Nuevos estrenos mundiales de 2023 en citas de periodistas occidentales Traductor traducir

¿Qué nos ofrece el cine en este momento difícil? No todas las novedades de este año podrán aparecer en nuestros cines y en los servicios de transmisión rusos, pero las discutiremos de todos modos. Y en los comentarios sugieren dónde más puedes buscar, aquí: https://legalkino.net/movies/dramy/.

Proximidad

Teatro ⭐⭐⭐⭐ ⋅

Este ’sofisticado’ drama belga sobre la mayoría de edad ganó el Gran Premio en Cannes y merece una nominación al Oscar, escribe Deborah Ross en The Spectator. Pero ten cuidado: "necesitarás pañuelos y posiblemente más de una caja". El guionista y director Lucas Dont cuenta la historia de dos niños de 13 años (Gustav De Waele y Eden Dambrin) que pasan sus vacaciones de verano corriendo por campos de "flores hasta los hombros", montando en bicicleta y durmiendo en la casa del otro, con "extremidades entrelazadas".

Sin embargo, su inocente "amor sin complicaciones" se ve presionado cuando comienzan la escuela secundaria y luego se desmorona. Es un espectáculo desgarrador que se debe en gran parte a las producciones "maravillosamente naturalistas" en el corazón de la película. Todo esto recuerda la película de Rob Reiner Quédate conmigo (1986) y la famosa última línea del narrador: “Nunca he tenido amigos como los que tenía cuando tenía 12 años. Señor, ¿alguien los tiene?

“Esta película maravillosamente sutil tiene un poder emocional impresionante”, coincidió Robbie Collin en The Daily Telegraph. “Cada ritmo suena absolutamente cierto”, lo que tal vez no sea sorprendente ya que Dont escribe que la trama se inspiró en su propia experiencia. Incluso las escenas que "exigen lo imposible casi dramático de los actores" se filman con "movimiento seguro pero sin esfuerzo". "Es una gran película sobre la amistad, pero quizás una película aún mejor sobre estar solo". Según AO Scott en The New York Times, la producción tiene una "precisión desgarradora", pero a medida que la amistad de los chicos comienza a desmoronarse, la película pierde su belleza "tierna" y se vuelve "más convencional". Sin embargo, la "podredumbre" resultante no puede disipar la "percepción refinada de las primeras escenas".

Credo III

Teatro ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

Creed III es la novena parte de la franquicia de Rocky, pero "la primera sin el propio Rocky": Sylvester Stallone se negó a actuar, diciendo que el tono de la película era demasiado oscuro para complacerlo, escribe Larushka Ivan-Zade en Metro. Afortunadamente, incluso sin su presencia, la película resultó ser bastante buena. Michael B. Jordan regresa como el ex campeón de peso pesado Adonis Creed, que vive feliz con su familia en Los Ángeles hasta que su amigo de la infancia Damian (Jonathan Majors), un ex prodigio del boxeo adolescente, aparece después de 18 años en prisión.

Lo que sigue es la predecible "película de boxeo": "hay un perdedor presumido que persigue su oportunidad de alcanzar el estrellato, un entrenador sabio y hastiado, una pelea culminante y, por supuesto, un montaje de práctica", pero Jordan, haciendo su debut como director, "emocionadamente decide traer un género de nueva energía”, y en su mayor parte lo logra.

Esta película nunca alcanzará "las alturas del Credo original, que era" un equilibrio casi perfecto de corazón, cabeza y puños ", escribe Benjamin Lee en The Guardian, pero aún ofrece una dosis satisfactoria de grande y amplio" Entretenimiento Imax". Las escenas de boxeo son "emocionantemente emocionantes, y nos llevan dentro y alrededor de una serie de golpes brutales y bien capturados" y Majors es "un antagonista fantásticamente complejo". El problema es que es tan bueno que se roba la mayoría de las escenas que comparte con Jordan, "desequilibrando un poco la película en el proceso", escribe Matthew Bond en The Mail on Sunday. Hay otros problemas: el ritmo está apagado; necesitas conocer bien la historia de fondo de Creed” para entender lo que está sucediendo; y aunque las “escenas de boxeo cacofónicas” son geniales como siempre, Stallone falta aquí:

¿Qué es el amor aquí?

Rom-com (comedia romántica) ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

“Quizás injustamente, Jemima Khan fue definida por los hombres de su vida”, desde su difunto padre adinerado, Sir James Goldsmith, hasta su exesposo, el jugador de críquet y político Imran Khan, escribe Matthew Bond en The Mail el domingo. Pero ahora ha escrito y coproducido su propia película, "y es muy, muy buena".

Lily James interpreta el papel de Zoe, una aspirante a documentalista que decide hacer una película sobre los modernos matrimonios de conveniencia, siguiendo a su apuesto amigo y vecino Kazim (Shazad Latif) mientras se prepara para viajar de Londres a Lahore para conocer a la joven pakistaní. sus padres lo eligieron para ser su esposa. Ahora lo llamamos “matrimonio de asistencia”, explica. Pero, a pesar de la experiencia fallida de las citas, Zoe duda. El resultado es una "comedia romántica imaginativa" que logra ser "inteligente, perspicaz, sensible y divertida", y aunque el componente romántico de la historia no es "totalmente convincente", es "demasiado cursi".

Me temo que nada de esto nos convenció, escribe Robbie Collin en The Daily Telegraph. Lateef y James tienen "cero química" y sus repeticiones son "torpes", plagadas de "metáforas culturales torpes" ("No es un velo sobre tus pecados", espetó James en un momento, "es un maldito burka grande que envuelve todo tu cuerpo"). realidad!"). La película fue dirigida por Shekhar Kapur con "toda la vivacidad de un comercial de Halifax" y ni siquiera Emma Thompson como la "madre bebedora de pinot grigio" de Zoe puede salvarla. La intensidad sexual de la película no "hierve una huevo", coincidió Charlotte O’Sullivan del Evening Standard. Pero él "a veces es conmovedor" y merece crédito por aventurarse en un "territorio peligroso" para la comedia romántica, desde la islamofobia hasta la hipocresía de los ojos blancos.

oso de cocaina

Comedia de terror ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

Te acercas a una película como Cocaine Bear "con el espíritu del thrash love glee", con la esperanza de que proporcione 90 minutos de luz, "entretenimiento vulgar", escribe Deborah Ross en el Observer. Pero, por desgracia, a pesar de la promesa de una "blitzkrieg pública", no es un "oso con cocaína", en realidad es solo otra película de "animal al límite". La trama se inspiró en el evento de 1985, cuando un oso negro de 80 libras fue encontrado muerto en un bosque en el sur de los Estados Unidos con millones de dólares en cocaína en el estómago. En esta versión, el animal dibujado por los animadores devora cocaína y luego se vuelve loco tratando de conseguir más. En el camino, conoce a varios personajes "ordinarios", incluida una madre (Keri Russell) que busca a su hija y una "guardaparques apasionada" (Margo Martindale). El oso es el que menos se repite, dejando la sensación de que eres más un "oso de equipo", y aunque la película se anuncia como una "comedia de terror", en realidad no es ninguna de las dos cosas. Todo parece un “concepto de marketing llevado a la pantalla”.

Si crees que “un oso drogado no es un tema divertido, entonces me saltaría esta película”, escribe Brian Viner en el Daily Mail. Pero si estás de acuerdo con la idea general, Cocaine Bear ofrece "la experiencia cinematográfica más salvaje del año, no solo más divertida que la Babilonia de Damien Chazelle" sino, con 95 minutos, "la mitad del tiempo". También, por cierto, contará con la aparición en pantalla de despedida del difunto Ray Liotta, y puede que no sea demasiado spoiler decir que se va con un estilo inolvidablemente espeluznante. “La película no es tan buena como su tráiler o título”, escribe Mark Kermode en The Observer, pero es “divertida esporádicamente tonta, un carnaval irregular de miembros amputados” y “derrames intestinales”, atenuado por “sólo paródico, familia- sensibilidades Spielbergianas orientadas.”

Luther: Sol Caído

Teatro ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

“Trece años después de que Idris Elba se pusiera por primera vez ese sucio abrigo gris, el poco ortodoxo detective de televisión John Luther está de vuelta”, escribe Kevin Maher en The Times. "Y esta vez viene con un presupuesto de lujo de Netflix, muchas tomas geniales de helicópteros sobre el centro de Londres y una historia (del escritor Neil Cross) tan grandilocuente y sobrecargada que las risitas involuntarias siempre están presentes".

La historia comienza con nuestro héroe "cumpliendo condena en prisión por delitos contra los procedimientos policiales", sin embargo, pronto logra escapar y encuentra un digno adversario en el villano de Andy Serkis, David Robie, "un excomerciante megalómano de la ciudad con planes de asesinatos". Todo es bastante ridículo: en un momento, mientras interroga al tatuador, Luther grita: "¡Esta es la parte en la que te hago algo terrible, como tatuarte el maldito globo ocular!". - pero Elba interpreta este papel "con encanto y carisma alcista".

El problema es que la serie Luther de la BBC terminó "razonablemente bien" en 2019, y la película "nunca proporcionó una razón convincente para reiniciar la historia", escribe Ollie Richards en Empire. Si bien “la escala ha aumentado y hay algunas secuencias de acción razonables, hace poco para desarrollar el personaje y carece de la oscura creatividad de la serie. En lugar de ser siniestro, es básicamente una mezcla frenética de ridículo y desagradable", y si nunca has visto el programa, te quedarás "completamente perdido". Según Peter Bradshaw en The Guardian, el "énfasis en el horror absoluto y brutal" era bastante aburrido. Serkis "hace todo lo posible" como el "villano sonriente y furtivo" y Elba muestra su habitual "presencia poderosa", pero simplemente no se compara con la serie de televisión.

estafador

Teatro ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

“Si te gustan los dramas retorcidos de estafadores, te encantará Sharper”, escribe Alex Godfrey en Empire. La película se presenta en forma de varios capítulos, cada uno de los cuales se centra en un personaje diferente de la historia, pelando todas las nuevas capas de la cebolla y revelando niveles de engaño en espiral. En el primer capítulo, conocemos a Tom (Justice Smith), un librero solitario de Nueva York cuya vida cambia para mejor cuando una clienta llamada Sandra (Briana Middleton) ingresa a su tienda.

Pronto se desarrolla una relación feliz entre ellos, y cuando Tom descubre que el hermano de Sandra necesita urgentemente una gran cantidad de dinero, está feliz de ayudar. En este punto, nuestro romance romántico se convierte en un drama en el que “nadie es lo que parece, todos son tomados por tontos y la gente cruza la calle dos, tres, cuatro veces hasta el vértigo”. Todo esto es bueno, divertido y, por supuesto, emocionante, pero no debes esperar nada más. Hay algunos grandes actores aquí que disfrutan de sus papeles, pero hay muy pocos personajes que realmente te importen.

“Me gustó”, escribe Richard Lawson en Vanity Fair. El guión es "retorcido e inteligente", está bellamente filmado y tiene algunas secuencias geniales. Julianne Moore sobresale como una socialité elegante, y tiene una química increíble con Sebastian Stan interpretando al seductor ladrón. El director Benjamin Caron maneja la película con un "brillante pánico de vendedor de Tiffany", según Tim Robey en The Daily Telegraph, mientras ofrece "una semi-tesis sobre la riqueza, la amargura, la confianza y los derechos". El final es un poco plano: hay un engaño sofisticado que es demasiado fácil de descifrar. Pero en cierto modo, se adapta a una película que está más interesada en las grietas en la armadura de sus personajes que en los "trucos presumidos".

las mujeres hablan

Teatro ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

“Sobre el papel, Talking Women es difícil de vender”, escribe Deborah Ross en The Spectator. "Estas son mujeres que hablan y hablan y hablan después de haber tenido su experiencia más horrible a manos de hombres", lo que no suena muy "cinematográfico" y ciertamente no entretenido. Pero la película de la escritora y directora Sarah Polley es convincente, poderosa y "tensa como un thriller", y definitivamente vale la pena dedicarle 104 minutos.

La historia, basada en un incidente de la vida real que tuvo lugar en la comunidad menonita ultraconservadora de Bolivia en la década de 2000, gira en torno a ocho mujeres (interpretadas por un elenco estelar que incluye a Claire Foy y Jessie Buckley) que tienen dos días para negociar sobre cómo actuar. Se enteraron de que varios hombres en su colonia rociaron tranquilizantes para vacas a través de las ventanas de los dormitorios para poner a dormir a mujeres y niñas "con el propósito de abuso sexual y violación". ¿Qué debían hacer ahora, hasta que los hombres regresaran a la colonia desde la ciudad vecina? ¿Dejar? ¿Nada que hacer? ¿Quedarse y pelear? Piense en ello como "Los doce hombres enojados", pero en este caso es más como "Ocho mujeres enojadas". Y aunque la película es innegablemente "oscura", también es "sorprendentemente divertida" y esperanzadora.

“Hay uno o dos momentos bellamente interpretados”, escribe Matthew Bond en The Mail on Sunday. A pesar de esto, la película parecía "pesada". Fue adaptado de una novela de 2018 de Miriam Tows, pero tiene la atmósfera sofocante de una obra de teatro ambientada en un solo lugar y es demasiado "estático" para capturar completamente un tema "importante". Con su "paleta de colores aburrida, esta película suena más como un eslogan de ’come tus vegetales", escribe Robbie Collin en The Daily Telegraph. Pero si puede superar eso, es una "película de fuga de prisión" que captura de una "manera contemplativa, matizada y masticable" y está respaldada por una actuación de primer nivel.

Ballena

Teatro ⭐⭐⭐

“No ha habido nuevas películas de Brendan Fraser en los cines del Reino Unido durante más de una década, pero su última película seguramente será el regreso más grande e inesperado de este año”, escribe Robbie Collin en The Daily Telegraph. En The Whale, adaptación de la obra de teatro de 2012, Fraser (mejor conocido por la película de acción The Mummy) interpreta a Charlie, un profesor de inglés obeso que se come hasta la muerte en su desolado departamento de Idaho y busca construir puentes con su hija separada.

Se podría pensar que "La Ballena" sería un "espectáculo de fenómenos", pero es "algo mucho más raro y maravilloso: una parábola conmovedora pero compasiva de la gracia y la salvación contada con un poder verdaderamente bíblico". La actuación de Frazier funciona “en parte porque todavía podemos reconocer a nuestra figura favorita bajo el equipaje de la carne, pero también porque su actuación nunca es lamentable. Su Charlie es complejo, imperfecto, divertido y, por lo demás, total y radiantemente humano: es un personaje completo en varios sentidos".

"El regreso de Frasier a la pantalla grande sin duda llama la atención", escribe Kevin Maher en The Times, "pero esta película es una atrocidad grosera y grosera". La apariencia de la comida chatarra se trata con "un horror tan siniestro" que estaba reservado para la aleta de tiburón en Tiburón. "¡Con cuidado! ¡Detrás! ¡Caja de pizza!" es una secuencia repugnante de comer en exceso que se desliza hacia el territorio explosivo del Sr. Creosote de Monty Python. La Ballena puede estar nominada para un premio, pero está “impulsada por la misma dinámica de señalar con el dedo sin escrúpulos” que se encuentra en Fattest Men in Britain de Channel 4. escribe Deborah Ross en The Spectator. En cualquier caso, "no puedes quitarle los ojos de encima a Frazier" por mucho que lo desees.

San Omer

Teatro ⭐⭐⭐⭐ ⋅

“Esta excelente película en francés se inspiró en la propia experiencia de la directora Alice Diop cuando asistió a su juicio en 2016”, escribe Wendy Yde en The Observer. Kayijé Kagame interpreta a Rama, una escritora embarazada que viaja a la ciudad de Saint-Omer, en el norte de Francia, para supervisar un juicio penal como parte de su investigación para un libro. La acusada en este caso es una inmigrante senegalesa (brillantemente interpretada por Guslagy Malanda) acusada de matar a su bebé de 15 meses. Diop "retrata hábilmente a las dos mujeres como imágenes especulares distorsionadas la una de la otra" y la historia se convierte en "una exploración meditativa de la compleja conexión entre la mujer en el banquillo y el testigo". Todo ello da como resultado una película tan "intelectualmente rigurosa" como "intrigante".

Esencialmente, Saint-Omer es un "drama de pleitos", escribe Danny Lee en el Financial Times, "pero no presenta ninguno de los habituales ’clichés martilleantes". En cambio, es una película "compleja" y "en capas" que hace mucho más que simplemente recrear sin pensar lo que Diop vio en la corte (aunque parte del diálogo se toma más o menos literalmente de ese proceso). E incluso haciendo las preguntas más oscuras -cómo podría una madre matar a su propio hijo- insiste en que "nos esforzamos por obtener la imagen más completa, sin importar cuán matizada y contradictoria pueda ser".

“Me temo que St. Omer me pareció seco, aburrido y sin sangre”, escribe Kyle Smith en The Wall Street Journal. Sí, la película está libre de clichés y “se aferra a lo que a los críticos les gusta llamar ’austeridad formal’”, pero esto resulta en una experiencia verdaderamente dolorosa para el espectador promedio. Luego, cuando finalmente llega el final, "la historia se disuelve en la nada".

Fabelmans

Teatro ⭐⭐⭐⭐ ⋅

La carta de amor cinematográfica de Steven Spielberg a sus padres, el oficio de hacer cine y, francamente, a sí mismo, está llegando a la gran pantalla con múltiples nominaciones al Oscar. Y están bien merecidos. El libro de Fabelmans ha sido llamado "semi-autobiográfico", pero es más como "siete octavos" y ofrece una "mirada convincente" de cómo el cineasta de mayor éxito comercial de todos los tiempos fue cautivado por el medio que lo hizo famoso.

La historia comienza en 1952, cuando un joven Sammy Fabelman (el llamativo Spielberg) va al cine por primera vez a ver El mayor espectáculo del mundo. Está "simultáneamente hipnotizado y horrorizado por la escena del accidente de tren" y la reproduce en casa con su tren de juguete. Al final, su madre artística (Michelle Williams) sugiere que filme el accidente con la cámara de cine de 8 mm de su padre en lugar de repetirlo sin cesar.

La pasión sigue viva y seguimos a Sammy durante los próximos diez años mientras él y su familia se mudan de Nueva Jersey a Arizona y finalmente a California, perfeccionando sus habilidades cinematográficas en el camino. La película está “impregnada de calidez, ternura y encanto”, tiene “mucho humor suave”, así como algunos papeles excelentes, en particular, Gabriel LaBella (como un adolescente Sammy) y Williams.

La película podría ser fácilmente "sentimental y vulgar", escribe Deborah Ross en The Spectator, "otra película mágica". Afortunadamente, es mucho más que eso. “Esta es una película sobre la familia, sobre la complejidad de la familia, es muy personal, conmovedora, emocionante y llena de amor”. La película no tiene una trama como tal, sino que consiste en una serie de flashbacks, y esto funciona bien, ya que cada escena "aumenta su poder acumulativo". Es "un poco vulgar" pero "saldrás del teatro con una sonrisa de oreja a oreja".

En los 52 años transcurridos desde la película debut de Spielberg, Duel, "las casas destruidas se han convertido en un elemento básico de su trabajo", al igual que la imagen recurrente de "una cara conmocionada, boca abajo y con los ojos como platos a la luz", escribe Robbie Collin en The Daily. Telégrafo. Esta película sirve como una historia de origen "impresionantemente tierna" para ambos. En él, Spielberg revela que, a los 76 años, sigue siendo “un niño con todo un medio en sus manos”.

“Sin embargo, me preocupa que esta sea una de esas películas que es otro ejemplo más de ganadores de premios que no coinciden con el gusto popular”, escribe Mark Kermode en The Observer. No es que “no puedo decir nada malo de los Fabelman, por supuesto, me gustaron, ¡soy crítico de cine! Pero también podría decirse que es la película casera más lujosamente editada jamás hecha". Esto, en última instancia, es tanto "su gran fortaleza como su fatal debilidad".

boda a punta de pistola

Romcom ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

“Cuando escucho las palabras ’comedia romántica con temática de bodas protagonizada por Jennifer Lopez’, saco mi arma”, escribe Leslie Felperin en el Financial Times. "Aún así, es una agradable sorpresa". López interpreta a Darcy, una novia de mediana edad que está a punto de casarse con su prometido Tom (Josh Duhamel) en un resort de lujo en una isla de Filipinas cuando un grupo de piratas, "no muy divertido", aparece y toma a los invitados como rehenes. La dirección de Jason Moore (Pitch Perfect) es "afilada como un cortador de pastel, y el guión de Mark Hammer no pierde ni un solo error". Pero lo que realmente le da impulso a la película es "la selección de agentes durmientes en papeles secundarios como la divina Jennifer Coolidge y la proteína D’Arcy Carden".

La comedia romántica tiene una apariencia "dura" y "cínica", lo que crea algunos problemas, según Tim Robey en The Daily Telegraph. Por ejemplo, “cuando todo el elenco trata de cantar con sentimiento, es tan inapropiado que preferirías estremecerte antes que desmayarte”. Por otro lado, la película "no se aburre de las bodas", lo cual es refrescante, y tiene "un clímax aéreo de percusión que es mucho mejor que el habitual primer baile". En el "género nauseabundo-dulce", "Shot Wedding" es "una acidez casi vigorizante".

Según Calum Marsh de The New York Times, hay muchas cosas que no me gustan de esta película: se esfuerza demasiado por ser divertida y gran parte del diálogo se siente "enlatado y falso". Pero López es hermosa, la relación de amor y odio entre ella y Duhamel es "encantadora" y convincente, y todo es agradablemente simple.

Avión

Acción ⭐⭐ ⋅ ⋅ ⋅

En esta película de acción llena de acción, Gerard Butler interpreta a un ex piloto de la RAF que ahora se gana la vida volando rutas comerciales en el sudeste asiático, escribe Wendy Yde en The Observer. Su próximo viaje es más importante que la mayoría: es la víspera de Año Nuevo, y si todo sale según lo planeado, se reunirá con su hija al final. Desafortunadamente para él, las cosas no salen según lo planeado, ya que tiene que lidiar con el mal tiempo y con un prisionero encadenado a bordo (Mike Colter) que está siendo extraditado para ser juzgado por asesinato. La película puede ser "grande, beligerante y algo poco elegante en su enfoque", pero no se puede negar que también es "un buen momento con combustible para aviones". Piense en Die Hard y Big Jet TV (o Flying Stout, si lo prefiere).

“Me temo que no me gustó”, escribe Kevin Maher en The Times. “Por un lado, la acción está mal organizada y el guión es un poco como una película de serie B” (“¡Tengo una hija y tengo toda la intención de volver a abrazarla y volver a casa!”, nuestro héroe maldice a uno punto). “Por otro lado, para una película llamada Airplane, pasa muy poco tiempo en un avión”.

La película, coescrita por el novelista de espías Charles Cumming, es "absurdamente machista", escribe Matthew Bond en The Mail on Sunday, y es un horrendo anuncio de viajes del sudeste asiático. Pero también es pura diversión con ametralladoras. Si simplemente se relaja, puede encontrar que la película es "sorprendentemente efectiva a pesar de su evidente falta de presupuesto".

Babilonia

Teatro ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

“El final de la década de 1920 en Hollywood fue una época de excesos exagerados y narcisistas”, escribe Brian Viner en el Daily Mail, por lo que es “muy apropiado” que la Babilonia de Damien Chazelle esté “muy abierta a la misma acusación”. Sin embargo, "hay mucho para disfrutar durante las más de tres horas, incluido un comienzo bravura y un final brillante".

La película está ambientada en Bel Air de 1926, donde un trabajador inmigrante mexicano (Diego Calva) está tratando de llevar un elefante a una fiesta desenfrenada de Hollywood, preparando el escenario para "una de las defecaciones más ruidosas que jamás haya visto en la gran pantalla". pantalla." Es en esta "orgía de la decadencia" que conocemos a Nellie (Margot Robbie), la aspirante a estrella "imprudente, imprudente", y Jack (Brad Pitt), el ídolo de matiné cansado. A partir de este momento, la película pasa de "un escenario visualmente impresionante" a otro, con poca o ninguna conexión entre la trama de los dos. La película tiene algunas escenas geniales, incluido Tobey Maguire como el "jefe de la pandilla", pero la película "con demasiada frecuencia se siente como un programa de bocetos extendido".

“Esta epopeya de Tinseltown de baja calificación es el equivalente cinematográfico de un viaje en montaña rusa a través de una guarida de drogas de la Era del Jazz, completa con histeria, suicidio, orgías y descargas humanas”, escribe Kevin Maher en The Times. "Pero no dejes que eso te desanime". Robbie nunca ha estado mejor, y la película tiene una maravillosa "vibra vertiginosa y llena de endorfinas".

Fracasó en los EE. UU., pero con un poco de suerte encontrará su audiencia en Europa como "vale la pena verlo". No es seguro que este sea el caso, escribe Manohla Dargis en The New York Times. "Lo mejor que se puede decir sobre esta tontería de ’autoindulgencia’ es que demuestra que los estudios de Hollywood todavía tienen dinero para gastar". A pesar de toda su acción frenética, la película parece estar "desprovista de jugosidad", todo en ella está "sincronizado con el mismo tempo monótono y acelerado".

dave banco

Teatro ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

Inspirada en hechos reales, Dave’s Bank de Netflix es "una historia hilarante de gente común que se enfrenta a la élite financiera educada en Eton", escribe Wendy Yde en The Observer. Rory Kinnear interpreta a Dave Fishwick, un propietario millonario de un concesionario de furgonetas Burnley que, en 2011, en respuesta a la renuencia de los bancos a prestar a las pequeñas empresas después de la crisis, creó su propio modelo impulsado por la comunidad. "Debido a su flagrante regionalismo (la palabra ’Londres’ se pronuncia con tanto desdén como si se hubiera sumergido en una alcantarilla húmeda), la película comparte muchas similitudes con la película de cabañas marinas de Cornualles Fisherman’s Friends, incluido el director Chris Foggin". La trama secundaria romántica que involucra a la sobrina de Dave (Phoebe Dynevor) es "redundante", pero Kinnear ofrece una "actuación sólida y bonita,

“Realmente no me atrapó”, escribe Deborah Ross en The Spectator. "La película se anuncia como una historia ’real’, y aunque Dave Fishwick es una persona real, Google muestra que la historia no es del todo cierta". Hay tantos "elementos ficticios" en la película: el romance, los juicios y, lo más extraño, la aparición de Def Leppard, que la película se "distrae y, a menudo, pierde de vista a su personaje principal". Por supuesto, "hay encanto", pero "todo es bastante unidimensional, como el guión". Los personajes secundarios se sienten como si fueran "generados por algoritmos", escribe Kat Clark en The Guardian. Sin embargo, también hay compensaciones. Es una historia desgarradora con un mensaje de "la codicia es mala" que pocos pueden discutir, y Kinnear es "genial". Hay una fórmula aquí,

querida Alice

Suspenso ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

“Anna Kendrick es mejor conocida por las comedias musicales de Pitch Perfect, pero su último proyecto, Alice, Darling, está intrigantemente fuera de tema”, escribe Robbie Collin en The Daily Telegraph. Interpreta a Alice, una joven profesional “cuyo compañero obsesionado por el control, Simon (Charlie Carrick), la hace andar de puntillas constantemente sobre cristales rotos”. Cuando él tiene un día difícil en el trabajo, ella debe cambiar de inmediato al "modo relajante", cuando sale con amigos, "su teléfono siempre está sonando", y Simon la molesta con "acoso entrometido y demandas de fotos explícitas". El fin de semana, sin embargo, le da la oportunidad de "desintoxicarse" y pronto sus amigos notan que algo anda mal. La actriz Kendrick "siempre ha estado de humor para la diversión por defecto", por lo que es un shock verla tan "paranoica y vidriosa". Mientras tanto, Los "elementos de suspenso se acumulan en silencio pero en broma" hasta que la película alcanza su clímax "inteligente" aunque limpio. Este es un drama "modesto", pero "pulido".

Dear Alice es el debut como directora de Mary Nighy, hija de los actores Bill Nighy y Diana Quick, escribe Matthew Bond en The Mail on Sunday. Para un primer debut, ese es un logro "impresionante", pero la película también es una "vieja película pesada" y, en particular, seguramente pondrá a prueba a "cualquiera con un trastorno alimentario o un problema de autolesión".

“Lo encontré bastante triste”, escribe Kyle Smith en The Wall Street Journal. La película está llena de "música aburrida" y "primeros planos de la expresión demacrada de Alice", y su "estado de ánimo de abatimiento se vuelve monótono". Al final, como los amigos de Alice, que siempre ruegan, "el espectador queda atrapado en sus arenas movedizas emocionales".

Alquitrán

Teatro ⭐⭐⭐⭐ ⋅

En esta película "emocionante", Cate Blanchett interpreta el papel de una directora mundialmente famosa que está a punto de grabar la Quinta Sinfonía de Mahler, escribe Deborah Ross en The Spectator. Hay mucha otra música clásica en la película, un poco de Elgar, "un poco de Bach", pero decir que es una película sobre música "es como decir que Citizen Kane es una película sobre luge". La película trata “sobre el poder”, y sobre si es posible “separar el arte del artista”. Si eso suena decente, no temas: aunque Tar dura 158 minutos, "no se prolonga ni un segundo".

Conocemos a Lydia Tar en el mejor momento de su vida cuando Adam Gopnik de The New Yorker la entrevista en el escenario. “Su vida se ve genial”: el departamento que comparte con su esposa (Nina Hoss) “podría ser una galería de arte”, sus jets son privados y “su guardarropa es exquisito”. Pero pronto queda claro que no todo es lo que parece. "¿Es ella una depredadora sexy?" ¿Quién es Tar, en realidad? A medida que avanza la historia, la película se vuelve "tensa como un thriller" gracias a la actuación "increíblemente genial" de Blanchett. Si no gana un Oscar por eso, "me comeré el sombrero".

Blanchett es "electrizante", coincidió Wendy Yde en The Observer, pero la "brillantez" de Tar es cómo "el cine reproduce la naturaleza traidoramente seductora y materialista de su protagonista". El director Todd Field (Little Kids, In the Bedroom) hace que nunca sepas lo que estás viendo, ya sea un "accidente automovilístico en cámara lenta" en un drama de cancelación de #MeToo o un "thriller sobrenatural". Sea lo que sea, los resultados son “fenomenales”. Es una de esas películas que "no está interesada en ofrecer a nadie un juego de niños", escribe Andy Lee en el Daily Express. Y si bien puede ser "pretencioso" y "corrosivo", es posible que se te meta debajo de la piel".

M3GAN

Terror ⭐⭐⭐⭐ ⋅

M3GAN es una adición extremadamente entretenida al subgénero de terror "juguetes malos". Según Alistair Harkness en The Scotsman, M3GAN es una película sobre un títere controlado por IA que pierde los estribos. M3GAN (abreviatura de "Android Generativo Modelo 3") fue desarrollado por una ingeniera de una empresa de juguetes de Seattle que se encontró al cuidado de su sobrina de 11 años (Violet McGraw) cuando de repente quedó huérfana. La ingeniera (Allison Williams) no es muy buena con los niños, así que lleva el prototipo M3GAN a casa para cuidar a los niños. Pronto resulta, por supuesto, que M3GAN es una "versión de cuatro pies" asesina de Terminator, aunque más parecida a Taylor Swift que a Arnold Schwarzenegger. Tiene algunas buenas cualidades como niñera: por ejemplo, anima a su pupilo a usar el puesto; pero cuando ve que la están acosando, ella pierde los estribos y le arranca las orejas al matón. "Es una película muy ’estúpida’, pero muy divertida, tiene muchos chistes buenos y algunas ’historias de terror que saltan".

“El gran director Gerard Johnston y el ingenioso guión de Akela Cooper no es una película de terror, ni un slasher ni una comedia negra, sino una mezcla terriblemente agradable de las tres”, escribe Brian Viner en el Daily Mail. Quizás, sobre todo, es "una sátira traviesa sobre la inteligencia artificial con ecos retumbantes del monstruo de Frankenstein".

“No esperaba que me gustara, pero me gustó mucho. M3GAN tiene momentos fugaces de horror”, escribe Kevin Maher en The Times, pero en esencia es un “horror familiar” pasado de moda que explora “el impacto perjudicial de la tecnología moderna” en la crianza de los hijos. “Todo termina con un final completamente alucinante y una trama obvia para una secuela. Lo cual, por una vez, será bienvenido.

gente enis

Terror ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

“Con su revolucionaria película de 2019 The Decoy, el cineasta de Cornualles Mark Jenkin ha demostrado ser el creador de un “cine expresionista audaz y extraño”, escribe Peter Bradshaw en The Guardian. Ahora ha perfeccionado su "estilo único y afilado para un espeluznante poema en prosa sobre la soledad".

Ambientada en 1973, Anis’s People está protagonizada por Mary Woodwin como una mujer sin nombre que vive en una remota isla de Cornualles, donde observa una vista de las flores silvestres que crecen en un acantilado. Todos los días mira las flores, por la noche lee y escucha la radio. Sin embargo, este "estado constante de eremitorio se rompe" cuando ve aparecer un liquen en una de las flores, y descubre que también crece en su piel. "No es una película de miedo en el sentido convencional, pero hay algo inquietante en el simple espectáculo de estar solo: sin compañía, sin televisión, sin compras, sin entretenimiento". La película "te hace mirar dentro de ti mismo y realmente te lleva al borde de algo parecido a la locura". Esta es una película inusual filmada con "verdadero arte".

“Si tiene ’gustos convencionales’, puede encontrar esta película ’demasiado experimental’”, escribe Matthew Bond en The Mail on Sunday. “Pero encontré en él una alegría “extraña y atmosférica”. Deliberadamente tosca en los bordes, también presenta el mejor uso de impermeables rojos desde Don’t Look Now”. Es cierto que “algunos quedarán desconcertados, incluso decepcionados, por una narrativa que se desliza hábilmente entre el sueño y la realidad”, escribe Mark Kermode en The Observer. “Creo que el mejor enfoque es simplemente dejar que los Enys Men te ahoguen en sus intensos encantos sensoriales; sentir, no ver.

imperio de la luz

Teatro ⭐⭐ ⋅ ⋅ ⋅

“El Imperio de la Luz irregular y en expansión de Sam Mendes flota con muchos temas, pero pocas ideas coherentes para unirlos”, escribe Wendy Yde en The Observer. La película está ambientada en una ciudad costera inglesa en la década de 1980. Olivia Colman interpreta a Hilary, una gerente con problemas en un cine de mala muerte que se involucra románticamente con Stephen, un trabajador negro mucho más joven (Michelle Ward). “Colman es un talento fenomenal y Ward muestra potencial”, pero la película “yuxtapone de manera incómoda problemas de salud mental y violencia por motivos raciales” y luego trata de unir todo con “una tesis locuaz sobre el poder unificador del cine”. A pesar de los esfuerzos del veterano director de fotografía Roger Deakins, quien le da a la película un "estilo visual" bienvenido, simplemente no es tan buena.

En Empire of Light, finalmente obtenemos la respuesta a la gran pregunta: ¿Puede Olivia Colman salvar cualquier película en la que esté? “Desafortunadamente”, escribe Deborah Ross en The Spectator, “la respuesta es no”. La película, "particularmente sin alma, pedestre y lenta", ha sido llamada "una carta de amor al cine", pero casi nadie en ella parece ver las películas, y mucho menos amarlas, y tienes la sensación de que la historia "podría también se han ambientado en una carnicería". El guión podría haber sido mejor. Durante el contacto sexual, escuchamos: "Tu trasero se siente tan bien en mis manos". Este es el primer proyecto de Mendes como único escritor, "y no digo que deba ser retirado del teclado, pero ¿quizás los amigos y la familia podrían disuadirlo con tacto?". Tenía muchas ganas de "Empire of Light", pero ella fue “una leve decepción” para mí”, escribe Brian Viner en el Daily Mail. Nunca creerás que existe una "conexión sexual y emocional" entre Hilary y Stephen. Sin embargo, es "bastante visible".

Un hombre llamado Otto

Teatro ⭐⭐

“The Man Called Otto, en la que Tom Hanks frunce el ceño vestido con anoraks como un viudo al borde de la muerte, bien puede presumir de ser la película más inofensiva jamás realizada”, escribe Tim Robey en The Daily Telegraph. “Una comedia dramática simulada en la que ninguno de los lados causa mucha impresión”, la película es una nueva versión del éxito sueco “A Man Called Ove” (2015) que tenía un agradable “nivel de melancolía escandinava mortal” que falta aquí. Hanks interpreta a Otto, un aburrido jubilado cuya rígida rutina diaria se ve interrumpida cuando una familia se muda a su calle y trata de entablar amistad con él. Si has visto Gran Torino de Eastwood o Weather Man de Nicolas Cage, sabes con qué tipo de arco de redención terminamos, pero es una versión plana y rudimentaria.

“El problema es que Hanks simplemente no es tan aburrido como convincente”, escribe Peter Bradshaw en The Guardian. Es demasiado lindo. Y con “su feroz corte de pelo corto y su cara abierta y vacía, parece muy familiar. No un gruñón, sino un Gump. Aún más inquietantes son las escenas "provocadoras y desconcertantes" en las que intenta suicidarse. Estas escenas no son lo suficientemente serias como para "hacer justicia al tema", pero tampoco son "lo suficientemente oscuras para una comedia negra oscura", por lo que aterrizan de manera muy incómoda.

“La película es formulada y, a menudo, desgastada”, escribe Thomas Floyd en The Washington Post, “pero encontré algo relajante en su visión sincera de una familia “encontrada” y sus virtudes. La película A Man Called Otto es un "entretenimiento acogedor para el público", y "no hay nada de malo en eso".

Quiero bailar con alguien

Teatro ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

“El trágico viaje de Whitney Houston de ser la novia de todo Estados Unidos a drogadicta ha sido documentado exhaustivamente durante años”, escribe James Mottram en Metro. Pero la película Quiero bailar con alguien, que fue licenciada por los herederos de la cantante y que hace un uso extensivo de su música, "evita en gran medida palear la tierra, prefiriendo en cambio celebrar su talento".

Houston interpretó a Naomi Eki, quien, a pesar de ser del noreste de Londres, logró encarnar a la chica de Nueva Jersey que solo quería crear "grandes canciones" desde el principio. La película narra cómo Houston se convirtió en una sensación del pop con la ayuda del productor Clive Davis (Stanley Tucci), y aunque relata su prematura muerte a la edad de 48 años, nunca causa depresión, que es el "gran logro" del director Kasi Lemmons. Es cierto que esta es una "versión refinada de 12 pulgadas" de su historia, pero ofrece una mirada "decente" y muy visible a "una de las divas más grandes que hemos tenido".

Hay suficientes lentejuelas y pedrería para llenar el "patio de recreo con brillantina para todos los pequeños del mundo", escribe Leslie Felperin del Financial Times, pero "¿cuál es el inconveniente?" Bueno, la película "no hace mucho para mostrar por qué deberías admirar, mucho menos amar y llorar al difunto cantante". Al representar nada más que "un montaje largo y frenético", no logra comprender "qué tenía de especial el talento musical de Houston". Y eso no nos dice mucho sobre ella como persona, escribe Brian Wiener en el Daily Mail. Se ha sugerido que Houston fue abusada de niña y tuvo una relación difícil con su madre, pero ninguno de estos temas se aborda aquí. Pero si "solo necesitas una razón para volver a escuchar esa increíble voz", I Wanna Dance With Somebody es "

ojo azul pálido

Suspenso ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

Ambientada en los Estados Unidos de la década de 1830, el cansado detective Augustus Landor (Christian Bale) es convocado a una academia militar para resolver un misterio en este "drama de suspenso gótico repleto de estrellas" ambientado en los Estados Unidos de la década de 1830, escribe Matthew Bond en The Mail on Sunday. El cadete parece haberse suicidado, pero su cadáver ha sido mutilado y su comandante quiere que Landor averigüe por qué. Es reacio al principio, pero se "anima" cuando conoce a un extraño joven cadete - "un tal Edgar Allan Poe, nada menos" interpretado por Harry Melling (Dudley Dursley en las películas de Harry Potter) - que tiene algunas ideas útiles sobre que puede pasar El director Scott Cooper crea una "atmósfera oscura y ventosa" y "dibuja una interesante variedad de actuaciones" de un elenco que incluye a Toby Jones, Gillian Anderson y Charlotte Gainsbourg. Sin embargo,

La "policía de la representatividad" seguramente odiará esta película "retorcida, retorcida", ya que los personajes femeninos en ella son en su mayoría "prostitutas, haridans, madres locas o víctimas", escribe Kevin Maher en The Times. Pero si puedes sobrevivir, entonces tendrás algo para disfrutar. El guión es "hermoso" y la actuación impecable, "todos los actores interpretan con una dedicación que solo se suma a la sensación de horror existencial de la película". La película "se ve increíblemente atmosférica", pero "me temo que no me gustó", escribe Wendy Yde en The Observer. Durante la primera hora, es un "misterio deliciosamente morboso" solo decepcionado por el "acento estadounidense ligeramente descuidado" de algunos actores secundarios británicos, pero luego la historia se desmorona en un "acto final desordenado y bastante estúpido".

Cuerpo

Teatro ⭐⭐⭐⭐

"Corsage" es un drama "estricto" en alemán, que representa la vida doméstica de la emperatriz Elisabeth de Austria de los Habsburgo en 1877, el año de su 40 cumpleaños, escribe Peter Bradshaw en The Guardian. Kaiserin (Vicky Krieps) es representada como “una mujer de pasión y descontento” que enfrentó “un gélido rechazo de la corte y la familia de su marido infiel Franz Joseph” (Florian Teichtmeister), y fue una figura solitaria en “enormes y fríos salones y comedores lúgubres” en los que se ganaba la vida. En muchos sentidos, un "estudio de la ira", la película de la directora Marie Kreutzer se basa en la actuación "estimulantemente furiosa" de Krips y explora con éxito "cómo las mujeres están aisladas y limitadas por cualquier estatus" que hayan logrado adquirir.

Corsage no es “otra película sobre una mujer acosada por reyes malos”, escribe Deborah Ross en The Spectator. "Es más una mirada a la cultura de las celebridades y cómo dejar de ser deseable", y lo encontré "hechizantemente triste". La película es bastante "metafórica" ​​(tiene muchas habitaciones que se derrumban y clips de Elizabeth usando corsés tan apretados que "apenas puede respirar"), pero está "bellamente fotografiada" y se une como un "retrato complejo de un espíritu inquieto"..

Según Robbie Collin en The Daily Telegraph, ha habido películas sobre la vida de Elizabeth antes, pero ninguna de ellas se ha hecho en un "registro tan irónico y frío como el hielo" como The Corsage. Krips interpreta a la emperatriz con una "sofisticación deliciosa", pero la brillantez de su actuación "se debe en parte a cómo hace que este personaje quisquilloso se sienta comprensivo". Estarás "inquebrantable" del lado de Elizabeth, incluso si "nunca puedes estar seguro de que ella estará de tu lado".