Naturaleza muerta 
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La palabra "naturaleza muerta" es de origen francés y literalmente significa "naturaleza muerta". En pintura, esta palabra denota la imagen de varios objetos inanimados.
Referencias
En los siglos XV y XVI, una naturaleza muerta era solo una parte de la composición sobre lienzo. Por ejemplo, guirnaldas de flores alrededor de las figuras de Cristo y la Madre de Dios, pintando el reverso de las imágenes del altar, o simplemente cráneos en las manos de personas representadas en retratos.
En el siglo XVII, la naturaleza muerta se convirtió en un género independiente de pintura, que fue facilitado en gran medida por el trabajo de los maestros de las escuelas flamencas y holandesas. Los objetos representados en pinturas de esa época a menudo esconden en sí mismos una especie de alegoría filosófica: la inevitabilidad de la muerte y la fugacidad de todo lo terrenal, o los significados más amplios de los temas religiosos. Pero la naturaleza muerta de las flores está ganando gran popularidad: esto está directamente relacionado con las tradiciones de Holanda: sus propios jardines, villas de campo, plantas de interior, el amor por la floricultura es inherente a este país. Un ejemplo de un bodegón de flores holandés son las lujosas composiciones, creadas por el pintor Jan Davids de Hem.
Al escribir una naturaleza muerta, debe elegir un objeto digno para la imagen. Las verduras frescas encajan perfectamente. Sus colores brillantes te alegrarán cuando admires la imagen.
La naturaleza muerta es casi siempre un grupo de cosas conectadas por un significado común. Este grupo puede incluir objetos de la vida silvestre, pero aislados de su entorno natural, convertidos en una cosa: un pez en una mesa, un jarrón con flores o frutas, etc. A veces, la composición de una naturaleza muerta incluye una imagen de elementos vivos: pájaros, animales, insectos, personas, pero solo complementan la idea principal de la imagen. Una naturaleza muerta selecciona objetos del contexto general de la vida cotidiana, llama la atención sobre los detalles más pequeños y la estructura de las superficies, hace que te sorprendas por la belleza de las cosas ordinarias y las formas naturales, que la mayoría de las veces una persona no se molesta en considerar. sobre ellos con una mirada superficial.
Bodegón decorativo: las principales leyes de las soluciones gráficas
Bajo la naturaleza muerta decorativa a menudo se entiende un tratamiento muy arbitrario de la naturaleza, lo que lleva a su distorsión injustificada, porque la ignorancia de las leyes del trabajo en este género conlleva muchos errores. La pintura decorativa, como la pintura académica, se basa en leyes y principios estrictos. Y la capacidad de traducir la naturaleza representada del espacio tridimensional visible al espacio bidimensional y, al mismo tiempo, resolver con éxito los problemas creativos, compositivos y pictóricos es necesaria para todos los artistas de alto nivel, porque su trabajo está diseñado para decorar muchos interiores..
Todos sabemos que el "decorativo" de la palabra "decoración" - para decorar, decoración. La palabra tiene dos significados:
- un método destinado a crear una silueta expresiva que ha aumentado el arte en comparación con los objetos del mundo circundante;
- especificidad de las obras de arte planas.
Si observamos la historia de las bellas artes, notamos que todos los tipos de actividad visual que se pueden atribuir a la pintura, desde la antigüedad hasta el Renacimiento, son decorativos. Desde pinturas rupestres de cuevas, egipcio antiguo, griego antiguo, todo el arte de los pueblos de Oriente y Asia hasta los frescos de Giotto, el artista no "destruyó" la superficie gráfica, creando la ilusión del espacio, sino que conectó orgánicamente la superficie del imagen, independientemente de si era plana o voluminosa, con imagen.
En el siglo pasado, el famoso investigador de artes folclóricas y decorativas, que vivió y trabajó en Gzhel en un momento, AB Saltykov dijo que la pintura plana, de superficie y de silueta, por supuesto, es más capaz de enfatizar y expresar la forma.
A partir del Renacimiento, los pintores comenzaron a realizar otras tareas relacionadas con la transferencia de profundidad, espacio y aire en las obras que crean.
Un retorno a la decorativa en la pintura ocurrió en la era del Art Nouveau, poco antes de la formación final del estilo en el siglo XIX. En gran medida, esto se debió al descubrimiento del arte japonés, que retuvo, debido al aislamiento de su desarrollo, una base decorativa. La observación sensible y cuidadosa de la naturaleza, la visión precisa y confiable, la ligereza y la subestimación, al mismo tiempo, la expresividad y la consideración de la solución de la silueta en los grabados de artistas japoneses dieron lugar a imágenes únicas e inolvidables. Los leñadores Kutagawa Utamaro y Katsushiko Hokusai son ampliamente conocidos. Más de una generación de artistas ha sido educada en plástico impecable y composición proporcional del grabado japonés.
Finales del siglo XIX y principios del XX: una época de interesantes búsquedas y hallazgos creativos. Al trabajar en la naturaleza muerta, debe centrarse en este período particular en la historia de la pintura. El arte de los mejores maestros de la época combina una asombrosa expresividad de silueta, sofisticación, laconicismo compositivo e integridad, combinado con la rica experiencia de artistas de los últimos siglos en la creación de construcciones coloristas armoniosas, diversas y complejas. Por lo tanto, cuando se trabaja en una naturaleza muerta decorativa, se recomienda prestar atención al trabajo de artistas rusos famosos de la época: Alexander Golovin, Valentin Serov, Alexander Benois, Lev Bakst, Mikhail Vrubel, Alexander Lansere, Konstantin Somov, Alexander Kuprin., Ilya Mashkov, Pyotr Konchalovsky, Kuzma Petrov-Vodkin, Konstantin Yuon, Igor Grabar, así como pintores europeos: Henri Toulouse-Lautrec, Paul Cezanne, Camille Pissarro, Gustav Klimt y otros.
El proceso de trabajar en la naturaleza muerta comienza con la elección de un punto de vista sobre la naturaleza. Y si en una imagen realista, los ángulos complejos y la luz lateral serán la opción más exitosa, como la profundidad de espacio y la forma volumétrica más transmisoras, entonces en una luz decorativa, por el contrario, directa y el punto de vista "en frente" ser las mejores opciones, facilitando la resolución de la tarea.
Existen varias técnicas bien conocidas que mejoran la impresión de decoración:
- la introducción de un color o contorno acromático, combinando objetos eliminados de manera diferente en el mismo plano;
- saturación con un adorno;
- superposición de un tema por otra superposición;
- La vista trasera es visible a través del frente.
Las líneas pueden ser rectas o curvas, pueden crear su propio patrón simple o reforzar la diagonal o introducir repeticiones rítmicas horizontales o verticales, tal vez esto sea algo completamente inusual y nuevo, pero lo principal es que cualquier introducción al trabajo de la cuadrícula, el módulo, el aplastamiento La imagen mejora el efecto decorativo, porque combina planos y convierte todo el trabajo en un patrón rítmicamente organizado, y las repeticiones rítmicas, a su vez, mejoran la decorativa de la pintura.
La calidad, que es la condición principal de la imagen pintoresca, es la expresividad de la composición, que depende directamente del contraste encontrado correctamente, dándole poder decorativo. Pero hay contrastes estructurales que son más profundos y determinan la naturaleza de la imagen artística. En este sentido, debemos tratar de nivelar las asociaciones innecesarias que surgen, que interfieren con la percepción total del plano.
Considere las leyes básicas por las cuales se construye el trabajo en un bodegón decorativo. Existe la opinión de que la pintura decorativa es muy diferente de la pintura académica, que estas son dos cosas de un orden diferente. Analizaremos cuidadosamente cuál es la diferencia y qué es común entre la pintura académica y decorativa. Ambas leyes se basan en las mismas leyes: armonía de colores, color de consonantes, expresividad compositiva, organización rítmica de los elementos de una obra, solución imaginativa. También es necesario tener en cuenta la diferencia: en la pintura decorativa, el espacio bidimensional, en contraste con el académico tridimensional, por lo tanto, es necesario excluir la perspectiva lineal y aérea tanto como sea posible, tampoco hay transmisión ilusoria de forma volumétrica, pero la organización rítmica juega el papel más importante, ya que el ritmo ayuda a fortalecer la base decorativa de la pintura. Existe una actitud más arbitraria hacia el material natural y su mayor interpretación creativa para mejorar la expresividad de la composición y la presentación de la imagen.
El lado gráfico del trabajo es muy importante, sin una composición simbólica refinada, verificada y expresiva con una base simple y clara y un desarrollo complejo y diverso, no puede haber un trabajo digno.
Pero la característica más importante de la pintura es el color. Es por eso que la creación de un mosaico de colores encantador con sus contrastes y matices de color y tono, con acordes de colores fuertes y tonos sutiles es la primera tarea del estudiante. Sin esto, la pintura es seca y aburrida. Para transmitir el estado de ánimo, establezca, cree una imagen memorable por medio de pintura (color, composición, dibujo), esta es la tarea principal que enfrentan los estudiantes. La naturaleza representa el material más rico y diverso para la creatividad, solo necesita la capacidad de ver artísticamente y cambiar a un lenguaje pictórico que sea adecuado para cada caso individual. El objetivo de esta tarea es la formación de una mirada indiferente, no superficial, pero atenta, sensible y sutil a la naturaleza, el desarrollo de habilidades para traducir una imagen natural en un lenguaje decorativo.
Mucho se puede decir sobre el impacto emocional del color, sobre la mejora de su carácter decorativo, sobre los diversos grados de condicionalidad de una naturaleza muerta decorativa, desde aquellos más cercanos a la naturaleza en términos de desarrollar color y permitir un pequeño volumen, como un bajo relieve en un Imagen escultórica, a un cartel y un signo como un grado extremo de decorativa. Pero debemos resumir y decir que, en general, el trabajo en una naturaleza muerta decorativa no es un cambio de naturaleza de acuerdo con un principio arbitrario, se basa, como el trabajo en un trabajo académico de pintura, en ciertas leyes, cuyo conocimiento, por supuesto, es necesario al realizarlo.
Naturaleza muerta
Realización de bodegones con la imagen de ramos de flores y hierbas, la aplicación de tecnologías y técnicas de arte moderno en su implementación y su inclusión en el interior como un acento de color y dominante, combinado armoniosamente con la solución imaginativa y la imagen de lo artístico. La solución interior es una tarea importante en la búsqueda de nuevas soluciones creativas en el diseño interior de artistas contemporáneos.
La historia de la aparición y distribución de imágenes de ramos de flores y hierbas en el arte de la pintura y la solución artística del interior es interesante y multifacética. Un ramo pintoresco siempre ha servido como una mancha de color activo en el interior. Cuando lo incluye en el interior, es muy importante mantener la unidad estilística de todo el interior, resistir sus rasgos característicos y no violar la estructura figurativa y la decisión artística de todo el interior. Por lo tanto, no es casualidad que muchos artistas de diferentes épocas volvieran constantemente a la imagen de las flores en sus obras.
Los ramos de flores, en varios diseños, en varios tipos de arte, junto con otros motivos comunes, son uno de los motivos principales en el diseño de interiores. El significado simbólico de las flores en el arte tiene ricas tradiciones. Las hierbas de campo simbolizan la desesperanza, una guirnalda de flores se asemeja a un símbolo de la eternidad. Muchas flores y plantas son símbolos de las estaciones: los limones son invierno, las flores son primavera, las frutas son verano, las uvas son otoño.
El papel principal en la implementación de bodegones lo juega el estudio de la secuencia y la tecnología para la implementación de bodegones en colores, el estudio de obras maestras del arte mundial en esta área, la familiaridad con las nuevas tecnologías y materiales de arte que se pueden aplicar. en el trabajo sobre una naturaleza muerta con un ramo.
El cumplimiento de bodegones con ramos de flores y hierbas generalmente causa grandes dificultades, ya que trabajar en la imagen de la forma de una flor individual y un ramo en su conjunto, así como identificar la relación entre un ramo y una naturaleza muerta, es un tarea difícil y requiere un enfoque especial de la metodología y la tecnología para realizar bodegones.
Al crear una naturaleza muerta, es importante observar la secuencia metodológica. En la primera etapa, es necesario determinar el contenido general de color y tono de la producción, las principales relaciones de color, es necesario encontrar correctamente la composición de la obra, la proporción proporcional correcta de los objetos, determinar el lugar para todos los objetos y determinar el tamaño del ramo. El centro de la composición se puede distinguir usando una solución de contraste de flores y formas.
En casi todos los bodegones con flores, el ramo es el centro de la composición, sirve como color y acento compositivo, y realizarlo en color es la tarea más difícil para trabajar en una naturaleza muerta. Después de completar el boceto, es necesario transferirlo de manera correcta y más precisa a un formato grande y cómo determinar con precisión el lugar del ramo en la composición de bodegones. Luego puede pasar a la segunda etapa del trabajo: la implementación de una naturaleza muerta con un ramo de flores en color. No puede comenzar a trabajar con un estudio detallado del ramo, no necesita escribir cada flor y hoja por separado, debe comprender qué lugar ocupa el ramo en una naturaleza muerta, cómo se combina con el fondo y el En los objetos que lo rodean, es necesario identificar la naturaleza del ramo y las características principales de sus flores y hojas.
Al realizar un bodegón con ramos de flores y hierbas, puede enriquecer y complicar la imagen, logrando efectos adicionales mediante el uso de nuevas pinturas (volumétricas, fluorescentes, texturizadas), varios efectos de otros tipos de arte (por ejemplo, a mano -pintura pintada - sal), es posible, el uso de algunas técnicas profesionales del artista-diseñador en la imagen y transferencia de diversas texturas, la aplicación de las técnicas y capacidades del collage, etc.
Creando una naturaleza muerta con una cabeza de yeso
De gran importancia en el desarrollo de habilidades en pintura académica es el trabajo constante en producciones con moldes de yeso, que van desde simples, que consisten en solo un pequeño número de objetos de naturaleza muerta, hasta producciones temáticas complejas, que incluyen una figura y un interior, también como bodegones compositivos complejos de niveles múltiples. La importancia de realizar producciones con una cabeza de yeso se debe al hecho de que el dibujo y la imagen en el color de los moldes de yeso facilitan el estudio de las leyes de la naturaleza muerta. La forma de yeso es incolora, a diferencia del modelo vivo, por lo tanto, permite comprender más claramente la forma y transmitir el color blanco a través de la influencia del medio ambiente y la naturaleza de la iluminación. Trabajar en un bodegón con una cabeza de yeso ayuda a enfocarse en la forma, permite estudiar más a fondo esta forma, la naturaleza y las proporciones del modelo de yeso, ya que no hay movimiento en él y solo se revelan los detalles más característicos..
En diferentes épocas históricas y en todas las escuelas nacionales de pintura, había un interés en representar moldes de yeso antiguos y fragmentos de esculturas de la antigua Grecia y la antigua Roma. El tema principal de la imagen en estos bodegones era una cabeza de yeso, un molde de yeso, que subyugaba todos los objetos que la rodeaban y las cortinas.
La naturaleza muerta con yeso es un tema muy especial en el arte de la naturaleza muerta, en el que se encriptan las ciencias naturales, los puntos de vista religiosos y morales del hombre. En la historia de las bellas artes, hay muchos ejemplos de naturaleza muerta con una cabeza de yeso, que son un ejemplo de gran habilidad. Los destacados artistas rusos Levitsky, K. Bryullov, A. Ivanov, que no eran inferiores en términos de técnicas de dibujo y pintura a los grandes maestros de Occidente, prestaron gran atención al trabajo en una naturaleza muerta con yeso. La obra más famosa de los maestros occidentales es "Naturaleza muerta con los atributos del arte" de J.-B. Chardin, escrito en la década de 1760.
La condición principal para la implementación exitosa de un bodegón con una cabeza de yeso es un curso de trabajo consistente y sistemático. Al organizar una naturaleza muerta, es necesario determinar el contenido colorista y temático de la obra. Realizar una naturaleza muerta con una cabeza de yeso en varios colores ayuda a resolver el problema de formar las habilidades de la reproducción más precisa de las relaciones de color.
El concepto compositivo desempeñará un papel esencial en el desempeño de una naturaleza muerta. Es necesario pensar en el diseño de todos los objetos que componen la naturaleza muerta, encontrar su silueta, determinar la cantidad de acentos de color claros y oscuros, especialmente la transferencia de yeso blanco.
Antes de trabajar, debe realizar varios bocetos o estudios en color. El propósito de este trabajo es estudiar las leyes de la pintura, buscar colores y soluciones compositivas para el trabajo. Los estudiantes llevan a cabo el estudio para identificar y transmitir las características plásticas lineales más características de la naturaleza, las relaciones básicas de color y tono de la naturaleza muerta.
Al trabajar en yeso en color, los artistas deben prestar mucha atención a las sutiles transiciones tonales. El significado del tono en la pintura es de gran importancia. El tono incorrecto de un color en una obra en una pintura afecta negativamente la calidad de la obra. Cuando trabaje en una naturaleza muerta con una cabeza de yeso, así como cuando trabaje en cualquier pintura, debe recordar que los objetos cercanos tienen un tono diferente y determinar correctamente esta diferencia de tono.
Texto: Smirnov Vyacheslav Fedorovich