Color en la pintura:
teoría, práctica, pigmentos Traductor traducir

En consonancia con su condición de una de las principales «bellas» artes, la pintura depende en gran medida del uso del color para su impacto, estado de ánimo y profundidad. El efecto del color en la percepción visual del espectador es extremadamente poderoso, e incluso una pequeña pincelada de pigmento brillante sobre una imagen monocromática puede transformar una obra. Incluso los primeros representantes del arte rupestre prehistórico (30 000-12 000 a.C.) eran expertos en el uso de pigmentos primitivos, como ejemplifican las pinturas monocromas de Chauvet, los frescos policromos de Lascaux, y las vívidas pinturas de Altamira .

Con la invención de la pintura al óleo en Europa a principios del siglo XV, que mejoró en gran medida el brillo y la riqueza del color conseguidos tanto por el temple sobre tabla de madera como por la pintura al fresco , la práctica de la pintura en color dio un importante paso adelante.

- ¿Qué es el matiz?
Matiz – es un sinónimo de color.

- ¿Qué son los colores primarios?
Son el rojo, el azul y el amarillo; colores que pueden mezclarse para producir otros «colores secundarios», pero ellos mismos no pueden producirse a partir de mezclas.

Efectos del color

Los efectos del color pueden ser puramente ópticos (por ejemplo, atraer la atención del espectador), emocionales (por ejemplo, los colores fríos como el azul o el verde tienen un efecto calmante, mientras que el rojo o el amarillo son más estimulantes para los sentidos) o estéticos (por ejemplo, la belleza que surge de la yuxtaposición de dos o más colores armoniosos), por mencionar sólo las tres primeras posibilidades que se me ocurren. Según los principios de la teoría del color y la disposición de la rueda cromática, todos estos efectos sobre el espectador variarán también en función de la combinación de matices (colores reales) presentes, su luminosidad (el grado de luz u oscuridad que poseen) y su cromaticidad (o saturación - pureza del matiz). Además, el efecto del color varía según los colores adyacentes en el lienzo. El gris rodeado de azul parecerá frío, y el gris rodeado de amarillo, cálido. La última influencia en la percepción del color es la gama general de tonos presentes en un cuadro, a veces conocida como clave tonal. Aplicar (digamos) amarillo a un lienzo con una tonalidad general baja (oscura) (por ejemplo, un cuadro de Rembrandt) tendrá un efecto diferente que en un lienzo con una tonalidad alta.

Primeras teorías del color

Los primeros principios de la teoría del color en las artes visuales fueron establecidos por Leon Battista Alberti (1404-1472) en su tratado «Sobre la pintura» Della Pittura (1435) y por el genio del Alto Renacimiento Leonardo da Vinci en sus cuadernos (hacia 1490). En cualquier caso, la importancia «del colorito» fue tomada especialmente en serio por los grandes antiguos maestros del arte europeo, expertos en la mezcla y aplicación de pigmentos y meticulosos investigadores de los efectos tonales de la luz. Conocían los principios de la teoría del color, incluidos el matiz, la intensidad y el tono, y sabían exactamente cuándo utilizar determinados colores y cómo armonizarlos en el lienzo. Visto desde lejos, el nivel de su habilidad es aún más impresionante debido a la falta de colores industriales y al hecho de que la mayoría de los pigmentos (algunos de los cuales eran extremadamente caros) tenían que lijarse a mano, un proceso sucio y que llevaba mucho tiempo. A finales del Barroco, con la publicación «de la Óptica» de Isaac Newton (1704), apareció una teoría más amplia del color. Pero la práctica de la pintura en color no cambió realmente hasta el siglo XIX, cuando el Impresionismo asombró a muchos historiadores del arte con sus revolucionarias teorías ópticas y prácticas cromáticas relacionadas con la luz, que introdujeron un lenguaje pictórico totalmente nuevo en las bellas artes . Para más información, véase: Características de la pintura impresionista 1870-1910

- ¿Qué son los colores secundarios?
Son tonalidades producidas por la mezcla de colores primarios: por ejemplo, una mezcla de rojo y azul da un color secundario violeta; una mezcla de rojo y amarillo da naranja; mientras que una combinación de amarillo y azul da verde.

- ¿Qué son los colores complementarios?
Estos colores están directamente opuestos en la rueda cromática: azul y naranja, rojo y verde, morado y amarillo. Cada tono primario - rojo, amarillo, azul – tiene su propio color complementario exclusivo - verde, violeta, naranja.

- ¿Qué son los colores terciarios?
Resultan de la mezcla de un color primario y uno secundario (por ejemplo, rojo y verde) o de dos colores secundarios (por ejemplo, verde y naranja).

Ingredientes de la pintura de color

El color (tinte) de una pintura, debido a su pigmento, se mezcla con otros ingredientes primarios de la siguiente manera:

Pintura al óleo
Básicamente, la pintura al óleo es una combinación de tres ingredientes: pigmento, aceite de linaza y trementina . El pigmento proporciona el color ; el aceite de linaza es el aglutinante, es decir, el ingrediente que retiene el pigmento y permite aplicarlo sobre lienzo, cartón o cualquier otro sustrato que se vaya a pintar; el aguarrás es el diluyente – el ingrediente que licua la mezcla de aceite y colorante y permite aplicarla fácilmente con un pincel. Una pintura al óleo puede contener otros aceites (como el de amapola o el de nuez) siempre que sean aceites secantes, es decir, aceites que secan por oxidación . La cuestión es que, a diferencia de la mayoría de las demás pinturas, los aceites no se secan por evaporación, sino por oxidación – el aceite reacciona con el oxígeno del aire y se convierte en gel y luego en sólido.

- ¿Qué son los colores similares?
Cualquier conjunto de tres o cinco colores que están estrechamente relacionados en tonalidad y suelen estar uno al lado del otro en la rueda de colores, por ejemplo, azul, azul verdoso y verde.

- ¿Qué es un círculo cromático?
Una rueda de colores – es un gráfico circular que muestra las relaciones entre los colores primarios, secundarios, terciarios y complementarios.

- ¿Cuál es el color natural de un pigmento?
Una muestra gruesa de pintura y una buena manera de averiguar qué atributos son inherentes a la pintura, como su color puro, transparencia y brillo.

Acuarela y gouache
Técnicamente acuarela – es cualquier pintura total o parcialmente soluble en agua, como el temple o el gouache. El término «acuarela» se refiere no tanto al material como a la técnica pictórica de color difuminado desarrollada en Inglaterra en los siglos XVIII y XIX. Básicamente, este tipo de pintura acuarelable se compone de pigmento (colorante) y gummiarabic (un aglutinante hidrosoluble) a los que se ha añadido agua. Gouache – es una pintura opaca para acuarela creada mediante la adición de materiales como talco, lejía de zinc o caolín. La témpera se compone de pigmento (colorante) y yema de huevo (aglutinante) a los que se añade agua.

Acrílico
La pintura acrílica es un medio totalmente sintético, a base de resina de polímero acrílico. La pintura acrílica presenta variaciones para una amplia variedad de revestimientos. En su forma más simple, la pintura acrílica se compone de pigmento (color), emulsión, resinas de polímero acrílico (plástico) (aglutinante) y agua. La combinación de pigmento y resinas plásticas se seca muy rápidamente por evaporación del agua (y otros disolventes que contenga), formando una película fuerte y flexible.

¿Todos los pigmentos de pintura se comportan de la misma manera?

No. La pintura acrílica se seca más rápido y su color cambia ligeramente al secarse. La acuarela también se seca bastante rápido y también cambia de color al secarse. El óleo, en cambio, se seca mucho más despacio y no cambia de color. Además, a medida que se seca, se puede añadir más pintura para crear colores excepcionalmente ricos. Estos atributos de manejabilidad y riqueza cromática hacen que la pintura al óleo sea la preferida de la mayoría de los maestros pintores.

Muestra
Pequeño trozo de pintura utilizado para evaluar la calidad del pigmento sobre un fondo blanco. A menudo la utilizan los artistas para determinar cómo quedará una aguada o una veladura en un cuadro. Algunos colores, como el cadmio y el cobalto, tienen colores y matices naturales similares, pero con colores orgánicos transparentes, como la quinacridona o el ftalos, el matiz puede ser muy diferente de lo que cabría esperar tras evaluar la muestra.

Intensidad
Es una medida de cuánto afecta la cantidad efectiva de colorante al cambio de color del material.

Paletas de colores tradicionales

La siguiente es una lista de pigmentos de pintura asociados a paletas de colores de distintos periodos de la historia de las bellas artes.

Paleta de colores de la Edad de Piedra
Tierra roja
Tierra amarilla
Carbón negro (carbón vegetal)
Arcilla blanca o tiza.

Paleta de colores egipcia
Tierra roja
Tierra amarilla
Carbón negro
Yeso
Tiza
Malaquita
Azurita
Cinabrio
Orpimento
Azul egipcio
Añil
Marena.

Paleta de colores clásica
Tierra roja
Tierra amarilla
Siena cruda (quemada)
Ómbar quemado
Hollín de carbón (lámpara)
Marfil
Tiza
Blanco de plomo
Malaquita
Verde Tierra
Azurita
Azul egipcio
Verde egipcio
Verdigris
Bermellón
Cinabrio
Bermellón
Azufre de plomo
Sangre de dragón
Massicot
Auripigmento
Amarillo de Nápoles
Añil
Marena
Púrpura.

Paleta de colores del Renacimiento
Tierra roja
Tierra amarilla
Tierra amarilla
Tierra verde
Marfil
Hollín de lámpara
Vid negra
Plomo blanco
Tiza
Malaquita
Verdigris
Azurita
Añil
Azul Egipcio
Ultramarino Verdadero
Ultramarino Ceniza
Bermellón
Bermellón Chino
Rojo Plomo
Rojo Laca
Sangre de Dragón
Massicot
Amarillo Napolitano
Amarillo Peltre
Plomo Amarillo estaño
Gamboge
Siena quemada
Ocre quemado.

Paleta de colores del siglo XIX
Azul de Prusia
Azul cobalto
Azul ultramar francés
Azul cerúleo
Verde lila
Verde esmeralda
Verde esmeralda Verde
Viridiana
Óxido verde
Verde cobalto
Zinc blanco
Malva rosa
Carmesí alizarina
Amarillo cadmio
Amarillo cromo Amarillo de cromo
Oreolín
Amarillo de cinc
Amarillo de estroncio
Amarillo limón
Amarillo indio
Marrón egipcio (momia)
Ashfalt

¿Qué son los pigmentos?

Pigmentos y tintes – son los ingredientes que dan color a la pintura. La palabra «colorante» se utiliza comúnmente tanto para los tintes como para los pigmentos. La principal diferencia entre pigmentos y tintes – es la solubilidad (su capacidad para disolverse en agua). Mientras que un colorante es o puede ser una sustancia soluble, un pigmento tiene partículas sólidas insolubles. Por ello, los pigmentos deben molerse hasta obtener un polvo fino y mezclarse muy bien con un líquido portador, como aceite o agua, antes de su aplicación. Los pigmentos pueden producirse a partir de tintes mediante un proceso especial.

¿Cuáles son las principales fuentes de pigmentos?

La mayoría de los colores y pigmentos proceden de metales (minerales o compuestos metálicos) o plantas, aunque algunos se fabrican a partir de productos animales o de pescado y de madera o huesos carbonizados.

Pigmentos artísticos derivados de metales
Los colores basados en metales incluyen pigmentos como: Cadmio (por ejemplo, amarillo de cadmio, rojo de cadmio), cromo (por ejemplo, amarillo de cromo, verde de cromo); cobalto (por ejemplo, azul de cobalto, azul cerúleo, aureolina, violeta de cobalto); cobre (por ejemplo, púrpura de Khan, azul egipcio, verdigris, viridiana); plomo (por ejemplo, blanco de plomo, amarillo de Nápoles, rojo de plomo); mercurio (por ejemplo, bermellón); Titanio (blanco de titanio, amarillo de titanio); zinc (blanco de zinc); lapislázuli (ultramarino); óxido de hierro (ocre rojo, sanguina, caput mortuum, rojo de Venecia, sinopia, rojo de Turquía, rojo de Pompeya, rojo de Persia); arcillas coloreadas (ocre amarillo, siena en bruto, siena quemada, ámbar en bruto, ámbar quemado).

Pigmentos y colorantes artísticos derivados de plantas
Entre los pigmentos naturales derivados de plantas (la mayoría de los cuales están ahora en desuso) se incluyen: Azul aciano (un pigmento para acuarelas del siglo XVIII procedente de los pétalos del aciano); Sangre de dragón (un color resinoso rojo rubí procedente del árbol Calamus draco); Fustic (un tinte amarillento procedente de la planta Chlorophona tinctoria); Gamboj (resina amarilla de Tailandia); Indigo (de la familia de plantas Indigofera); Logwood (pigmento oscuro de un árbol sudamericano); Marena (color rojizo de la planta marena); Pink (amarillo hecho de una mezcla de bayas de espino amarillo sin madurar); Amarillo quercitrón (de la corteza del roble negro quercitrón americano); Pigmento de cártamo (una laca roja conocida como Carpham, creada a partir de las flores de la planta del cártamo); Azafrán (color amarillo de una planta india); Savia verde (de bayas inmaduras de espino amarillo); Turnsole (color púrpura o azul de la planta heliotropo de la familia de la borraja); Veld (amarillo, de origen vegetal); Woad (azul o añil, derivado de la hierba vajda o rojiza woad de la familia de la mostaza).

Pigmentos artísticos derivados de productos animales o del pescado
Todos ellos han quedado obsoletos (existen análogos sintetizados), entre los que se incluyen: Carmín carmesí, derivado de la hembra del insecto koshenili; Amarillo oscuro de la vesícula biliar del buey; Amarillo indio, producido a partir de la orina del ganado que come hojas de mango; Sepia, un tinte negro de los sacos de tinta de la sepia. Tiro púrpura, un pigmento carmesí elaborado a partir de moluscos.

Pigmentos artísticos elaborados a partir de madera o hueso carbonizados
Todos ellos han quedado obsoletos; entre ellos se incluyen: Bistre, un color marrón obtenido quemando madera de haya; Blanco de hueso, a partir de huesos quemados hasta convertirlos en cenizas blancas; Carbón técnico, a partir de carbón vegetal o hueso carbonizado; Negro quemado, a partir de marfil quemado; Negro de uva, a partir de vides carbonizadas; Hollín de lámpara, a partir del hollín de las lámparas de aceite.

Historia de los pigmentos

Pintura en color en la Edad de Piedra
En las famosas pinturas rupestres prehistóricas de Chauvet, Lascaux y Altamira, los artistas de la Edad de Piedra utilizaron pigmentos básicos de la tierra, como el ocre arcilloso, el amarillo, el marrón y varios tonos de rojo, y carbón vegetal. (Para más detalles, véase: Paleta de colores prehistóricos .)

La pintura en color en Egipto
Este esquema cromático tosco pero eficaz fue ampliado durante la Antigüedad temprana por los artistas egipcios que decoraron sus templos y tumbas con frescos y paneles que incorporaban nuevos colores de pintura como: la frita azul egipcia, el rico pigmento amarillo limón Orpiment, el rojo, el naranja realgar, el verde malaquita y su variante azul azurita. Los colores blancos se obtenían del yeso y la creta. (Para más detalles, véase: Paleta de colores egipcia .)

La pintura en color en la Grecia y la Roma antiguas
A partir de la pintura griega antigua (c. 650 a.C.), la gama de colores tanto para paneles como para frescos era bastante amplia. Las técnicas de la pintura griega eran el temple y el fresco; sobre madera y mármol – la encáustica y el temple – un proceso en el que los colores se mezclaban con cera, se aplicaban a una superficie y luego «se quemaban en». Además de los pigmentos utilizados en el Antiguo Egipto, los artistas griegos añadieron nuevos colores rojos, como el gummiarabico «, la sangre de dragón» y el cinabrio. Los nuevos colores púrpuras fueron el índigo, la marena y la púrpura tirrina, y los nuevos verdes fueron el verdigris y la tierra verde (Terre Verte). Los amarillos Massico y Napolitano eran los dos nuevos colores amarillos. (Para más detalles, véase: La paleta de colores clásica .)

La pintura en color en el Renacimiento
La pintura renacentista se transformó con el desarrollo de la pintura al óleo. Este nuevo medio embellecía especialmente los colores y añadía una nueva dimensión de realidad a las obras figurativas, sobre todo a los retratos. No es de extrañar que esto estimulara el descubrimiento y el uso de muchos tonos nuevos. Entre ellos se encuentran los pigmentos rojos Carmine (América), Red Lac (India) y el nuevo rojo Vermilion; además del magnífico azul oscuro Ultramarine y los amarillos Gamboge y Lead White. (Para más detalles, véase: Paleta de colores del Renacimiento .)

Tradiciones académicas de la pintura en color
Varios principios importantes de las bellas artes fueron establecidos por el arte renacentista . Estos principios consistían en convenciones relativas a todos los aspectos de la creación de imágenes, incluidos el tema, la composición, la línea y el color. El color ) colorito) se consideraba secundario con respecto a la construcción general ) Disegno), como demuestra el hecho de que los estudiantes de las academias de arte o los oficiales dedicaran la mayor parte de su tiempo de formación al dibujo, y conocieran el arte de mezclar pigmentos y colorear en una fase muy posterior. Pero véase también: Tiziano y la pintura veneciana en color (c. 1500-76) y «El legado de la pintura veneciana» .

He aquí una lista de muestras de pinturas de un proveedor moderno de pinturas AZ (REMBRANDT).

Asfalto
Aureolina
Bronce
Ocre pardo
Carmín quemado
Siena quemado
Ámbar quemado
Amarillo limón
Naranja cadmio
Rojo cadmio profundo
Cadmium Red Light
Cadmium Red Medium
Cadmium Red Purple
Cadmium Yellow Deep
Cadmium Yellow Medium
Cadmium Yellow Purple «Caput Mortum»
Carmine
Cerulean
Cromo
Verde Bermellón Profundo
Verde Bermellón Claro
Verde Bermellón Medio
Azul Cobalto Profundo
Azul Cobalto Claro
Azul Cobalto Azul Ultramar
Verde Cobalto
Azul Turquesa Cobalto
Verde Turquesa Cobalto
Violeta Cobalto
Gris Frío
Cobre
Oro Profundo
Esmeralda Verde esmeralda
Ocre dorado
Tierra verde
Ámbar «Indantreno» Azul
Rojo indio
Añil
Negro marfil
Real Blue
Lamp Soot
Light Gold
Manganese Blue Phthalo
Mixed White
Neapolitan Yellow Deep
Neapolitan Yellow- Verde
Amarillo Napolitano Claro
Amarillo Napolitano Rojo
Amarillo Níquel Titanio Oscuro
Amarillo Níquel Titanio Claro Verde Oliva
Ocre Anaranjado
Negro Óxido
Gris Paynes
Blanco Nacarado
Peltre
Peltre
Azul- Verde
Azul-Rojo
Verde-Azul
Verde-Amarillo
Turquesa
Azul Berlín
Rosa Quinacridón
Siena Puro
Ocre
Marrón Sepia
Escarlata
Sepia
Azul Sèvres
Verde Sèvres
Steele- de-grain yellow
Steele de- marrón
Blanco titanio (lino)
Blanco titanio
Azul turquesa
Azul ultramar profundo
Verde ultramar
Azul ultramar Claro
Violeta Ultramar
Marrón Van Dyke
Rojo Veneciano
Bermellón
Viridio
Gris Cálido
Amarillo
Claro Amarillo Ocre
Blanco Lino
Blanco Zinc.

La pintura en color en los siglos XVII y XVIII

Después del Renacimiento, este enfoque de las artes visuales fue adoptado por todas las grandes academias europeas y se solidificó en el estilo conocido como arte académico. La pintura ni siquiera formaba parte del plan de estudios de la mayoría de las academias – los estudiantes tenían que aprender a dibujar en el estudio del profesor, – y el color seguía desempeñando una función secundaria como elemento más bien auxiliar. Así, durante la época barroca , Rubens fue criticado por su uso dramático del pigmento, mientras que Nicola Poussin fue venerado como ejemplo de un colorismo más equilibrado. Aproximadamente un siglo más tarde, surgió el mismo debate sobre las prácticas cromáticas adecuadas del pintor romántico Delacroix frente al más sobrio Jean Auguste Dominique Engrais . Uno de los principios cardinales de la pintura académica se refería a los postulados de una paleta naturalista: los colores debían reflejar los colores naturales encontrados en la naturaleza, por lo que la hierba era verde, el mar azul y la piel color carne. Así se mantuvo hasta el siglo XIX, cuando se produjo una revolución en la industria de pinturas y barnices. En el siglo XVII no se descubrieron nuevos colores importantes, pero en el XVIII se introdujo el azul de Prusia, así como varios colores nuevos de cobalto y cromo. (Para más información, véase: Paleta de colores del siglo XVIII).

El siglo XIX: el Impresionismo y otras escuelas

El siglo XIX – esencialmente el comienzo del arte moderno – fue un periodo de enormes cambios tanto para los pintores al óleo como para los acuarelistas. Cada pocos años aparecían nuevos pigmentos. Primero apareció el azul de cobalto, luego el óxido verde de cromo, seguido del amarillo indio, el amarillo de cadmio, el azul cerúleo, el ultramar sintético barato, el blanco de zinc, el malva rosado, la aureolina, la viridiana y el violeta de cobalto. Los artistas del siglo XIX disponían ahora de medios más baratos, cómodos y fiables para pintar en color. Los fauvistas y los expresionistas alemanes aprovecharon al máximo estos avances técnicos en la pigmentación para producir una explosión cultural en la industria de la pintura en color. (Para más detalles, véase: La paleta de colores del siglo XIX .)

La revolución impresionista

Los pintores impresionistas revolucionaron la teoría y la práctica de la pintura en color al insistir en captar «el momento fugaz»: el estado exacto de luz y color que percibían al pintar al aire libre. Así, por ejemplo, si en ese momento fugaz el tronco de un árbol, que es «naturalmente» marrón, aparece rojo a la luz del sol poniente, los impresionistas (como Monet, Renoir, Pissarro y Sisley) lo pintan rojo. En realidad, según el efecto de la luz, podía ser de varios tonos y se coloreaba en consecuencia. El enfoque del color «pinta lo que ves», presente en la mayoría de los cuadros impresionistas, rompió las convenciones de la época y abrió la puerta a la experimentación posterior en escuelas de arte como el neoimpresionismo (con su técnica del puntillismo) practicada por Georges Seurat y Paul Signac.

Expresionismo

El impresionismo personificó la copia «definitiva de la naturaleza». Pero tras dos décadas de copia servil, los artistas progresistas se rebelaron. Cansados de simplemente «pintar lo que veían», añadieron más subjetividad a sus cuadros en un estilo común conocido como expresionismo . Los pioneros del movimiento expresionista se convirtieron en fauvistas en 1905 y en dos años el fauvismo era muy popular en París: todo el mundo lo probaba, incluso Georges Braque. Su influencia se extendió a Alemania, provocando una explosión del expresionismo alemán, liderado por grupos artísticos progresistas como Der Blaue Reiter y Die Brucke. También se extendió a Gran Bretaña, donde influyó en los coloristas escoceses y en otros lugares. Para más información, véase: Historia del expresionismo . Para los artistas participantes, véase: Artistas expresionistas .

Nota: La dirección rusa del colorismo del siglo XX es más evidente en los magníficos decorados teatrales creados para Sergei Diaghilev y sus «Ballets Rusos» por diseñadores como Leon Bakst (1866-1924) y Alexandre Benois (1870-1960).

Expresionismo abstracto y pintura de campo de color

La experimentación con el color volvió a surgir inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial en América, cuando artistas europeos emigrados (por ejemplo, Arshile Gorki, Josef Albers, Mark Rothko y otros) se mezclaron con artistas locales como Clifford Still y Barnett Newman para crear un estilo de Expresionismo abstracto, conocido como pintura de campos de color . Por lo general, se trataba de enormes lienzos con grandes áreas de color, diseñados para «envolver» al espectador y evocar una respuesta emocional. Véanse, por ejemplo, los cuadros de Mark Rothko (1938-1970). El pigmento era ahora «el elemento clave» del lienzo: era la cumbre de la pintura en color. Y a pesar de que el movimiento estuvo cerca de un posible colapso a principios de la década de 1960, el color sigue conservando su estatus independiente.

La influencia de la tecnología de producción en la pintura en color

Nuevos colores

El apogeo del Impresionismo coincidió con la invención del tubo plegable de pintura de hojalata en 1841 por el artista estadounidense John Rand, que permitió disponer de más colores premezclados en un soporte cómodo. Además, fabricantes de pintura como Sherwin-Williams empezaron a intentar perfeccionar urgentemente una fórmula que mantuviera las finas partículas de pintura suspendidas en el aceite de linaza. En 1880, tras más de una década de investigación química, la empresa desarrolló una fórmula que superaba con creces la calidad de las pinturas al óleo disponibles en aquel momento. Desde entonces, los fabricantes de pinturas de arte han producido una gama cada vez más amplia de pinturas al óleo premezcladas, eliminando prácticamente la necesidad de utilizar pigmentos hechos a mano y revolucionando la práctica de la pintura al óleo.

Además, la llegada de la pintura acrílica en la década de 1940 (desarrollada originalmente por el químico alemán Dr. Otto Röhm) proporcionó a los artistas una alternativa aún más cómoda a las pinturas al óleo de secado lento. Así pues, los avances técnicos en la producción de pigmentos al óleo, y ahora de pigmentos acrílicos, han tenido (y siguen teniendo) un gran impacto en la teoría y la práctica de la pintura en color.

Nuevos colorantes sintéticos

La invención en laboratorio de pigmentos sintéticos para sustituir a las pinturas más caras hechas con tintes orgánicos u otros tintes naturales también tuvo un enorme impacto en la producción de colores y, por tanto, en las bellas artes. Uno de los primeros pigmentos sintéticos modernos, descubierto por casualidad en 1704, fue el azul de Prusia . Los químicos sintetizaron con éxito muchos otros pigmentos naturales, como el siena crudo, el ámbar crudo, el siena quemada y el ámbar quemado . A principios del siglo XIX se crearon más pigmentos azules sintéticos, como el ultramar francés, una forma artificial de lapislázuli y versiones de laboratorio del cobalto y el azul cerúleo . A principios del siglo XX, los químicos orgánicos crearon el azul de ftalo, un pigmento sintético con una enorme capacidad colorante . A finales del siglo XIX, gracias a los químicos orgánicos y a los fabricantes de pinturas, se disponía de una amplia gama de colores de óleo, como el rojo, el carmesí, el azul y el violeta, en diferentes formatos. Además, como ahora muchos pigmentos se producían a partir de componentes químicos en el laboratorio, se hicieron posibles unos niveles mucho más altos de calidad y consistencia en la composición y la solidez del color. Así, en 1905, los químicos pudieron desarrollar el esquema de color de Mansell, un sistema de medición que constituyó la base de una serie de modelos de color. Entre otras cosas, el sistema clasificaba los colores en función del tono, el valor (brillo) y la saturación del color (pureza del color).

Nuevos sistemas de color estándar

Uno de los principales avances de la pintura en color durante el siglo XX fue la creación de una serie de sistemas de color concebidos para clasificar y normalizar las propiedades de los pigmentos, con el fin de mejorar la producción y la coherencia del marcado. Los principales sistemas son:

Sistema de la Sociedad Americana de Pruebas y Materiales (ASTM)
ASTM – es la organización principalmente responsable de establecer normas mínimas para las pruebas y la calidad de los materiales de los pintores, especialmente en relación con el marcado de los productos de pintura. Publicadas por primera vez en 1984, estas normas son la única garantía, más allá de las advertencias sanitarias federales y estatales prescritas, de que (por ejemplo) las pinturas acrílicas y al óleo están etiquetadas con precisión.

Índice de color
Publicado por primera vez en 1925 por la Sociedad de Tintoreros y Coloristas de Gran Bretaña y administrado ahora conjuntamente con la Asociación Americana de Químicos y Coloristas Textiles, el Índice de color es el índice oficial de todos los tintes disponibles en el mercado. Agrupados por colores, cada matiz recibe un nombre común CI (índice de color), un número y una lista de nombres comunes asociados al tinte o pigmento. El mayor valor de este sistema es que ofrece una forma normalizada y fiable de saber exactamente qué pigmentos contiene un tinte.

Colorimetría y medición del color
Aunque el Colour Index es muy útil, se centra en la catalogación de pigmentos disponibles en el mercado. No clasifica los colores de forma puramente científica. Para ello, los expertos han recurrido a la ciencia de la colorimetría, un campo que se ocupa de la medición cuantitativa del color en general, y han surgido dos modelos principales – Munsell y CIE Lab, y dos sistemas alternativos – CMYK y RGB, que se utilizan ampliamente en la industria de la impresión.

Munsell
Creado por el artista y educador estadounidense Albert Munsell en 1905, el sistema de color Munsell fue uno de los primeros intentos de organizar los colores en un orden lógico. Se basaba en tres atributos: la tonalidad o cualidad que distingue un color de otro.

CIE LAB
En 1976, la Comisión Internacional de Iluminación (CIE), la organización que promulga las normas oficiales para la medición científica del color, desarrolló un modelo, conocido como CIE Lab, para describir uniformemente todos los colores percibidos.

RGB y CMYK
Estos sistemas abarcan la clasificación de los colores y pigmentos que aparecen en monitores, televisores, impresoras, escáneres, cámaras digitales y teléfonos móviles. Todos ellos funcionan de forma muy diferente a los sistemas CIE Lab y Munsell. En estos últimos, un conjunto de variables bien definidas define un color único. En comparación, los valores RGB y CMYK pretenden describir relaciones entre entradas generalizadas: colores primarios aditivos en el caso del RGB o colores primarios sustractivos para las tintas de impresión en el CMYK. En pocas palabras, estos sistemas proporcionan una receta para mezclar un color en lugar de una definición del mismo.

Pantone®
El tercer sistema utilizado en impresión es el sistema Pantone. Este sistema de correspondencia de colores (PMS) permite a los impresores reproducir con precisión todos los tonos de tinta conocidos.

Los grandes coloristas de la pintura

Antes de enumerar algunos de los representantes más famosos del arte del color, es importante recordar que (como se ha descrito anteriormente) entre 1400 y 1800 los artistas tenían muy restringido el uso del color debido a las teorías académicas imperantes sobre las bellas artes. El color era un elemento integral, pero de apoyo, en el proceso de creación de cuadros, y los artistas se veían obligados a ser extremadamente precisos en la elección y el uso de los pigmentos. Así, los mejores coloristas eran aquellos cuya paleta reflejaba y enfatizaba el estado de ánimo exacto de su cuadro, más que los que utilizaban la pigmentación más viva. Sólo más tarde, en el siglo XIX, los artistas sintieron la libertad de tratar el color como una forma independiente de expresión y de dotarlo del significado que merece. Los coloristas modernos se caracterizan, pues, por una libertad mucho mayor en este campo.

Coloristas del Renacimiento

- Jan van Eyck (1390-1441).
Uno de los pioneros del óleo. Su obra única en color queda ilustrada por su poderoso «Retrato de un hombre con turbante rojo» (1433, óleo sobre madera, National Gallery, Londres) ejecutado con una fina capa de pigmento transparente.

- Rafael (1483-1520)
está considerado el mayor artista del Alto Renacimiento. Un ejemplo de su obra en color es Madonna della Sedia (1512-14, óleo sobre tabla, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Florencia), el mayor ejemplo de las Madonnas renacentistas.

- Tiziano (c. 1477-1576)
. El más famoso representante de la escuela de pintura veneciana . El dominio del color de Tiziano puede apreciarse, por ejemplo, en el cuadro «La Asunción de la Virgen» (1516-1818, óleo sobre tabla, Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venecia). Los colores brillantes, la luz dorada y las figuras gesticulantes causaron sensación cuando se inauguró el cuadro en 1518.

- Jacopo Tintoretto (1518-1594)
otro eminente pintor veneciano, su obra «San Marcos liberando a un esclavo» (1547-8, óleo, lienzo, Galleria dell’Accademia, Venecia) demuestra la incomparable paleta de tonos medios de Tintoretto, que incorpora bellos matices rosas, marrones, ocres y rojos.

- Paolo Veronese (1528-1588).
Sus obras maestras son sin duda superiores a las de Tiziano. Sus mejores obras son las pinturas monumentales ««Fiesta de las bodas de Caná» (1562-1515, Louvre, París) y «Fiesta en casa de Leví» (1573, Academia de Venecia), de colores luminosos.

Coloristas del siglo XVII

- Pedro Pablo Rubens (1577-1640)
El colorismo de este gran pintor de la Contrarreforma está bien ilustrado por los cuadros «Deposición desde la cruz» (Rubens) (1612-14, óleo sobre tabla, Amberes) y «Sansón y Dalila» (1609, óleo sobre madera, National Gallery, Londres), con sus ricos mantos y cortinajes rojos.

- Jan Vermeer (1632-1675)
El más famoso de los realistas holandeses, junto con Rembrandt. La obra en color de Vermeer está representada por azules fríos y blancos sensuales «Muchacha con pendiente de perla» (ca. 1600, lienzo, óleo, Museo Mauritshuis, Museo de La Haya) y «Dama sentada junto a una Virgen» (1632, lienzo, óleo, National Gallery, Londres), en agudo contraste con los ricos colores bermellón y escarlata «Muchacha con sombrero rojo» (1671-2, óleo sobre tabla, National Gallery, Washington, D.C.)

Coloristas del siglo XVIII

- Giambattista Tiepolo (1696-1770)
La obra colorista del más grande pintor de frescos del post-Renacimiento está bellamente ilustrada por sus Frescos del Palacio de Würzburg (1750-3). Sus colores pálidos y transparentes contribuyen a la luminosidad del cielo y a la óptica general.

Coloristas del siglo XIX

- Eugène Delacroix (1798-1863)
Gran admirador de coloristas venecianos como Tiziano y Paolo Veronese, así como del maestro barroco Rubens, Delacroix recibió influencias de artistas ingleses como Turner, Constable y Richard Parkes Bonnington. Entre sus grandes obras coloristas se encuentra La muerte de Sardanápalo (1827, Louvre, París).

- Los prerrafaelitas (1848-60).
Varios miembros de la Hermandad Prerrafaelita inglesa eran maestros del color, especialmente Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) y Ford Madox Brown (1821-1893).

- Claude Monet (1840-1926)
La mejor ilustración del colorismo de Monet son sus pinturas a gran escala de un estanque de nenúfares en Giverny, como Puente japonés en Giverny (1918-24, lienzo, óleo, Musée Marmottan, París), precursor del posterior movimiento expresionista abstracto. Véase también la obra del colorista irlandés Roderick O’Conor .

- Vittore Grubisi de Dragon (1851-1920)
Pintor, escritor y marchante de arte responsable en gran medida del movimiento de la División Italiana, una forma de neoimpresionismo y puntillismo franceses.

- Georges Seurat (1859-1891)
Su aplicación de la teoría del color puntillista se ilustra en su famosa obra maestra «Tarde de domingo en La Grande Jatte» (1884-1896, lienzo, óleo, Art Institute of Chicago). La obra de Seurat sobre el Divisionismo y el Cromoluminismo fue desarrollada en gran medida por Paul Signac (1863-1935).

- Emil Nolde (1867-1956)
Miembro del grupo expresionista Die Brucke . Las obras de Nolde están llenas de ejemplos de su pintura colorista. Ejemplos notables son «Vuelo temprano por la mañana» (1950, Fundación Nolde) con sus tonos azules y verdes y «Naturaleza muerta con bailarinas» (1914, lienzo, óleo, Museo de Arte Moderno, París) con su primitivo simbolismo rojo y amarillo .

- Paul Gauguin (1848-1903)
Para Gauguin, el color tenía un significado simbólico y emocional, como en «Visión tras un sermón» (1888, National Gallery of Scotland) o «¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos, adónde vamos?» (1897, lienzo, óleo, Museum of Fine Arts, Boston). Su uso de áreas homogéneas de color puro se conoce como Sintetismo, mientras que sus seguidores en la escuela de Pont-Aven (Louis Anquetin y Emile Bernard) desarrollaron el uso de contornos pesados llenos de color puro, como en el esmalte medieval, – un estilo conocido como Cloisonnismo (cloisonné) .

- Vincent Van Gogh (1853-1890)
La vívida paleta del poderoso Campo de trigo con cuervos (1890, lienzo, óleo, Museo Van Gogh, Amsterdam) con su «campo de maíz en llamas» y sus amenazadores cuervos negros ilustra perfectamente su uso del color para expresar sus sentimientos personales.

- Gustav Klimt (1862-1918)
La obra maestra decorativa de Klimt «El beso» (1907-8, óleo y oro, lienzo, Osterreichische Galerie, Viena) personifica el estilo artístico bizantino del maestro vienés de la Secesión con su uso de colores brillantes y metales preciosos.

- Pierre Bonnard (1867-1947),
miembro fundador de Les Nabis, también – junto con Édouard Vuillard – era conocido por sus escenas de género doméstico (intimisme), aunque sus pinturas eran más ricas y coloristas. En general, sus obras coloristas desprenden una sensación de calidez y bienestar. Véanse en particular sus obras de finales del siglo XX, como «Blusa verde» (1919, Metropolitan Museum of Art), y «Terraza en Vernon» (1939, Metropolitan Museum of Art).

Coloristas del siglo XX

- Wassily Kandinsky (1844-1944)
Combinó la saturación de color fauvista con elementos del arte popular ruso. Fundador del grupo expresionista Der Blaue Reiter, sus obras como «Composición n.º 7» (1913) utilizan un choque de colores contrastados, mientras que «Dos álamos» (1913, Art Institute of Chicago) emplean el color para representar un paisaje con grandes connotaciones emocionales.

- Alexei von Jawlensky (1864-1941)
Este expresionista ruso, muy influido por Matisse, utilizó pigmentos llamativos y brillantes para expresar su temperamento apasionado y su introspección melancólica. Su colorismo está bellamente ilustrado en «Cabeza» (1910, lienzo sobre cartón, óleo, Museo de Arte Moderno de Nueva York) y «Cabeza de mujer» (1911, cartón, óleo, Galería Nacional de Arte Moderno).

- Henri Matisse (1869-1954),
líder fauvista y pintor que dedicó su vida al estudio del color, su enfoque está bien ilustrado por Lujo, Calma y Placer («Luxe, Calme et Volupte», 1904, lienzo, óleo, Orsay, París) y sus Capuchinas y «Danza» (1912, Metropolitan Museum of Art), así como el contrastado Desnudo azul III (1952-1953, papel, gouache, Musée d’Art Moderne, París). Otros notables coloristas fauvistas – André Doeren (1880-1954) y su amigo Maurice de Vlaminck (1876-1958).

Entre otros coloristas de principios del siglo XX: Robert Delaunay (1885-1941), fundador del orfismo, los pintores vanguardistas rusos Mikhail Larionov (1881-1964) y Goncharova (1881-1962), que descubrieron el luchismo, y Morgan Russell (1886-1953) y Stanton MacDonald-Wright (1890-1973), que inventaron el sincromismo .

- Georges Rouault (1871-1958)
Gran pintor expresionista y religioso francés, conocido por los colores brillantes y radiantes de sus óleos, guaches y acuarelas.

- Raoul Dufy (1877-1953)
Pintor impresionista y fauvista de Le Havre, conocido por sus dibujos de estilo caligráfico sobre colores vivos.

- Mark Rothko (1903-1970)
Uno de los principales representantes de la pintura expresionista abstracta . Los enormes lienzos abstractos de Rothko se caracterizaban por formas simples con bordes suaves llenos de color, como en la pintura «Sin título: púrpura, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo» (1949, lienzo, óleo, Museo Guggenheim, Nueva York).

- Nicolas de Staël (1914-1955)
Pintor ruso-francés que durante un breve momento se convirtió en uno de los grandes artistas abstraccionistas de la Escuela de París a principios de la década de 1950. Conocido por su abstracción lírica y sus complejos paisajes.

- Patrick Heron (1920-1999)
Pintor abstraccionista-expresionista inglés influenciado por Matisse y Braque y asociado con la abstracción lírica y la Escuela de St Ives.

- Yves Klein (1928-1962)
Artista posmoderno francés que produjo una serie de pinturas monocromas utilizando su pigmento de color patentado Azul Klein Internacional (IKB). Véase también Arte posmodernista de Yves Klein (1956-62).

Colores primarios (y pigmentos)

Blanco

El blanco – es una mezcla equilibrada de todos los colores del espectro visible de la luz, o una combinación de dos colores complementarios, o de tres o más colores, como los colores primarios complementarios. Es neutro o acromático (carente de color), como el negro y el gris. Se añade a los pigmentos para crear tonos más pálidos o claros.

Los tonos de blanco incluyen crema, marfil, magnolia, encaje antiguo, concha. Los pigmentos blancos para este color incluyen: bismuto blanco, hueso blanco, cerusa, tiza, blanco chino, silicio blanco, blanco en escamas, blanco de estaño y blanco de titanio.

Rojo

Red (palabra inglesa derivada del inglés antiguo «Read» y de la raíz indoeuropea «reudh») – uno de los colores primarios complementarios de la luz, complementario del cian, en los sistemas de color RGB (rojo, verde, azul). Además, el rojo es uno de los colores primarios sustractivos del espacio de color RYB (rojo, amarillo, azul).

Los pigmentos rojos incluyen: carmesí de alizarina, rojo cadmio, carmín, cinibar, folium, rojo indio, kermes, rojos claros (rojo inglés, rojo prusiano, colcothar y rojo persa), mirena, minio, cártamo, sinopia, terra pozzuoli y bermellón. Los tonos de rojo incluyen: alizarina, amaranto, burdeos, cardenal, carmín, cornalina, cereza, carmesí, rojo fuego, fucsia, púrpura, granate, rojo anaranjado, caqui, rubí, óxido, escarlata, terracota, rojo veneciano y cinabrio.

Rosa

El rosa es un tono pálido de rojo que se obtiene añadiendo blanco. La palabra se utilizó por primera vez a finales del siglo XVII para describir plantas con flores. Los tonos de rosa incluyen el amaranto, rosa pálido, carmín, clavel, cereza, rosa cereza, coral, carmín profundo, rosa francés, rosa fucsia, magenta brillante, rosa brillante, rosa lavanda, magenta, rosa persa, pousse, rosa, salmón, rosa chocante.

Naranja

El naranja está a medio camino entre el rojo y el amarillo en el espacio de color RGB y es uno de los colores terciarios en la escala de color HSV. El color recibe su nombre de la fruta que se introdujo por primera vez en Europa como «naranja». La palabra «naranja» se utilizó por primera vez como designación del color en 1512. Anteriormente, el color se denominaba simplemente amarillo-rojo. Los tonos de naranja incluyen: ámbar, albaricoque, naranja quemado, zanahoria, melocotón, mandarina, naranja Portland, calabaza, mandarina.

Marrón

El color terciario marrón se refiere a los tonos amarillos oscuros, anaranjados o rojizos. El pigmento marrón puede obtenerse añadiendo negro o sus colores complementarios al rosa, rojo, naranja o amarillo. El primer uso registrado del marrón como color se produjo alrededor del año 1000 d.C.

Marrón Los pigmentos incluyen el asfalto (betún), el bistre, el mumie (marrón egipcio), el sepia, el siena, el ámbar y el marrón de Van Dyck. Los tonos de marrón incluyen: castaño, beige, bistre, bole, bronce, siena quemado, ocre quemado, chocolate, cobre, caqui, hígado, caoba, ocre, oliva, marrón rojizo, óxido, marrón arenoso, sepia, siena, bronceado y marrón grisáceo.

Amarillo

Amarillo (la palabra inglesa yellow deriva del inglés antiguo «geolu» o «geolve») – una de las principales tonalidades sustractivas. Su color complementario tradicional RYB – púrpura, violeta o índigo; su color complementario en los sistemas de color RGB y CMYK – azul.

Los pigmentos amarillos incluyen: aureolina, aurora amarilla, cadmio amarillo, cromo amarillo, fústico, piedra de bilis, gamboge, oro, amarillo indio, Massico, amarillo napolitano, orpimento, quercitrón amarillo, azafrán, amarillo de Turner, mineral Turpet y ocre amarillo. Los tonos de amarillo incluyen: ámbar, albaricoque, beige, crema, lino, gamboge, amarillo dorado, limón, oro metálico, mostaza, papaya, amarillo melocotón y amarillo mandarina.

Gris

El término gris, acuñado por primera vez en Inglaterra hacia el año 700 d.C., describe los tonos y semitonos del negro al blanco. Estos colores de baja saturación se conocen como colores acromáticos o neutros.

Los pigmentos grises incluyen el gris de Davy, los tonos neutros (negro, vinsor azul y alizarina carmesí) y el gris de Payne. Los tonos de gris incluyen: Arsénico, Bistre, Carbón vegetal, Gris de Davy, Feldgrau, Gris de Payne y Pizarra plateada.

Verde

En el sistema sustractivo el verde – es un color secundario, derivado de la combinación de amarillo y azul o amarillo y azul. Pero sigue siendo uno de los colores primarios secundarios. En la rueda de color HSV, su color complementario es – magenta – un tono púrpura con una mezcla igual de luz roja y azul. El color complementario en la rueda de color RYB es el rojo. La palabra inglesa «green» deriva del inglés antiguo «grene» o «groeni», palabras cercanas a la palabra inglesa antigua «growan» que significa «crecer».

Pigmentos verdes : esmeralda (verde Schweinfurt, verde Scheele), verde de Hooker, malaquita, óxido de cromo, savia verde, terre verte, verdigris y viridiana. Tonos de verde : verde militar, verde espárrago, verde brillante, verde carrera británico, celadón, esmeralda, helecho, rana, jade, lima, verde musgo, verde oliva, verde pino, verde trébol, viridiana.

Azul

Puede referirse a diferentes colores en la parte azul-verde del espectro. A veces llamado verde turquesa o verde azulado, y anteriormente llamado «azul cian». Otros colores similares son «cian», «turquesa» y «aguamarina».

Azul

El azul (en inglés blue - derivado de la palabra francesa «bleu») se considera uno de los colores primarios adicionales. En la rueda cromática HSV, su color complementario es el amarillo. En la rueda cromática basada en la teoría tradicional del color (RYB), su color complementario es el naranja. En inglés, el término «blue» se utiliza comúnmente para referirse a cualquier color desde el azul oscuro hasta el cian.

Pigmentos azules : azurita, cerúleo, azul cobalto, azul aciano, azul egipcio (azul de Alejandría, azul de Vestor), ultramar francés, frita, índigo, azul de ftalocianina, azul de Prusia, esmalte, ultramar, ceniza de ultramar y vadou. Los tonos de azul incluyen el azul Fuerza Aérea, azul cerúleo, azul cerúleo, azul cobalto, aciano, denim, azul eléctrico, azul Klein, azul medianoche, azul marino, azul Berlín, azul real, zafiro, ultramarino.

Violeta

Utilizado por primera vez hacia 1400 para describir las violetas, este término suele describir un tono de púrpura, es decir, una mezcla de luz roja y azul. Los pigmentos violetas incluyen el enebro y el púrpura de Tiro. Los tonos de violeta incluyen la amatista, el fucsia, el heliotropo, el índigo, la lavanda, el lila, el malva, el púrpura y el magenta.

Negro

El negro no refleja la luz, no es un color del espectro y no aparece en la rueda de colores. Sin embargo, como pigmento, se añade a otros colores para crear variantes o tonos más oscuros. Los pigmentos negros son: plomo negro, negro marfil, hollín de lámpara y uva negra.

COLORES EN IMAGEN
En la página Consejos para mezclar colores encontrarás una lista de los pigmentos más importantes desde la antigüedad.

TERMINOLOGÍA DEL COLOR
Véase: Glosario de colores .

VALORES DEL ARTE
Para más información sobre los distintos tipos, estilos y valores de las bellas artes tradicionales y modernas, véase: Definición de arte .

PREGUNTAS SOBRE ARTE
Para responder a todas tus preguntas sobre pintura y escultura: Glosario de pintura .

LAS OBRAS DE ARTE MÁS IMPORTANTES
Para una lista de obras maestras, véase: Los mejores cuadros de todos los tiempos .