Historia del Arte Preguntas y respuestas Traductor traducir

La página abarca: el arte prehistórico, el arte de la época clásica, el arte medieval, el renacimiento, los siglos XVII y XVIII y la época moderna. Añada esta página a sus favoritos para obtener respuestas a todas sus preguntas sobre la evolución y el desarrollo del arte visual desde la Antigüedad hasta la era posmoderna.

¿Cuándo empezó el ser humano a crear obras de arte?

Hasta hace poco, la mayoría de los paleoantropólogos e historiadores del arte creían que la historia del arte comenzó durante el Paleolítico Superior, entre 35.000 y 10.000 a.C., como demuestran una serie de pinturas rupestres y figurillas en miniatura halladas principalmente en Europa. Sin embargo, recientes descubrimientos arqueológicos parecen confirmar que el arte prehistórico se originó mucho antes – casi con toda seguridad en el Paleolítico Inferior medio – en algún momento entre 290.000 y 700.000 a.C. Para más información, véase: Historia del arte prehistórico .

¿Cuál fue la primera forma de arte creada por el hombre de la Edad de Piedra?

El arte rupestre más antiguo que se conoce es el «cupul», un petroglifo con forma de semiesfera creado al golpear superficies verticales y horizontales. Para más información sobre este inusual arte rupestre, véase: Kupuls . Para una guía del primer paleoarte, véase: Arte primitivo .

¿Cuál es la obra de arte más antigua conocida?

El paleoarte más antiguo del que se tiene constancia – Cúpulas del Paleolítico Inferior de la Cueva del Auditorio, en la India, que datan de 290.000 a.C. Para más detalles, véase: Petroglifos de Bhimbetka .

¿Cuál es la escultura más antigua jamás creada?

Las primeras proto-esculturas – figuras aschelianas creadas por Homo erectus, que datan del 200.000 a.C.: Venus Berehat Ram y Venus Tan-Tan. Más tarde, a partir del 33.000 a.C., aparecieron en Europa estatuillas más refinadas. Para más detalles, véase: Estatuillas de Venus .

¿Qué antigüedad tienen las primeras pinturas rupestres?

Los frescos rupestres más antiguos conocidos pintados por Homo sapiens modernos se encuentran en los abrigos rocosos del Paleolítico Superior de Chauvet, Peche-Merle, Cosqueray y Lascaux (Dordoña, Francia) y en Altamira (Cantabria, España). Para más detalles, véase: arte rupestre prehistórico .

Para una lista cronológica de las obras de arte más antiguas, véase Arte antiguo, y para más información véase Arte de la Edad de Piedra más antigua – 100 obras conocidas .

¿Dónde puedo encontrar una cronología completa del arte de la Edad de Piedra?

Para una cronología detallada de fechas importantes de los periodos Paleolítico, Mesolítico y Neolítico de las eras Pleistocena y Holocena, incluyendo los primeros petroglifos, esculturas, frescos rupestres, arquitectura megalítica, cerámica y metalistería, véase: Cronología del arte prehistórico .

¿Cuándo se creó el primer arte religioso?

Nadie lo sabe con certeza. Si las cúpulas resultan ser signos religiosos, la respuesta puede ser «tan pronto como 700.000 a.C.». Es más probable que las primeras obras de arte religioso resulten ser pinturas rupestres africanas o australianas que datan de unos 10.000-20.000 a.C., véase: Arte religioso .

¿Por qué tipo de arte es famosa la Edad de Bronce?

Los ejemplos más famosos del arte de la Edad de Bronce (c. 3500-1100 a.C.) se crearon en el Mediterráneo en forma de arquitectura monumental egipcia (pirámides), así como frescos, cerámica y escultura minoicos. El arte persa era aún más avanzado. Para más detalles, véase: Arte de la Edad de Bronce .

¿Qué tiene de especial el arte egipcio?

La cultura egipcia (3100 a.C. y 395 d.C.) contribuyó enormemente a la historia del arte. Los artesanos egipcios (sobre todo los albañiles), la civilización mediterránea más antigua y longeva, ejercieron una gran influencia en la escultura griega posterior. Además, se conserva una gran cantidad de pintura egipcia (frescos, paneles), más que de ninguna otra cultura nacional de la prehistoria, lo que nos permite conocer mejor la cultura y el arte egipcios. Para más información, véase: Arte egipcio .

¿Por qué construyeron pirámides los egipcios?

El propósito de las pirámides egipcias – la forma única de la arquitectura egipcia – era facilitar y asegurar el paso de un faraón o noble fallecido al más allá. La mayoría se construyeron entre 2680-1786 a.C. (aunque algunos objetos encontrados en el interior de las pirámides datan de mucho antes, hasta 5.000 a.C.) Para más información, véase Pirámides egipcias .

¿Quiénes eran los minoicos? ¿Por qué es conocida la civilización minoica?

Llamados así por el legendario rey Minos, los minoicos, precursores del arte griego, vivían en la isla de Creta, en el Mediterráneo oriental. Hacia el año 2100 a.C., los ingresos procedentes del comercio marítimo les permitieron construir una serie de palacios en Cnosos, Faistos, Akrotiri, Kato Zakros y Mallia, así como bellos ejemplos de escultura, pintura al fresco, cerámica, talla en piedra y metalistería. Para más información, véase: Arte minoico .

¿Qué es el arte micénico?

Micenas fue una ciudad griega de la región del Peloponeso, en el continente de la antigua Grecia. Dio nombre a la primera forma de cultura griega (ca. 1650-1200 a.C.). Para más información, véase: Arte micénico .

¿Por qué es famoso el arte persa?

Situada a ambos lados de la antigua ruta comercial hacia Oriente, Persia (más tarde rebautizada Irán) se convirtió en uno de los centros culturales y políticos más ricos del mundo antiguo en el primer milenio antes de Cristo. Bajo poderosos líderes como Ciro II el Grande, Jerjes y Darío I, el país se hizo famoso por su arquitectura, escultura pública, cerámica, objetos de oro y metales preciosos. El arte persa estuvo influido (y recibió influencias) del arte griego. Para más información, véase El arte de Persia .

¿Por qué es más conocido el arte etrusco? (ca. 700-90 a.C.)

La cultura etrusca, que se originó en la provincia italiana de Etruria, en Italia, antes del auge de Roma, alcanzó su apogeo en el siglo VI a.C. (500-600 a.C.). Es conocida por sus pinturas de tumbas y sarcófagos funerarios, así como por su cerámica. Ejerció una influencia significativa tanto en el arte griego como en el romano. Para más información, véase Arte etrusco .

¿Por qué es tan importante el arte griego?

Entre los años 600 y 300 a.C., la antigua Grecia fue el centro cultural más importante del mundo antiguo y produjo una amplia y asombrosa variedad de esculturas, pinturas, cerámicas y arquitecturas que más tarde influyeron decisivamente en el desarrollo de todo el arte occidental. El arte griego abarca tres grandes épocas: el periodo Arcaico (c. 600-500 a.C.), el periodo Clásico (c. 500-323 a.C.) y el periodo Helenístico (c. 323-27 a.C.). Para más información, véase Arte griego .

¿Por qué se conservan tan pocas esculturas griegas?

Porque en la Edad Media (hacia 400-800) los carroñeros desmantelaron muchas de las esculturas de piedra y fundieron casi todo el bronce para obtener chatarra. Como consecuencia, nuestro conocimiento de la escultura griega se limita a las copias romanas de las piezas originales o a los escasos fragmentos que quedan. No obstante, aún se conservan numerosos ejemplos de escultura en relieve y algunas estatuas en templos supervivientes, como el Partenón de la Acrópolis de Atenas. Afortunadamente, han sobrevivido algunas obras maestras destacadas, en particular el «Laocoonte» (42-20 a.C.), esculpido por Hagesandro, Polidoro y Atenodoro. Para más detalles, véase: Escultura griega .

¿Cuáles son los principales estilos de la cerámica griega?

La cerámica es la principal fuente de información que se conserva sobre las bellas artes griegas. Cuatro estilos principales: geométrico, figura negra, figura roja y fondo blanco. Irónicamente, el arte cerámico griego nunca gozó de la misma estima que las bellas artes. La pintura monumental gozaba de mayor prestigio, seguida de la arquitectura, la escultura y la metalistería. Para más información, véase: Cerámica griega .

¿Por qué es más conocido el arte romano?

Los pintores y escultores romanos sufrían un tradicional sentimiento de inferioridad respecto al arte griego, que copiaban sin cesar. Los mayores logros artísticos de la antigua Roma se asociaron con la arquitectura romana (por ejemplo, el Coliseo) y la escultura narrativa en relieve (por ejemplo, la Columna de Trajano del año 113 d.C.). Para más detalles, véase: Arte romano .

¿Qué es el arte celta?

El término se refiere tradicionalmente a la metalistería, la escultura y la decoración de los antiguos celtas que llegaron a Europa del Este desde el Cáucaso alrededor del año 800 a.C.. Para más detalles, véase: Arte celta . Sobre la historia y la aportación cultural de los celtas, véase: Cultura celta .

¿Qué son «los ornamentos celtas»?

Suelen incluir: espirales, alternancias, nudos, cruces y zoomorfos. Véase Patrones celtas .

¿Qué obras de arte cristiano se crearon durante el periodo medieval?

Durante casi 600 años (400-1000) gran parte de la cultura europea estuvo estancada debido a la anarquía inspirada por los bárbaros y a un declive general del nivel de vida. Sólo sobrevivió la Iglesia cristiana, e incluso ésta se hallaba dividida entre Roma y Bizancio (Constantinopla). No obstante, en su red de monasterios y scriptoria en los confines de Europa (véase, por ejemplo, Arte monástico irlandés) fue responsable de una serie de manuscritos evangélicos iluminados, actividad que más tarde apoyó en el continente el rey Carlomagno I en Aquisgrán. Para más información, véase: Arte cristiano medieval y para ejemplos como el Libro de Kells, véase: Manuscritos iluminados irlandeses .

¿Qué tipo de arte crearon los vikingos?

Los vikingos – guerreros paganos daneses, noruegos y suecos – asaltaron y se establecieron ampliamente en Europa, Norteamérica, Groenlandia, Islandia, Irlanda, Escocia, Inglaterra y Europa continental. La mayoría de sus artefactos (en su mayoría portátiles) consistían en herramientas o equipos funcionales, aunque los artesanos vikingos también destacaban en la metalistería decorativa. Para más información, véase Arte vikingo .

¿Cuál fue la época del arte bizantino?

Mientras la Cristiandad occidental se deslizaba hacia el abismo cultural de la Edad Media bárbara (400-1000), sus valores artísticos se vieron sostenidos por su capital oriental, Bizancio, a la que emigraron miles de artistas y artesanos romanos y griegos que empezaron a crear un nuevo conjunto de culturas orientales. Imágenes cristianas (véase Iconografía) de estilo bizantino. Mezcla de estilos griego, romano y persa, perduró hasta que Bizancio (Constantinopla) fue saqueada por los turcos en 1453. Para más detalles, véase: Arte bizantino .

¿Qué es el arte carolingio?

El término se refiere a las obras de arte creadas durante el reinado de Carlomagno, rey de los francos. A este arte carolingio le siguió el arte ottoniano, creado bajo los emperadores Otón I, II, III, Luis el Piadoso y Carlos el Calvo.

¿Qué es el arte gótico?

Fue un estilo de arquitectura europea que se originó en Île-de-France y sus alrededores entre 1200-1270 y luego se extendió por el norte de Europa. A finales del siglo XIV y principios del XV evolucionó hacia el gótico internacional y se extendió por Borgoña, Bohemia y el norte de Italia. Para más información, véase: Arte gótico, y Arquitectura gótica .

¿Dónde puedo encontrar una lista de artistas medievales?

Para información detallada sobre escultores, pintores, arquitectos y otros artistas decorativos de la Edad Media, véase: Artistas medievales .

¿Por qué es tan importante el Renacimiento para el desarrollo del arte occidental?

El Renacimiento fue un auge de la actividad creativa en todas las disciplinas de las artes visuales, centrado en Italia entre 1400 y 1530. Dividido en dos épocas sucesivas (Renacimiento temprano 1400-1490; Alto Renacimiento 1490-1530), revitalizó firmemente el mundo del arte occidental según los principios de la antigüedad clásica, especialmente la escultura griega y su teoría sobre la estética, y la jerarquía de géneros siguió siendo dominante hasta Pablo Picasso y el cubismo. Para una cronología de los acontecimientos y detalles de todos los periodos, estilos y artistas, véase: Arte del Renacimiento .

¿Qué ocurría en Florencia durante el Renacimiento?

El Renacimiento propiamente dicho, simbolizado por la nueva cúpula de la catedral de Florencia, fue iniciado por los artistas florentinos Filippo Brunelleschi (1377-1446), Mazaccio (ca. 1401-28) y Leon Battista Alberti (1404-1472). Nuevas técnicas pictóricas fueron exploradas por artistas como Piero della Francesca (1420-92), Antonio Pisanello (1395-1455), Domenico Veneziano (1410-61), Gentile da Fabriano (1370-1427), Fra Angelico (1387-1455) y Paolo Uccello (ca. 1396-1475), Giovanni Angelo di Antonio (ca. 1447-1475), Andrea del Castagno (ca. 1421-57), Sandro Botticelli (1444-1510) y Domenico Ghirlandaio (1449-1494), mientras que las nuevas formas escultóricas fueron introducidas por la obra de Donatello (1386-1466). Para más información, véase: El Renacimiento en Florencia .

¿Por qué fue importante la familia florentina de los Médicis para el arte del Renacimiento?

La familia de banqueros Medici fue el principal mecenas financiero del arte en Florencia durante el Renacimiento temprano, sin el cual muchas obras de arte no podrían haberse creado. Sus principales miembros fueron Giovanni di Bicci de’ Medici, Cosimo de’ Medici, Piero de’ Medici y Lorenzo de’ Medici. Para más información, véase: La familia Médicis en Florencia durante el Renacimiento .

¿Qué ocurría en Roma durante el Renacimiento?

Aunque Roma fue la segunda en importancia tras Florencia durante el Renacimiento temprano, dominó el alto Renacimiento. Entre los papas que contribuyeron al auge de la pintura, la escultura y la arquitectura en la ciudad se encuentran Sixto IV (1471-1484), Julio II (1503-1503), León X (1513-1521) y Pablo III. (1534-45). Para más detalles, véase: El Renacimiento en Roma .

¿Qué ocurría en Venecia durante el Renacimiento?

Venecia también desempeñó un papel menor en comparación con Florencia en el siglo XV. Además, su clima y su historia de comercio con Oriente propiciaron un desarrollo artístico algo diferente. Entre los representantes más activos e influyentes del Renacimiento veneciano se encuentran Jacopo (ca. 1400-1470), Gentile Bellini (ca. 1429-1507) y Giovanni Bellini (ca. 1430-1516).), Andrea Mantegna de Padua (1431-1506), Vittore Carpaccio (1490-1523), Giorgione (1476-1510), Tiziano (1487-1576), Paolo Veronese (1528-88) y Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-1594). Para más información, véase: El Renacimiento en Venecia . Sobre el diseño de edificios, véase: Arquitectura renacentista veneciana., dominada por Jacopo Sansovino y Andrea Palladio.

¿Cuál es la diferencia entre el Renacimiento temprano y el alto Renacimiento?

En pocas palabras, el Renacimiento temprano fue testigo de la mayoría de los nuevos descubrimientos de la pintura (por ejemplo, la perspectiva, el escorzo, los nuevos temas, el nuevo enfoque de los temas tradicionales), mientras que los artistas del Alto Renacimiento se basaron en estos descubrimientos e hicieron un excelente uso de ellos desarrollando técnicas más sutiles. Los tres artistas más brillantes del Renacimiento tardío fueron Leonardo da Vinci, el prodigio Rafael y Miguel Ángel Buonarroti. Para más información, véanse: Historia del Renacimiento temprano y Historia del Alto Renacimiento .

¿Qué es el manierismo?

En los 70 años posteriores al saqueo de Roma en 1527, el estilo del arte renacentista experimentó un marcado cambio, volviéndose más emocional y dramático. Más tarde se denominó manierismo. En muchos aspectos reflejaba las tensiones de la época y era una reacción al idealismo puro del Renacimiento. Un espléndido ejemplo de pintor manierista – Giambologna . Para más información, véase Manierismo: historia y artistas .

¿Qué es el Renacimiento del Norte?

Este término describe el desarrollo del arte en el norte de Europa (Flandes, Holanda, Alemania y Gran Bretaña) durante el periodo 1430-1580. Comenzó con la monumental obra maestra de Jan Van Eyck «El Retablo de Gante» y se caracterizó porque los norteños preferían la pintura al óleo. Entre los artistas más destacados del Renacimiento septentrional figuran: Jan van Eyck (neerlandés, 1390-1441), Roger van der Weyden (flamenco, 1400-1464), Hieronymus Bosch (neerlandés, 1450-1516), Tilman Riemenschneider (alemán, 1460-1531), Alberto Durero (alemán, 1471-1528), Lucas Cranach el Viejo (alemán, 1472-1553), Hans Holbein el Joven (suizo, 1497-1543), Pieter Bruegel el Viejo (flamenco, c. 1525-1569). Para más detalles, véase: Renacimiento septentrional: Historia .

¿Cuáles fueron las mejores pinturas del Renacimiento?

Para una lista de las pinturas al temple, al fresco y al óleo más importantes, véase Las mejores pinturas del Renacimiento .

¿Cuáles son las características del arte barroco?

El arte barroco – las armas «artísticas y arquitectónicas» de la Contrarreforma – reflejaba la majestuosidad divina y la confianza religiosa de los reyes y reinas católicos, así como las aspiraciones de los comerciantes y la clase media en ascenso. Su manifestación externa más común era la grandeza y la extravagancia, ejemplificadas por la escultura de Bernini (1598-1680) y las pinturas de Pedro Pablo Rubens (1577-1640). Para más detalles, véase: Arte barroco: una historia . Véase también: Arquitectura barroca .

¿Dónde empezó el rococó? ¿Quiénes fueron los artistas rococó más famosos?

Básicamente, un movimiento de diseño de interiores (hacia 1715-1774) que surgió en Francia como reacción a la grandeza barroca de la corte de Versalles del rey francés Luis XIV. El rococó era un estilo decorativo extravagante y elaborado del arte y la arquitectura, ejemplificado por las pinturas de Jean-Antoine Watteau (1684-1721), Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), François Boucher (1703-70), Thomas Gainsborough (1727-88) y Giambattista Tiepolo (1696-1770), así como la escultura de Claude Michel Clodion (1738-1814). Para más detalles, véase: Arte rococó: una historia . Véase también: Arquitectura rococó .

¿Quién escribió en estilo neoclásico?

Las obras del pintor alemán Anton Raphael Mengs (1728-1779), del pintor académico francés Jean Auguste Dominique Engrand (1780-1867) y del artista político francés Jacques-Louis David (1748-1825) ejemplifican el estilo neoclásico (hacia 1750-1815), de marcado carácter heroico. Entre los principales escultores del Neoclasicismo se encuentran Antonio Canova (1757-1822), el artista danés Bertel Thorvaldsen (1770-1844) y Jean-Antoine Oudon (1741-1828). Para más detalles, véase: Arte neoclásico: una historia .

¿Qué se entiende por «arte académico»?

Arte académico – es un estilo de arte que, de acuerdo con las teorías clásicas del arte establecidas durante el Renacimiento italiano, fue enseñado por «academias oficiales» como la Academia Francesa de Bellas Artes de París, la Academia Florentina, la Academia Romana y la Real Academia de Londres. Se adhería a una jerarquía de géneros establecida. Para más detalles, véase: Arte académico .

¿Qué artistas fueron los representantes más famosos del Romanticismo?

El arte romántico fue una especie de contrapeso a la dureza y rigidez del neoclasicismo. Entre los artistas más destacados se encuentran: los paisajistas John Constable (1776-1837), J. M. W. Turner (1775-1851) y Caspar David Friedrich (1774-1840); las obras narrativas de Francisco Goya (1746-1828) y James Barry (1741-1806), y los retratos de Theodore Gericault (1791-1824). Quizá el romántico más famoso fue el pintor parisino Eugène Delacroix (1798-1763). Para más información, véase: El Romanticismo en el arte .

¿Qué es la escuela inglesa de pintura?

Esta frase describe generalmente el desarrollo del retrato, «la conversación» y la pintura de género producida en Inglaterra durante los siglos XVIII y XIX, con ejemplos de William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, George Stubbs, William Blake y otros. Para más información, véase Pintura figurativa inglesa, siglos XVIII-XIX .

¿Qué es la escuela inglesa de pintura de paisaje?

El término se utiliza normalmente para describir el mini-renacimiento del paisajismo que tuvo lugar en Inglaterra entre 1750 y 1850. Entre los artistas más destacados se encuentran Richard Wilson, Thomas Gainsborough, Thomas Girtin, John Constable y J. M. W. Turner. Otros artistas importantes fueron Richard Parkes Bonington, John Crome y John Sell Cotman. Para más información, véase Paisajismo inglés, siglos XVIII-XIX .

¿Qué es la Escuela del Río Hudson?

La Escuela del Río Hudson de paisajismo estaba formada por un grupo de paisajistas estadounidenses del siglo XIX (floreció entre 1820 y 1875) cuya obra pretendía inmortalizar los paisajes salvajes de Estados Unidos. El líder de la escuela fue Thomas Cole .

¿Qué es el luminismo?

El luminismo – es un estilo de pintura paisajista (apogeo 1850-75) que se desarrolló a partir de la Escuela de Hudson y el trabajo de artistas como George Caleb Bingham .

¿Por qué el Impresionismo fue tan influyente en el desarrollo del arte moderno?

El Impresionismo francés – un estilo espontáneo de pintura – rechazó las reglas del arte académico en favor de un enfoque naturalista y práctico de su temática. Inspirados por los métodos de pintura plein air de la escuela de Barbizon, los impresionistas se especializaron en la pintura de paisajes y de género, aunque el retrato siguió siendo una importante fuente de ingresos para muchos de ellos. Para una descripción detallada de esta famosa e influyente escuela, así como biografías de sus artistas, véase: Impresionismo: historia y artistas . Véase también: Orígenes e influencia del Impresionismo .

¿Quiénes son los pintores impresionistas más famosos?

Los representantes más famosos del Impresionismo son: Paul Cézanne (1839-1906), Edgar Degas (1834-1917), Édouard Manet (1832-1883), Claude Monet (1840-1926), Berthe Morisot (1841-1895), Jacob-Abraham-Camille Pissarro (1830-1903), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) y Alfred Sisley (1839-1899). Para más información, así como sobre los impresionistas de Alemania, Holanda, Gran Bretaña, Estados Unidos, Rusia y Australia, véase: Artistas impresionistas .

¿Qué es la Escuela de pintura de Heidelberg?

La Escuela de Heidelberg, llamada así por la zona rural al este de Melbourne, Australia, fue un grupo de pintores impresionistas australianos del siglo XIX. Para más información, véase: Escuela de Heidelberg (1886-1900) o Impresionismo australiano .

¿Quiénes son los postimpresionistas más famosos?

El postimpresionismo describe los estilos de un grupo de artistas franceses que fueron más allá del impresionismo puro de Claude Monet y sus seguidores a finales del siglo XIX y principios del XX. Entre los artistas postimpresionistas: Georges Seurat (1859-1891), Paul Cézanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890), Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901), Paul Gauguin (1848-1903), Edouard Vuillard (1868-1940). Para más información, véase: Postimpresionismo .

¿Quiénes eran los «fauvistas» y qué estilo de pintura era el fauvismo?

El movimiento fauvista (1898-1908) fue un estilo de pintura colorista de corta duración que se formó en torno a una serie de artistas franceses a principios de siglo. Surgidos del Impresionismo francés, los fauvistas famosos son Henri Matisse (1869-1954), André Doeren (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Georges Braque (1882-1963), Raoul Dufy (1877.) -1953), Albert Marquet (1875-1947) y Georges Rouault (1871-1958). Para más detalles, véase: Fauvismo .

¿Cuándo se originó el expresionismo?

Los inicios del movimiento expresionista suelen asociarse con el expresionismo alemán del siglo XX, que incluía grupos de artistas tan diversos como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), Die Brucke, Die Neue Sachlichkeit y la Escuela de la Bauhaus (1919-33). Para una lista de artistas, véase: Artistas expresionistas . Sin embargo, otros pioneros del expresionismo fueron Van Gogh (1853-1890) y Edvard Munch (1863-1944). Para más información, véase: Expresionismo .

¿Qué escuelas del expresionismo alemán fueron las más conocidas?

Hubo tres escuelas principales de expresionismo en Alemania:
❶ Die Brucke («El Puente», 1905-13), fundada por Karl Schmidt-Rothluff (1884-1976) y Ernst Ludwig Kirchner.
❷ Der Blaue Reiter («El Jinete Azul», 1911-14), dirigido por Wassily Kandinsky (1844-1944) y Franz Marc (1880-1916).
❸ Die Neue Sachlichkeit («Nueva Objetividad», década de 1920) liderada por Otto Dix (1891-1969) y George Gros (1893-1959). Para más detalles, véase: Expresionismo alemán .

¿Qué valioso artista vienés se asocia con el estilo Art Nouveau?

Gustav Klimt (1862-1918), creador de dos de los cuadros más caros de todos los tiempos - Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y Retrato de Adele Bloch-Bauer II (1912) - fue una figura destacada del arte del estilo Art Nouveau de las artes decorativas ) Jugendstil). Para una biografía de este distinguido artista, véase: Gustav Klimt .

¿Cuál es el significado y la importancia del Cubismo?

El Cubismo fue un estilo revolucionario de arte desarrollado por Georges Braque (1882-1963) y Pablo Picasso (1881-1973) durante 1907-1908. Cambió radicalmente el marco de la pintura y presentó una forma totalmente nueva de representar la realidad. En concreto, abandonó el uso de la perspectiva tradicional (profundidad en una imagen) y en su lugar se centró en el lienzo plano: fragmentando un objeto «tridimensional» en segmentos planos, que luego se reordenaban en la imagen de forma superpuesta. («Las doncellas de Avignon» de Picasso fue una puñalada muy temprana en esta dirección). Como resultado, las pinturas cubistas eran a menudo muy abstractas y este nuevo estilo abstracto provocó una revolución artística en toda Europa, marcando el final del Renacimiento y el comienzo de la era del arte moderno. Para más información, véase: Cubismo: historia y artistas . Para conocer otras tendencias europeas de la abstracción, véase Movimientos, periodos y escuelas artísticas (desde aproximadamente el año 100 a.C.).

¿Cómo se originó el Cubismo?

En 1907 y 1908, fuertemente influenciados por los paisajes de estilo geométrico de Paul Cézanne, Picasso y Braque pintaron una serie de paisajes utilizando formas geométricas simplificadas (cubos tridimensionales), de ahí el nombre original «Cubismo». Para más información sobre este prototipo original del Cubismo, véase: La primera pintura cubista .

¿Qué es el cubismo analítico?

En su cuadro «Retrato de Ambroise Vollard» (1910) Picasso deconstruyó la figura humana en una serie de placas geométricas planas y transparentes que se superponen y se cruzan en diferentes ángulos. Esta obra inicia la segunda fase del cubismo, conocida como «cubismo analítico» (1910-12). Para más información sobre este nuevo estilo, véase Cubismo analítico .

¿En qué se diferenciaba el cubismo sintético?

Entre 1913 y 1914 Picasso y Braque introdujeron su tercer estilo, conocido como cubismo sintético. En lugar de desmontar los objetos en muchas partes planas, el nuevo estilo consistía en construir una composición utilizando diversos materiales extraños, como el collage. Este estilo influyó en otros artistas famosos, especialmente los de la escuela dadaísta. Para más información sobre este nuevo estilo, véase: Cubismo sintético .

¿Qué son la Sota de Diamantes y la Cola de Asno

Eran grupos de exposición de artistas rusos formados en Rusia inmediatamente antes de la guerra (1910-1912). Para más información, véase Jack of Diamonds (1910-17) y el más radical Donkey’s Tail (1911-12).

¿Cuáles eran las características del Suprematismo?

El abstraccionismo suprematista (1913-1920) fue un movimiento ruso fundado por el nihilista Kazimir Malevich (1878-1935). Para más detalles, véase: Suprematismo .

¿Quién fundó el constructivismo?

El constructivismo (c. 1917-21) – un movimiento del arte arquitectónico abstracto ruso – fue fundado por Vladimir Tatlin (1885-1953), al que más tarde se unieron Alexander Rodchenko (1891-1956) y los hermanos Antoine Pevzner (1886-1962) y Naum Gabo (1890-1977). Para más detalles, véase: Constructivismo .

¿Cuál era el estilo Dadá? ¿Qué era el neo-Dada?

Fundado en Suiza por Jean Arp y otros durante la Primera Guerra Mundial, Dadá (1915-24) fue un movimiento anti-arte que produjo una serie de obras sin sentido y «performances» que desafiaban los valores tradicionales de una sociedad que toleraba la barbarie de la Primera Guerra Mundial. Unos 30 años más tarde, apareció en Estados Unidos otra compleja variante, conocida como neodada, que exageraba deliberadamente el significado estético de objetos e imágenes discretos, provocando el escándalo de muchos «críticos y comisarios» serios. Para más detalles, véase Dadaísmo: historia, estilos .

¿Por qué es tan famosa la escuela Bauhaus?

La Escuela de la Bauhaus, fundada en 1919 por Walter Gropius, fue una escuela de arte revolucionaria, inspirada en muchas otras. Para conocer sus objetivos, artistas e influencia, véase Escuela de Diseño Bauhaus .

¿Qué es el surrealismo?

El surrealismo fue uno de los movimientos artísticos más influyentes del periodo de entreguerras. Abarcó una amplia gama de estilos, desde la abstracción hasta el realismo, pero tendía a representar imágenes extrañas o fundamentalmente «irreales». Entre los surrealistas más destacados se encuentran Salvador Dalí (1904-1989), Max Ernst (1891-1976), René Magritte (1898-1967), André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-55), Juan Miró (1893-1983), Giorgio de Chirico (1888-1978), Jean Arp (1886-1966) y Man Ray (1890-1976). Para más detalles, véase: Surrealismo: historia, estilos .

¿Qué se entiende por «Entartete Kunst»?

El término «Entartete Kunst» significa «arte degenerado» y se utilizaba para describir cualquier arte que no se ajustara a los ideales del Partido Nazi en la Alemania de los años 30. Para una explicación completa, véase: Arte degenerado .

¿Cuál es la diferencia entre realismo, realismo social y realismo socialista?

El realismo (Le Realisme) como movimiento artístico se originó en Francia a mediados de la década de 1850. Rechazó las «poses y temas ideales» del arte tradicional de inspiración renacentista en favor de la representación de «la dura» realidad de la vida. El realismo social, la escuela de finales de los años veinte y principios de los treinta, mantuvo la tradición realista de representar la vida cotidiana sin adornos, pero se centró en escenas con un mensaje social, como las colas del pan y los vagabundos. En comparación, el realismo socialista fue un estilo de arte propagandístico patrocinado por el Estado e introducido por José Stalin en la URSS alrededor de 1929. Más información: Realismo socialista .

¿Qué es el arte abstracto?

Abstraccionismo – es cualquier pintura o escultura que no representa aspectos del mundo visible. También se conoce como «arte sin objeto», «arte no representativo», «arte concreto» o «arte no figurativo». Algunos movimientos abstractos conocidos son De Stijl, el Constructivismo, el Suprematismo, el Expresionismo Abstracto, el Op Art y el Minimalismo. Para una explicación completa con ejemplos, véase Arte abstracto: historia y artistas .

¿Qué es el expresionismo abstracto?

El expresionismo abstracto fue una influyente escuela de pintura estadounidense de los años cuarenta y cincuenta. A veces denominada Escuela de Nueva York, incluyó varios estilos como Pintura de acción (Jackson Pollock, Lee Krasner, Willem de Kooning), Pintura de campo de color (Mark Rothko, Clifford Still, Barnett Newman), y Pintura rígida (Frank Stella). Para más información, véase Expresionismo abstracto: historia, estilos, artistas .

¿Qué es el op art?

Abreviatura de arte óptico, este movimiento de los años 50 y principios de los 60 utilizaba patrones geométricos abstractos en blanco y negro para crear una serie de efectos ópticos para la percepción del espectador. Para más detalles, véase: Op-Art .

¿Cuándo empezó el arte pop?

El término «Pop Art» se refiere a un tipo de «arte popular» – un estilo que utiliza imágenes tomadas de la publicidad de consumo y la cultura de masas. Surgió simultáneamente en Nueva York y Londres a mediados de la década de 1950 y se mantuvo como movimiento de vanguardia hasta finales de la década de 1960. Entre sus artistas destacan Andy Warhol (1928-1987), Jasper Johns (nacido en 1930) y Roy Lichtenstein (1923-1997). Para más información, véase: Arte pop .

¿Dónde puedo encontrar una guía de la historia del arte americano?

Para una breve visión general del arte estadounidense (pintura, escultura, etc.) desde 1750 hasta la actualidad, ver…: Arte americano .

¿Qué es el postmodernismo?

El posmodernismo – es un estilo y una teoría conceptual del arte y la arquitectura de finales del siglo XX que se caracteriza por una desconfianza general hacia las ideologías, así como por una visión contradictoria de lo que constituye el arte. Para una explicación completa, véase: Arte posmoderno: guía .

¿Qué significa minimalismo? ¿En qué se diferencia del postminimalismo?

Minimalismo (años 60) – es un estilo de arte (y arquitectura) caracterizado por la extrema simplicidad de las formas y una deliberada falta de contenido expresivo. A los artistas minimalistas sólo les interesaba la idea pura «». El posminimalismo (1971) fue una reacción a este estilo tan intelectual. El énfasis se desplazó de la pureza de la idea a la forma de transmitirla. Para más información, véase: Minimalismo .

¿Cómo y dónde empezó el arte del graffiti?

El arte del graffiti se originó en varias ciudades de Estados Unidos, especialmente en los trenes subterráneos de Nueva York, en las décadas de 1970 y 1980. También se conoce como «Spray can art» y «Spray art». Expresa la frustración de las minorías urbanas con las formas de arte que no buscan agradar al público en general. Para más información, véase: El arte del graffiti .

¿Quiénes eran los llamados «jóvenes artistas británicos»?

Los Jóvenes Artistas Británicos (YBAs) eran un grupo de artistas contemporáneos – en su mayoría graduados del Goldsmiths College de Londres – que fueron activamente patrocinados por el millonario coleccionista Charles Saatchi y cuyas actividades fueron ampliamente publicitadas en los medios de comunicación. Se hicieron famosos por sus impactantes obras de arte (Britart), que dominaron el arte británico en la década de 1990. Colaboradores importantes fueron Damien Hirst (nacido en 1965) y Tracey Emin (nacida en 1963). Para más información, véase: Jóvenes artistas británicos (Brit-art) .

¿Quiénes se encuentran entre los 200 mejores artistas contemporáneos?

Para una lista de los 200 mejores artistas contemporáneos, véase «Los 200 mejores artistas contemporáneos» .

Recursos adicionales

- Preguntas sobre arte
- Preguntas sobre artistas famosos

Para una lista de fechas y acontecimientos importantes en el desarrollo del arte visual occidental, véase..: Historia del Arte - Cronología .