Natalia Goncharova:
pintora rusa, inventora del rayonismo con Larionov Traductor traducir

Natalia Goncharova fue una figura influyente en el arte ruso de principios del siglo XX, y actualmente es una de las artistas rusas más caras de la historia. Figura ambigua que escandalizó a Moscú con su abierta cohabitación con el artista modernista Mijaíl Lariónov, es conocida por su arte vanguardista, que se inspiró en gran medida en la pintura rusa de iconos y otras formas de arte primitivo. Abandonó Rusia en 1915 y pasó el resto de su carrera en Ginebra y París, donde proporcionó diseños escénicos a Serge Diaghilev para sus Ballets Rusos.

Sobrina nieta de Natalia Pushkin, esposa de Alexander Pushkin, Goncharova se desarrolló como artista influida por un gusto por el arte moderno (inspirado en los artistas de la Escuela de París, y Der Blaue Reiter, que se plasmó en sus propias interpretaciones del futurismo, el cubo-futurismo) y, de forma un tanto confusa, al arte popular tradicional ruso (inspirado en la pintura medieval rusa y otros objetos tradicionales). En su gran exposición individual de 1913, sus obras de estilo primitivo ruso se exhibieron junto a sus pinturas más modernistas. Aunque murió en la pobreza, sus cuadros se venden hoy por varios millones de dólares.

Primeros años y educación

Natalia Goncharova nació en el seno de una familia acomodada en el pueblo de Nagayevo, cerca de Tula, en la Rusia provincial. Tras dejar la escuela, se trasladó a Moscú para estudiar escultura en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú (1898-1902), donde estudió menos de cuatro años -en lugar de los diez habituales- y conoció al que sería su compañero de vida, el pintor Mikhail Larionov. Goncharova abandonó la escultura por la pintura con Larionov aprendió dibujo al pastel, así como acuarela y óleo- y comenzó a exponer en Moscú en 1904. Dos años más tarde participó en la exposición de arte ruso de Sergei Diaghilev en París.

Influencia de la vanguardia francesa

Aproximadamente entre 1907 y 1908, tras su primer contacto con el impresionismo, Goncharova se interesó por la pintura francesa hipermodernista, sobre todo por las obras de Paul Cézanne, Paul Gauguin, Henri Matisse, Pierre Bonnard y Toulouse-Lautrec. Le influyó especialmente el color, utilizado por los seguidores del fauvismo. Conoció estos estilos modernos en una de las primeras exposiciones organizadas por el grupo de artistas rusos «Rosa Azul» en Moscú en 1908. Aunque ella también adoptó los rasgos estilísticos de la pintura europea contemporánea, se interesó más por lo que inspiraba a los artistas contemporáneos (sin olvidar las llamadas formas artísticas primitivas).

Goncharova estaba especialmente fascinada por el arte popular ruso, los iconos y los grabados populares (conocidos como lubki). De hecho, solía utilizar iconos y lubki como fuentes de inspiración para sus propias obras, como Virgen con el Niño (1905-07), Anunciación (1909), Arcángel Miguel (1910), Evangelistas (1910-11) y Campesinos (1911). Las obras de Goncharova en este estilo pronto fueron calificadas de «neoprimitivismo». Además de la pintura francesa y el arte popular ruso, Goncharova recibió influencias del Simbolismo ruso, al que se adhirieron los artistas de la «Rosa Azul».

Grupo de la Pandereta, Exposición «Cola de asno»

En 1910, Goncharova y Larionov se unieron a Kazimir Malevich, así como a los emigrados rusos Alexei von Jawlensky y Vasily Kandinsky, junto con los cubistas franceses Albert Gleizes y Henri Le Fauconnier, formaron una asociación de artistas modernos conocida como la «Sota de Diamantes» ) Sota de Diamantes) para exponer sus pinturas modernistas expresionistas. Sin embargo, en 1911, a raíz de un desacuerdo en el grupo entre Goncharova y David Burliuk (1882-1967), Goncharova y Larionov se marcharon para organizar una importante exposición de arte vanguardista ruso prerrevolucionario conocida como Cola de asno ) Cola de asno). Ese mismo año, Goncharova se unió al grupo expresionista alemán conocido como Der Blaue Reiter («Jinete azul»), centrado en Múnich durante el periodo (1911-14).

Cubismo, Futurismo

Entre 1912 y 1914, Goncharova participó en varias actividades vanguardistas. En 1913, por ejemplo, participó en producciones teatrales con Vladimir Mayakovsky e incluso apareció en películas. Junto con otros miembros del grupo futurista ruso, también creó ilustraciones para publicaciones de libros experimentales. Al igual que sus compañeros Kazimir Malevich (1878-1935), Lyubov Popova (1889-1924) y Vladimir Tatlin (1885-1953), conoció el cubismo de París e introdujo técnicas cubistas en su obra.

Esto es evidente en el cuadro «Lavado» (1912), donde Goncharova utiliza el punto de vista múltiple de un bodegón cubista al tiempo que introduce fragmentos de palabras para insinuar el tema del cuadro y subrayar la planitud del lienzo. También conocía el futurismo italiano. Goncharova y sus colegas rusos llamaron a su obra «cubo-futurismo», para distinguirla de sus fuentes parisinas. Un ejemplo muy conocido de su obra futurista es «El ciclista» (1912-13).

Luchismo

Goncharova y Larionov también desarrollaron un nuevo estilo de arte abstracto, conocido como «Lucismo». En este estilo colorista y lineal, que introdujeron en 1913 en la Exposición Target de Moscú, los objetos se representan mediante una serie de líneas que se cruzan por toda la superficie del cuadro. Estas líneas, descritas como «rayos de luz reflejados», rompen la apariencia de los objetos y se convierten así en algo casi abstracto. Aunque el rayismo era sin duda un estilo propio de Goncharova y Larionov, también recordaba a la obra del pintor expresionista alemán Franz Marc.

Abandona Rusia y se instala en París

En 1914, Goncharova viaja a París para crear diseños teatrales para los Ballets Rusos – Diaghilev le encarga la creación de diseños para su producción de Le Coq d’Or (1914). Con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, se vio obligada a regresar a Rusia, pero en 1915 se unió a Diaghilev en Ginebra, Suiza, con Larionov, donde empezaron a diseñar el vestuario y los decorados de los ballets.

A partir de ese momento, prácticamente abandonaron la pintura de caballete para concentrarse en el diseño teatral. Tras la Revolución Rusa de 1917, ella y su socio se instalaron en París, donde continuó diseñando para Diaghilev hasta la muerte de éste en 1929.

Tras la muerte de Diaghilev, Goncharova y Larionov se quedaron sin trabajo y sin dinero. Sus únicos ingresos procedían de los encargos de escenografía teatral que habían realizado en colaboración con Diaghilev. Goncharova también trabajaba a tiempo parcial como ilustradora de libros.

En 1938 obtuvieron la nacionalidad francesa y permanecieron en París durante toda la guerra. La vida en la posguerra fue aún más dura. Los encargos eran escasos y se vieron obligados a vender cuadros de su colección personal para sobrevivir. En 1950, Larionov sufrió un grave derrame cerebral que puso fin a su carrera y añadió nuevos problemas a sus vidas. En junio de 1955, tal vez conscientes de su mortalidad, se casaron, habiendo estado juntos durante más de medio siglo.

Últimos años

Aunque los últimos años de su vida estuvieron marcados por un nuevo estallido de creatividad, provocado por el éxito de la Unión Soviética en el lanzamiento del primer Sputnik, en 1957, sufrió mucho a causa de la artritis y acabó sucumbiendo al cáncer. Murió en octubre de 1962 y fue enterrada en el cementerio de Ivry, donde dos años más tarde la acompañó su compañero de toda la vida Mijaíl Lariónov.

A pesar de su autoexilio de su Rusia natal, Goncharova está considerada una de las artistas rusas más influyentes de principios del siglo XX. Esto se confirmó en junio de 2007, cuando su obra de 1909 «Cosecha de manzanas» se vendió en una subasta de Christie’s por 9,8 millones de dólares, estableciendo un récord para cualquier artista femenina. En 2008, su bodegón de 1912 «Flores» se vendió por 10,8 millones de dólares. En 2010, su obra «Espagnole» (1916) se vendió por 6,4 millones de libras.

Véase también: Cuadros más caros, Top 10.

Los cuadros de Goncharova pueden verse en muchos de los mejores museos de arte del mundo.