Anselm Kiefer:
pintor de historia neoexpresionista alemán:
biografía, pinturas del Holocausto Traductor traducir

Biografía

Una de las mejores vidas Pintores del siglo XX, el artista alemán Anselm Kiefer es más famoso por su exploración de temas tabú de la historia alemana, en particular el Holocausto, para llegar a un acuerdo con el pasado nazi del país. Su pintura de bellas artes se caracteriza por un estilo depresivo muy trabajado y se ejecuta en una escala muy grande y pesada. Los materiales naturales, como arcilla, paja, cenizas, plomo e incluso sangre, a menudo se incorporan a su trabajo, junto con firmas y nombres de personas y lugares históricamente importantes, y lo asocian con un tipo de arte contemporáneo llamado "Nuevo simbolismo". Las superficies de sus lienzos a veces se "afligen" deliberadamente al quemarlas con un soplete o al dañarlas con hachas, martillos o ácido. Originalmente un exponente de arte conceptual, Kiefer cambió a la pintura y se unió al Neoexpresionismo movimiento. Además de los temas alemanes modernos, su arte contiene referencias a la mitología nórdica, el misticismo judío, los temas bíblicos y la vida de Mao Zedong. La seriedad de sus composiciones, así como su "istoria" y "narrativa", hacen de Kiefer una de las mejores pintores de historia de finales del siglo 20.

Vida temprana

Nacido en Donaueschingen, un pequeño pueblo en la región de la Selva Negra de Alemania, dos meses antes del final de la Segunda Guerra Mundial, Kiefer asistió a la escuela primaria en Rastatt, antes de comenzar cursos de derecho e idiomas en la Universidad de Friburgo. Abandonó estos cursos en 1966 para estudiar. Art º en las academias de Friburgo, Karlsruhe (bajo Peter Dreher y Horst Antes) y Dusseldorf. Este movimiento coincidió con su primera comprensión adecuada de la historia alemana reciente. Llegó a la atención pública en 1969 con su conceptual o arte de performance, que capturó y mostró en fotografías en su primera exposición individual, titulada Besetzungen (Ocupaciones), en Galerie am Kaiserplatz, en Karlsruhe. Las fotografías mostraban al estudiante de arte Karlsruhe de 24 años dando el saludo nazi fuera de ciertos edificios en Francia, Suiza e Italia, e instando a los alemanes a reconocer el daño a su cultura como resultado de las locuras del Tercer Reich. La exposición provocó una gran controversia e incomprensión entre sus maestros, y enojo entre el público y críticos de arte, sobre todo por su referencia explícita a la era del mal que muchos de sus compatriotas habían elegido olvidar. Solamente Joseph Beuys (1921-86), un maestro en Dusseldorf (de quien Kiefer recibió instrucción informal) lo felicitó, diciendo que el proyecto de Ocupaciones era una buena acción, y para él, la acción era arte.

Mitología y cultura alemanas

Durante la década de 1970, recurrió a la pintura, a menudo creando lienzos de técnica mixta con vidrio, paja, madera, cenizas y otros materiales, un método de expresión influenciado por el uso ambiguo de Beuys de fieltro de grasa y alfombra. Kiefer se asoció con la izquierda política en este momento, aunque siguió siendo un observador crítico y evitó cualquier arte contemporáneo con un contenido político. En cambio, dedicó un tiempo considerable a la mitología alemana, explorando los bosques donde las tribus bárbaras germanas habían luchado con legiones romanas y que eran una fuente constante de misterio y estímulo. (En 1971 volvió a vivir en la Selva Negra.) Absorbió Arte medieval alemán y la cultura de la Edad Media. También estudió Caspar David Friedrich (1774-1840), el genio innovador de Arte alemán en el siglo XIX. cuyo romántico pintura de paisaje reflejaba mucho del alma alemana.

Neoexpresionismo

El estilo de arte directo de Kiefer era como el de sus contemporáneos. Georg Baselitz (n. 1938) y Jorg Immendorff (n. 1945), y, de hecho, durante la década de 1980 se asoció con el neoexpresionismo, cuyos miembros incluían artistas modernos me gusta Gerhard Richter (n. 1932), Bernd Koberling (n. 1938), ARPenck [Ralf Winkler] (n. 1939), Markus Lupertz (n. 1941), Bernd Zimmer (n. 1948) y Rainer Fetting (n. 1949). En 1980, junto con Georg Baselitz, representó a Alemania en la Bienal de Venecia.

Pinturas Del Holocausto

En sus pinturas de la década de 1980, Kiefer se centró predominantemente en el pasado nazi de Alemania, representando paisajes chamuscados y en celo, simbolizando la renovación que es posible, incluso después de una enorme destrucción y desesperación, como lo ejemplifica Nigredo (1984, Museo de Arte de Filadelfia). También describió una serie de estructuras arquitectónicas que se asemejan a edificios nacionalsocialistas diseñados por el arquitecto nazi Albert Speer y otros. Ver, en particular, su poderoso Innenraum (1981, Museo Stedelijk, Amsterdam) que se asemeja al espacio interior monumental de la cancillería de Hitler en Berlín. En otros ejemplos más directos de Arte del holocausto, Kiefer empleó un simbolismo más obvio. Ver, por ejemplo, su pintura al óleo Lot’s Wife (1989, The Cleveland Museum of Art), en la que las vías del ferrocarril simbolizan el transporte de judíos a los campos de concentración. El nombre de la pintura se refiere a la historia bíblica sobre la esposa de Lot que fue convertida en sal porque ella desobedeció la orden de Dios de no mirar hacia atrás en su destrucción de Sodoma y Gomorra. Otra de las sorprendentes composiciones de Kiefer es Margarete (1981, Colección Saatchi, Londres), basada en un personaje ficticio creado por el poeta rumano Paul Celan. Celan fue el único miembro de su familia que sobrevivió al Holocausto, y antes de suicidarse en 1970, escribió una serie de poemas sobre Margarete, una mujer con cabello rubio ario, y Shulamite, una mujer judía con cabello negro. De hecho, Kiefer hizo una serie de pinturas basadas en los poemas, todas con paja incrustada en la superficie de la imagen para representar el cabello de Margarete, mientras que las líneas negras enredadas reflejan la presencia de Shulamite. Al emparejar los dos, Kiefer simboliza la reconciliación.

Enfoque cada vez mayor de pinturas

Con el colapso del comunismo y el enfoque de la reunificación alemana, Kiefer amplió el enfoque artístico de sus pinturas para incluir referencias a la antigua teología hebrea y la historia egipcia, así como otras civilizaciones tempranas. En varias obras retrató el trauma sufrido por sociedades enteras, junto con el proceso de renacimiento y renovación. Viajó mucho por Europa, América y Medio Oriente, y comenzó a explorar escultura, tanto como xilografías y fotografía de bellas artes. Mientras tanto, dotó a su pintura de texturas inusuales y mayor fisicalidad.

En 1991, poco después de la reunificación de los dos alemanes, Kiefer realizó una larga gira por Japón, México e India. Poco después de su regreso, abandonó Alemania y trasladó su estudio a una fábrica de seda en desuso en Barjac, en el sur de Francia, creando una Gesamtkunstwerk (obra de arte completa) del complejo de 80 acres. Desde su reubicación en París en 2008, el complejo de Barjac, con su extenso diseño de edificios, cámaras subterráneas, corredores y almacenes, se está convirtiendo lentamente en un lugar abandonado, esperando que la naturaleza se haga cargo. Es, quizás, la obra de arte duradera de Kiefer, una que simboliza la naturaleza precaria y temporal de la civilización.

Instalaciones y diseño

Kiefer continúa trabajando activamente en numerosos proyectos. En 2007, creó un gran sitio específico instalación de pinturas y esculturas para la inauguración de "Monumenta" en el Grand Palais de París. En el mismo año, se convirtió en el primer artista vivo desde Georges Braque (1882-1963) en 1953, para tener una instalación permanente en el Lumbrera. En 2009, diseñó los escenarios para la ópera Am Anfang (In the Beginning) de Jorg Widmann en la Ópera Nacional de París. También realizó dos exposiciones en la galería White Cube de Londres, titulada Karfunkelfee y The Fertile Crescent, siendo este último un comentario radical sobre la inestabilidad de la grandeza arquitectónica, desde Mesopotamia hasta el Tercer Reich.

Colecciones

Las pinturas y otras obras de Anselm Kiefer se pueden ver en muchas de las ciudades del mundo. mejores museos de arte. Estos últimos incluyen la Neue Nationalgalerie, Berlín; Kunsthalle Dusseldorf; Museo Stedelijk, Amsterdam; Fundación Beyeler en Basilea; Museo Guggenheim de Bilbao; Colección Saatchi, Londres; Museo de Bellas Artes, Boston; Instituto de Arte de Chicago; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; MOMA, Nueva York; Museo de Arte Moderno de Fort Worth; el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas; Museo de Arte de Filadelfia; Museo de arte de Cleveland; Galería de Arte de NSW, Sydney, Australia; y muchos otros.