Género de comedia:
La evolución del humor Traductor traducir

La comedia, como género cinematográfico, surgió casi simultáneamente con el nacimiento del cine y ha recorrido un largo camino desde los cortometrajes mudos hasta las comedias taquilleras modernas. La primera película de comedia, L’Arroseur Arrosé, dirigida por los hermanos Lumière en 1895, mostraba a un jardinero siendo rociado con agua de una manguera. Esta película de 49 segundos creó un nuevo género e inspiró a su público. A lo largo del último siglo, la comedia ha experimentado muchos cambios, reflejando las innovaciones tecnológicas, los cambios sociales y los gustos cambiantes del público.

La era del cine mudo y el nacimiento del cine de comedia

La comedia muda como estilo cinematográfico surgió a principios del siglo XX. A diferencia de la mímica, la comedia muda se desarrolló específicamente para la era del cine mudo (décadas de 1900 a 1920), cuando las bandas sonoras sincronizadas con los diálogos no estaban disponibles tecnológicamente para la mayoría de las películas. Durante esta época, los actores cómicos hicieron especial hincapié en el humor visual y físico, utilizando gags visuales para contar una historia y entretener al público.

Muchas de las técnicas empleadas en la comedia muda se inspiraron en la tradición del vodevil, y muchas estrellas de la comedia muda, como Buster Keaton y Charlie Chaplin, comenzaron sus carreras en el vodevil. Estos gags a menudo implicaban formas exageradas de violencia, un estilo que se conoció como "slapstick". Ejemplos clásicos de técnicas de comedia slapstick incluyen caerse, resbalarse con cáscaras de plátano, ser rociado con agua y recibir un pastel en la cara.

A medida que el cine pasó de ser una novedad, inicialmente centrada en capturar lugares exóticos y la acción cotidiana, a una industria consolidada a principios del siglo XX, los cineastas comenzaron a contar historias de ficción escritas y filmadas en estudios. Antes de 1902, estas películas solían durar solo unos minutos y consistían en un solo plano. Para 1902, cineastas como Georges Méliès comenzaron a crear películas más cercanas a una sola bobina (unos 10 minutos de metraje), utilizando múltiples planos. La comedia surgió como un género diferenciado durante este período.

La primera estrella internacional de la comedia muda fue Max Linder, un comediante francés que trabajó para el estudio cinematográfico Pathé. Su personaje, un caballero bigotudo de clase alta con sombrero de copa, destacaba por convertir situaciones sencillas y tareas cotidianas en eventos caóticos. Su estilo cómico fue ampliamente imitado por los comediantes mudos que siguieron sus pasos.

Charlie Chaplin y el fenómeno del vagabundo

Sir Charles Spencer "Charlie" Chaplin (16 de abril de 1889 - 25 de diciembre de 1977) fue un actor cómico, director y compositor inglés que saltó a la fama durante la era del cine mudo. Su carrera comenzó como actor infantil de vodevil y se extendió por más de 75 años, desde la época victoriana hasta finales de la década de 1970. Chaplin se convirtió en un ícono internacional por su personaje cinematográfico, el Vagabundo, y es considerado una de las figuras más importantes de la historia de la industria cinematográfica.

El personaje del Vagabundo, con su característico bigote, bombín, bastón y andar de pato, se convirtió en una de las imágenes más reconocibles de la historia mundial y un símbolo de la era del cine mudo. Chaplin también escribió, dirigió, produjo, editó y compuso la música de la mayoría de sus películas. Era un perfeccionista, y su independencia económica le permitió dedicar años al desarrollo y producción de un proyecto cinematográfico.

Chaplin era un maestro de la mímica, y la llegada del sonido lo alarmó. Tras muchas dudas, estrenó su película de 1931, Luces de la ciudad, en formato mudo, a pesar de la adopción generalizada del cine sonoro después de 1929. Era una historia dulce y abiertamente sentimental en la que el Vagabundo se enamora de una florista ciega y jura devolverle la vista. La banda sonora, el único elemento "sonoro" que ofrecía la película, fue compuesta por Chaplin, y él dirigió la grabación; a pesar de la falta de diálogos, fue un éxito rotundo.

En 1936, Chaplin estrenó Tiempos Modernos, una película híbrida, esencialmente muda, con música, efectos de sonido y breves fragmentos de diálogo. Chaplin también le dio voz a su Vagabundo, cantando una canción en un galimatías. Chaplin interpretó a un obrero de fábrica sin nombre, deshumanizado por la tarea insignificante que se ve obligado a realizar: apretar tornillos en piezas que se mueven a toda velocidad por una cadena de montaje. Fue la última película muda de Hollywood, pero el público siguió acudiendo a verla. Y lo más importante, fue la última actuación del Vagabundo.

Buster Keaton y la Gran Cara de Piedra

Joseph Frank "Buster" Keaton (4 de octubre de 1895 - 1 de febrero de 1966) fue un actor, comediante y director estadounidense. Es conocido por sus películas mudas de la década de 1920, en las que interpretó comedia física y acrobacias ingeniosas. Mantenía a menudo una expresión estoica e inexpresiva que se convirtió en su sello distintivo y le valió el apodo de "El Gran Rostro de Piedra".

Keaton fue una estrella del vodevil desde su infancia, participando en un espectáculo familiar de gira. De adulto, comenzó a trabajar con el productor independiente Joseph M. Schenck y el director Edward F. Kline, con quienes realizó una serie de exitosas comedias de dos rollos a principios de la década de 1920, entre ellas "One Week" (1920), "The Haunted House" (1921), "The Cops" (1922) y "The Electric House" (1922). Posteriormente, se dedicó al cine de largometrajes; varios de ellos, como "Sherlock, Jr." (1924), "The General" (1926), "Steamboat Bill, Jr." (1928) y "The Cameraman" (1928), siguen siendo muy apreciados. "The General" es quizás su obra más aclamada; Orson Welles la consideró "la mejor comedia jamás realizada… y quizás la mejor película jamás realizada".

El estilo cómico de Keaton era único y diferente al de muchos de sus contemporáneos. Mientras muchos comediantes de la época recurrían a expresiones faciales extravagantes y gestos exagerados, Keaton mantuvo su famosa "cara de piedra". Esta falta de expresión, combinada con sus extraordinarias habilidades físicas, creaba un efecto cómico sutil y a la vez potente.

El crítico de cine David Thomson describió posteriormente el estilo cómico de Keaton: «Buster es, obviamente, un hombre dado a creer solo en las matemáticas y el absurdo… como un número que siempre busca la ecuación correcta. Miren su rostro — tan hermoso, pero tan inhumano, como una mariposa — y verán esa absoluta incapacidad para identificar los sentimientos». Gilberto Pérez comentó sobre «el genio actoral de Keaton, que podía mantener un rostro tan impasible y, sin embargo, hacerlo, mediante entonaciones sutiles, tan vívidamente expresivo de una vida interior. Sus grandes y profundos ojos son su rasgo más elocuente; con una sola mirada podía transmitir una amplia gama de emociones, desde el anhelo hasta la incredulidad, desde el desconcierto hasta la tristeza».

Harold Lloyd y la era de la comedia con trucos

Harold Clayton Lloyd Sr. (20 de abril de 1893 - 8 de marzo de 1971) fue un actor, comediante y especialista estadounidense que apareció en numerosas películas de comedia muda. Uno de los comediantes más influyentes de la era del cine mudo, Lloyd dirigió casi 200 películas de comedia, tanto mudas como sonoras, entre 1914 y 1947. Su personaje, un entusiasta ingenioso y ambicioso, capturó el espíritu de la época estadounidense en la década de 1920.

Sus películas solían incluir secuencias emocionantes con largas persecuciones y atrevidas hazañas físicas. Lloyd, colgado de las manecillas de un reloj en lo alto de la calle (peligrosamente, pero el riesgo se ve exagerado por los ángulos de cámara), en "Seguridad ante todo" (1923), se considera una de las imágenes más perdurables del cine. Lloyd realizó sus propias acrobacias menos peligrosas, a pesar de resultar herido en agosto de 1919 mientras rodaba tomas publicitarias para los Estudios Roach. Un accidente con una bomba, confundida con un objeto de utilería, le provocó la pérdida del pulgar y el índice de la mano derecha (la lesión se disimuló en películas posteriores con un guante protésico especial y apenas se notó en pantalla).

Lloyd se interesó por el teatro de niño y trabajó en compañías de repertorio. A menudo experimentaba con maquillaje para disimular su apariencia juvenil. A los 20 años, Lloyd se mudó a Los Ángeles y actuó en papeles secundarios en varias comedias de Keystone Film Company.

A diferencia de sus famosos contemporáneos, Chaplin y Keaton, quienes crearon personajes únicos e intemporales (el Vagabundo y el Hombre de Cara de Piedra, respectivamente), Lloyd interpretó a un joven estadounidense enérgico y optimista que luchaba por la vida en los locos años veinte. Sus gafas se convirtieron en un elemento tan reconocible como el bombín y el bastón de Chaplin, simbolizando al urbanita arquetípico que intentaba triunfar en un mundo moderno y acelerado.

La transición al cine sonoro y el cambio en la comedia

La llegada del cine sonoro, comenzando con El Cantante de Jazz en 1927, marcó un punto de inflexión significativo en la evolución de la comedia cinematográfica. En los primeros años del cine sonoro (a partir de 1927), algunos actores continuaron actuando en silencio para lograr un efecto cómico. El más famoso fue Charlie Chaplin, quien mantuvo su estilo mudo durante la era sonora, con sus últimas grandes comedias mudas, Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936), realizadas después de que el cine sonoro se hubiera convertido en el estándar. Otro ejemplo notable fue Harpo Marx, quien siempre interpretó a un mudo en las películas de los Hermanos Marx.

Los primeros años del cine sonoro presenciaron un marcado declive en el número de comedias físicas. Las limitaciones tecnológicas de las primeras cámaras sonoras, voluminosas y con movilidad limitada, dificultaron la captura de las dinámicas secuencias cómicas que caracterizaron la era del cine mudo. Además, la llegada del sonido impulsó un mayor énfasis en el diálogo, el ingenio y el humor verbal, lo que transformó la naturaleza de la comedia cinematográfica.

Un legado importante de la comedia muda fue el humor en la animación. Mientras que la comedia de acción real se centró en el humor verbal, como los ingeniosos diálogos de Abbott y Costello y Groucho Marx, la animación adoptó toda la gama de gags slapstick, escenas de persecución desenfrenadas, juegos de palabras visuales y expresiones faciales exageradas que caracterizaban la comedia muda. Estos elementos fueron especialmente prominentes en las caricaturas de Warner Bros. Looney Tunes y Merrie Melodies dirigidas por Bob Clampett, Chuck Jones y Friz Freleng, así como en las caricaturas de MGM de Tex Avery, las caricaturas de Tom y Jerry de William Hanna y Joseph Barbera, y las caricaturas de Harman e Ising.

Durante las décadas de 1960 y 1970, varias películas rindieron homenaje o hicieron referencia a la era del cine mudo. "El mundo está loco, loco, loco, loco" contó con artistas y gags de la época, mientras que "La carrera del siglo", de Blake Edwards, y "Película muda", de Mel Brooks, fueron homenajes en toda regla. "¿Qué pasa, doctor?", de Peter Bogdanovich, también incluyó gags de humor físico y escenas de persecución al estilo Keystone, ideas que anticiparon gran parte del humor que posteriormente se vería en películas como "Los hermanos del blues" y "Avión".

Los hermanos Marx y la revolución del humor verbal

Los Hermanos Marx fueron un grupo cómico familiar estadounidense conocido por su humor anárquico, sus intercambios verbales rápidos y sus gags visuales. Alcanzaron el éxito en el vodevil, en Broadway y en 14 películas. El grupo principal estaba formado por los hermanos Chico Marx, Harpo Marx y Groucho Marx; a ellos se unieron al principio de su carrera los hermanos menores Gummo y Zeppo. Son considerados por críticos, académicos y aficionados como unos de los comediantes más grandes e influyentes del siglo XX, un reconocimiento destacado por el American Film Institute (AFI), que seleccionó cinco de sus catorce largometrajes entre las 100 mejores películas de comedia (con dos entre las quince mejores) y los incluyó como el único grupo de artistas en la lista "100 Years… 100 Stars" del AFI de los 25 mejores actores masculinos del cine clásico de Hollywood.

Su vida artística, fuertemente influenciada por su madre, Minnie Marx, comenzó con la aparición de Groucho en el escenario a los 14 años, en 1905. A él se le unieron, a su vez, Gummo y Harpo. Chico comenzó un número de vodevil independiente en 1911 y se unió a sus hermanos en 1912. Zeppo reemplazó a Gummo cuando este último se unió al ejército en la Primera Guerra Mundial. Los hermanos actuaron juntos en vodevil hasta 1923, cuando se vieron excluidos del principal circuito de vodevil debido a una disputa con EF Albie. Después de no poder conseguir que sus propios espectáculos se presentaran en el Shubert Alternate Circuit, se mudaron a Broadway, donde alcanzaron un éxito considerable con una serie de comedias musicales de éxito, incluyendo I’ll Say She Is, The Cocoanuts y Cracker Beasts.

En 1928, los hermanos firmaron un acuerdo con Paramount Pictures para producir una versión cinematográfica de The Cocoanuts, que habían estado filmando en los Estudios Astoria durante la temporada en Broadway de Cracker Beasts. The Cocoanuts se estrenó en 1929, seguida poco después por una versión cinematográfica de Cracker Beasts. Los hermanos decidieron dedicarse al cine y se mudaron a Los Ángeles, donde rodaron tres películas más para Paramount: Monkey Business (1931), Horse Feathers (1932) y Duck Soup (1933).

El estilo cómico de los Hermanos Marx fue revolucionario para su época. Groucho se especializaba en un humor verbal ágil y mordaz, interpretando a menudo figuras arrogantes y autoritarias, a las que socavaba con sus propias declaraciones y comportamientos absurdos. Chico era típicamente un personaje italoamericano conocido por sus juegos de palabras y su virtuosismo al piano. Harpo, mudo en pantalla, se comunicaba mediante pantomima, llamadas de trompeta y interpretaciones musicales con el arpa, de donde deriva su nombre. Zeppo solía interpretar al joven héroe romántico, serio y formal. Su estilo cómico, que combinaba ingenioso humor verbal con comedia física y interpretaciones musicales, creó una voz cómica única que influyó en generaciones de comediantes.

El humor físico como elemento atemporal de la comedia

Las películas de payasadas son comedias que utilizan el humor físico, una comedia física en la que las caídas, los tropiezos, las bromas pesadas y los errores se priorizan sobre el diálogo, la trama y el desarrollo de los personajes. La comedia física en estas películas contiene una violencia caricaturesca, mayormente inofensiva y de tono absurdo.

El cine mudo incluía comedias de humor físico, incluyendo películas protagonizadas por Buster Keaton, Charlie Chaplin, los Keystone Cops y Harold Lloyd. Estos comediantes solían combinar sus comedias con crítica social, a diferencia de comediantes como Abbott y Costello, Laurel y Hardy, y Los Tres Chiflados. Las comedias de humor físico se basan en la acción y el ritmo sin límites, lo que puede incluir hacer el ridículo o actuar con bufonería.

Las limitaciones técnicas de la cinematografía temprana ayudaron a definir la estética del humor físico. Cuando las películas solían consistir en un solo fotograma — esencialmente una actuación filmada — , los cómicos experimentaban con lo que se podía hacer dentro de ese fotograma estático. Esto a menudo implicaba que los personajes entraran y salieran del plano, cambiaran rápidamente de vestuario o de posición, o interactuaran con la utilería de forma cómica. A medida que el cine evolucionó, el humor físico evolucionó con él, incorporando escenas, montaje y técnicas cinematográficas más complejas.

Incluso con la llegada del cine sonoro, los elementos de humor físico nunca desaparecieron por completo del cine. Muchas comedias modernas aún incluyen momentos de humor físico, aunque a menudo de forma más moderada o combinados con otros estilos cómicos. Desde las películas de Jim Carrey de los años 90 hasta las comedias modernas, la influencia del humor físico sigue siendo visible en la comedia cinematográfica.

Abbott y Costello: El legendario dúo cómico

El primer trabajo de Abbott y Costello surgió cuando la pareja habitual de Costello enfermó y Abbott aceptó sustituirla. Su química fue instantánea y pronto desarrollaron un estilo propio, con Abbott interpretando al personaje serio y cerebral, y Costello al emotivo y cómico. Esta dinámica entre un hombre serio y un comediante se convirtió en la base de su éxito e influyó en innumerables dúos cómicos de las décadas siguientes.

Su carrera radiofónica comenzó en 1938 con una aparición en The Kate Smith Hour. Los productores notaron que las voces de los comediantes sonaban demasiado parecidas, lo que podía confundir a los oyentes durante los intercambios verbales acelerados. Costello solucionó el problema cambiando su voz a ese distintivo tono agudo que se convirtió en su sello distintivo. Para 1940, lanzaron su propio programa de radio, The Abbott and Costello Show, que se emitió hasta 1949 y atrajo a invitados famosos como Frank Sinatra, Cary Grant y Lucille Ball.

"¿Quién está en primera base?": La anatomía de un boceto perfecto

La rutina más famosa del dúo fue "¿Quién está en primera base?", estrenada poco después del lanzamiento de su programa de radio. Esta obra maestra de la comedia se basa en un juego de palabras: los jugadores de un equipo de béisbol se llaman "Quién", "Qué" y "No sé". Cuando Costello intenta descifrar los nombres de los jugadores, se produce una brillante confusión verbal: "¿Quién está en primera base?" - "Sí". - "Dije, ¿QUIÉN está en primera base?" - "¡Exacto!"

El sketch se hizo tan popular que Abbott y Costello lo interpretaron miles de veces con ligeras variaciones, e incluso fue objeto de una demanda por infracción de derechos de autor entre 2015 y 2016 cuando la obra de Broadway Hand to God lo utilizó sin permiso. La Corte Suprema de Estados Unidos dictaminó finalmente que el uso del sketch no se amparaba en la doctrina del uso legítimo, lo que pone de relieve el valor cultural y comercial de la comedia.

Stand-up Comedy: Del vodevil a la modernidad

El stand-up comedy, como género independiente, comenzó a formarse a finales del siglo XIX y principios del XX, cuando los monólogos cómicos empezaron a destacarse en diversos programas de vodevil. Inicialmente, estas actuaciones consistían en breves observaciones humorísticas y anécdotas interpretadas entre otros números.

Mark Twain es considerado uno de los pioneros del género: sus conferencias humorísticas sentaron las bases de la tradición estadounidense del monólogo. El ambiente competitivo del vodevil obligó a los comediantes a desarrollar estilos y enfoques humorísticos únicos para destacar entre la multitud. Esta competencia creativa moldeó muchas de las técnicas que aún se utilizan en la comedia moderna.

Con el declive del vodevil en la década de 1930, los comediantes trasladaron sus actuaciones a clubes nocturnos, teatros y radio. El nuevo formato de monólogos se centró en la narración y el humor observacional, creando un estilo de comedia típicamente estadounidense. Esta transición del vodevil al monólogo moderno marcó un cambio importante en la forma en que los comediantes entretenían al público.

La revolución televisiva y el nacimiento de la comedia de situación

Con la llegada de la televisión en la década de 1950, la comedia encontró una nueva plataforma para desarrollarse. El formato de comedia de situación se volvió dominante gracias a su capacidad para interactuar regularmente con el público. La pionera del género fue I Love Lucy (1951-1957), donde Lucille Ball y Desi Arnaz no solo establecieron el estándar de la comedia familiar, sino que también revolucionaron el proceso de producción. Su innovación — filmar frente a un público en vivo con tres cámaras — se convirtió en un estándar de la industria. Este enfoque permitió la dinámica de una producción teatral, manteniendo la calidad técnica del cine.

El éxito de "Yo amo a Lucy" demostró la viabilidad de la comedia televisiva como arte por derecho propio. La serie combinaba el humor físico arraigado en la tradición del vodevil con diálogos agudos que abordaban los estereotipos de género de la época. La secuencia de la cinta transportadora de caramelos (1952), en la que Lucy intenta sin éxito empaquetar chocolate, se convirtió en un ejemplo clásico de comedia visual reimaginada para la pantalla chica.

La evolución de la comedia familiar: de Harlem a los suburbios

Las décadas de 1950 y 1960 vieron una ampliación de la temática de las comedias. Mientras que "I Love Lucy" se centraba en las relaciones matrimoniales, "The Honey Mooney Show" (1950-1965) exploraba la vida de la clase trabajadora, y " Happy Days" (1974-1984) exploraba la nostalgia de la posguerra estadounidense. Entre ellas, destaca "The Spouses" (1955-1956), una serie en blanco y negro sobre los conflictos matrimoniales de un taxista neoyorquino y una ama de casa. Su humor crudo y la falta de idealización de sus personajes presagiaron obras posteriores como " All in the Family" .

La clave del éxito de estos programas fue la combinación de personajes reconocibles con un trasfondo social. Por ejemplo, en The Dick Van Dyke Show (1961-1966), escenas de la vida de oficina en una sede de guionistas parodiaban la cultura corporativa, manteniéndola desenfadada con gags físicos al estilo del cine mudo.

Sátira social y comedia observacional

En las décadas de 1950 y 1960, el stand-up comedy adquirió mayor conciencia social. Lenny Bruce, Richard Pryor y George Carlin desafiaron los tabúes sociales utilizando el humor para criticar problemas sociales. Sus actuaciones fueron a menudo controvertidas, pero traspasaron los límites de lo que se podía discutir en público.

En las décadas de 1970 y 1980, Jerry Seinfeld popularizó la "comedia observacional", centrándose en lo absurdo de la vida cotidiana. Su enfoque "¿Alguna vez te has dado cuenta…?" se convirtió en un modelo para una generación de comediantes. Esta forma de humor caló hondo en el público general porque se burlaba de situaciones cotidianas.

El impacto de las redes sociales en la comedia moderna