Barnett Newman:
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Biografía

Estrechamente asociado con el Escuela de nueva york, el pintor abstracto estadounidense Barnett Newman fue uno de los fundadores de Pintura de campo de color, un estilo de Expresionismo abstracto. Junto con artistas afines como Clyfford Still (1904-80) Mark Rothko (1903-70) Jackson Pollock (1912-56) Franz Kline (1910-62), Willem De Kooning (1904-97), Philip Guston (1913-80) Robert Motherwell (1915-91), William Baziotes (1912-63) y Sam Francis (1923-94), formó parte de la primera generación de estadounidenses pintores abstractos quienes lograron reconocimiento durante la década de 1940 y quienes sentaron las bases para artistas posteriores que surgieron durante las décadas de 1950 y 1960. Destacado por sus pinturas colosales, con sus campos de color saturado (comparar Pinturas de Mark Rothko), firma "cremalleras" y estilo minimalista, también fue un aclamado litógrafo y escultor.

Las obras famosas de Newman incluyen sus pinturas: Onement I (1948, Museum of Modern Art, New York), Vir Heroicus Sublimis (1950-1, MoMA, NYC), ¿Quién teme al rojo, amarillo y azul? (1966, Museo Stedelijk, Amsterdam), y su serie de imágenes en blanco y negro (1958 – 66) titulada Las estaciones de la cruz. Su escultura más famosa es Broken Obelisk (1963-9, MoMA, Nueva York). Es uno de los más influyentes. Pintores del siglo XX en el arte americano.

Vida temprana

Barnett Newman nació en la ciudad de Nueva York de padres judíos que habían llegado a la ciudad cinco años antes, de Polonia. Criado en Manhattan y el Bronx, tomó clases de dibujo en el Liga de estudiantes de arte mientras todavía estaba en la escuela secundaria (1922), una actividad que mantuvo durante los siguientes 4 años (1923-7) mientras estudiaba para obtener un título de filosofía del City College de Nueva York. Después de graduarse, Newman trabajó en el negocio de ropa de su padre. Además, durante 1929-30, nuevamente entrenó en la Art Students League. Durante su tiempo allí, se hizo amigo de Adolfo Gottlieb (1903-74), quien lo presentó a otros pintores y galeristas de Nueva York. Sin embargo, él y sus padres sufrieron graves dificultades financieras durante la Depresión, una situación agravada por su negativa a unirse al Proyecto Federal de Arte, que vio como una forma de bienestar. En cambio, ganó dinero extra enseñando arte en varias escuelas secundarias.

En 1936, se casó con una maestra, Annalee Greenhouse. Alrededor de 1940, abandonó la pintura para concentrarse en estudiar ornitología e historia del arte. También escribió críticas de arte y ayudó a organizar exposiciones para varias galerías, incluida la galería Betty Parsons.

Primeras pinturas de campo de color

Luego, en 1944, Newman regresó a la pintura, después de destruir la mayor parte de su trabajo anterior, y en los siguientes 5 años desarrolló su estilo característico de Color Field Painting: un estilo acorde con su punto de vista que, en una era de incertidumbre moral e inseguridad física., el único tema legítimo para un artista era lo "sublime". Este concepto de un estándar absoluto de excelencia, o "grandeza" creativa, lo inspiraría durante la mayor parte de su carrera. También llevó al crítico de arte británico David Sylvester (1924-2001) a escribir sobre la "grandeza cósmica" de Newman y el "pathos cósmico" de Mark Rothko.

En 1946, la Galería Betty Parsons comenzó a representarlo. En 1947 fue curador de una exposición para la galería, titulada The Ideographic Picture, que mostraba pinturas de Mark Rothko, Still, y Hans Hofmann (1880-1966). En esta y otras actividades, Newman estaba buscando una forma de arte que fuera más eterna que algo tomado de la naturaleza, que pudiera fecharse o deteriorarse. Al año siguiente escribió un artículo importante sobre Color Field Painting, titulado "The Sublime is Now" (1948). En el mismo año produjo Onement I (MoMA, Nueva York), un lienzo rojo oscuro dividido de arriba a abajo por una sola franja de color rojo claro. Estas rayas (Newman las llamó cremalleras) se convirtieron en una característica regular de su trabajo.

Utilizó estas cremalleras como un dispositivo, junto con sus campos únicos de gran riqueza. color, para ayudarlo a "conectarse" con el espectador, y viceversa. Otras obras similares incluyeron Be I (1949, The Menil Collection, Houston, Texas) y Covenant (1949, Hirshorn Museum and Sculpture Garden). Además, escribió artículos que propagan sus puntos de vista filosóficos sobre la estética contemporánea para varias publicaciones, incluido "Tiger’s Eye", donde fue editor adjunto. De esta manera, gradualmente construyó una reputación como un portavoz bastante controvertido para arte de vanguardia. También se unió a Baziotes, Rothko, Motherwell y el escultor David Hare (1917-92) en la fundación de los Temas de la Escuela de Arte, un proyecto educativo destinado a promover arte Moderno, que desafortunadamente colapsó en 12 meses.

Rechazo y ataque al corazón

Sus nuevas imágenes se exhibieron por primera vez al público en la Galería Betty Parsons, en 1950, y provocaron una reacción principalmente negativa. Una pintura incluso fue desfigurada. Una segunda exposición individual en el mismo lugar siguió en 1951, con resultados similares. Desilusionado, Newman abandonó la escena de la galería, y durante los siguientes 3 años (1952-55) su obra no se exhibió en ningún lado. Sin embargo, continuó trabajando, aunque su peculiar estilo tendía a aislarlo un poco del gestualismo dominante de sus colegas. En 1956 dejó de pintar y en 1957 sufrió un ataque al corazón.

Colaborador principal del expresionismo abstracto

Sorprendentemente, se recuperó. En un contexto de cambio de ortodoxia en el contemporáneo arte abstracto, comenzó a trabajar en una serie de 14 imágenes en blanco y negro – Las Estaciones de la Cruz (1958-66) – que muchos consideran su mayor logro. Subtitulada " ¿Por qué me has abandonado? ", Las palabras de Cristo en la Cruz, la serie es vista por algunos como una referencia a las víctimas del Holocausto. (Ver también Arte del holocausto.) En 1959, el influyente crítico de arte Clement Greenberg (1909-94) organizó una exposición individual para él en French & Company, un espectáculo que resultó fundamental para ayudar a rehabilitar a Newman como uno de los principales contribuyentes al expresionismo abstracto.

Durante la década de 1960, Newman comenzó a explorar litografías, como en sus 18 Cantos (1963 – 64), y escultura. Este último presentaba una serie de grandes esculturas de acero con ejes delgados que recordaban las cremalleras de sus pinturas. Su obra escultórica más conocida es probablemente Broken Obelisk (1963-9, MoMA, NYC), un obelisco invertido cuyo punto se balancea en el vértice de una pirámide.

Desde principios de la década de 1960 en adelante, su trabajo comenzó a ser representado gradualmente en varias exposiciones importantes de pintura expresionista abstracta, aunque era particularmente sensible sobre el significado correcto dado a su trabajo, un atributo que lo llevó a rechazar una oferta para participar en la exposición de 1962 sobre Abstracción geométrica en el prestigioso Museo Whitney de Arte Americano. En 1966, el Museo Samuel R Guggenheim dio a Newman su primera exposición importante en un museo, mostrando sus Estaciones de la Cruz. Siguió esto con una serie de pinturas excepcionalmente grandes caracterizadas por colores vibrantes y puros, como su serie Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue (1966-8) y Anna’s Light de 28 pies x 9 pies (1968). Incluso exploró el género del lienzo con forma, pintando varios lienzos triangulares.

Campo de color de segunda generación y abstracción pictórica posterior

A finales de la década de 1950, influenciado por las obras de Newman y también por las pinturas de color de Helen Frankenthaler (nacido en 1928), un grupo de expresionistas abstractos de segunda generación, incluido Morris Louis (1912-62), Kenneth Noland (n. 1924) y Jules Olitski (n. 1922) – comenzaron a imitar y desarrollar el estilo de Newman de Color Field Painting, centrándose en la eliminación de todos los elementos subjetivos, incluidas las pinceladas. A su debido tiempo fueron seguidos por varios otros artistas, incluidos Frank Stella (nacido en 1936), Joan Mitchell (1926-92), Richard Diebenkorn (1922-93) y Gene Davis (1920-85). Esta tendencia hacia la pintura decorativa formalista, de la cual Newman fue en gran medida un catalizador pionero, fue apodada Abstracción post pictórica por Clement Greenberg, quien en 1964 organizó una exposición especial dedicada al nuevo estilo, en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. A su debido tiempo, el nuevo idioma se convirtió en un estilo simplificado y aún más formalista de minimalismo.

Legado

Sin Newman, es bastante concebible que Color Field hubiera evolucionado de una manera fundamentalmente diferente. Tal vez eclipsado por el mercurial pintor-celebridad Jackson Pollock, y por el más lírico y expresivo nacido en Rusia Mark Rothko, y más lento para ser apreciado por críticos de arte que Clyfford Still, Barnett Newman tuvo una profunda influencia en toda una generación de pintores de la década de 1960, incluidos artistas importantes como Frank Stella y Donald Judd. Pero incluso hoy, a pesar del trabajo de la Fundación Barnett Newman, creada en 1979 para promover la comprensión de su trabajo, el significado de gran parte de su pintura sigue siendo oscuro. El misticismo judío, el Antiguo Testamento, el anarquismo y los recordatorios del Holocausto, son solo algunos de los factores que se debatieron como inspiración para sus pinturas.

El 4 de julio de 1970, Newman murió de un ataque al corazón en Nueva York.

Las pinturas de Barnett Newman se pueden ver en muchos de los mejores museos de arte alrededor del mundo.