Evaluación de arte: cómo apreciar el arte, juzgar una pintura Traductor traducir

¿Qué es la apreciación del arte?

La tarea de evaluar una obra de arte, como un cuadro o una escultura, requiere una combinación de información objetiva y opinión subjetiva. Sí, es cierto que la apreciación del arte es muy subjetiva, pero el objetivo de evaluar un cuadro no es simplemente determinar si te gusta o no, sino POR QUÉ te gusta o no. Y eso requiere un cierto conocimiento. Al fin y al cabo, es probable que tu evaluación de un dibujo hecho por un niño de 14 años en el patio del colegio sea muy diferente de la de un dibujo similar hecho por un Miguel Ángel de 40 años. Del mismo modo, no se pueden utilizar los mismos criterios para evaluar las cualidades realistas de un retrato realista que las de un retrato expresionista. Esto se debe a que el artista expresionista no intenta captar el mismo grado de objetividad visual que su homólogo realista. En pocas palabras, los apreciadores del arte deben generar los hechos en los que basar su juicio: a saber, hechos sobre el contexto de la obra de arte; y la obra de arte en sí. Una vez que tenemos los hechos, podemos emitir nuestro juicio. Cuanta más información podamos obtener sobre el contexto y la obra de arte, más fundamentada será nuestra evaluación.

Definiciones y terminología
Nótese que en este artículo los términos «evaluación del arte», «evaluación del arte» y «evaluación del arte» se utilizan indistintamente.

La apreciación del arte es algo más que el mero gusto o disgusto

Antes de entrar en detalles sobre cómo apreciar el arte, reiteremos que el objetivo de la apreciación del arte es explicar POR QUÉ nos gusta o nos disgusta algo, no sólo si nos gusta o no. Por ejemplo, puede que no te guste un cuadro porque es demasiado oscuro, pero aún así te puede gustar su tema o apreciarlo en su conjunto. En pocas palabras, no basta con decir «no me gusta esta foto». Necesitamos saber las razones de tu opinión y si crees que la obra tiene alguna cualidad positiva.

Cómo evaluar una obra de arte

La forma más fácil de entender y, por tanto, apreciar una obra de arte es examinar su contexto o antecedentes. Esto se debe a que nos ayuda a comprender lo que estaba (o podía haber estado) en la mente del artista en el momento en que se creó la obra en cuestión. Es como hacer de detective. Empiece con estas preguntas.

A. ¿Cómo entendemos el contexto/antecedentes de la obra?

¿Cuándo se creó el cuadro?

Conocer la fecha de la obra nos ayuda a evaluar cómo fue realizada y su grado de dificultad. Por ejemplo, los paisajes creados antes de la popularización de la fotografía (1860) o de la aparición de los tubos plegables de pintura de hojalata (1841) tenían un mayor grado de dificultad. Una pintura al óleo, hecha antes del Renacimiento o después de él por artistas de medios modestos, no contendría el increíble pero astronómicamente caro pigmento azul natural Ultramar, hecho del mineral molido Lapislázuli .

¿Una pintura es abstracta o representativa?

Una pintura puede ser completamente abstracta (es decir, no se parece a ninguna forma natural: una forma conocida como arte no objetivo), o orgánicamente abstracta (se parece a formas orgánicas naturales), o semiabstracta (figuras y otros objetos hasta cierto punto) o representacional (si el contenido figurativo y de otro tipo es inmediatamente reconocible). Obviamente, la obra abstracta tiene finalidades muy distintas de la obra pictórica y debe valorarse según criterios diferentes. Por ejemplo, un cuadro totalmente abstracto no intenta distraer al espectador mediante ningún naturalismo y, por lo tanto, depende totalmente de su influencia por sus cualidades formales (línea, forma, color, etc.).

¿Qué tipo de pintura es ésta?

Existen distintos tipos o categorías de pintura (conocidos como géneros pictóricos). Los géneros establecidos son el paisaje, el retrato, la pintura de género (escenas cotidianas), la historia y la naturaleza muerta. En el siglo XVII, las grandes academias europeas, como la Academia de Bellas Artes de Roma, la Academia de Bellas Artes de Florencia, la Academia de Bellas Artes de París y la Royal Academy de Londres, siguieron la norma establecida en 1669 por el profesor André Felibien, secretario de la Academia Francesa, que valoraba los géneros de la siguiente manera: (1) Pintura histórica - Pintura religiosa, quizás una categoría independiente; (2) Pintura de retrato ; (3) Pintura de género ; (4) Pintura de paisaje ; (5) Naturaleza muerta . Esta jerarquía reflejaba la influencia moral de cada género. Los expertos consideraron que el mensaje moral podía transmitirse mucho más claramente a través de una pintura de historia, un retrato o una pintura de género que a través de un paisaje o una naturaleza muerta.

Otros tipos de pintura, además de los cinco anteriores, son: paisajes urbanos, pinturas marinas, iconos, retablos, miniaturas, murales, ilustraciones, caricaturas, dibujos animados, carteles, graffiti, representaciones de animales, etc.

Algunos de estos tipos de pintura tienen reglas tradicionales relativas a la composición, el tema, etcétera. Esto es especialmente cierto en el arte religioso . Por ejemplo, los temas cristianos, que aparecen muchas veces en las pinturas renacentistas y barrocas, deben contener ciertas figuras sagradas y deben ajustarse a ciertas reglas de composición. Además, los artistas suelen inspirarse en cuadros anteriores del mismo género («El Papa que grita de Francis Bacon» se inspiró en uno de los mejores retratos - «Retrato de Inocencio X» de Velázquez). Por todo ello, lo mejor es comparar los cuadros con otras obras del mismo tipo. Para más consejos, véase. En «Cómo evaluar cuadros».

¿A qué escuela o movimiento pertenece el cuadro?

«Una escuela» puede ser un grupo nacional de artistas (por ejemplo, la Escuela del Antiguo Egipto, la Escuela Española, el Expresionismo Alemán) o un grupo local (por ejemplo, la Escuela del Realismo Holandés de Delft, la Escuela Ashcan de Nueva York, Escuela de París) o un movimiento estético general (por ejemplo, Barroco, Neoclasicismo, Impresionismo, Fauvismo, Cubismo, Dadá, Surrealismo, Pop Art), un grupo local o un grupo de artistas (por ejemplo, Der Blaue Reiter, Escuela de Expresionismo Abstracto de Nueva York, Grupo Cobra, Fluxus, Escuela de St. Ives) o en general una tendencia general (realismo, expresionismo). Otra posibilidad es que una Escuela se interese por un género concreto (por ejemplo, Escuela de Barbizon y Escuela de Newlyn, ambos grupos paisajistas; Hermandad Prerrafaelita, cuadros de temática histórica o literaria), o un método de pintura (por ejemplo, el Neoimpresionismo basado en el Puntillismo - una variante de la teoría del color del Divisionismo), o un aspecto del mundo natural (por ejemplo, el Constructivismo dedicado a reflejar el mundo industrial moderno), o la política, o los símbolos matemáticos (por ejemplo, el estricto Neoplasticismo).

Saber a cuál de los muchos movimientos artísticos pertenece un cuadro puede hacernos comprender mejor su composición y significado. Por ejemplo, en la escuela del arte egipcio, los artistas debían respetar ciertas reglas pictóricas relativas a la composición y el color. Así, los retratos de personas se juzgaban según su estatus social y no según el punto de vista lineal . La cabeza y los pies estaban siempre de perfil, y los ojos y la parte superior del cuerpo se veían de frente. Los artistas egipcios no utilizaban más de seis colores: rojo, verde, azul, amarillo, blanco y negro, cada uno de los cuales simbolizaba un aspecto diferente de la vida o la muerte. Otras culturas y escuelas culturales tenían sus propias orientaciones específicas. Los pintores realistas holandeses valoraban la reproducción exacta y realista de los interiores y el entorno, con la excepción de la pintura de retratos, en la que el objetivo era halagar al sujeto: véase Ronda de noche, Rembrandt. Los pintores impresionistas solían apreciar la pincelada suelta para captar las impresiones fugaces de la luz. Los cubistas rechazaron las reglas habituales de la perspectiva lineal y, en su lugar, deconstruyeron su tema en una serie de placas geométricas planas y transparentes que se superponían y se cruzaban en diferentes ángulos. Los artistas del De Stijl, como Piet Mondrian, sólo utilizaban formas geométricas en sus cuadros, y las líneas eran siempre horizontales o verticales en lugar de diagonales. Y así sucesivamente.

Obsérvese que el arte occidental es muy diferente del arte oriental. La pintura china, por ejemplo, se centra en la esencia espiritual interna de las cosas más que en la apariencia externa.

¿Dónde se pintó el cuadro?

Saber dónde y en qué condiciones se pintó un cuadro puede mejorar nuestra comprensión y apreciación de la obra en cuestión. He aquí algunos ejemplos.

Haciendo equilibrios peligrosos sobre andamios precarios, Miguel Ángel pintó el techo de la Capilla Sixtina (una gigantesca superficie de 12.000 metros cuadrados) prácticamente sin ayuda durante 4 años, entre 1508 y 1512. Saber que esta obra maestra del arte cristiano fue creada in situ, y no en un cálido estudio, nos ayuda a apreciar la enormidad de la tarea.

Monet, líder del impresionismo francés, dedicó su vida a la pintura plein air . En sus últimos años tenía un jardín acuático japonés con estanques de nenúfares cerca de su casa, y fue aquí donde creó su enorme serie de pinturas de nenúfares. Pissarro también pintaba sobre todo al aire libre, por lo que siempre tenía un gran número de cuadros inacabados, ya que a menudo la luz desaparecía antes de que terminara su trabajo. Esto explica por qué pintaba la misma escena o motivo (para captar una luz diferente) y por qué su pincelada era tan rápida y suelta. Por otro lado, Manet y Degas eran urbanitas y trabajaban exclusivamente en su estudio, donde podían pulir y perfeccionar su obra. Otros pintores al aire libre notables fueron los escandinavos Kroyer y Hammershøj (conocidos como «pintores de la luz»), que produjeron una serie de paisajes excepcionales en Skagen, Dinamarca.

El entorno puede influir significativamente en el estado de ánimo de un artista y, por tanto, en su pintura. Van Gogh y Gauguin son ejemplos de ello. En sus 10 años de pintura, Van Gogh recurrió a los colores oscuros cuando pintaba durante los días difíciles en Holanda (por ejemplo, Comedores de patatas, 1885); cambió a colores más claros y brillantes en París cuando cayó bajo la influencia del Impresionismo; En Arles, cerca de la Costa Azul ) Café «Terraza de noche», 1888), se pasa al amarillo brillante, antes de volver a los pigmentos más oscuros en su último periodo (Las recolectoras de aceitunas, 1889, y el ominoso Campo de trigo con cuervos, 1890). En 1891, un año después de la muerte de Van Gogh, el pintor francés Paul Gauguin se embarcó rumbo a Tahití y las islas del Pacífico, donde pasó gran parte de los diez últimos años de su vida en la más absoluta pobreza. Sin embargo, su vuelta a la naturaleza infundió a sus cuadros gran vida y color, así como primitivismo, que encontró eco en Picasso y otros.

Un artista interesante es Edouard Vilar, un francés que vivió con su madre, modista, en un piso de París durante 60 años. Su madre dirigía su taller desde casa, lo que dio a Vuillard muchas oportunidades de observar los patrones, materiales, colores y formas de sus vestidos. Todo ello se reflejaba cuidadosamente en los motivos de sus cuadros.

Una vez, en su juventud, el pionero del pop Robert Rauschenberg era (supuestamente) tan pobre que se quedó en su piso y pintó una colcha sobre su propia cama, decorándola con pasta de dientes y esmalte de uñas. La icónica obra se llamó Bed (1955).

¿En qué momento de su carrera se encontraba activo el artista? ¿Cómo era su entorno? Saber si un cuadro fue creado al principio o al final de la vida del artista a menudo puede ayudarnos a evaluar una obra.

Los artistas suelen mejorar su técnica pictórica con el tiempo, alcanzan un punto álgido a mitad de su carrera y se desvanecen en los últimos años. Sin embargo, algunos artistas murieron en la cima de sus habilidades. Entre ellos se encuentran: Rafael (1483-1520), Caravaggio (1571-1610), Jan Vermeer (1632-1675), Thomas Guirtin (1775-1802), Richard Parkes Bonington (1802-1828), Van Gogh (1853-1890) Aubrey Beardsley (1872-1998), Isaac Levitan (1860-1900), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Amedeo Modigliani (1884-1920), Nicolas de Stael (1914-1955) y Jackson Pollock (1912- 1956). Por otro lado, algunos artistas florecen pronto y, aunque sigan pintando durante décadas, no pueden repetir su éxito inicial. En esta categoría se encuentran artistas contemporáneos como Marcel Duchamp, Georges Braque, Oscar Kokoschka, André Derain, Maurice de Vlaminck, Kees Van Dongen e incluso Picasso. Sólo una proporción relativamente pequeña de personas conservan su creatividad hasta una edad muy avanzada, como Tintoretto, Monet, Renoir, Juan Miró y Lucien Freud.

Comprender las circunstancias vitales de un artista también puede explicar muchas cosas de su pintura.

Al parecer, el expresionista noruego Edvard Munch nunca se recuperó de las muertes prematuras de su familia. Su posterior naturaleza neurótica y mórbida puede verse en muchas de sus obras. La artista mexicana Frida Kahlo nunca recuperó del todo su pierna derecha tras contraer la polio a los 6 años, y a los 18 resultó gravemente herida tras un accidente de autobús. Esto ayuda a explicar su interminable serie de autorretratos que dejan constancia de su falta de movilidad.

Paul Cézanne (paisajes Mont St Victoire, Bañistas y naturalezas muertas) y Edgar Degas (Bailarinas de ballet) pintaron interminables y minuciosas versiones de ciertos temas. Una de las razones es que ninguno de los dos se ganaba la vida con su arte. Ciertamente, ninguno de los dos se dedicó a pintar retratos, que era el género más lucrativo. Por otra parte, ambos eran más clasicistas que sus colegas impresionistas, lo que explica la precisión y meticulosidad de sus métodos de trabajo.

¿Cuál era el emplazamiento previsto para el cuadro?

Obviamente, un cuadro destinado a ser colocado en un gran espacio de la pared del comedor de un monasterio español del siglo XVI (un cuadro religioso monumental e inspirador) sería radicalmente diferente de un cuadro destinado a un próspero comerciante textil de Amsterdam del siglo XVII (un pequeño y pulido retrato, interior o bodegón). Del mismo modo, un cuadro destinado a la recepción de una empresa informática de alta tecnología en California (un gran cuadro abstracto moderno, quizá geométrico o expresionista) será probablemente diferente de un cuadro instalado en la sala de juntas de un banco privado de la City londinense (un paisaje tradicional del siglo XIX, por ejemplo). Por supuesto, estas sugerencias no son más que estereotipos, pero sirven para ilustrar el papel y las características de determinadas obras de arte.

B. Cómo apreciar la obra de arte en sí

Véase: Cómo apreciar cuadros .
Véase también: Análisis de cuadros famosos .

Una vez que hemos estudiado o explorado el contexto de un cuadro, podemos empezar a apreciar la obra en sí. Saber evaluar un cuadro es en sí mismo un arte, no una ciencia. Y tal vez el aspecto más difícil de la evaluación del arte sea la evaluación del propio método de pintar: es decir, ¿cómo se hizo el cuadro en sí? Por lo tanto, ofrecemos con gran humildad estos consejos sobre cómo evaluar la técnica pictórica utilizada .

¿Qué materiales se utilizaron para crear la pintura?

¿Qué tipo de pintura se utilizó? ¿Qué tipo de fondo o soporte utilizó el artista? Las respuestas a estas preguntas pueden proporcionar información interesante sobre las intenciones del artista. Los materiales estándar son la pintura al óleo sobre lienzo. El óleo por su riqueza cromática, el lienzo por su adaptabilidad. Sin embargo, acrílico o acuarela pinturas se utilizan en lugar de óleos cuando se requieren veladuras finas, y los acrílicos también son mejores cuando se requieren grandes áreas planas de color. Los expresionistas abstractos estadounidenses Mark Rothko y Barnett Newman, ambos conocidos por sus monumentales lienzos de colores, experimentaron en los años 50 con una mezcla de óleo y acrílico. Además, las acuarelas y los acrílicos se secan mucho más rápido que los óleos, por lo que son ideales para cuadros que se trabajan con rapidez. Los paneles de madera se utilizan a veces como alternativa al lienzo cuando se pretende un acabado pictórico muy preciso (las miniaturas se pintaban sobre paneles de madera, cobre o incluso pizarra) o en combinación con témperas o acrílicos cuando el artista quiere crear pintura en capas muy finas.

A veces, la superficie de un cuadro, su soporte y su marco se convierten en un rasgo característico de una obra de arte. A principios de la década de 1960, el arte moderno francés estaba dominado por un grupo de vanguardia de extrema izquierda Soportes-Superficies, cuyos miembros pintaban lienzos a gran escala sin bastidores (el soporte físico detrás del lienzo), mientras que los materiales a menudo se cortaban, tejían o arrugaban. El artista italiano Lucio Fontana también se dio a conocer en los años 60 con sus lienzos «divididos», que permiten al espectador ver el espacio tridimensional que hay más allá del plano pictórico, que se convierte en parte de la obra. Recientemente, Ángela de la Cruz, una de las artistas contemporáneas nominadas al premio británico Turner 2010, se ha dado a conocer por sus lienzos retirados de los bastidores, arrugados y arrastrados después de ser pintados.

¿Cuál es el contenido y el tema de un cuadro?

¿Qué se representa en el cuadro? Si se trata de un cuadro histórico o mitológico, hazte las siguientes preguntas: ¿qué acontecimiento se muestra? ¿Qué personajes intervienen y qué papel desempeñan? ¿Qué mensaje contiene el cuadro? Si se trata de un retrato, hazte las siguientes preguntas: ¿quién es el modelo? ¿Cómo lo ha retratado el artista? ¿A qué rasgos o aspectos presta atención? Si se trata de una escena de género, plantéate las siguientes preguntas: ¿Qué escena se retrata? ¿Qué está ocurriendo? ¿Qué mensaje (si lo hay) nos quiere transmitir el artista? ¿Por qué ha elegido esta escena? Si se trata de un paisaje, hazte las siguientes preguntas: ¿Cuál es la situación geográfica de la vista del cuadro? (Por ejemplo, ¿es el lugar favorito del artista?) ¿Qué intenta transmitirnos el artista sobre el paisaje? Si se trata de una naturaleza muerta, hazte las siguientes preguntas: ¿Qué objetos, por insignificantes que sean, están incluidos en el dibujo? ¿Por qué los ha elegido el artista? ¿Por qué los ha colocado así? Las naturalezas muertas son conocidas por su simbolismo, así que vale la pena analizar los objetos dibujados para ver qué puede simbolizar cada uno de ellos.

¿Cómo evalúas la composición de un cuadro?

Composición significa el diseño general (dibujo), la disposición general. Y la forma en que se rellena un cuadro es vital, ya que determina en gran medida su impacto visual. ¿Por qué? Porque un cuadro bien compuesto atraerá y dirigirá la mirada del espectador hacia el espacio circundante. Los artistas que han destacado en composición han recibido siempre una formación clásica en las grandes academias, donde la composición era un elemento muy valorado en el proceso pictórico. Tres ejemplos destacados son Nicola Poussin (1594-1665), Jade Engr (1780-1867) y Edgar Degas (1834-1917).

La brevedad de la presentación nos impide entrar en detalles, pero recomendamos estudiar las siguientes obras: «La Sagrada Familia en Egipto» (1655-7, Museo del Hermitage, San Petersburgo), de Poussin; La bañista de Valpincon (1808, Louvre, París), de Engr; y Absinthe (1876, Museo de Orsay), de Degas.

En la primera obra, en la que José y María descansan junto a un templo de la ciudad, Poussin demuestra su notable habilidad para colocar todo en el cuadro exactamente como debe estar, para lograr la máxima armonía óptica, y transmitir mensajes importantes que encajan con el tema general. En pocas palabras, todo en el cuadro tiene un propósito muy específico y una posición definida. En la segunda obra -un interior de dormitorio más sencillo y sin ventanas en el que vemos la espalda de una mujer anónima desnuda sentada en una cama- Engr crea una disposición muy simbólica de colores, formas y ángulos que llena el cuadro de un misterio voyeurista. El tercer cuadro -uno de los más grandes cuadros del género - muestra a una prostituta sentada en un café parisino, con un vaso de absenta delante; otro hombre se sienta a su lado; ambos están sumidos en sus pensamientos y en su propio mundo. En esta obra, Degas utiliza una serie de ángulos y líneas y colores sombríos y oscuros para captar el aislamiento celular y la deprimente soledad de la gente en el corazón de una gran metrópolis. Las tres obras ofrecen una serie de ideas importantes que ayudan a apreciar la composición de los cuadros.

¿Cómo se aprecian la línea y la forma en un cuadro?

La habilidad de un artista se muestra a menudo en la fuerza y confianza de su línea (contorno), creando y delineando diferentes formas en su pintura. En una famosa historia, un importante mecenas envía un emisario a Giotto, un gran pintor prerrenacentista. El enviado pide a Giotto que se identifique, tras lo cual el artista saca un pincel y un trozo de lino en el que dibuja un círculo perfecto. Luego se lo entrega al mensajero, diciendo: "Tu Maestro sabrá exactamente quién pintó esto". La línea es un elemento clave en la estructura del cuadro y explica por qué el dibujo era considerado por todos los expertos del Renacimiento como el mayor atributo del artista. De hecho, cuando se abrieron por primera vez las grandes academias europeas de bellas artes, a los estudiantes no se les enseñaba a dibujar en absoluto (véase colorito). Algunos de los mejores dibujantes eran retratistas cuyo trazo podía ser casi impecable: un ejemplo moderno es el retratista de formación clásica John Singer Sargent (1856-1925), que era un maestro de la técnica «primer golpe de gracia»: una pincelada precisa, sin alteraciones. Entre los artistas contemporáneos que carecen de formación clásica, los cuadros de Van Gogh y Gauguin se caracterizan por unas líneas excepcionalmente fuertes y seguras.

En la pintura figurativa: investigar cómo utiliza el artista el claroscuro para optimizar la calidad de sus figuras en 3D; ver si utiliza el tenebrismo como parte de su plan de iluminación para llamar la atención sobre determinadas partes del cuadro; ver si el artista utiliza la técnica del sfumato al mezclar el color.

El color en la pintura tiene una gran influencia en nuestras emociones y por lo tanto juega un papel muy importante en cómo apreciamos el arte. Curiosamente, aunque podemos identificar hasta 10 millones de variaciones de color, sólo existen 11 términos cromáticos básicos en inglés: black (negro), white (blanco), red (rojo), orange (naranja), yellow (amarillo), green (verde), blue (azul), purple (morado), pink (rosa), brown (marrón) y grey (gris). Así que hablar específicamente de color no es fácil. Por cierto, en cuanto a términos: «hue» es sinónimo de color; «shade» es una versión más clara (por ejemplo, rosa) de un determinado color (rojo); «shade» es una versión más oscura (por ejemplo, magenta); «Tone» es la claridad, intensidad o brillantez de un color. Por cierto, muchas obras de maestros antiguos empiezan a oscurecerse con la edad, lo que las hace menos atractivas. Esto puede hacer que incluso los mejores museos de arte parezcan sucios.

Los artistas utilizan el color de varias maneras. Tomemos , por ejemplo , los cuadros de Mark Rothko . Rothko fue uno de los primeros artistas en crear enormes lienzos abstractos saturados de ricos colores: amarillos, naranjas, rojos, azules, añiles y violetas. Su objetivo era provocar una respuesta emocional en el espectador. ¿Y por qué no? Al fin y al cabo, la psicología del color ya está teniendo un gran impacto en el diseño de interiores de hospitales, escuelas y otras instituciones.

Históricamente, el Impresionismo y el Expresionismo (especialmente el Fauvismo) fueron los primeros movimientos internacionales que explotaron todo el potencial del color. Pero los artistas contemporáneos pintaban lo que veían (impresionistas) o lo que sentían (expresionistas): si eso significaba pintar hierba roja, que así fuera. El arte figurativo recibe el mismo tratamiento que el paisaje: así «el ruso Matisse» Alexei von Jawlensky (1864-1941) establece nuevas normas para el uso del color en el retrato, mientras que Degas utiliza el color para dar lustre a sus estrellas de ballet, y la desesperación de su amante de la absenta. Otros artistas utilizan un esquema de color tonal monocromo a lo largo de un cuadro para crear un estado de ánimo particular. Entre los mejores ejemplos se encuentran los paisajes románticos de Corot, las escenas nocturnas de Atkinson Grimshaw, los silbidos tonales nocturnos de Whistler, los interiores de Peter Ilsted, los paisajes de Kroyer, los interiores de Hammershaw y las obras de Picasso (1881-1973) de los periodos «Azul» y «Rosa», por citar sólo algunos.

En resumen, los artistas utilizan el color para estimular la emoción, captar los efectos naturalistas de la luz, dar una figura o escena a un personaje y dar profundidad a obras abstractas o semiabstractas. También sirve para captar la atención del espectador. Si quieres aprender a apreciar los cuadros, presta mucha atención a cómo utiliza el color el artista. Pregúntate: ¿por qué ha elegido ese tono en concreto? ¿Cómo afecta al estado de ánimo o a la composición del cuadro? ¿Cómo se relacionan entre sí los distintos colores utilizados: crean armonía o fricción?

¿Cómo evalúas la textura y las pinceladas en la pintura?

Cuando se trata de aprender a apreciar la textura y las pinceladas en la pintura, no hay nada mejor que ir a una galería o a un museo y estudiar de cerca algunos cuadros. Ni siquiera los mejores libros de arte pueden reproducir la textura en un alto grado. Una vez más, suelen ser los artistas de formación clásica los que destacan en las diferentes texturas y en el uso del impasto . Engr incluso elegiría ciertos temas (por ejemplo, Bañista Valpincon 1808, Odalisca 1914) para mostrar su habilidad a la hora de captar la textura de materiales como el nácar y la seda. En cualquier caso, la manera en que un artista se enfrenta a la textura es un buen punto de referencia para evaluar su técnica pictórica.

El pincel puede ser denso (lento, preciso, controlado) o suelto (más rápido, más aleatorio, más expresivo). Esto viene determinado en gran medida por el estilo y el estado de ánimo del cuadro más que (digamos) por el temperamento del artista. Caravaggio tenía un fuerte temperamento caliente, pero sus cuadros eran ejemplos de pinceladas controladas. Cézanne tenía un temperamento lento: pintaba tan despacio que toda la fruta de sus bodegones se pudría semanas antes de que terminara. Sin embargo, la pincelada de muchas de sus obras es excepcionalmente libre. Generalizando, podemos decir que la pincelada de los pintores realistas tiende a ser más pausada y controlada que la de los expresionistas. Cuando los impresionistas celebraron su primera exposición en París en 1874, los críticos y espectadores se horrorizaron por lo que llamaban «el descuido» de sus pinceladas. Tenían que alejarse mucho más de los cuadros para que la imagen exacta tomara forma. Hoy en día nos sentimos bastante libres con el Impresionismo, pero al principio sus pinceladas superlativas causaron un gran revuelo.

A la hora de apreciar un cuadro, surge la pregunta: ¿qué aporta la pincelada?

¿Cómo apreciamos la belleza en la pintura?

La estética es un tema muy personal. Todos vemos las cosas de forma diferente, incluido «el arte», y especialmente «la belleza». Además, la pintura es ante todo un arte visual: algo que vemos, no algo en lo que pensamos. Por lo tanto, si nos preguntan si un cuadro nos parece bello, es probable que demos una respuesta bastante instantánea. Pero si luego nos piden que evaluemos la belleza (o la falta de ella) de un cuadro, es decir, que lo expliquemos y justifiquemos, la cosa cambia. Así que, para ayudarle a analizar la situación, he aquí algunas preguntas que podría hacerse sobre el cuadro. La mayoría están relacionadas con la armonía, la regularidad y el equilibrio observados.

¿Qué proporciones se aprecian en el cuadro?
El arte griego y el arte renacentista se basaban a menudo en ciertas reglas de proporción que se ajustaban a las visiones clásicas de la armonía óptica. Así que tal vez la belleza que ves (o no) pueda explicarse en parte por referencia a las proporciones (de objetos y figuras) en el trabajo.

¿Se repiten ciertas formas o patrones en el cuadro?
Según los psicólogos, la repetición de formas agradables, especialmente en patrones simétricos, puede relajar la vista y el cerebro, haciéndonos sentir placer.

¿Se complementan los colores utilizados en el cuadro?
Las combinaciones de colores con matices complementarios o variaciones tonales son conocidas por su atractivo efecto sobre los sentidos.

¿Te atrae el cuadro? ¿Mantiene tu atención?
Los cuadros más grandes son los más fáciles de mirar. Captan nuestra atención y luego «punteros» dirigen nuestra mirada hacia la obra.

¿Cómo se compara el cuadro con otros?

Todo es relativo. Entonces, ¿cómo se compara el cuadro que tienes delante con otros similares del mismo artista? Si se trata de una obra madura, es posible que mejore las anteriores, y viceversa. Si no encuentra otras obras del mismo artista, intente buscar obras similares de otros artistas. Lo ideal es empezar con obras de la misma década y avanzar gradualmente en el tiempo. Pero no debes comparar demasiados cuadros entre sí.

Consejos para apreciar el arte abstracto

Los cuadros abstractos no son fáciles de apreciar. Está bien cuando siguen un tema general, como el cubismo, o cuando incluyen rasgos reconocibles, pero el arte puramente concreto, que usa sólo símbolos geométricos, tiende a ser demasiado difícil para la comodidad. No obstante, muchos artistas abstractos han hecho enormes contribuciones a la cultura moderna, y deberíamos intentar comprenderlos. He aquí algunos consejos.

La pintura absolutamente abstracta nos libera, a los espectadores, de cualquier asociación óptica con la vida real. (Por eso muchos artistas trabajan en un lenguaje abstracto). De este modo, nada nos distrae de la pintura y podemos concentrarnos únicamente en los aspectos pictóricos de la obra: línea, forma, color, textura, trazo, etc.

En concreto, pregúntate: (1) ¿Cómo divide el artista el lienzo? (2) ¿Cómo dirige el artista nuestra mirada y dónde se detiene? (3) ¿Cómo utiliza el artista el color para crear profundidad, llamar la atención o dar un significado especial a determinadas formas? (4) ¿Qué formas concretas contiene la obra y qué crees que significan? (5) A veces, los artistas abstractos utilizan muy poco el color y crean deliberadamente una imagen minimalista. Si no puedes hablar mucho de este tipo de obras, no te preocupes: ¡todo el mundo tiene problemas con ellas! Lo mejor es que investigues sobre una obra en concreto y averigües qué opinan de ella eminentes críticos de arte. Puede que siga sin gustarte, pero al menos sabrás qué buscar. (6) En general, los cuadros abstractos son mucho más difíciles de entender que otras obras. Hay que descifrarlas. Así que, en lugar de levantarte y decir: "No entiendo este cuadro tan horrible", trátalo como un puzzle y trata de averiguar qué quiere decir el artista.

Véase también: Cómo apreciar los cuadros

Cómo apreciar el arte: algunas preguntas finales

Tras examinar el contexto del cuadro y la obra en sí, llegamos a algunas preguntas finales.

Historia de la crítica de arte: críticos famosos

No es necesario saber nada sobre los críticos de arte o su historia para poder apreciar el arte. Así que no te aburriremos con los detalles. Sin embargo, algunos fragmentos pueden ayudarte a entender que ni siquiera los expertos llegan a un consenso sobre si un cuadro es una obra de genio o una completa basura.

Denis Diderot (1713-1784) es considerado el padre fundador de la crítica de arte por su revisión de la Encyclopédie (1751-1752). Sentimental en su gusto artístico, hizo muchas cosas importantes, la mayoría demasiado aburridas para mencionarlas.

Théophile Thor (1807-1869) es más interesante: fue un crítico de arte e historiador francés que «redescubrió» a Jan Vermeer (1632-1675) y lo convirtió en uno de los más grandes artistas. Sin embargo, esto no ayudó mucho a Vermeer. El pobre hombre apenas podía pagar las facturas del pan, no ganaba dinero con su pintura y cayó en la oscuridad tras su temprana muerte.

Otro famoso crítico de arte fue el poeta del siglo XIX Charles Baudelaire (1821-1867). Elevó la carrera de Félicien Rops (¿ha oído hablar de él?), y destacó especialmente al pintor Constantin Guy (poca gente ha oído hablar de él tampoco). También colaboró asiduamente en el Salón anual de París , en el que las anticuadas autoridades prohibieron participar a todos los artistas realmente buenos, que acabaron organizando una serie de exposiciones competidoras, como el Salón de Rechazo (1863), el Salón de la Independencia (1884-1914) y el Salón de Otoño (1903).

En Suiza y en el mundo germanohablante, quizá el mayor historiador del arte después de Johann Winkelmann fue Jacob Burckhardt (1818-1897), profesor de historia en la Universidad de Basilea. Su libro más famoso, «Renaissance Civilisation in Italy» ) Die Kultur der Renaissance in Italien), publicado en 1860, exploraba la totalidad del Rinascimento italiano y ejerció una gran influencia en los historiadores del arte del siglo XIX.

En Inglaterra, el mayor historiador del arte del siglo XIX fue John Ruskin (1819-1900). Artista de talento y buen escritor, fue recordado por clásicos como sus obras en 5 volúmenes «Modern Painters (Pintores modernos)» (1843-60), «Seven Luminaries of Architecture (Siete luminarias de la arquitectura)» (1849) y en 3 volúmenes «Stones of Venice (Piedras de Venecia)» (1851-3). Con el tiempo se volvió loco, pero no antes de perder un famoso pleito por difamación contra Whistler.

Véase también: Grandes cuadros modernos

Roger Fry (1866-1934) fue un influyente historiador del arte inglés que poseía una encantadora voz pausada. Se hizo famoso como experto en el Renacimiento italiano y llegó a ser conservador de pintura en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York (1906-10). En 1907, sin embargo, Frye «descubrió a» Cézanne y cambió su interés por el Postimpresionismo . En Londres, en 1910 y 1912, comisarió dos prolíficas exposiciones de postimpresionismo. Muchos visitantes pensaron que Frye estaba loco. Su principal apóstol fue el escritor, historiador del arte y formalista Clive Bell (1881-1964).

Herbert Read (1893-1968) fue un reputado historiador del arte inglés del siglo XX y un destacado intérprete del arte moderno . Publicó numerosas obras, entre ellas «The Meaning of Art» (1931), «Art Now» (1933), «Education through Art» (1943), «Breve historia de la pintura moderna» (1959) y «Breve historia de la escultura moderna» (1964).

En Francia, el principal crítico de arte de principios del siglo XX fue el poeta Guillaume Apollinaire (1880-1918). Brillante promotor de Picasso, el cubismo, el orfismo, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, André Deren, Henri Matisse, Henri Rousseau y Marcel Duchamp. Su criterio artístico era impecable.

El surrealismo tuvo sus propios propagandistas, como André Breton (1896-1966), quien, al estallar la Segunda Guerra Mundial, como muchos artistas, abandonó París por Nueva York, que se estaba convirtiendo en el nuevo centro mundial del arte. Sus principales historiadores del arte fueron Clement Greenberg (1909-1994), Harold Rosenberg (1906-1978), John Canady (1907-1985). Greenberg, antiguo trotskista, era partidario de obras abstractas como las pinturas de Jackson Pollock . Escribió un libro «Arte y cultura» (1961), así como monografías sobre Miró (1948) y otros. Por desgracia, aunque sin duda sabía apreciar la pintura, gran parte del arte de vanguardia que tanto le gustaba lo calificaba de indescifrable. Rosenberg, al igual que Greenberg, era seguidor de la abstracción vanguardista. Kanedai, columnista de arte del New York Times, fue uno de los pocos críticos influyentes del Expresionismo Abstracto.

Kenneth Clark (1903-1983), a pesar de ser más tradicionalista que la mayoría de los críticos del siglo XX, fue quizás el más influyente por su creación de la galardonada serie de televisión de la BBC «Civilisation». La serie tuvo un gran éxito en el Reino Unido y en Estados Unidos.

Es imposible apreciar todo el arte

El impresionismo francés es uno de los movimientos artísticos más exitosos e influyentes de todos los tiempos. Sin embargo, al principio fue ridiculizado no sólo por los críticos, sino también por toda clase de espectadores. Monet, Renoir y Pissarro estuvieron a punto de morir de hambre. Sisley murió en la pobreza.

En la primavera de 1913 se celebró en Manhattan el Armory Show, la mayor exposición de arte moderno jamás vista en Estados Unidos, antes de las muestras de Chicago y Boston. Alrededor de 300.000 estadounidenses vieron 1.300 exposiciones en las que se mostraban los cuadros europeos más contemporáneos, así como una selección del mejor arte americano contemporáneo. Las opiniones son muy diversas, sobre todo en lo que respecta al cubismo y otras obras del siglo XX. En respuesta, estallaron disturbios y el artista Marcel Duchamp fue agredido físicamente por la multitud, decidida a quemar la exposición.

¿La lección? No todo el arte de alta calidad es fácil de apreciar o comprender.