Pintura india posclásica:
Gujarat, Vijayanagar Traductor traducir

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Cultura neolítica, ver:
la civilización del valle del Indo
(3, 300-1300 a. C.).

Introducción

En el siglo XI, los musulmanes de origen turco-afgano entraron en el Alto Punjab a través de los pasos del noroeste y cien años después se establecieron en el norte de Deccan. La infiltración islámica significó la interrupción de la sociedad india tradicional y el final del período clásico en Art º y Cultura. La condición inestable de las comunidades indias en el norte impidió el desarrollo de pintura a gran escala, aunque una escuela de pintura en miniatura fue fundada, que colmó la brecha entre el pintura mural del período clásico y las miniaturas de Rajput. En el sur, un grupo de príncipes de Deccan se unieron para fundar Vijayanagar, el último imperio indio, que se convertiría en un centro de refugio para la cultura hindú. El resto del subcontinente volvió a caer en el tipo de provincialismo contra el que habían luchado todos los imperios pasados. La brillantez del clasicismo indio, que había traído la unidad a la pintura, terminó y, a partir de ahora, el arte se desarrolló solo en la atmósfera protegida de las provincias. Diferentes escuelas comenzaron a resolver sus problemas artísticos por su cuenta y con sus propios métodos especiales. Este aislamiento alentó la adición de elementos locales que cambiaron las formas culturales y religiosas tradicionales y condujeron a una expresión más popular de pensamiento y creencia.

Para ver cómo la pintura india posclásica se adapta a la evolución del arte en Asia, consulte: Cronología del arte chino (18, 000 AEC – presente).

Pintura de Vijayanagar (1336-1565)

Enfrentados por la entrada victoriosa de los musulmanes al Deccan, los reinos del sur hicieron una tregua política y juntos fundaron, en 1336, un imperio que tomó su nombre de la capital, Vijayanagar ("Ciudad de la Victoria"). Durante más de doscientos años, a pesar de una constante sucesión de guerras contra los sultanes vecinos, el imperio pudo mantenerse independiente. Incluso después de su derrota se conservó su cultura única. Cuando los estados musulmanes se unieron y pusieron fin a su resistencia en 1565, la capital fue saqueada e incendiada, pero las incursiones punitivas no se llevaron a cabo más al sur. Para entonces, sus largos años de contacto con la civilización hindú los habían hecho menos duros, menos fanáticos. Al sur del Deccan, el arte indio pudo desarrollarse sin ningún obstáculo, produciendo obras hermosas y vigorosas hasta el siglo XIX.

La "Ciudad de la Victoria" se extendió por varias millas cuadradas en una curva del río Tungabhadra, y su grandeza pasada se refleja en las ruinas. Es el único sitio arqueológico que proporciona ejemplos importantes de la educación cívica india. arquitectura del día. Una vez más, por desgracia, todas las pinturas que decoraban las casas, los palacios y los templos de esta inmensa metrópolis, muy elogiados por todos los viajeros contemporáneos, han desaparecido.

Los únicos frescos sobrevivientes que son del mismo estilo datan de 1535 y cubren el techo de la sala de la catedral del gran templo de Lepakshi. Son escenas dedicadas al dios Shiva. los dibujos al carboncillo muestra una gran habilidad, particularmente en detalles, pero el efecto general no es tan feliz. La sensación de movimiento es rígida, a veces torpe. Sin embargo, no hay falta de elegancia y de vez en cuando la pintura muestra una brillante espontaneidad. Si bien la concepción es algo árida, existe un grado de agudeza de observación. Aquí la estilización, en todo caso, triunfa. El artista ha podido dar una ilusión de volumen a través de su dibujo pero no intenta ningún efecto tridimensional. Todas las caras se muestran de perfil, con sus narices puntiagudas prominentes y "ojos de pez", sin párpados. Se muestra el otro ojo, proyectándose desde la frente, dando la impresión de un extraño perfil de tres cuartos. Estas mismas características también se encuentran en obras iluminadas de la India occidental. Los colores son pocos pero muy finos, un recordatorio de que el sur de India es rico en pigmentos de color De todo tipo. Además de los verdes y los ocres marrones, los pintores de Lepakshi varían sutilmente el uso de colores dominantes. Un diseño formal, que representa a jóvenes doncellas en un festival, ilustra maravillosamente la belleza de las mujeres del sur, con sus suntuosos saris, joyas en la frente y la cabeza desnuda, revelando largos mechones negros. Lepakshi ofrece una última visión de la pintura clásica.

Después del colapso de Vijayanagar, el imperio se desintegró, aunque su influencia cultural todavía se encontró en trabajos posteriores en el sur de la India, particularmente en las escenas coloridas, aunque bastante calvas, representadas en los templos de Anegundi (siglo XVII) y Tiruparutikundram, y los ricos., colores brillantes, efectos decorativos de las pinturas Cochin y Travancore.

NOTA: Para ver ejemplos de la mejor arquitectura en Asia y el sudeste asiático, consulte: Templo de Angkor Wat Khmer, (Camboya); Templo Kandariya Mahadeva (Khajuraho, India); y Taj Mahal (Uttar Pradesh, India)

Manuscritos iluminados de Gujarat (siglos XII al XVI)

Gujarat, al sur de Rajastán, es una de las provincias más ricas de la India. Los ríos riegan sus valles fértiles y hay buenos puertos que, incluso desde el comienzo de la era cristiana, estuvieron en contacto comercial con Persia y Europa. La importante clase mercantil que creció allí eran todos seguidores del jainismo. Desde el siglo X hasta el siglo XIII Gujarat fue gobernada por los Chalukyas y experimentó un período de gran prosperidad que la conquista musulmana de 1299 no hizo nada para interrumpir. Los gujarati eran fabricantes de armas y banqueros y lograron controlar el comercio de la región. Esto permitió a la provincia mantener una cierta independencia frente a la amenaza islámica y, además, mantener las antiguas tradiciones artísticas.

Sin embargo, con la amenaza constante de saquear a los musulmanes, los pintores buscaron un medio de expresión que fuera menos difícil de manejar y fácil de preservar: ilustración de libro cumplió ambas condiciones. Además, el jainismo atribuye un gran prestigio a la palabra escrita, y todos los buenos creyentes sabían que ordenar un libro sagrado los acercaría un paso más a la salvación. De esta manera una gran cantidad de manuscritos iluminados fueron producidos, en su mayoría kalpasutras, textos sagrados de la fe jainista que enumeran los sacrificios y regulan los rituales, y las vidas de los santos. Varios de ellos han venido a nosotros. Los más antiguos, de los siglos XII y XIII, fueron ejecutados, como los manuscritos de Pali, en hojas de palma; la mayor parte de la superficie está dedicada a la escritura escrupulosamente ejecutada, mientras que la ilustración está restringida a un pequeño marco en el que una o dos figuras están delineadas de forma angular y estrecha, sobre un fondo rojo. No hay absolutamente realismo en estas pinturas. Las poses son bastante convencionales, pero tienen una fuerza y ​​nobleza y una tremenda intensidad. Los otros colores utilizados son azul, amarillo y verde. La mayoría de las caras aparecen de perfil y tienen narices puntiagudas, ojos sin tapa extremadamente exagerados en el lado cercano, y la otra se proyecta hacia el frente como las caras de Lepakshi.

A partir del siglo XIV, la introducción del papel modificó el formato de los manuscritos. Se hicieron más grandes, y a medida que se dedicaba un mayor espacio a la ilustración, el pintor pudo agregar más detalles a su trabajo, incluyendo decoración, elementos arquitectónicos y plantas. El dibujo fue aún más estilizado y complejo y no perdió nada de su extraordinaria precisión. Los frisos bordean las páginas y los textos, con diversos motivos, como animales, flores y arabescos, que insinúan la influencia de Arte persa del oeste. Se usaron oro y plata, agregando brillo adicional a la escritura, así como a la pintura y dando un efecto suntuoso al conjunto. Sin embargo, dado que su objetivo principal era ilustrar los textos sagrados, la pintura jainista seguía siendo esencialmente narrativa y era intelectual más que estético en la concepción

Además de las kalpasutras y otras obras sagradas, es a la escuela de Gujarat a quien debemos el manuscrito secular más antiguo, el Vasanta-Vilasa, que es una descripción de la primavera de un esposo muy enamorado de su joven esposa. Este manuscrito del siglo XV conduce naturalmente a las primeras ilustraciones de Mewar, que representan los místicos amores primaverales del gran dios Krishna, y la literatura y la pintura dedicadas al amor que se nutrió durante los siglos siguientes.

Ilustraciones de Mewar y Malva (siglos XV y XVI)

En el siglo XIV, Timur (1336-1405), rey de Transoxiana, asaltó Delhi, dejando la ciudad en ruinas, y el norte de India dividido entre una serie de sultanatos, todos los cuales lucharon por alcanzar la hegemonía. Malva fue uno de estos, y no jugó ningún papel malo en la historia de la pintura en miniatura india. Al mismo tiempo, los pequeños principados del Punjab y Rajastan se aprovecharon de la situación política; Una familia Rajput del clan Sisodiya de esta manera logró mantener la independencia del estado de Mewar por un tiempo.

Mewar conoció dos siglos de prosperidad a pesar de la guerra interna. Esto se debió a la perspectiva ilustrada de sus monarcas, los Sisodiyas, que patrocinaban las artes e hicieron de su corte el centro de la nueva escuela de las Indias Occidentales. El primer trabajo conocido es un manuscrito, escrito en papel, que data de principios del siglo XV; Por primera vez tenemos ilustraciones a toda página. Alrededor de 1500 siguió una serie de seis manuscritos que confirmaron la originalidad del nuevo estilo. Incluyen dos Vaghavata-Puranas, un Gita-Govinda (poema dramático) y un Chaurapanchasika (un poema de amor) del siglo XII del poeta sánscrito Bilhana. La calidad de este último trabajo es tal que el nombre del libro se ha dado, por extensión, a la totalidad de este pequeño grupo de pinturas. En general, están dedicados a Krishna y al amor, y las ilustraciones, liberadas de la forma restrictiva del manuscrito, muestran una tremenda riqueza de inspiración. El pintor rompió con cualquier idea del pasado que no se ajustaba al espíritu del presente. Es cierto que todavía deben algo a las pinturas de Lepakshi y a las miniaturas Jain, pero mientras en Vijayanagar vimos un clasicismo decadente y en Gujarat una dependencia de la tradición estática y sin aventuras, las creaciones de Mewar tienen un aire de frescura extraordinaria. Uno tiene la impresión de que el artista logró una libertad de forma y color no conocido antes Con un fondo de azul medianoche, rojos oscuros y verdes aplicados sobre la superficie y a veces divididos por elementos arquitectónicos estilizados, tenemos siluetas esquemáticas de figuras. Las mujeres visten faldas y corpiños brillantes, sus cabezas y pechos cubiertos con orhni, estolas transparentes que son un pretexto para los arabescos pintados más deslumbrantes. A pesar de un estilo algo hierático de pintura de figura, las figuras están llenas de espontaneidad y fantasía. Hay un cierto naturalismo nuevamente en la observación cercana de los hombres y la naturaleza. Las obras están bañadas en una atmósfera de tensión lírica.

En 1436 se fundó una dinastía musulmana independiente en Malva con su capital en Mandu. Los gobernantes despreciaron las artes por sí mismos, pero toleraron la actividad artística local. Una kalpasutra, en papel, fue copiada e ilustrada en Mandu en 1439. El estilo es Gujarat pero hay una mayor sutileza en los detalles de la composición y una riqueza de composición, con diferentes episodios de la misma escena colocados uno al lado del otro en la misma imagen. pero separados por marcos delicados. Esta idea de absorber la narrativa a simple vista se repite en las miniaturas de Malva y Mewar en el siglo XVII. El hecho de que arte islámico tuvo muy poca influencia en la pintura india antes de que el período mogol se explicara por el hecho de que los primeros invasores musulmanes, grandes constructores como estaban, inspirados por la grandeza de Seljukid Persia, no tenían una tradición pictórica detrás de ellos. Durante mucho tiempo, las obras de la escuela de pintura miniaturista persa eran desconocidas en los sultanatos indios, aunque en el siglo XV se sentía cierta influencia. En el siglo XVI, un sultán de Malva encargó un Libro de Recetas ) Nimat-Nameh) que, según se decía, renunció a todas las responsabilidades del gobierno para dedicarse por completo a la educación de sus dieciséis mil esposas. Claramente, hay cierta inspiración persa en los fondos, salpicados de pequeños racimos de flores, en la ropa y en las figuras, que se muestran semi-perfil con ojos rasgados. Pero la representación de las mujeres, de perfil, con sus mejillas redondeadas, narices puntiagudas y ojos bien abiertos, es puramente india. Este trabajo es el único ejemplo que tenemos del período pre-mogol; junto con la kalpasutra de Mandu, demuestra la existencia, en Malva, de un crecimiento artístico que tendría un efecto importante doscientos años después.

Arte hindú en Orissa (siglos XVI-XVII)

Si bien la mayoría de las pinturas de Orissa datan de los siglos XVII y XVIII, deben incluirse en el período pre-mogol, ya que la influencia de la escuela de Delhi en el desarrollo de arte religioso En este bastión tradicional de la cultura hindú era prácticamente insignificante.

Desde el siglo VII hasta el XIII hubo una rica producción de arte en Orissa. Su estilo era poderoso y voluptuoso y los templos de Buvaneshvara, Puri y Konarak son ejemplos maravillosos. Una vez más, sin embargo, las pinturas murales han desaparecido, destruidas por el clima u ocultas bajo pinturas posteriores en los grandes santuarios que todavía están en uso. Sin embargo, tenemos alguna idea de la naturaleza de este pintura al fresco, gracias al reciente descubrimiento de algunas pinturas que datan de la segunda mitad del siglo XVI. Su originalidad y la alta calidad técnica de la obra presuponen una tradición de pintura avanzada. Se pueden ver hoy en el Museo Asutosh en Calcuta, hojas de papel de buen tamaño, montadas en material. El más famoso de ellos representa una embajada de dignatarios musulmanes en la corte del rey de Orissa. La escena es monumental en su composición y se puede imaginar fácilmente sujeta a una pared. Los colores (rojos, azules y verdes) son ricos y hábilmente equilibrados. El dibujo es hábil y resalta cuidadosamente las características individuales de cada figura. En esta colección se incluyen cuatro páginas de Gita-Govinda, también pintadas en papel, que son de una calidad excepcional. Se dividen en dos bandas; Las gopis drapeadas visten saris de tal transparencia que uno es muy consciente de su carne desnuda mientras esperan en las orillas del Jamuna, iluminadas por la luna, por su pastor divino. Las pinceladas envuelven fina y sensiblemente a las jóvenes doncellas en telas de araña. De la misma manera, los tenues árboles que los rodean están pintados con ese toque delicado y preciso para resaltar su forma esencial. A los pies y los pavos reales, finamente observados, juegan a sus pies. Esta pintura sobria, elegante y alusiva debe poco a las pinturas de Vijayanagar o al estilo indio occidental. Parece más probable que sea el florecimiento final de un arte asociado con las grandes pinturas murales de Orissa: también recuerda especialmente el escultura de Konarak.

Después de este deslumbrante destello de brillo, las ilustraciones de los siguientes siglos son algo así como un anti-clímax. Las figuras se vuelven pesadas, la composición árida, con una multitud de giros decorativos que reducen el espacio pictórico a nada. Se parecen en muchos aspectos a las pinturas murales del sur de la India en los siglos XVIII y XIX. Las pinturas, en general, tienen un efecto indudablemente sensual y exótico; pero las ilustraciones estereotipadas pertenecen a imágenes populares, nada más, y no son grandes obras de arte. En el siglo XVII se produjeron papeles pintados que parecían haberse inspirado en Persia y Europa. Ver también: Historia de los manuscritos iluminados (600-1200).

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