La floristería en la artesanía popular rusa Traductor traducir

Los motivos vegetales son parte fundamental de la cultura rusa, profundamente arraigados en la artesanía popular. A lo largo de los siglos, los artesanos de toda Rusia han perfeccionado métodos para representar la flora en diversas formas de arte decorativo y aplicado.

Flores, hierbas, árboles, bayas y otros elementos vegetales se han convertido en la base del lenguaje artístico de muchas artesanías tradicionales rusas, desde la pintura sobre madera, metal y cerámica hasta el bordado, el tejido y la creación de patrones textiles. Cada artesanía ha desarrollado su propio estilo único para representar el mundo vegetal, basándose en las tradiciones locales, los materiales disponibles y el contexto cultural e histórico de la región.

Importancia histórica de los motivos vegetales

El uso de elementos florales en el arte decorativo ruso tiene raíces antiguas. La primera evidencia del uso de motivos florales para la decoración se remonta al siglo IV a. C. En las imágenes antiguas, el mundo solía dividirse en tres partes: cielo, personas y tierra, con la parte terrenal simbolizada por diversas plantas y flores.

Tras la adopción del cristianismo, la cultura bizantina tuvo un impacto significativo en el desarrollo del arte ruso. En el siglo VII aparecieron los primeros iconos con un marco de ornamentos florales. La naturaleza fue la principal fuente de inspiración para los artistas, quienes trasladaron las elegantes curvas de pétalos y tallos a sus obras. Poco a poco, los ornamentos vegetales se extendieron a las fachadas de las iglesias, a menudo en forma de composiciones que evocaban el árbol de la vida.

Los motivos vegetales no solo tenían una función decorativa, sino también una profunda función simbólica. En la cultura pagana de los eslavos, las plantas se asociaban con la fertilidad, la vitalidad y el ciclo de las estaciones. Tras la adopción del cristianismo, muchos símbolos paganos fueron reinterpretados, pero conservaron su significado estético.

Desde el siglo XVII, los estampados florales se han utilizado activamente en la decoración de las casas de boyardos y nobles. Las flores frescas también formaron parte del interior de las casas adineradas: grandes jarrones con flores eran comunes en salas de estar y comedores. Más tarde, con la llegada de las estufas, los alféizares de las ventanas comenzaron a decorarse con plantas en maceta, ya que las condiciones para su cultivo se volvieron más favorables.

Pintura de Khokhloma

El jojoma es quizás el tipo más famoso de pintura popular rusa sobre madera. Esta artesanía surgió tras la liberación de la Rus del yugo tártaro-mongol. Los habitantes de la aldea de Jojoma y de los pueblos cercanos se ganaban la vida con esta artesanía. Con el tiempo, los productos de madera con un patrón característico se hicieron famosos fuera de Rusia, gozando de popularidad en París, India y Asia Central.

Los artículos de madera con pintura Khokhloma están hechos de madera y pintados a mano por artesanos. Los colores principales son el rojo, el negro y el dorado. La peculiaridad del "oro" Khokhloma reside en que solo tiene la apariencia de un auténtico metal precioso. De hecho, la madera está recubierta de estaño plateado, que tras la cocción en el horno y la aplicación de aceite de linaza adquiere un tono dorado. El fondo oscuro realza el contraste de la imagen.

La base de la ornamentación vegetal en la pintura Khokhloma se compone de imágenes de bayas de serbal, viburnum y fresas, así como de aves y animales. Los patrones Khokhloma son estilizados: guardan cierto parecido con plantas vivas, pero nunca transmiten su apariencia con absoluta fidelidad. Los maestros emplean formas generalizadas, conservando únicamente las características principales de las plantas representadas.

El adorno más querido y antiguo de Khokhloma es la "hierba" o simplemente "hierba". Se trata de briznas de hierba alargadas y ligeramente curvadas, pintadas de tres en tres, de cinco en cinco o más, formando un arbusto. La "hierba" se asemeja vagamente a la juncia, que crece en las praderas inundables y a lo largo de las orillas de los embalses. Uno de los tipos de este adorno se llama "juncia".

La hierba suele pintarse en rojo y negro. Sus hojas principales, anchas y largas, son exuberantes, ya que el pincel absorbe abundante pintura, que se extiende densamente sobre la superficie de la obra. Las puntas de las hojas están finamente pintadas, como si se mecieran con el viento. Las pinceladas finas y frecuentes (hojas de hierba a los lados del arbusto principal y bayas en forma de cuentas sobre tallos largos) le dan a esta pintura una vivacidad y gracia.

La hierba es un tipo de pintura independiente, pero también es un elemento indispensable en cualquier adorno vegetal de Khokhloma. A menudo, entre arbustos y ramas de hierba negra, roja, verde o amarilla, el artista coloca bayas, flores, pájaros y peces. Este adorno se llama "hierba" o el nombre de una baya o flor específica.

Pintura de Gzhel

La pintura de Gzhel toma su nombre de la zona de Gzhel, en la provincia de Moscú, donde existió un centro de producción de cerámica y porcelana desde el siglo XVII. Esta región se encuentra en el territorio del actual distrito municipal de Ramensky, en la región de Moscú.

Quien haya visto Gzhel jamás olvidará este mundo de cuento de hadas de pájaros y flores azules. Las tradiciones de la pintura de Gzhel, sus principales técnicas y elementos, se han conservado desde el siglo XVIII, dejando siempre espacio para la imaginación de los artistas.

La formación de la paleta de colores azul y blanco característica de Gzhel se remonta a principios del siglo XIX. Los investigadores señalan que, a partir de la década de 1820, un número cada vez mayor de productos de Gzhel se pintaban únicamente con pintura azul. Hoy en día, es este patrón característico — pintura azul sobre fondo blanco — el que define el estilo Gzhel.

El proceso de creación de la pintura de Gzhel comienza con la producción de una pieza de porcelana blanca, que en la jerga profesional se denomina "lino". A continuación, los artesanos comienzan a pintar ("cubrir"), lo cual se realiza a mano, con esmero pero rapidez. Los artistas aplican trazos y líneas uniformes y cuidadosos que forman el ornamento. Se utiliza una sola pintura: cobalto negro, diluida en agua, como la acuarela.

En esta etapa, el dibujo parece monocromático. Pero al colocar el producto en un horno caliente, el patrón cobalto cobra vida, llenándose de un intenso azul aciano. Tras la cocción, aparecen matices y semitonos de la gama azul-azul claro. Un verdadero maestro de Gzhel percibe con precisión la proporción correcta de tonos, distinguiendo más de 20 tonos de azul.

La porcelana de Gzhel se pinta con un patrón específico. Existen tres tipos de pintura. El primero es un patrón vegetal: ramos y guirnaldas de flores, hojas y ramas, hierba, bayas y otros elementos. Las flores (rosas, amapolas, ásteres, margaritas, entre otras) se representan de forma bastante convencional. Uno de los patrones favoritos y más repetidos es la "rosa de Gzhel" o "agashka".

Una técnica característica de la pintura de Gzhel es el llamado "trazo de sombra". Para ello, el artista toma pintura con un lado del pincel y, al aplicar el trazo, este gira en círculo. Como resultado, al principio del trazo, la pintura se aplica más gruesa, hacia el centro se vuelve más ligera y en la punta, muy fina. Así se pintan hojas y flores voluminosas.

Pintura de Zhostovo

La historia de la artesanía de Zhostovo se remonta a principios del siglo XIX, cuando en varios pueblos y asentamientos de la región de Moscú del antiguo volost Troitskaya (ahora distrito Mytishchi de la región de Moscú) - Zhostovo, Ostashkov, Khlebnikov, Troitskoye y otros - surgieron talleres para la producción de productos lacados pintados de papel maché.

El origen de la bandeja pintada de Zhostovo se asocia al apellido de los hermanos Vishnyakov. En 1830, la producción de bandejas en Zhostovo y los pueblos de los alrededores aumentó. Aparecieron las primeras bandejas de metal decoradas con pinturas florales. Las bandejas de hierro reemplazaron gradualmente a las tabaqueras y otras artesanías de papel de los talleres del volost Troitskaya.

El motivo principal de la pintura de Zhostovo es un ramo de flores. En el arte original de los maestros de Zhostovo, la sensación realista de la forma viva de las flores y frutas se combina con una generalización decorativa, similar a la pintura popular rusa con pincel sobre baúles, telas de corteza de abedul, ruecas y otros objetos.

Las composiciones de Zhostovo se basaban en antiguos diseños de arreglos florales decorativos con flores de jardín y campestres: "ramo recogido", "ramo disperso", guirnalda y corona. Con un pincel ancho, el artista esboza la composición del ramo sobre la superficie de trabajo de la bandeja. Al crear un ramo, el maestro se centra en la belleza y la expresividad de la silueta de las flores, los capullos, las hojas y los tallos, así como en la disposición rítmica de las manchas de color.

Además del tradicional fondo negro, se utilizan colores rojo, azul y verde, y el borde de la bandeja está decorado con un ligero adorno vegetal calado. La bandeja Zhostovo se caracteriza por su especial ejecución, con flores brillantes y jugosas pintadas con gran realismo, a la vez que se conserva el carácter decorativo de la composición.

Pintura de Gorodets

La pintura de Gorodets es una pintura artística y talla de madera que se originó a mediados del siglo XIX en la provincia de Nizhni Nóvgorod. Inicialmente, la artesanía consistía en tallar ruecas. El producto se tallaba en un tipo de madera con huecos, y las figuras se tallaban en otro tipo, insertándolas en los huecos de la rueca. Así se creaban diversos adornos y diseños.

Más tarde, las imágenes talladas comenzaron a teñirse con diferentes colores, combinando la intensidad de los colores con el matiz de la madera. Al principio, los productos completamente pintados solo se usaban en festividades, pero con el tiempo se integraron en la vida cotidiana. Poco a poco, los artesanos prácticamente abandonaron el tallado: la técnica de producción se volvió más sencilla y rápida. Los dibujos comenzaron a decorar baúles, muebles, trineos, artículos de interior y juguetes.

En la pintura de Gorodets se formó un estilo particular: los maestros representaron animales, flores, escenas cotidianas y festivas. Entre las imágenes más populares se encuentran un caballo negro y un pájaro.

El ornamento floral en la pintura de Gorodets está representado por varios tipos:

"Bouquet" es una composición representada simétricamente, generalmente utilizada al pintar tablas de cortar o platos.

Una guirnalda es un tipo de ramo con una o dos flores grandes en el centro, y flores más pequeñas con hojas que se extienden hacia los lados. Esta composición puede formar un círculo, una franja o colocarse en forma de hoz en las esquinas del producto. Este tipo se utiliza a menudo para pintar tablas de cortar, paneras, cajas, platos y muebles infantiles.

El rombo es una variante de la guirnalda, donde una o más flores se representan en el centro, formando el centro, y brotes y hojas, que disminuyen gradualmente hacia la parte superior del rombo, se ubican a lo largo de sus bordes imaginarios. Esta composición se puede ver en tablas de cortar rectangulares, arcones, bancos, puertas de armarios y paneras.

La "franja de flores" se ha conservado en la artesanía de Gorodets desde las ruecas pintadas, donde dividía los niveles superior e inferior. Según el producto, puede ser una composición repetida de flores del mismo tamaño, separadas por pares de hojas, o con flores alternadas de diferentes tamaños.

Tipos de pintura del norte

En el norte de Rusia se desarrollaron varios tipos originales de pintura sobre madera, vinculados por su origen y los motivos utilizados. Estos tipos de pintura se inspiraron parcialmente entre sí y surgieron aproximadamente al mismo tiempo, pero cada técnica posee sus propias características distintivas.

Pintura de Boretskaya

La pintura Boretskaya (también conocida como Borokskaya) es una pintura sobre madera del norte de Rusia, emparentada con el tipo Severodvinsk e incluida en el grupo Borok-Toyemsko-Puchug. Su origen se remonta a la antigua Nóvgorod y recibió su nombre de la familia de boyardos.

Los colores principales de la pintura de Boretskaya son el rojo, el verde, el amarillo y el tono de la madera sin pintar. Los contornos de los elementos suelen estar delineados en negro. Anteriormente, la pintura de Boretskaya se realizaba de forma iconográfica. Hoy en día, las flores y las formas geométricas se han convertido en adornos característicos: rombos, triángulos, pequeños círculos y gotas.

La pintura de Boretskaya forma parte del grupo de pintura de Severodvinsk, lo que explica su similitud con otros tipos de pintura de esta región, pero al mismo tiempo conserva su singularidad y reconocibilidad.

Pintura de Rakul

La pintura rakul debe su nombre al río Rakulka, afluente del Dvina Septentrional. Se encuentran platos pintados con predominio de tonos verdes o rojos. El oro siempre ha desempeñado un papel fundamental en la pintura, utilizándose a menudo como color principal.

Las características principales de la pintura rakul son las imágenes de aves, ramas con hojas grandes, rizos y un contorno negro. Estos elementos crean un estilo reconocible que la distingue de otras formas de arte decorativo del norte.

Los motivos vegetales en la pintura rakul se distinguen por su especial efecto decorativo y estilizado. Los maestros combinan con maestría formas naturales con elementos geométricos, creando composiciones originales y cargadas de simbolismo.

Viejo Borok

El Stary Borok es uno de los tipos de pintura más antiguos del norte de Rusia. La existencia del pueblo donde se originó esta artesanía se conocía ya en el siglo XV.

La diferencia entre Stary Borok y otros tipos de pintura nórdica reside en su trama uniforme y su diseño de tres niveles, cuando la capa se aplica en varias capas. Esta técnica suele representar pájaros fabulosos de color rojo con alas verdes. En composiciones grandes, el centro lo ocupa un árbol, realizado en los mismos tonos.

Los motivos vegetales de la pintura de Stary Borok presentan rasgos arcaicos que se remontan a antiguas ideas sobre la estructura del mundo. El árbol, como elemento central de la composición, simboliza el árbol del mundo, el eje del universo que conecta los mundos subterráneo, terrenal y celestial.

Pintura de Verkhneuftyug

La pintura Verkhneuftyug apareció en Verkhnyaya Uftyuga. Se caracteriza por un patrón de flores y pájaros tradicionales sobre un fondo de diferentes colores. Este tipo de pintura se distingue por su especial decoratividad y expresividad, combinando elementos tanto del mundo natural como del fantástico.

Las flores en la pintura de Verkhneuftyug se representan de forma convencional, con un alto grado de estilización, pero al mismo tiempo conservan su reconocibilidad y gracia natural. Las aves se entretejen a menudo en la ornamentación vegetal, creando una composición armoniosa, llena de movimiento y vida.

Miniatura de Mstera

El pintoresco pueblo de Mstera y las miniaturas de laca se han convertido en una palabra inseparable. Este rincón de la región de Vladímir es famoso desde hace mucho tiempo por su artesanía. El singular estilo pictórico de Mstera es un arte local original que ha absorbido las tradiciones iconográficas de los Viejos Creyentes de la región y destaca por su singular combinación de colores inusualmente brillantes y variados.

Los temas de las miniaturas de Mstera incluyen epopeyas, cuentos de hadas, escenas de la vida tranquila y apacible de una aldea rusa o de la vida en las cámaras reales. Cada fenómeno representado en el arte popular se basa en la percepción de un acontecimiento real.

Una auténtica innovación creativa fue la transición de los maestros a la pintura de cofres y cajas. Los productos utilizan tradicionalmente antiguos patrones rusos. Cada caja de Mstera, enmarcada con un adorno calado de oro fundido, representa motivos reconocibles de miniaturas, ramos de flores o bodegones, realzando el colorido y la pureza del dibujo.

Los motivos florales ocupan un lugar especial en las miniaturas de Mstera, lo que se refleja en colecciones temáticas especiales dedicadas a las flores en miniaturas lacadas. Los artesanos trabajan con esmero cada detalle de las plantas, logrando una armoniosa combinación de realismo y decoración.

Motivos vegetales en el bordado

Entre los muchos tipos de arte popular ruso, el bordado siempre ha ocupado un lugar importante. Se cosía en todas partes; no se requería equipo especial, y en cada hogar había tela, agujas e hilo. El bordado se utilizaba para decorar ropa y artículos del hogar: cortinas, manteles, toallas, cenefas, delantales, tocados, bufandas, faldas y vestidos.

El clima ruso no permite el cultivo masivo de algodón, por lo que las principales fuentes para la fabricación de telas eran el lino y el cáñamo. Estos se utilizaban para tejer lino. El lino fino blanqueado se utilizaba como base, y los hilos de lino y lana se utilizaban para bordar patrones. En el siglo XIX, los hilos de lana se utilizaban para bordar camisas y tocados.

El color principal del bordado ruso es el rojo, con múltiples matices, desde el arándano rojo oscuro hasta el naranja. El tono dependía del material de los hilos y la tela, así como de los tintes utilizados (minerales, vegetales o animales). Además del rojo, se preferían los tonos azules, verdes y amarillos. El negro no es típico del bordado ruso; solo se usaba tradicionalmente en las regiones de Tambov y Vorónezh.

La variedad de motivos en el bordado ruso es enorme, pero las imágenes más comunes en los adornos son las de un pájaro, un caballo y un árbol. Esta elección se debe a las leyendas y creencias de los antiguos eslavos sobre el árbol celestial y el pájaro-sol posado en él. El caballo simbolizaba el movimiento visible del sol.

El bordado de plantas y árboles se hacía en un estilo geométrico estricto, a menudo con dos o más ramas largas particularmente resaltadas, a veces con raíces sobre una base triangular.

Inicialmente, el bordado en la Rus tenía un significado sagrado y estaba estrechamente vinculado a la creencia en los poderes místicos de la naturaleza y los dioses. Patrones y símbolos protectores adornaban la ropa y los artículos del hogar. Con la adopción del cristianismo, se inició una nueva etapa en el desarrollo del bordado ruso. A pesar de la lucha contra las raíces paganas, el bordado popular logró combinar antiguos motivos eslavos con los nuevos motivos religiosos.

Tejido de paja

La paja se ha convertido en un material único para las artes decorativas y aplicadas. En las últimas décadas, el desarrollo de la artesanía moderna del tejido de paja ha alcanzado el nivel de arte decorativo profesional.

El tejido de paja utiliza paja de diversos cereales, cada uno con sus propias características, ventajas y desventajas. La paja es un material accesible y económico. Frágil y quebradizo al secarse, al remojarse se vuelve suave y flexible, se dobla y, al secarse, conserva la forma que le dio el artesano.

Las flores de paja ocupan un lugar especial en el tejido de paja. A diferencia de las flores artificiales naturalistas, conservan la calidez del material natural y atraen con su carácter artesanal. Las flores de paja, tejidas en diversas opciones y formas, combinan las mejores tradiciones del arte popular con el pensamiento artístico moderno.

La tecnología para crear flores de paja incluye varias etapas: desarrollo del boceto de la futura flor, creación de pétalos, creación de un sépalo y ensamblaje de la flor. Cada flor (por ejemplo, la peonía o la manzanilla) tiene sus propias características tecnológicas.

Para hacer una flor de paja tipo "Peonía", los estambres se atan a la parte superior del tallo, formado con una trenza de "cadena" de dos pajitas y enrollado en un bucle. Se forman numerosos bucles rectos con cintas de paja, que se atan al lugar donde se unen los estambres y se distribuyen en 5 o 6 hileras. Los bucles se enrollan uno a uno, superponiéndose firmemente. Los puntos de unión se untan con pegamento y se cierran con los bucles de la siguiente hilera. Gradualmente, se forma una exuberante corola de la flor.

Coronas y uso ritual de plantas

Una corona es una decoración en forma de anillo hecha de flores, hojas, ramas o materiales que las imitan, con profundas raíces en la cultura rusa. En las tradiciones populares, funciona como recompensa, objeto ritual, elemento del atuendo de quienes realizan rituales y talismán. Las coronas se usan ampliamente en los trajes típicos de Ucrania y Polonia.

El material para las coronas es follaje y flores frescas, y con menos frecuencia, árboles de hoja perenne, agujas de pino, ramas y flores secas, paja, papel y lino. En otras épocas del año, se pueden usar flores artificiales. Las coronas, al igual que otros tipos de follaje, se utilizan para decorar edificios residenciales y comerciales, objetos rituales y mascotas.

La corona de Kupala era un atributo obligatorio de los juegos de Kupala. Se elaboraba con hojas y flores frescas antes del inicio de la celebración junto al fuego. Su uso ritual se relaciona con la comprensión mágica de su forma, que la asemeja a otros objetos redondos con agujeros (anillos, aros, kalach). Las costumbres de ordeñar o colar leche a través de ella, arrastrar objetos a través de ella, observar, verter líquidos, beber y lavarse a través de ella se basan en estas propiedades de la corona.

Las propiedades de las plantas utilizadas para hacer la corona (vinca, albahaca, rosa, geranio, mora, helecho, ramas de roble y abedul), así como el simbolismo del acto de crearla (tejerla, trenzarla) le confieren una semántica especial.

La corona nupcial es uno de los elementos principales de la ceremonia nupcial eslava, junto con el árbol nupcial, el pan y el estandarte. Es un símbolo del matrimonio.

La corona de la cosecha es un objeto ritual (guirnalda o corona) elaborado con mazorcas de maíz, que simboliza el final de la cosecha y transfiere el poder productivo del grano a la cosecha futura. Durante la cosecha, la corona, junto con la última gavilla, se lleva del campo a la casa, donde se guarda hasta la siguiente cosecha o siembra.

Chales de Pavlovo Posad

El famoso chal de Pavlovo Posad es un accesorio popular que ha adornado a mujeres de todo el mundo durante más de 200 años. Es un complemento tradicional ruso para atuendos, tanto en estilos folclóricos como modernos. Los chales de lana y semilana abrigan en las frescas noches de invierno, mientras que los de seda o batista crean un efecto refrescante y protegen del calor del verano.

Los pañuelos aparecieron en los armarios de las fashionistas en el siglo XVII y se convirtieron en un adorno predilecto de los ricos comerciantes. Un siglo después, la palabra persa "chal" se incorporó al léxico ruso, que comenzó a referirse a los grandes pañuelos estampados. Los regalos costosos solían obsequiarse a las novias y luego heredarse.

De la vida cotidiana campesina surgieron los adornos famosos: flores, patrones tallados de marcos de ventanas y ruecas, bordados caseros, elementos de la pintura de iconos.

En los siglos XVIII y XIX, comenzó en la Rus la producción en masa de bufandas estampadas y estampadas. Las granjas campesinas, con telares manuales y tintorerías, sentaron las bases de la futura producción industrial. Posteriormente, la mano de obra manual fue sustituida por las máquinas de vapor y las máquinas de impresión de calicó.

Los motivos florales son la base del diseño de los chales de Pavlovo Posad. Por ejemplo, el chal "Rosas Blancas" se produce desde 1953. Hoy en día, el motivo más común son las voluminosas guirnaldas de capullos entreabiertos y un abigarrado entretejido de diversas flores.

Aspecto etnobotánico

El estudio de las interacciones humanas con las plantas es el tema de la etnobotánica, una rama de la etnobiología. El objetivo principal de la etnobotánica es comprender cómo se utilizan y perciben las plantas en las sociedades humanas, incluyendo su uso como alimento, medicina, adivinación, cosmética, teñido de telas, construcción, herramientas, dinero, vestimenta, rituales, etc., y cuál es su papel en la vida social.

La historia de la etnobotánica se remonta a mucho antes que el término mismo, acuñado en 1895 por el botánico estadounidense John William Harshberger. Ya en el año 77 d. C., el médico griego Dioscórides publicó De Materia Medica, un herbario ilustrado con información sobre 600 plantas mediterráneas y su uso.

En la artesanía popular rusa observamos manifestaciones particulares del conocimiento etnobotánico acumulado por generaciones de maestros. La elección de ciertas plantas para su representación, los métodos de estilización y el significado simbólico de los elementos florales reflejan una profunda comprensión de la naturaleza y su conexión con la cultura humana.

El estado actual de la floristería en la artesanía popular

Las artes y artesanías populares rusas se originaron en la antigüedad y unen tradiciones culturales acumuladas a lo largo de decenas de generaciones. Rusia consta de numerosos distritos y regiones autónomas, cada una con sus propios tipos de artesanía, como la pintura sobre diversos materiales, la cerámica, la fabricación de juguetes tradicionales, la talla de madera y hueso, el tejido de encaje, la herrería y mucho más.

En la Rusia actual, un programa estatal especial apoya la artesanía popular antigua. Las obras del arte ruso antiguo han superado numerosas pruebas y han preservado tradiciones ancestrales transmitidas de padres a hijos, de maestro a maestro.

El bordado popular ruso conserva su encanto en el siglo XXI. Los diseñadores de moda utilizan sus patrones para crear nuevas colecciones, los símbolos rusos expresan patriotismo en el deporte y los empresarios utilizan la estilización eslava para posicionar sus marcas como nacionales. El bordado de estilo ruso decora ropa, toallas e interiores, y muchas personas regresan a los orígenes de la cultura eslava.

Los productos con pintura artística sobre madera, cerámica y hierro son valiosos objetos de la artesanía popular rusa. Las tradiciones de su producción se han conservado hasta nuestros días, y estas obras aún deleitan la vista con su belleza y artesanía.