Henri Matisse:
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Henri Matisse (1869-1954)

Para el análisis de obras de pintores coloristas como Henri Matisse,
ver: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

Introducción

El líder del grupo Fauves, un movimiento muy influyente a principios del siglo XX. Pintura francesa, Matisse fue un exponente clave de Post impresionismo, notable por su uso de color como un medio de expresión en lugar de descripción. De hecho, el color jugó un papel central a lo largo de su carrera de pintura, como se puede ver en su Retrato de Madame Matisse, The Dessert – Harmony in Red, su serie Nu Bleu de desnudos azules y el papel vibrante collages él produjo en sus últimos años. Muchas de estas y otras obras de Matisse están disponibles como impresiones en forma de arte del cartel. Matisse también se destacó por su burla creativa de las reglas convencionales de dibujo y perspectiva, así como por su dibujo fluido e innovador. No pintó lo que vio, sino lo que sintió sobre lo que vio : ver, por ejemplo, Capuchinas y el ’Baile’ (1912, Museo Metropolitano de Arte). Incluso después de la desaparición de Fauvismo, Matisse siguió siendo una figura importante dentro del movimiento expresionista, continua confiando en el color para comunicar su alegre visión del patrón audaz y el adorno llamativo (por ejemplo, en The Moorish Screen y Lady in Blue). Es considerado como uno de los franceses más importantes. pintores expresionistas.

Para 1909, Matisse había alcanzado fama mundial. Sus métodos de vanguardia despertaron una gran controversia, pero, con el apoyo del coleccionista de arte Ambroise Vollard (1866-1939), así como patrocinadores de la familia Stein, y los rusos Shchukin y Morosov – Matisse mantuvo su posición como miembro destacado de la Pintura posimpresionista movimiento y ahora es considerado como uno de los más influyentes y persistentemente innovadores pintores del siglo XX. Ver, por ejemplo, Las pinturas de Mark Rothko (1938-70). Esto a pesar del advenimiento de Picasso y el cubismo a principios de 1900, que se convirtió en la vanguardia del arte moderno en ese momento.

Biografía de Henri Matisse (1869-1954)

Henri Matisse, nacido en Le Cateau-Cambresis (Nord, Francia), fue uno de los líderes de la vanguardia. arte Moderno antes de la primera guerra mundial. Era famoso por su uso brillante y expresivo del color, y sus innovaciones audaces. Su identidad artística evolucionó lentamente y con aparente dificultad. Aunque tenía 30 años a principios de siglo, no fue hasta 1905 cuando descubrió su propia visión. A partir de entonces se hizo rápidamente conocido como el líder del grupo de pintores conocidos como los Fauves. Vivió para convertirse, en su vejez, internacionalmente honrado como maestro.

A los 17 años, su padre, un comerciante de maíz, tenía previsto estudiar Matisse. Se dice que cuando tenía 20 años y estaba convaleciente de una apendicectomía, su madre le dio una caja de pinturas y comenzó a pintar. Sus primeros trabajos, bodegones de 1890, están sorprendentemente asegurados de una manera académica convencional. En otros, exploró ambos Impresionismo y Neoimpresionismo. Rápidamente se volvió hábil técnicamente y durante varios años pudo complementar su escaso subsidio haciendo copias oficiales de Viejos maestros en el Louvre, una práctica que mantuvo durante muchos años.

Nunca fue aceptado oficialmente como estudiante en la Ecole des Beaux-Arts. En 1891, se le permitió salir de la oficina del abogado en St Quentin e ir a París, donde asistió al Academie Julian bajo Bouguereau, pero pronto se transfirió extraoficialmente a las clases del gran pintor simbolista Gustave Moreau en la Ecole des Beaux-Arts. Entre sus compañeros de estudios estaban Marquet, Manguin, Camoin y Rouault, todos más jóvenes que él.

En 1896, Matisse parecía estar en el umbral de su carrera profesional. Su pintura de una mujer leyendo en una lámpara interior, en la tradición de Henri Fantin-Latour, se mostró en el Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes y fue comprado por el Estado para Rambouillet; La propia Sociedad Nacional lo eligió miembro asociado, y le presentaron a Pissarro y Rodin. Al año siguiente, mostró The Dinner Table (colección privada) en el Salón. Este gran lienzo, que representa a un sirviente arreglando flores en una mesa suntuosamente extendida para una comida familiar, fue pintado en brillantes colores impresionistas. Su primera composición importante, fue mal colgada y duramente criticada.
A partir de ese momento, el curso de la carrera de Matisse cambió radicalmente. Durante siete años trabajó constantemente. Pero sus lienzos eran investigaciones más que logros, ya sea que se trataran de bocetos y luego se abandonaran o de que se realizaran trabajos forzados por exceso de trabajo. No desarrolló un estilo consistente, pero realizó una variedad de experimentos en el uso del color brillante.

En 1898 se casó, y al año siguiente compró con dinero de la dote de su esposa una pequeña pintura, Three Bathers, de Cezanne. Aunque nunca imitó directamente el estilo de Cézanne, esta pintura se convirtió en un talismán para él, que él apreció durante muchos años, hasta que en 1936 lo presentó al Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París.

Pero los años de estudio y dificultades continuaron. En 1900 Matisse asistió a clases nocturnas en escultura, y en años posteriores esculpieron muchas obras importantes en bronce. Pintó decoraciones de exhibición para ganarse la vida, y en 1902 Madame Matisse abrió una tienda de molinería.

Puntillismo

En 1904, Matisse trabajó con Paul Signac en St Tropez y adoptó su propia versión intuitiva de puntillismo (un tipo de divisionismo). En esta técnica, pintó una fantasía idílica de mujeres bañándose en una playa (1905; colección privada). Su título, Luxe, Calme et Volupte, lo tomó del poema de Baudelaire "La invitación al viaje", una invitación a un ser querido a un país de ensueño donde todo es armonía y belleza, "lujo, tranquilidad y deleite". La imagen y su título anuncian la llegada de Matisse a su propia visión de Art º.

Pero su propia versión de Divisionismo Era demasiado rígido para él. En 1905 en Collioure, donde pasó el verano con los más jóvenes. Andre Derain, pintó lienzos pequeños con un aparente abandono descuidado que nunca antes se había atrevido. Ventana abierta, Collioure (1905; Colección de John Hay Whitney, Nueva York), en negrita caligrafía e indiferente a los colores originales del motivo, captura el destello de luz que se refleja en las ondas del puerto con vida con barcos flotantes. Pintó dos retratos de Madame Matisse ) Mujer con sombrero, Colección Waiter A. Haas, San Francisco; Madame Matisse: la Línea Verde, Museo de Arte del Estado, Copenhague) que no fueron menos atrevidos, y compitió con Derain mientras pintaban cada uno. retratos de otros (Andri Derain, 1905; Tate Gallery, Londres).

Fauvismo

En el Salon d’Automne ese año (1905), los nuevos lienzos de Matisse, junto con otras obras de violencia óptica similar de Derain, Maurice de Vlaminck (1876-1958), Albert Marquet (1875-1947), Othon Friesz (1879-1949), Louis Valtat (1869-1952), el versátil Henri-Charles Manguin (1874-1949), Charles Camoin (1879-1964) y Jean Puy (1876-1960) fueron colgados juntos en una habitación. El público estaba horrorizado por tales toscos toques y los pintores se llamaban "Fauves", es decir, bestias salvajes. La sala de exhibición fue bautizada como "La Cage aux Fauves". De todas las pinturas, La mujer del sombrero causó la mayor sensación.

Pero este nuevo estilo también tenía admiradores, y un rico hermano y hermana estadounidenses que vivían en París, Leo y Gertrude Stein, conocieron a Matisse y compraron este trabajo. Al año siguiente, en el Salon des Independants Matisse mostró una composición ambiciosa, Alegría de la vida (1906; Fundación Barnes, Merion, Pensilvania). Era una escena arcadiana con ninfas y pastores desnudos, dibujados con una nueva audacia caligráfica y con el color claro de una alfombra oriental. Leo Stein lo compró de inmediato.

Leo siguió siendo el amigo, admirador y mecenas de Matisse (Gertrude favoreció a Picasso) y pronto otros coleccionistas comenzaron a competir por las nuevas obras de Matisse. A partir de 1906 sus patrocinadores incluyeron a las hermanas Cone de Baltimore, después de 1908 el comerciante ruso Sergei Shchukin y a partir de 1912 Ivan Morozov. En 1909, Shchukin encargó dos importantes pinturas expresionistas, Danza (estudio, 1909, Museo de Arte Moderno, Nueva York; aceite, 1910, Museo del Hermitage) y Música (1910; Museo del Hermitage). Entre ellos, los rusos compraron casi 50 obras; Estos fueron adquiridos por el estado ruso en 1923.

Con este patrocinio, Matisse pudo visitar Argelia en 1906. (Tenía un gran interés en el arte africano y otras formas de Primitivismo / Arte primitivo.) En años posteriores viajó mucho, a Italia, España, Alemania, Rusia y Estados Unidos; pero sus visitas más significativas fueron al norte de África en 1906, 1911, 1912 y 1913 (con su amigo cercano Albert Marquet, 1875-1947), y a Tahití en 1930 para estudiar Arte oceánico.

En 1908 se animó a Matisse a abrir una pequeña escuela, el Atelier Matisse, donde enseñó por un corto tiempo. En ese mismo año publicó su primer ensayo teórico "Notas de un pintor", en La Grande Revue (25 de diciembre de 1908). También le dieron su primer espectáculo individual en Estados Unidos, gracias al distribuidor Alfred Stieglitz (1864-1946) y su amigo parisino Edward Steichen (1879-1973), en su galería "291" en Nueva York.

Fue rechazado para el servicio militar en 1914; Pasó los años de la guerra pintando en Issy, París y Niza. Durante el resto de su vida pasaría gran parte de su tiempo en París o Niza.

Fama de la posguerra

Con el regreso de la paz, Matisse se hizo cada vez más reconocido como el maestro de la Ecole de Paris y de pintura moderna. En 1925, fue nombrado Caballero de la Legión de Honor. Trabajó en una creciente variedad de medios. Además de pintura de bellas artes y escultura, diseñó para el ballet y diseñó ediciones ilustradas: de Mallarme’s Poems for Skira (1932), Joyce’s Ulysses (1935), Baudelaire’s Fleurs du Mal (1943) y el Florilege des Amours de Ronsard (1941). Su libro más importante fue Jazz (1947), que combinó sus diseños coloreados y un ensayo poético sobre arte en su propio guión. Fue durante las secuelas de la Primera Guerra Mundial que Matisse nombró Paul Rosenberg (1881-1959) como su agente y distribuidor.

En 1930, el eminente crítico de arte inglés y defensor de la postimpresión. Roger Fry (1866-1934) publicó una monografía importante sobre Matisse y su arte. En 1931, el gran coleccionista estadounidense, el Dr. Albert C. Barnes murales por encargo para el salón de la Fundación Barnes, Merion, EE. UU. Cuando Matisse completó los paneles en su estudio de París, se descubrió que tenían el tamaño incorrecto, por lo que pintó versiones completamente nuevas que se instalaron con éxito.

La última comisión de Matisse, a pesar de su anterior falta de convicción religiosa, fue la pequeña Capilla del Rosario de las Monjas Dominicas, Vence, iniciada en 1948 y consagrada en 1951.

Después de 1941, el envejecimiento Matisse sufrió problemas de salud y a menudo trabajaba en la cama. Murió el 3 de noviembre de 1954 en Niza, poco antes de cumplir 85 años.

El desarrollo de Matisse como pintor

En sus colores y técnica, los primeros trabajos de Matisse fueron influenciados por una generación anterior de sus compañeros artistas, como Edouard Manet (1832-1883) y Paul Cezanne (1839-1906). En el verano de 1904, mientras visitaba Provenza, Matisse descubrió la luz brillante del sur de Francia y comenzó a usar una paleta mucho más brillante. Además, se familiarizó, a través de Paul Signac (1863-1935) y Henri-Edmond Cross, con la técnica puntillista de pequeños puntos de color (puntos), iniciada por Georges Seurat (1859-91) en la década de 1880. Como resultado, Matisse produjo su obra maestra puntillista Luxe, Calme et Volupte (1904-5), y exhibió, junto con otros Pintores fauvistas en el Salón d’Automne en París (1905), y el Salón de los Independientes (1906), con gran éxito. Durante dos años, el fauvismo se hizo enormemente influyente y tuvo un gran impacto en los artistas de París, incluidos los expatriados como el Coloristas escoceses (c.1904-30). Sin embargo, no todos críticos de arte Admiró su trabajo. Después de ver las pinturas de vivos colores de Matisse, el crítico de arte Louis Vauxcelles insultantemente describió las pinturas como obra de bestias salvajes (fauves), y el nombre se quedó.

El propio Matisse escribió por primera vez sobre su arte en 1908, en "Notas de un pintor", y 44 años después, cuando tenía 82 años, insistió en que en espíritu había permanecido sin cambios, porque "todo este tiempo he buscado los mismos fines, que tal vez he logrado de diferentes maneras ". Su fin siempre fue expresionismo. Para más información sobre su contribución al expresionismo de principios del siglo XX, ver: Historia de la pintura expresionista (c.1880-1930).

La expresión fue un logro extenuante y paradójico, el resultado de la respuesta pictórica intuitiva del artista a su experiencia del objeto. Por lo tanto, pintó de muchas maneras diferentes que a primera vista muestran poca consistencia, modelando formas en gran medida en un lienzo y pintando con la simple simplicidad de un niño en otro. Evitó cualquier sistema de representación que dependiera de las habilidades aplicadas, pero buscó la expresión pura y espontánea de cada experiencia única. Sin embargo, se puede ver que las metamorfosis de su estilo siguen una amplia secuencia de desarrollo.

Inmediatamente después de las sofisticadas abstracciones de La alegría de la vida, pintó varios lienzos (especialmente Le Luxe I, 1907, Musée National d’Art Moderne, París; y Le Luxe II, 1907, Museo de arte del estado, Copenhague) en el que desarrolló una simplicidad de línea infantil o primitiva. (Matisse fue uno de los primeros en coleccionar arte negro.) Esta búsqueda de una forma y color intransigentemente "puros" culminó en la Danza y Música del Museo del Hermitage (1909-10). Dibujados con un marcado esquema primitivo y pintados en los tres colores básicos de cielo azul, tierra verde y carne escarlata, son tan teóricos como cualquier lienzo posterior de Kandinsky o Mondrian, pero siguen siendo representativos. La otra obra individual con un espíritu doctrinario similar es un bodegón de 1914 titulado Lemons: Still Life of Lemons, cuyas formas corresponden a la de un dibujo de un jarrón negro en la pared (Museum of Art, Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island).

Las austeras abstracciones de Danza y Música fueron seguidas poco después por los frutos de su primera visita al norte de África, una serie de grandes escenas de la vida islámica brillando con un color sensual. Parecen espontáneas sin esfuerzo, y sus contornos simples podrían confundirse con genuinamente ingenuos. A estos les siguió un nuevo avance hacia arte abstracto en Open Window, Collioure (1914; colección privada) en la que bandas verticales de verde, gris y azul pálido que son los postigos de las ventanas enmarcan un rectángulo negro liso, un cielo nocturno completamente opaco. Composición: Cortina amarilla (1915; colección privada) es demasiado grande para ser su colgante, pero es, formalmente, su equivalente diurno.

En 1914, Matisse mostró la influencia del cubismo. En Mademoiselle Yvonne Landsberg (1914; Museo de Arte de Filadelfia), la máscara negroide y los arcos expandidos rayados en la pintura parecen poco convincentes. Pero los marroquíes (1916; Museo de Arte Moderno, Nueva York), aunque sin duda refleja la abstracción post cubista, es una de las imágenes más misteriosas y poderosas. Sus formas audazmente recortadas anticipan las cualidades de sus propias composiciones de papel cortado de 20 años después.

Mientras la guerra continuaba, Matisse, en el aislamiento de su estudio de París, pintó una serie de grandes lienzos: imágenes sombrías y nobles del estudio, con París a través de la ventana; recuerdan en su escala y calidad espacial algunos de los grandes lienzos de Manet.

En una habitación de hotel en Niza en 1919, Matisse pintó un tipo totalmente diferente de artista y su modelo (Colección del Dr. y la Sra. Harry Bakwin, Nueva York). El artista, por la calidad de su línea y los tentativos lavados de color, podría ser un aficionado anciano frente a su primera modelo desnuda. Pero irónicamente, este ingenuo caballero está incluido en la imagen; y la imagen en sí, a pesar de sus marcas de pincel incompletas, es tensa y delicadamente precisa en sus relaciones espaciales. Durante otros diez años, Matisse pintó una secuencia de escenas de género tan pequeñas del hedonismo de los hoteles mediterráneos iluminados por el sol, en las que las cualidades del impresionismo o la visión íntima de su amigo Bonnard se combinaban con una enigmática simplicidad.

En contraste, los murales de Barnes fueron quizás los inventos más educados de la carrera de Matisse. Las formas planas de los bailarines, anticipando su uso posterior de papel cortado, entran y salen de las lunetas con una vitalidad frágil. Sin embargo, apuntan hacia el regreso del pintor a una imagen más monumental. Durante los últimos 20 años de su larga vida, Matisse perfeccionó su último y más consistente modo de representación. Trabajó con pintura fina y fluida, lavando ensayos inaceptables y comenzando de nuevo en el lienzo limpio, preservando así la calidad vital de la espontaneidad. Dibujó con gestos amplios, evitando los escorzos, y llenando el lienzo con grandes arabescos que cargó con deslumbrantes combinaciones de colores brillantes. Aunque muchos de estos lienzos son pequeños, tienen una calidad monumental.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Matisse comenzó a trabajar cada vez más en papel cortado. Tenía inmensas hojas de papel lavadas con gouache colores y luego recortó sus formas y las unió (por ejemplo, The Snail, 1953; Tate Gallery, Londres). Él dijo: "Cortar en colores vivos me recuerda la talla directa del escultor". Aunque a menudo cortaba formas vegetales trilladas, las compuso en espléndidas armonías que son un clímax apropiado para su carrera. Tal como estaba, continuó experimentando con el color por el resto de su vida. A principios de la década de 1950 creó una serie de decoupees de gouaches, incluyendo Blue Nude I, 1952; Desnudo azul II, 1952; Desnudo azul III, 1952; Desnudo azul IV, 1952; Blue Nude Jumping Rope, 1952; Desnudo azul con medias verdes, 1952; Standing Nude, 1952. Los críticos de arte consideran que representan el último tipo de resumen pintura de figura, y se encuentran entre las imágenes más populares y más copiadas en el historia del Arte del siglo 20

Su última obra maestra fue la capilla dominicana de Notre-Dame du Rosaire (1947-51) en Vence, un pequeño espacio libre hecho grande y noble por el sutil equilibrio de elementos simples: los dibujos esquemáticos negros deliberadamente esquemáticos en las paredes de azulejos blancos, iluminados por los colores abstractos que inundaban exultantemente las ventanas.

Pinturas de Henri Matisse cuelgan en el mejores museos de arte alrededor del mundo.