William Hogarth:
artista figurativo inglés, pintor de género Traductor traducir

La importancia del gran grabador y pintor inglés William Hogarth requiere una breve introducción sobre el estado del arte inglés a principios del siglo XVIII.

Arte inglés: principios del siglo XVIII

La muerte de Sir Godfrey Kneller en 1723 puso fin a la larga dinastía de pintores extranjeros que había dominado la pintura inglesa durante doscientos años, pero todavía no había señales de ese renacimiento que había hecho del siglo XVIII un capítulo tan glorioso de la historia del arte inglés.

Los alumnos y seguidores de Kneller eran retratistas «ordinarios», cuyas obras no tenían ni vida ni encanto. Le sucedió como sargento pintor del rey Charles Jervas (1675-1739), un representante típico de su escuela, recordado más por su engreimiento y su amistad con Pope, cuyos amables versos a Jervas son más indicativos de su amistad que de su juicio crítico. Gervas, sin embargo, no fue el mejor de los pintores de la escuela de Kneller. Michael Dahl (1656-1743) y Jonathan Richardson (1665-1745), aunque no eran más que imitadores, eran pintores de un orden algo superior, y Sir James Thornhill (1676-1734) hizo un valiente aunque no muy exitoso intento de sacar a la pintura figurativa inglesa del atolladero en el que había caído.

Pero fue su alumno y yerno, William Hogarth, quien se encargó de restaurar la dignidad y el honor de la pintura figurativa inglesa. Es inútil tratar de explicar la repentina aparición de un genio en un momento y lugar determinados, y que Hogarth, Reynolds, Gainsborough, Wilson, Turner, Constable y una veintena de otros grandes artistas aparecieran en Inglaterra en el plazo de cien años sólo puede aceptarse como un hecho. Pero las condiciones estaban cambiando, y las circunstancias del siglo XVIII eran mucho más favorables al desarrollo de una escuela nacional que las de los siglos XVI y XVII.

Los cuadros de William Hogarth

Ampliación de la base de la cultura inglesa

Las divisiones religiosas y políticas que siguieron a la ruptura con las tradiciones medievales, así como la mala administración de los reyes Estuardo y la pobreza comparativa del país, impidieron la difusión de una cultura común en Inglaterra durante el siglo XVII. Pero con la llegada del siglo XVIII llegó la paz interna, un gobierno estable, un aumento constante de la riqueza nacional y, en consecuencia, mayores oportunidades para la difusión de la cultura.

La filantropía, que hasta entonces se había limitado principalmente a la corte y la aristocracia, se extendió a las clases altas y medias acomodadas, cuyo gusto se enriqueció viajando. El grand tour por Francia, Italia y Alemania pasó a formar parte de la educación general del joven de mediana fortuna, y el conocimiento de las obras de los antiguos maestros se extendió a una clase mucho más amplia en Inglaterra.

Los largos años del reinado de Walpole fueron un período de descanso y recuperación, durante el cual el pueblo inglés adquirió una firmeza y un creciente sentido de unidad y patriotismo que aún no había degenerado en la extrema insularidad de épocas posteriores. El orgullo nacional se vio inflamado por las glorias artísticas de otros países, y se despertó el deseo de establecer una escuela nacional. Las obras de Claude, Poussin y los maestros realistas holandeses despertaron el gusto por el paisaje, que abrió el camino a los paisajistas ingleses cuya obra iba a transformar la faz del arte europeo a principios del siglo XIX.

El siglo XVIII vio también la aparición de escuelas de arte, la formación de sociedades de artistas, las primeras exposiciones públicas de sus obras y, finalmente, en 1768, la fundación de la Royal Academy of Arts de Londres bajo los auspicios de Jorge III .

Todos estos factores se combinaron para elevar el nivel general de las artes, aunque algunos de ellos tuvieron finalmente consecuencias tanto malas como buenas.

Desde la fundación de la Royal Academy, la suerte del arte inglés estuvo muy ligada a ella, y las escuelas de la Royal Academy, por mucho que se critiquen sus métodos de instrucción, fueron el principal vivero de artistas de Inglaterra. Pero a principios de siglo las únicas escuelas eran los estudios de retratistas, y éstos, aunque la formación puramente técnica que impartían era probablemente buena, sólo transmitían tradiciones distorsionadas a sus alumnos.

Fue en uno de estos talleres, con Thomas Highmore, donde Sir James Thornhill se formó, y ya se había labrado cierta reputación como retratista cuando un viaje por Francia, Flandes y Holanda atrajo su atención hacia la pintura decorativa. A su regreso se dedicó a esta rama del arte y al empeño de elevar el nivel de la pintura en Inglaterra. Además de emprender grandes proyectos de decoración, entre los que destacan la catedral de San Pablo, el hospital de Greenwich y Hampton Court, fundó la Academia de las Artes de Covent Garden.

Que Thornhill tenía verdaderas dotes lo demuestra un boceto de la decoración «del Milagro de San Francisco» en la National Gallery, en el que los rectángulos intermitentes del dibujo recuerdan el arte de Tintoretto . Pero antes de que la pintura inglesa pudiera hacer borrón y cuenta nueva, era necesario volver a algo más sencillo y sincero.

Las obras de Rubens y de los pintores italianos posteriores fueron el resultado final de un largo proceso en el que su arte complejo y culto se desarrolló lentamente a partir de formas más simples basadas en un estudio sincero de la naturaleza. Imitar sus resultados sin la sólida base sobre la que se construyeron era simplemente crear flores artificiales sin vida ni semilla. Gracias a que el arte de Hogarth estaba profundamente arraigado en la vida de su propia época y de su propio pueblo, fue capaz de devolver la salud y el vigor al tallo enfermo de la pintura inglesa.

William Hogarth: Vida temprana, su aproximación al arte

William Hogarth, hijo de un maestro de escuela y de una literata, nació en 1697 en Ship Yard, Old Bailey. Hacia 1712, su padre le dio como aprendiz a Ellis Gamble, platero en Cranborne Alley, Leicester Fields, de quien aprendió grabado y adquirió una firmeza de mano y práctica en el diseño que le resultaron más valiosas que las técnicas de estudio que podría haber aprendido de uno de los retratistas de moda. Se dice que se dedicó a dibujar porque quería captar el humor de la vida londinense tal y como él la veía, e ideó un sistema de dibujo de memoria, con el que podía registrar por la noche las cosas vistas durante el día que le impresionaban y divertían.

Este fue sin duda el camino correcto por el que empezó. Su lenguaje artístico surgía de sus pensamientos, y pintaba porque tenía algo que decir, no para aprender un estilo complejo y artificial que no correspondía a ninguna realidad de su propia mente. Sólo así puede crearse un arte vivo, pues al igual que en el habla las palabras deben corresponder exactamente al pensamiento, en las artes visuales la forma debe ser el ropaje apropiado para la imagen en la mente.

Aquí radica la dificultad de la enseñanza en las escuelas extranjeras. El estilo sólo es vital y expresivo cuando corresponde exactamente al espíritu que vive en el hombre, y un lenguaje artístico desarrollado a partir de las costumbres, tradiciones y hábitos de pensamiento de un pueblo no puede adaptarse al lenguaje de otro. En la época de Hogarth, a pesar de la desarrollada lengua inglesa, no existía un sistema equivalente de simbolismo listo para su uso en la pintura, por lo que se vio obligado a crearlo él mismo.

Un hombre con un temperamento menos obstinado, pugnaz y seguro de sí mismo que Hogarth habría fracasado, pero él poseía precisamente las cualidades que le permitieron resistirse a la superficialidad de moda en la época y ser resuelta y audazmente él mismo. Sus retratos muestran a un hombre con cabeza de bala, mirada atenta, nariz pugnaz, boca firme y, en general, algo parecido a un cockney boy, experto en recibir y contraatacar. Por supuesto, era mucho más que eso, y bajo toda su sátira, impertinencia y humor había poesía inglesa, sentimiento y amor por la belleza delicada, pero fueron estas duras cualidades las que le permitieron hacer lo que hizo por la pintura inglesa.

Primeras obras

En 1718, cuando terminó su aprendizaje con Ellis Gamble, encontró trabajo grabando escudos de armas y facturas de tiendas. Su primera obra conocida fue su propia tarjeta grabada «W. Hogarth, grabador, 23 de abril de 1720». De este trabajo pasó a la ilustración de libros, y en 1724 publicó « Burlington Gate», la primera de sus sátiras originales.

Ese mismo año se inauguró la Academia de Sir James Thornhill en Covent Garden, a la que Hogarth asistió para aprender el oficio de pintor al óleo, y en pocos años empezó a establecerse como artista. Sus planchas para «Gudibras» Butler en 1726 ya le habían dado cierta reputación profesional como grabador. Sus primeros cuadros fueron pequeños grupos de retratos o « conversaciones», como se les llamaba, y de éstos pasó a las diversas series de moralidades satíricas con las que se asocia principalmente su nombre. La primera de ellas, « The Harlot’s Progress», fue escrita en 1731.

Mientras tanto, su vida personal experimentaba cambios. En 1729 se fugó con la hija de Sir James Thornhill, y en 1733 se instaló en Leicester Fields, donde vivió el resto de su vida. A partir de esta época, su vida es principalmente una crónica de trabajo, pero en 1748, durante uno de los raros intervalos de paz, realizó un memorable viaje a Francia, que dio sus frutos en forma de un cuadro «de la Puerta de Calais», hoy en la National Gallery. Mientras esbozaba la vieja puerta, Hogarth fue detenido acusado de espionaje y, aunque posteriormente fue puesto en libertad, el incidente contribuyó a reforzar su reticencia biliosa, que queda plenamente plasmada en este cuadro.

Durante el resto de su vida, Hogarth produjo grabados y cuadros satíricos, y pintó un número bastante elevado de retratos y varios cuadros de estilo «histórico de gran formato», que no tienen el mismo rango que sus otras obras. Hacia el final de su vida publicó su « Análisis de la belleza», en el que expresaba sus propios ideales estéticos e intentaba establecer un canon de gusto definido. En 1757 recibió cierto reconocimiento oficial en forma de nombramiento como serjeant-at-arms del Rey, pero murió el 26 de octubre de 1764, cuatro años antes de convertirse en uno de los miembros fundadores de la Royal Academy.

La obra de Hogarth: influencias

Las obras de Hogarth, si prescindimos de la distinción entre pintura al óleo y grabado, se dividen naturalmente en cuatro categorías: piezas de conversación, moralidades satíricas, retratos y pinturas históricas . En todas estas obras, excepto en la última, para la que no tenía ni talento natural ni educación, demostró un vigor, una originalidad y un ingenio que poco debían al arte de otros.

Si se puede encontrar alguna semejanza, es más bien con ciertos aspectos del arte de Venecia y Flandes que con sus contemporáneos y predecesores en Inglaterra. Pero desde el principio hasta el final de su carrera siguió siendo él mismo, y las semejanzas con Pierre Brueghel, Canaletto y Longhi en su obra son probablemente coincidentes. Si tomó prestado algo, fue sólo lo que se ajustaba exactamente a las necesidades de su autoexpresión, y esto se convirtió en parte integrante de su propia obra.

Técnicamente, su pintura se inscribe en la tradición de Kneller, y se trata de una fuerte tradición de colores rectos y fluidos, pero algunos pasajes casi caligráficos de colores muy fluidos sugieren que, sólo en el aspecto técnico, podría deber algo a Canaletto, que llegó a Inglaterra en 1745. Las obras de Canaletto se conocían en Inglaterra desde antes, y es al menos posible que Hogarth las hubiera estudiado. Que Hogarth conociera las obras «del viejo Bruegel», es extremadamente improbable, pero existe un claro parentesco entre ellas.

El vínculo hay que buscarlo, sin duda, en los pintores holandeses y flamencos del siglo XVII, algunas de cuyas obras pudo conocer Hogarth. Es el caso de una tradición viva que, habiendo comenzado con Bruegel, volvió a florecer cuando cayó en manos de otro gran artista.

Por supuesto, la gama de Hogarth era mucho más limitada que la de Bruegel, y no hay nada en su obra que pueda compararse con los grandes paisajes de la vida posterior de Bruegel, pero como satírico Hogarth poseía un ingenio más fino y penetrante, y sus obras están impregnadas de una indignación moral que no tenía cabida en la bufonería campesina de Bruegel. Lo que tienen en común es la reacción inmediata de un espíritu fuerte y humorístico ante la fealdad y lo grotesco de la vida tal como ellos la veían, y la capacidad de dar a sus comentarios un significado formal que los salva de ser meros chistes dibujados».

Obras satíricas

Hogarth nunca fue un caricaturista, y nunca cayó en el error de hacer de los personajes de su sátira meras personificaciones de algún vicio o virtud. Por toda la abundancia de sus grotescas invenciones nunca pierde de vista la realidad, y por mucho que sus personajes estén sujetos a la avaricia, la embriaguez o la gula, siguen siendo seres humanos con otras potencialidades de vicio o virtud. Están concebidos en círculo, no como inmutables perfiles de cartón.

A diferencia de muchos artistas ingleses, Hogarth tenía una inventiva derrochadora, y no sólo con respecto a los tipos e incidentes grotescos. En efecto, son tan ricos y variados como la vida misma, pero no era menos inventivo en el diseño formal de sus cuadros.

Piezas de conversación

Estas cualidades se aprecian mejor en sus pinturas satíricas, grabados y aguafuertes, pero pueden detectarse incluso en las pequeñas piezas de conversación con las que comenzó su carrera como pintor. La moda de estos pequeños grupos familiares íntimos la marcaron los maestros holandeses, cuyos cuadros eran bien conocidos en Inglaterra, y en cierto sentido Hogarth estaba bien preparado para ese tipo de trabajo. Su sentido del carácter, su aguda observación y su don para la agrupación dramática eran aquí perfectos, pero su sentido del humor, al que sólo podía dar rienda suelta con disimulo, debió de suponerle un cierto obstáculo.

En estos cuadros, su sentido del carácter y del humor están más bien comprimidos convulsivamente y su ingenio embotado, y llaman la atención no tanto por un elemento de absurdo que se cuela inadvertidamente como por un perfecto cumplimiento de las condiciones de este difícil género. Sin embargo, incluso en ellos Hogarth muestra una considerable superioridad sobre la obra de artistas contemporáneos suyos, como Joseph Highmore.

Pinturas satíricas morales

Hogarth debió de sentir él mismo la estrechez del género, pues pronto pasó de las piezas de conversación a varias series de cuadros moralizantes, como « The Harlot’s Progress (El progreso de la ramera)», « The Rake’s Progress «y « Marriage a la Mode» ) National Gallery London), en las que sus habilidades individuales tuvieron un alcance mucho mayor, aunque el elemento puramente narrativo en ellas a veces eclipsó ligeramente sus dotes como dibujante, colorista y diseñador.

Entre sus obras conversacionales y sus sátiras se encuentran sus pinturas teatrales, como el interior de un teatro durante una representación de «La ópera del mendigo» (Tate Gallery). Estos cuadros dan una idea de algunas de las cualidades de su obra, muy teatral en el buen sentido. De hecho, el teatro influyó en su obra mucho más que en la de cualquier artista vivo o muerto.

Sus cuadros están concebidos como escenas o cuadros de teatro, sobre un fondo más o menos convencional, sin ningún intento de realismo en la iluminación o la atmósfera. Sus objetivos eran totalmente dramáticos, y el escenario le proporcionó un conjunto de convenciones que le permitieron dar una fuerza concentrada a sus delineaciones de personajes y acciones.

Estilo y composición

No era un realista sino un creador, y la vida en sus cuadros no está representada de forma cruda. La materia prima de su arte, la vida de su tiempo, que pasa por su cerebro, se formaliza, se estiliza y se convierte en el oro de su propia creación. Si se hubiera contentado con el realismo, habría podido dar a su obra mucho menos significado del que le dio, y a pesar de las ideas modernas, debemos reconocer que el objetivo inmediato de Hogarth en estos cuadros era contar una historia con moraleja, y que las cualidades estéticas estaban subordinadas a su objetivo principal y surgían de él.

Para que sus personajes cuenten la historia de la forma más clara y expresiva posible, utiliza poses, gestos y agrupaciones que van más allá de lo meramente natural, e inventó una forma para sus cuadros que se asemeja mucho a la de un ballet, en el que la acción se estiliza para dar la máxima expresividad dentro de los límites del medio.

La forma en que Hogarth aborda estas limitaciones y crea virtudes positivas a partir de ellas confiere a estos cuadros literarios su significado estético. Superando las limitaciones que la inmovilidad y la falta de habla imponen a sus figuras como actores, se vio obligado a inventar gestos ingeniosos y poses que serían innecesariamente atroces en la vida, pero que en el mundo inventado de sus cuadros resultan perfectamente naturales y apropiados.

Del mismo modo que en el escenario el realismo puro es en sí mismo plano e ineficaz, y las convenciones son necesarias para transmitir la ilusión de realidad, Hogarth crea su ilusión violando constantemente los cánones del realismo estricto. A medida que examinamos sus cuadros centímetro a centímetro, descubrimos que están llenos de pistas sobre la historia, y que pueden leerse además de mirarse.

Si hubiera logrado transmitir su significado sólo de esta manera, sus cuadros podrían clasificarse con razón como arte puramente literario, pero, como sucede, las propias formas y colores están impregnados de un ingenio y una sátira que les dan forma de arabesco formal.

Retratos

Detrás de todo este ingenio creativo se esconde una moral muy sencilla y varonil que constituye su fundamento. En una época de libertinaje, argucias y corrupción, Hogarth defiende las sencillas virtudes de la honestidad, la sobriedad y el amor decente, y es esta sencillez de sentimientos lo que ha dado a sus cuadros una amplia popularidad como melodrama a la antigua usanza, como Dickens o Shakespeare .

El vicio y la virtud están claramente delimitados en sus cuadros, y trata al buen villano con el mismo placer y avidez que los grandes artistas populares de todos los tiempos. Disfruta de sus villanos con entusiasmo, como Shakespeare disfrutaba de su Iago, o los pintores medievales de sus diablos.

En sus retratos estos rasgos tienden a encontrar menos uso, pero en uno de ellos, « Simon Fraser, Lord Lovat», Hogarth ha producido el mejor canalla de toda su galería de canallas. Este cuadro se sitúa entre sus moralidades y el resto de sus retratos, y es una de sus obras maestras. Lord Lovat estaba condenado a muerte cuando Hogarth pintó su retrato, y cabe suponer que Hogarth no se sintió constreñido por las limitaciones que suelen perseguir al retratista. Como resultado, el cuadro contiene la mayor parte de las virtudes de los retratos y moralidades. No sobrecargado de materia literaria, contiene tanta malicia y sátira como «Un matrimonio a la moda», y es una obra tan perspicaz para leer el carácter como los retratos de sus propios criados.

Era sin duda un tema de inspiración para un artista del don de Hogarth. La enorme masa corporal johnsoniana de Lovat sostiene una cabeza que es el epítome de la villanía genial. Ni rastro de remordimiento o arrepentimiento es visible en los ojos del viejo y astuto abogado que se enfrenta a la muerte soportando sus atrocidades y ensalzándolas hasta el final.

Hogarth no encontró ningún tema como éste, pero todos sus retratos, incluso los más formales y protocolarios, tienen un agudo sentido del carácter; son presentaciones directas y varoniles, desprovistas de afectación o fingimiento. El grupo de retratos de sus propios sirvientes es el más simpático. Al igual que con el retrato de Simon Fraser, Hogarth se sintió evidentemente libre de toda restricción al pintarlos, y hay en ellos una intimidad y una ternura que son bastante raras en su obra, pero que a veces asoman incluso en las sátiras. Aquí los distintos personajes están muy bien diferenciados, y en el cuadro se pueden leer muy claramente las relaciones entre Hogarth y sus distintos sirvientes. No existe un cuadro más humano y revelador.

Los demás retratos de Hogarth no son de tan alto nivel, pero estos dos marcan una pauta que no se puede esperar que ningún retratista alcance sistemáticamente. El retrato de su hermana (National Gallery), con su bello colorido, su nítida caracterización y la viveza de su expresión, tal vez se sitúe junto a ellos, pero su nivel era constantemente alto, y no es fácil distinguirlo.

« La camarera» (National Gallery) difícilmente puede calificarse de retrato, y este brillante boceto se distingue de la obra de Hogarth, tanto por su humor como por su técnica. Está totalmente desprovisto de sátira; ni siquiera puede calificarse de estudio de carácter; es simplemente una expresión radiante de la sincera alegría de vivir, una alegría que llena cada pincelada rápida y grácil y fija una belleza fugaz en el ala.

El arte de Hogarth nunca ha alcanzado un punto más alto que el de este cuadro. Técnicamente es muy diferente de sus otras obras: la pincelada es tan ligera y la pintura tan fina y fluida como la de Gainsborough, una especie de impresionismo que el propio tema evocaba. Es una prueba más del arte puro de Hogarth, en el que la técnica parece inseparable del tema que la inspira.

Hogarth no tuvo seguidores inmediatos, y aunque su influencia directa en el arte inglés fue escasa, su influencia indirecta fue incalculable.

La influencia de Hogarth en la pintura inglesa

Caricaturistas como Rowlandson, Gillray y Cruikshank están en deuda directa con él, y la tendencia didáctica de muchos cuadros ingleses posteriores puede atribuírsele, pero su verdadera importancia residió en poner la pintura inglesa en contacto con la vida y librarla de convenciones obsoletas.

Los entendidos de su época le consideraban un pintor bastante vulgar, como Reynolds, pero nadie podía negar la vitalidad de su obra. Barrió la atmósfera rancia de la decadencia como un fuerte viento y dejó tras de sí aire fresco en el que podía crecer el arte nuevo. Hizo popular el arte contando la vida que la gente conocía con un espíritu que podían entender, y a través de sus grabados acercó su arte a quienes sabían poco de pintura. Por lo tanto, aunque el desarrollo posterior de la pintura en el siglo XVIII no deriva directamente de Hogarth, él lo hizo posible, y se le considera con razón el fundador de la moderna escuela inglesa de pintura .

De los contemporáneos inmediatos de Hogarth, ninguno demuestra una vitalidad comparable a la suya. Lo único que se les puede atribuir es una decente alfabetización técnica y cierta fascinación ocasional por el color. Joseph Highmore (1692-1780) y Thomas Hudson (1701-1779), el maestro de Reynolds, son característicos. Ambos sabían pintar muy bien, en lo que se refiere al manejo de los pinceles y el pigmento, pero su obra tenía poca vida. Highmore poseía ciertamente cierto encanto y un moderado sentido del carácter, como queda bien ilustrado por su retrato «de un caballero vestido de terciopelo marrón grisáceo» (National Gallery). Pero una comparación de sus ilustraciones para «Pamela» con las obras de Hogarth, que cuelgan una al lado de la otra en Trafalgar Square, muestra lo pobre y delgada que era su inspiración, a pesar de cierta gracia. Allan Ramsay (1713-1784), retratista escocés, puede clasificarse con Highmore, con cuyas obras sus retratos guardan cierto parecido.

La generación más joven de artistas ingleses, como Reynolds y Gainsborough, iban a llevar la antorcha que había encendido Hogarth.

La obra de Hogarth puede verse en los mejores museos de arte de Gran Bretaña.