedra, también se ha utilizado para producir esculturas a gran escala. La escultura de arcilla más antigua conocida es la Venus de Dolni Vestonice (c.26, 000 – 24, 000 BCE), una figura de cerámica que data del período Gravettian, descubierta en la República Checa. Otra obra maestra paleolítica es la Tuc d’Audoubert Bison del período Magdaleniense (c. 13, 500 a. C.), un alivio sin fuego de dos bisontes, encontrado en la cueva Tuc d’Audoubert, Ariege, Francia. Una tercera obra maestra prehistórica es la Pensador de Cernavoda (c.5, 000 aC), la icónica figura de terracota creada durante la cultura mesolítica de Hamangia en Rumania.
Sin embargo, el ejemplo más famoso de escultura de arcilla debe ser el ejército chino de terracota de la dinastía Qin (los ’Guerreros de terracota’), una colección de 8, 000 guerreros y caballos de arcilla desenterrados en 1974 en la provincia de Shaanxi, China. Que data del 246-208 a. C., cada uno de los 8, 000 soldados de arcilla es único, con una expresión facial y un peinado diferentes.
Otros materiales escultóricos
Otros materiales tradicionales empleados para crear esculturas incluyen marfil y ballenas, así como metales preciosos.
Los primeros ejemplos conocidos de escultura de marfil / hueso incluyen: las famosas esculturas de marfil de mamut de animales prehistóricos, pájaros y figuras triantrópicas (c.33, 000-30, 000 aC) descubiertas en las cuevas Vogelherd del Jura de Suabia, Alemania; La Venus de Kostenky (c.22, 000 AEC), un mamut talla de marfil de una figura femenina, encontrada en Rusia; y el Hombre León de Hohlenstein-Stadel (c. 38, 000 aC) una estatuilla de marfil de mamut encontrada en el Jura de Suabia.
Las obras famosas hechas de piedras preciosas incluyen el Escultura mesopotámica conocido como el Ram en un matorral (c.2500 a. C.), una pequeña estatua hecha de pan de oro, cobre, lapislázuli y piedra caliza roja, descubierta en el Gran Foso de la Muerte, Ur; y el Maikop Gold Bull (c. 2500 a. C.), una escultura de oro (realizada con el método de fundición a la cera perdida) del Maikop Culpture del norte del Cáucaso, Rusia.
Materiales modernos utilizados en la escultura del siglo XX
Materiales empleados por Escultores del siglo XX incluye materiales secundarios como el hormigón, así como una lista interminable de materiales modernos como acero inoxidable, fibra de vidrio, aluminio, gomaespuma, papel maché, piezas de bicicleta, plásticos, vidrieras, artículos "encontrados", etc. Para obtener más información sobre ciertos tipos de arte plástico posmodernista, consulte: Escultura de hielo y también Arte de arena .
Las esculturas notables del siglo XX hechas de materiales no tradicionales incluyen:
Tipos de escultura
Las formas tradicionales básicas de este arte tridimensional son: escultura independiente, rodeada por todos lados por el espacio; y escultura en relieve (que abarca bajorrelieve, alto relieve o alto relieve y relieve hundido), donde el diseño permanece unido a un fondo, típicamente piedra o madera. Se pueden ver ejemplos de trabajo de socorro en arte megalítico tales como los complejos grabados en espiral encontrados en Newgrange (Irlanda), en la Columna de Trajano en Roma, el Templo de Zeus en Olimpia y el Partenón. Los relieves arquitectónicos góticos aparecen en todas las principales catedrales europeas de la época: atestigüe a los santos en el trancept sur de la catedral de Chartres, y los apóstoles en el trancept norte de la catedral de Rheims.
También se puede clasificar por su tema. Una estatua, por ejemplo, como las dos versiones de David de Donatello y Miguel Ángel, suele ser un retrato tridimensional representativo de una persona, mientras que un busto generalmente solo representa la cabeza, el cuello y los hombros: vea el busto de George Washington (1788) por Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Una estatua de una persona a caballo, como la de Giambologna (1529-1608) de Cosimo de ’Medici en Florencia, se denomina escultura ecuestre. Quizás el mejor de todos estatua ecuestre es el jinete de bronce de estilo barroco de Falconet en la Plaza Decembrist, San Petersburgo: un monumento al zar Pedro el Grande y una obra maestra de Escultura rusa , aunque creado por un francés.
La escultura como arte público
La presencia física vívida de una escultura la convierte en una forma ideal de arte publico : ejemplos supremos en la cultura occidental siendo lo monumental megalitos en Stonehenge, las esculturas clásicas del Partenón en Atenas, las altas cruces celtas de Irlanda y las estatuas y relieves de columnas góticas de los siglos XII / XIII en las catedrales del norte de Francia y Alemania.
La talla religiosa en madera fue llevada a nuevas alturas durante el Renacimiento del Norte por maestros talladores como: Tilman Riemenschneider y Veit Stoss, conocidos por sus intrincados retablos y figuras de madera, mientras que la Contrarreforma barroca estimuló ejemplos supremos de católicos. Arte cristiano en forma de esculturas de bronce y mármol de (entre otras cosas) Gianlorenzo Bernini (1598-1680), conocido por la serie de la Capilla Cornaro (1645-52) que incluye El éxtasis de Santa Teresa .
El arte público secular moderno presenta esculturas famosas como la Estatua de la Libertad , el Chicago Picasso : una serie de figuras de metal producidas para el Chicago Civic Center y la escultura arquitectónica The Spire of Dublin , conocida como la ’espiga’, creada por Ian Ritchie (nacido en 1947). La escultura pública contemporánea continúa desafiando los conceptos tradicionales del arte tridimensional a través de sus nuevos conceptos espaciales y su uso de materiales cotidianos ensamblados o creados en numerosas formas de escultura fijas y de tipo instalación.
Escultura moderna versus posmoderna
Desde la década de 1960, el llamado arte moderno ha sido reemplazado por el arte contemporáneo o la posmodernidad. A diferencia de los modernistas anteriores, los escultores posmodernos de hoy (por ejemplo, artistas pop como Claes Oldenburg, Robert Indiana y el artista neo-pop Jeff Koons), pueden usar una variedad más amplia de materiales, imágenes y métodos de exhibición. Los estilos tienden a estar más localizados, ya que la tendencia actual entre los movimientos de arte contemporáneo es desconfiar de las grandes ideas y el internacionalismo de los movimientos de arte moderno de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.
Más información
Para períodos / movimientos importantes, ver: Escultura Medieval (c.400-1000);
Escultura románica (c.1000-1200); Escultura gótica (c. 1150-1280);
Escultura gótica inglesa ; Escultura gótica alemana ;
Escultores renacentistas (1400-1600); Escultura barroca (1600-1700);
Escultura neoclásica (c.1750-1850); Escultores del siglo XIX (1800-1900).
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