William Hogarth: artista figurativo inglés, pintor de género Traductor traducir

Arte inglés: principios del siglo XVIII

La importancia del gran grabador y pintor inglés William Hogarth requiere una pequeña introducción sobre el estado del arte inglés a principios del siglo XVIII.

La muerte de Sir Godfrey Kneller en 1723 puso fin a la larga dinastía de artistas extranjeros que habían dominado la pintura inglesa durante doscientos años, pero aún no se veía ninguna señal de ese avivamiento que hizo del siglo XVIII un capítulo tan glorioso. La historia del arte inglés.

Los alumnos y seguidores de Kneller eran "fabricantes de retratos" convencionales, cuyo trabajo no tenía vida ni encanto. Fue sucedido como sargento-pintor del rey por Charles Jervas (1675-1739), un miembro típico de su escuela, memorable más por su presunción y por su amistad con Pope, cuyos versos corteses a Jervas le dan más crédito a su amistad que a su juicio crítico. Jervas, sin embargo, no era el mejor de los pintores de la escuela de Kneller. Michael Dahl (1656-1743) y Jonathan Richardson (1665-1745), aunque poco más que imitadores, eran pintores de un orden algo superior, y Sir James Thornhill (1676-1734) hizo un esfuerzo galante, si no muy exitoso, por aumento Pintura figurativa inglesa fuera del ruck en el que había caído.

Pero le quedó a su alumno y yerno, William Hogarth, restaurar el inglés pintura de bellas artes a dignidad y honor. Es inútil tratar de dar cuenta de la repentina aparición del genio en un momento y lugar determinados, y que Hogarth, Reynolds, Gainsborough, Wilson, Turner, Constable, y una veintena de otros grandes artistas aparecieron en Inglaterra en cien años solo pueden ser aceptado como un hecho. Pero las condiciones estaban cambiando y las circunstancias del siglo XVIII eran mucho más favorables para el crecimiento de una escuela nacional que las del siglo XVI y XVII.

Ampliación de la base de la cultura inglesa

Las disensiones religiosas y políticas que siguieron a la ruptura con la tradición medieval, sumadas a la mala administración de los reyes Stuart, y la pobreza comparativa del país, habían dado pocas oportunidades para la difusión de la cultura general en Inglaterra durante el siglo XVII. Pero con el siglo XVIII llegó la paz interna, un gobierno estable, un aumento constante de la riqueza de la nación y la consecuente ampliación de las bases de la cultura.

El patrocinio, que se había limitado principalmente a la corte y la aristocracia, se extendió a una clase alta y media alta, cuyo gusto se enriqueció con los viajes. Los " Grand Tour "de Francia, Italia y Alemania se convirtió en parte de la educación general de un joven de medios moderados, y un conocimiento de las obras de la viejos maestros se diseminó entre una clase mucho más amplia en Inglaterra. Los largos años de la administración de Walpole fueron un período de descanso y recuperación, durante el cual los ingleses adquirieron solidez y una creciente sensación de unidad y patriotismo que aún no había degenerado en la extrema insularidad de los últimos tiempos. El orgullo nacional se avivó por las glorias artísticas de otros países, y se despertó el deseo de una escuela nacional. Las obras de Claude, Poussin, y el Realista holandés los maestros despertaron el gusto por el paisaje, lo que abrió un camino para los pintores paisajistas ingleses, cuyo trabajo a principios del siglo XIX fue transformar la faz del arte europeo.

También en el siglo xvm surgieron las escuelas de arte, se formaron sociedades de artistas y se realizaron por primera vez exposiciones públicas de sus obras, y finalmente Royal Academy of Arts en Londres Fue fundada en 1768 bajo los auspicios de Jorge III.

Todos estos factores se combinaron para elevar el nivel general de las artes, aunque algunos de ellos finalmente tuvieron efectos malos y buenos.

Desde la fundación de la Royal Academy, las fortunas del arte inglés han estado estrechamente vinculadas con él, y las Royal Academy Schools, por mucho que sus métodos de enseñanza hayan sido objeto de críticas, han sido la principal guardería de artistas en Inglaterra.. Pero a principios de siglo las únicas escuelas eran los estudios de los pintores de retratos, y estos, aunque la formación puramente técnica en ellos probablemente era buena, solo tenían una tradición degradada que transmitir a sus alumnos. Fue en uno de estos estudios, el de Thomas Highmore, donde se formó Sir James Thornhill, y ya se había ganado cierta reputación como retratista, cuando un viaje por Francia, Flandes y Holanda volvió su atención a la pintura decorativa. A su regreso, se dedicó a esta rama del arte y a un intento de elevar el estándar de la pintura en Inglaterra. Además de llevar a cabo grandes esquemas de decoración, los más importantes en St. Paul’s, Greenwich Hospital y Hampton Court, formó una Academia de Arte en Covent Garden.

El boceto de una decoración, "Un milagro de San Francisco", en la Galería Nacional, demuestra que Thornhill tenía regalos reales, en los que los rectángulos parpadeantes del diseño en realidad recuerdan el arte de Tintoretto. Pero antes de que la pintura inglesa pudiera comenzar de nuevo, era necesario volver a algo más simple y más sincero. El trabajo de Rubens y los pintores italianos posteriores fueron el resultado final de un largo proceso en el que su arte elaborado y cultivado se había desarrollado lentamente a partir de formas más simples basadas en un estudio sincero de la naturaleza. Imitar sus resultados sin la base sólida sobre la cual fueron construidos, era simplemente producir flores artificiales sin vida y sin semillas. Debido a que el arte de Hogarth tenía raíces profundamente arraigadas en la vida de su propio tiempo y de su propia gente, fue capaz de restaurar la salud y el vigor en la enfermiza raíz de la pintura inglesa.

William Hogarth: primeros años, su aproximación al arte

William Hogarth, hijo de un maestro de escuela y hack literario, nació en Ship Court, Old Bailey en 1697. Alrededor de 1712 su padre lo aprendió a Ellis Gamble, un platero en Cranbourne Alley, Leicester Fields, de quien aprendió algo sobre los procesos. de grabado, y adquirió una firmeza de mano y práctica en el diseño que fueron más valiosos para él que los trucos de estudio que habría aprendido de uno de los pintores de retratos de moda. Comenzó a dibujar, se dice, porque deseaba grabar los humores de la vida de Londres tal como la veía, e ideó un sistema de dibujo de memoria, en la que podía anotar en la noche las cosas vistas durante el día, que lo habían impresionado y divertido.

Esta era seguramente la forma correcta de comenzar. Su lenguaje artístico surgió de sus pensamientos, y dibujó porque tenía algo que decir en lugar de aprender un estilo elaborado y artificial que no correspondía a realidades en su propia mente. Esta es la única forma en que se puede producir un arte vivo, ya que al igual que en el habla, las palabras deben ajustarse con precisión al pensamiento, por lo que en las artes visuales la forma debe ser la ropa adecuada para una imagen en la mente. Aquí yace la dificultad de aprender de escuelas extranjeras. El estilo solo es vital y expresivo cuando está exactamente informado por el espíritu interno, y el lenguaje artístico que se ha desarrollado a partir de las costumbres, tradiciones y hábitos de pensamiento de una persona no puede adaptarse a los de otra. En los días de Hogarth, a pesar de un vibrante idioma inglés, no había un sistema equivalente de simbolismo listo para su uso en la práctica de la pintura, por lo que se vio obligado a crear uno para sí mismo.

Un hombre de temperamento menos obstinado, pugnaz y seguro de sí mismo que Hogarth habría fallado, pero tenía las cualidades que le permitían resistir las superficialidades de moda del día y ser él mismo con determinación e insolencia. Los retratos de él muestran a un hombre con cabeza de bala con un ojo alerta, una nariz lujuriosa, una boca firme y algo parecido a un luchador de Cockney que podría tomar y castigar. Por supuesto, había mucho más en el hombre que eso, y debajo de toda su sátira, su descaro y su humor acechaban la poesía, el sentimiento y el amor ingleses de una tierna belleza, pero eran las cualidades más duras las que le daban el poder de hacer. lo que hizo por la pintura inglesa.

Obras tempranas

En 1718, cuando terminó su aprendizaje con Ellis Gamble, encontró empleo en el grabado de escudos de armas y facturas de tiendas, siendo su primer trabajo conocido su propia tarjeta grabada, "W. Hogarth, grabador, 23 de abril de 1720". De este trabajo pasó a ilustración de libro, y en 1724 publicó la " Puerta de Burlington ", la primera de sus sátiras originales.

En el mismo año se abrió la Academia de Sir James Thornhill en Covent Garden, y Hogarth asistió a ella para aprender el oficio de pintura al óleo, y en el transcurso de unos años había comenzado a establecerse como pintor. Sus platos a las Hudibras de Butler en 1726 ya le habían traído cierta reputación profesional como grabador. Sus primeras pinturas fueron pequeños grupos de retratos o " piezas de conversación ", como se llamaban, y de ellos procedió a las diversas series de moralidades satíricas con las que su nombre se asocia principalmente. El primero de ellos, " El progreso de la ramera ", fue pintado en 1731.

Mientras tanto, se habían producido cambios en su vida privada. En 1729 se fugó con la hija de Sir James Thornhill, y en 1733 se instaló en Leicester Fields, donde permaneció el resto de su vida. A partir de este momento, su vida es principalmente una crónica del trabajo, pero en 1748, en uno de los raros intervalos de paz, hizo un viaje memorable a Francia, que dio sus frutos en la imagen de la " Puerta de Calais ", ahora en el National Galería. Mientras hacía un boceto de la antigua puerta de entrada, Hogarth fue arrestado bajo la acusación de espionaje y, aunque posteriormente fue liberado, el incidente tuvo el efecto de confirmar su insularidad truculenta que se desahoga en esta imagen.

Hogarth ideó hasta el final de su vida para producir grabados satíricos y pinturas , pero también pintó una cantidad bastante grande de retratos, y algunas imágenes en el "gran estilo histórico", que no están a la altura de su otro trabajo. Al final de su vida, publicó su " Análisis de la belleza ", en el que expresó sus propios ideales estéticos y se esforzó por establecer un canon definitivo del gusto. En 1757 recibió un reconocimiento oficial en su nombramiento como sargento-pintor del rey, pero murió el 26 de octubre de 1764, cuatro años antes de convertirse en uno de los miembros fundadores de la Real Academia.

Obras de arte de Hogarth: influencias

El trabajo de Hogarth, sin tener en cuenta la distinción entre pintura al óleo y grabado, se divide naturalmente en cuatro categorías: piezas de conversación, moralidad satírica, retratos y pinturas historicas. En todos estos, excepto el último, para el cual no tenía los dones naturales ni la educación, mostró un vigor, originalidad e inventiva que le debía muy poco al arte de los demás. Si se encuentran afinidades, son con algunos aspectos del arte de Venecia y Flandes en lugar de con sus contemporáneos y predecesores en Inglaterra. Pero desde el principio hasta el final de su carrera, él fue constantemente él mismo, y las semejanzas que se encuentran en su trabajo para Pieter Brueghel, Canaletto y Longhi son probablemente accidentales. Si tomó prestado, era solo lo que se adaptaba exactamente a las necesidades de su expresión personal, y se convirtió en una parte integral de su propio trabajo.

Técnicamente, su pintura estaba en la tradición de Kneller, y esta era una pintura directa con fluidez, pero ciertos pasajes casi caligráficos de pintura muy líquida sugieren que en el aspecto técnico solo él pudo haberle debido algo a Canaletto, quien vino a Inglaterra en 1745.. El trabajo de Canaletto era conocido en Inglaterra antes de eso, y al menos es posible que Hogarth lo haya estudiado. Que Hogarth sabía que el trabajo de "Old Brueghel" es altamente improbable, pero existe una clara afinidad entre ellos. El vínculo de conexión, sin duda, se encuentra en los pintores holandeses y flamencos del siglo XVII, algunos de cuyos trabajos Hogarth habría conocido. Este es un caso de una tradición viva que, habiendo comenzado con Brueghel, floreció nuevamente cuando llegó de la mano de otro gran artista. El alcance de Hogarth era, por supuesto, mucho más restringido que el de Brueghel, y no hay nada en su arte para comparar con los grandes paisajes al final de la vida de Brueghel, pero como satírico , Hogarth tenía un ingenio más sutil y penetrante, y su trabajo está informado por una especie de indignación moral que no tuvo parte en las bufonías campesinas de Brueghel. Lo que tienen en común es la reacción directa de un espíritu fuerte y humorístico a los puntos débiles y grotescos de la vida tal como la vieron, y la capacidad de dar un significado formal a sus comentarios que los redime de ser simplemente bromas pintadas.

Trabajos satíricos

Hogarth nunca fue un caricaturista, y nunca cae en el error de hacer de los personajes de su sátira meras personificaciones de algún vicio o virtud. Con toda la fecundidad de su invento grotesco, nunca pierde de vista la realidad y, por mucho que sus personajes se entreguen a la avaricia, la embriaguez o la glotonería, siguen siendo seres humanos con otras potencialidades de vicio o virtud. Están concebidos en redondo, y no como perfiles de cartón inmutables. A diferencia de muchos artistas ingleses, Hogarth tuvo una inventiva pródiga, no solo de tipos grotescos e incidentes. Estos, de hecho, son ricos y variados como la vida misma, pero él es igualmente inventivo en el diseño formal de sus cuadros.

Piezas de conversación

Estas cualidades se ven mejor en sus pinturas satíricas, grabados y grabados, pero incluso en las pequeñas piezas de conversación, con las que comenzó su carrera como pintor, se encuentran. La moda para estos pequeños grupos familiares íntimos había sido establecida por algunos de los pequeños maestros holandeses, cuyas imágenes eran bien conocidas en Inglaterra, y de alguna manera Hogarth estaba bien equipado para tal trabajo. Su sentido del carácter, su aguda observación y su don de agrupación dramática eran muy importantes, pero su sentido del humor, que solo podía complacer, debe haber sido una desventaja para él. En estas imágenes, su sentido del carácter y el humor son bastante estrechos, y el filo de su ingenio está embotado, y atraen a uno tan a menudo como a través de ese elemento de lo ridículo que se ha deslizado desprevenido tanto como por el perfecto. cumplimiento de las condiciones de este género difícil. Sin embargo, incluso en estos, Hogarth muestra una gran superioridad a las obras de pintores contemporáneos, como Joseph Highmore.

Imágenes de la moral satírica

Hogarth debe haber sentido las limitaciones de este género, ya que pronto pasó de los temas de conversación a las diversas series de moralidades, como " El progreso de la ramera ", " El progreso del rastrillo " y "El matrimonio a la moda " ) Galería Nacional de Londres), en el que sus poderes individuales tenían un alcance mucho mayor, aunque el elemento puramente narrativo en ellos a veces oscurece un poco sus dones como dibujante, colorista y diseñador.

A medio camino entre las piezas de conversación y las sátiras se encuentran sus imágenes teatrales , como el interior de su teatro durante una actuación de la Beggar’s Opera (Tate Gallery). Estas imágenes dan una pista de algunas de las cualidades de su trabajo, que en ningún sentido es más bien teatral. De hecho, el teatro influyó en su obra mucho más que cualquier pintor vivo o muerto.

Sus imágenes se conciben como escenas escénicas o cuadros contra una tela de fondo más o menos convencional, sin ningún intento de realismo exacto de la iluminación o la atmósfera. Sus objetivos eran completamente dramáticos, y el escenario le proporcionó un conjunto de convenciones que le permitieron dar una fuerza concentrada a sus delineamientos de carácter y acción.

Estilo y composición

No era realista, sino creador, y la vida en sus imágenes no se presenta en su forma cruda. La materia prima de su arte, la vida de su propio tiempo, se ha formalizado, estilizado y transmutado en el oro de su propia creación. Si se hubiera contentado con el realismo, habría podido meter en su trabajo mucho menos significado que él y, a pesar de las ideas modernas, debemos reconocer que el objetivo inmediato de Hogarth en estas imágenes era contar una historia con una moral , y que las cualidades estéticas estaban subordinadas a su propósito principal y crecen a partir de él. Para que sus personajes cuenten la historia de la manera más clara y enfática posible, emplea poses, gestos y agrupaciones que son más que meramente naturales, e inventó una forma para su imagen que es casi comparable a la forma del ballet, en el que La acción está estilizada para dar la máxima expresividad dentro de los límites del medio.

La forma en que Hogarth aborda estas limitaciones y crea de ellas virtudes positivas es lo que le da a estas imágenes literarias su significado estético. Al superar las limitaciones que la inmovilidad y la falta de expresión imponen a sus figuras como actores, se vio obligado a inventar gestos y poses ingeniosos que en la vida serían demasiado enfáticos, pero que en el mundo ficticio de sus imágenes son completamente natural y apropiado Al igual que en el escenario mismo, el realismo puro es plano e ineficaz, y las convenciones son necesarias para transmitir la ilusión de la realidad, así Hogarth crea su ilusión mientras viola constantemente los cánones del realismo estricto. Cuando examinamos sus imágenes centímetro a centímetro, encontramos que están llenas de pistas sobre la historia y que pueden leerse y observarse. Si hubiera sido capaz de transmitir su significado de esta manera, sus imágenes podrían ser descartadas como arte meramente literario, pero, como es, las formas y los colores mismos están informados por un ingenio y una sátira que los moldean a un arabesco formal.

Retratos

Detrás de todo este ingenio creativo hay una moralidad muy simple y varonil que es su fuente principal. En una época de lujuria, artimañas y corrupción, Hogarth representa las simples virtudes de la honestidad, la sobriedad y el amor decente, y es esta simplicidad de sentimiento lo que le ha dado a sus imágenes el amplio atractivo popular del melodrama antiguo, de Dickens , o de Shakespeare . El vicio y la virtud son claros en sus imágenes, y tiene el mismo gusto y gusto por un buen villano que ha marcado a los grandes artistas populares de todos los tiempos. Disfruta de sus villanos con el entusiasmo de Shakespeare en Iago, o los artistas medievales en sus demonios. En sus retratos, estos rasgos tienen menos alcance como regla, pero en uno de ellos, " Simon Fraser, Lord Lovat ", Hogarth creó al mejor pícaro de toda su galería de sinvergüenzas. Esta imagen se encuentra entre su moralidad y el resto de sus retratos, y es una de sus obras maestras. Lord Lovat estaba condenado a muerte cuando Hogarth pintó su retrato, y uno puede creer que Hogarth no se sintió obstaculizado por las restricciones que generalmente acosan al retratista. En el resultado contiene la mayoría de las virtudes de los retratos y la moral. No sobrecargado de material literario, tiene tanta malicia y sátira como el "Matrimonio a la moda", y es tan penetrante en la lectura de personajes como los retratos de sus propios sirvientes. Ciertamente fue un tema para inspirar a un pintor de los regalos de Hogarth. La gran masa Johnsoniana del cuerpo de Lovat sostiene una cabeza que es una genial villanía encarnada. No se ve ningún rastro de arrepentimiento o arrepentimiento en los ojos del viejo abogado astuto que se enfrenta a la muerte firme en sus villanos y se gloría en ellos hasta el final.

Hogarth no volvió a encontrar un tema como este, pero todos sus retratos, incluso los más formales y oficiales, tienen un agudo sentido del carácter y son presentaciones directas y varoniles carentes de afectación o pretensión. El grupo de jefes de retratos de sus propios sirvientes es el más comprensivo de todos. Al igual que en el retrato de Simon Fraser, Hogarth obviamente se sintió bastante libre de toda restricción en la pintura de estos, y tienen una intimidad y ternura bastante rara en su trabajo, pero que se asoma ocasionalmente incluso en las sátiras. Aquí, los diversos personajes están más sutilmente diferenciados, y es posible leer de la imagen muy claramente la relación entre Hogarth y sus diversos sirvientes. Ya no existe una imagen más humana y reveladora.

Los otros retratos de Hogarth no están en un nivel tan alto, pero estos dos establecen un estándar que ningún retratista podría lograr constantemente. El retrato de su hermana (National Gallery) con su fino color, caracterización aguda y vivacidad de expresión, tal vez se clasifica junto a ellos, pero su nivel era consistentemente alto, y no es fácil diferenciarlo. " The Shrimp Girl " (Galería Nacional) difícilmente puede llamarse un retrato, y este brillante boceto se destaca bastante solo en el trabajo de Hogarth, tanto en el sentimiento como en la técnica. Está completamente sin sátira, y ni siquiera puede llamarse un estudio de personajes, es simplemente una expresión radiante de pura alegría en la vida, una alegría que informa cada golpe rápido y gracioso del pincel y fija una belleza fugaz en el ala. El arte de Hogarth nunca llegó a un punto más alto que este. Técnicamente es muy diferente a su otro trabajo, el tacto es tan ligero y la pintura tan delgada y fluida como la de Gainsborough, una especie de impresionismo que el sujeto mismo evoca. Es una prueba más del arte puro de Hogarth, en el que la técnica parece ser inseparable del tema que la inspira.

Hogarth no tenía seguidores inmediatos, y aunque su influencia directa en el arte inglés fue leve, indirectamente fue incalculable.

La influencia de Hogarth en la pintura inglesa

Directamente, los caricaturistas como Rowlandson, Gillray y Cruikshank le deben algo, y la tendencia didáctica de gran parte de la pintura inglesa posterior puede atribuirse a él, pero su verdadera importancia radica en poner la pintura inglesa en contacto con la vida y deshacerse de ella. convenciones Los entendidos de su época lo consideraban un pintor vulgar, al igual que Reynolds, pero la vitalidad de su trabajo no podía negarse. Barrió la atmósfera rancia de descomposición como un gran viento, y dejó un aire fresco en el que podría crecer un nuevo arte. Hizo popular el arte al tratar con una vida que la gente conocía con un espíritu que podían entender, y por sus grabados llevó su arte a clases que sabían poco de imágenes. Entonces, aunque los desarrollos posteriores de la pintura en el siglo XVIII no se derivan directamente de Hogarth, él los hizo posibles, y es considerado con razón el fundador de la moderna escuela de pintura inglesa .

De los contemporáneos inmediatos de Hogarth, ninguno muestra una vitalidad comparable a la suya. Una competencia técnica decente y un encanto ocasional de color es todo lo que se les puede otorgar. Joseph Highmore (1692-1780) y Thomas Hudson (1701-79), el maestro de Reynolds, son típicos. Ambos podían pintar muy bien en lo que respecta al manejo real de pinceles y pigmentos, pero dieron poca vida a su trabajo. Ciertamente, Highmore tenía cierto encanto y un moderado sentido del carácter, lo cual está bien ilustrado por su retrato de "Un caballero de terciopelo marrón oscuro" (National Gallery). Pero una comparación de sus ilustraciones con Pamela con las obras de Hogarth, que cuelgan cerca de ellas en Trafalgar Square, muestra cuán pobre y delgada fue su inspiración a pesar de cierta gracia. Allan Ramsay (1713-84), el retratista escocés, puede ser clasificado con Highmore, a cuyo trabajo sus retratos tienen cierta afinidad.

Por lo tanto, se dejó a la generación más joven de pintores ingleses, como Reynolds y Gainsborough , cargar la antorcha que Hogarth había encendido.

Las obras de Hogarth se pueden ver en el mejores museos de arte en Gran Bretaña.