Abstracción biomórfica: formas orgánicas en escultura, pintura Traductor traducir

En bellas artes, el término «abstracción biomórfica» describe el uso de formas abstractas redondeadas basadas en las que se encuentran en la naturaleza. También llamada abstracción orgánica, este tipo de arte abstracto no es una escuela o movimiento, sino una característica destacada de la obra de muchos artistas diferentes, como Wassily Kandinsky (1866-1944), Constantin Brancusi (1876-1957) y artistas del movimiento Art Nouveau. Pero se aplica más a menudo a las obras de los surrealistas Jean Arp (1886-1966), Juan Miró (1893-1983) e Yves Tanguy (1900-1955), y de los escultores británicos Barbara Hepworth (1903-1975) y Henry Moore (1898-1986).

La abstracción biomórfica se encuentra tanto en la pintura abstracta como en la escultura abstracta, así como en el diseño de muebles.El lenguaje se asoció con la filosofía de Henri Bergson (1859-1941), que creía que los procesos evolutivos (naturaleza) y la creación artística (arte) se originaban en la misma fuente. El estilo floreció en las décadas de 1930 y 1940: el término «escultura biomórfica» fue utilizado por primera vez en 1936 por Alfred H. Barr. Para más información sobre esta forma de abstracción orgánica en Gran Bretaña, véase también: Modern British Sculpture 1930-70

Biomorfos en la escultura

Aunque las formas biomórficas ya habían aparecido en pintura y escultura en 1913, no fue hasta la destrucción de las visiones utópicas del Futurismo, el Cubismo y el Constructivismo por el Estalinismo, la Gran Depresión y el Nazismo cuando la ciencia dio paso a la naturaleza como principal fuente de inspiración tanto para pintores como para escultores. La abstracción orgánica no buscaba construir o edificar racionalmente, sino imitar las fuerzas germinales de la naturaleza. Originada en las formas fluidas de Rodin, las formas curvilíneas orgánicas del Art Nouveau y del Art Nouveau, las formas ovoides de Constantin Brancusi, atrajo incluso a constructivistas como Vladimir Tatlin (1885-1953), que basó su objeto volador Letatlin en un principio orgánico-biodinámico (el vuelo de los pájaros) más que mecánico.

Sus principales exponentes en la plástica procedían de diversos países de Europa. En Alemania , Jean Arp creó formas fluidas (concreciones) de puro naturalismo, en las que plantas, animales y torsos se combinaban vívidamente; y Karl Hartung abrió su escultura abstracta para abarcar huecos, rupturas y atrevidas protuberancias. En Francia, Henri Etienne-Martin (1913-1995) recurrió a las raíces de la arquitectura para crear una serie de viviendas imaginarias, y la argentina Alicia Penalba (1918-2009) modeló en arcilla exuberantes símbolos eróticos.

En Gran Bretaña, a principios de la década de 1930, Henry Moore combinó formas humanoides, culturas africanas y oceánicas y abstracción orgánica en un estilo diverso y ecléctico que conciliaba la metodología modernista con la escultura griega . Sus numerosas «Figuras tumbadas» subían y bajaban como los contornos de las colinas y valles de Yorkshire, ilustrando su creencia de que el paisaje podía reflejarse a través de la figura humana. Más adelante expresó su biomorfismo en formas más monumentales. Miembro del grupo artístico «Abstracción-Creación», del que también formaban parte el pomerano Otto Freundlich, los escultores británicos Ben Nicholson (1894-1982) y su esposa Barbara Hepworth (1903-1975). Freundlich y Hepworth contribuyeron a consolidar los impulsos biomórficos de la década de 1930: Freundlich con sus abstracciones llenas de energía como «Ascensión» ; Hepworth con su leitmotiv Núcleo hueco.

Biomorfos en la pintura

Los principales artistas que utilizaron formas biomórficas fueron el pintor ruso Wassily Kandinsky, el polifacético surrealista español Juan Miró, el surrealista francés Yves Tanguy y el pintor armenio Arshile Gorki, aunque otros artistas como Paul Klee (1879-1940) también ejercieron una enorme influencia.

Wassily Kandinsky pasó del expresionismo (fue uno de los fundadores de Der Blaue Reiter y pionero en el uso emocional del color) a un estilo de abstracción en el que pretendía eliminar todo rastro del mundo real. El uso de formas orgánicas fue un paso de transición en este proceso.

Juan Miró, al igual que Tanguy, partidario del Surrealismo, intentó dar rienda suelta a su creatividad subconsciente en un estilo verdaderamente surrealista: obras tempranas como «Carnaval de Arlequín» (1924-5) contenían un extraño conjunto de formas parecidas a insectos que bailaban y hacían música, mientras que obras posteriores contenían criaturas minimalistas parecidas a amebas.

Yves Tanguy creó su propio mundo de criaturas marinas, ejemplificado por su extraordinaria obra «Cinta de extremos» (1932), con su procesión de biomorfos por una superficie similar a una playa.

Arshile Gorki emigró a América, donde, pocos años antes de su trágica muerte, conoció a los emigrantes europeos Joan Miró y Robert Matta, bajo cuya influencia creó su característico estilo «de organismos vivos flotando en colores brillantes».

Las formas naturales en el arte

Las formas de las esculturas de Arp, Miró y Moore muestran un claro parecido con formas naturales como huesos, conchas y guijarros. Sus obras alcanzaron una inmensa popularidad, y Moore escribió en 1937 su creencia de que "existen formas naturales universales a las que todos están subconscientemente dispuestos y a las que pueden responder a menos que su control consciente las inhabilite". Este atractivo se extendió a otros artistas -como Alexander Calder (1898-1976), Isamu Noguchi (1904-1988) y los expresionistas abstractos-, así como a una generación de diseñadores de muebles, especialmente en Estados Unidos, Escandinavia e Italia.

Aunque la propia naturaleza fue una fuente de inspiración crucial para Hepworth, Moore y Arp, para los diseñadores de los años 40 y 50 las formas redondeadas y fluidas de sus esculturas, admiradas como «dibujos en el espacio» fueron cruciales.

El uso de formas orgánicas en el diseño estadounidense

Entre los diseñadores de muebles más destacados de Estados Unidos se encuentran Charles Eames (1907-1978) y su esposa Ray Eames (1912-1988), Noguchi y el finlandés Eero Saarinen (1910-1961). Charles Eames y Saarinen se hicieron famosos en 1940 cuando sus diseños conjuntos para muebles de salón ganaron el primer premio en un concurso «Diseño orgánico en mobiliario doméstico» en el Museo de Arte Moderno de Nueva York .

En 1946, Eames se convirtió en el primer diseñador en tener una exposición individual en este museo. El ejemplo de artistas y diseñadores industriales de vanguardia (especialmente en las industrias aeronáutica y automovilística) y los innovadores avances tecnológicos (por ejemplo, nuevas técnicas de plegado y nuevos laminados de diversos materiales) permitieron a los diseñadores de muebles crear diseños cada vez más orgánicos. Combinados con la percepción general de que las formas redondeadas son más cómodas, los muebles orgánicos empezaron a parecer tan vanguardistas como atractivos.

La chaise longue y el puf de palisandro y cuero de 1955, creados por los Eames como regalo de cumpleaños para el director de cine Billy Wilder, es uno de sus diseños más famosos. Al describirlo, Charles dijo que quería que tuviera "el cálido aspecto receptivo de un guante de primera base bien usado".

Saarinen también creó sillas icónicas cuyos propios nombres sugieren sus orígenes orgánicos: la silla Womb de 1946 y la silla Tulip de 1956. Las formas biomórficas también están presentes en sus diseños arquitectónicos de la época, sobre todo en el edificio de la aerolínea TWA en el aeropuerto Kennedy de Nueva York (1956-62).

Noguchi, por su parte, consideraba que todas sus obras eran esculturas, ya fueran lámparas, parques infantiles, decorados, jardines u obras de arte público, y todas tendían a adoptar formas biomórficas, especialmente en la década de 1940. Su famosa mesa de centro de 1947, con su tapa de cristal sobre una base de madera suavemente curvada, refleja la elegancia escultórica y el refinamiento de los materiales que caracterizaban su obra en general.

El uso de formas orgánicas en el diseño europeo

En Italia, el diseño con rasgos claramente orgánicos desempeñó un papel importante en la reconstrucción de posguerra. Cuando las líneas geométricas rectas del racionalismo se vieron empañadas por su asociación con el fascismo, los diseñadores recurrieron a las curvas. Combinando aspectos del diseño americano, el surrealismo y las esculturas de Moore y Arp, surgió una estética orgánica distintiva en toda Italia, desde el diseño industrial -coches, máquinas de escribir y Vespas - hasta el interiorismo y el mobiliario.

Los muebles de madera curvada y metal de Carlo Mollino (1905-1973), por ejemplo, demuestran una deuda con estas fuentes, así como con un pionero anterior del diseño orgánico, Antoni Gaudí (1852-1926), a quien rindió homenaje con su silla Gaudí de 1949. Achille Castiglioni (1918-2002) también diseñó muebles que hacen referencia al arte de vanguardia - Dadá y Surrealismo, y a la práctica de utilizar «objetos encontrados». Su taburete Sella (sillín) de 1957, fabricado a partir del sillín de una bicicleta, y el taburete Mezzadro , fabricado a partir del sillín de un tractor, confirman de la mejor manera posible el constante debate sobre la relación entre arte y diseño, y diseño y tecnología.

Escandinavia fue otro hogar de la abstracción orgánica en las décadas de 1940 y 1950. El finlandés Alvar Aalto y su esposa Aino Marcio Aalto (1894-1949), así como el arquitecto y diseñador danés Arne Jacobsen (1902-1971) crearon obras reconocidas internacionalmente. Al igual que Saarinen, las fuentes orgánicas de Jacobsen se revelan en los títulos de sus sillas más famosas: Ant (1951), Swan (1957) y Egg (1957).

Aunque la tendencia hacia la abstracción orgánica fue especialmente prominente en las décadas de 1940 y 1950, ha seguido siendo una de las muchas tendencias evidentes en el arte y el diseño desde entonces, en la obra de escultores tan diversos como Linda Benglis (n.1941), Richard Deacon (n.1949), Eva Hesse (1936-1970), Anish Kapoor (n.1954), Ursula von Rydingsvard (1942) y Bill Woodrow (1948), así como los diseñadores Ron Arad (1951), Werner Panton (1926-1998) y Oscar Tuskets (1941).

Colecciones

Pinturas y esculturas con motivos orgánicos pueden verse en algunos de los mejores museos de arte del mundo, en particular: Museo de Arte Moderno (MOMA) y Museo Guggenheim, ambos en Nueva York; National Museum of Women in the Arts, Washington DC; Cornell Museum of Fine Arts, Rollins College, Winter Park, Florida; National Museum of Modern Art, Centre Pompidou, París; Tate Gallery, Londres; Tate St Ives; Bolton Art Gallery, Bolton; Wakefield Art Gallery and Museum.

Esculturas biomórficas famosas

Constantin Brancusi (1876-1957)

• Hijo pródigo (1915) Roble, Museo de Arte de Filadelfia.
• Mujer negra rubia (1926) Bronce, Museo de Arte Moderno de San Francisco.

Otto Freundlich (1878-1943)

• Ascensión (1929) Bronce, Museo Ludwig, Colonia.

Picasso (1881-1973)

• Cabeza de mujer (1931) Bronce, Museo Picasso, París.

Jean Arp (1886-1966)

• Cabeza con tres objetos irritantes (1932) Yeso, colección particular.
• Concentración humana (1934) Mármol, Museo Nacional de Arte Moderno, París.
• Pipa gigante (1937) Piedra, Museo Nacional de Arte Moderno, París.
• Deméter (1961) Bronce, Museo de Israel, Jerusalén.
• Reloj (1924) Madera pintada, colección privada.

Juan Miró (1893-1983)

• Pájaro solar (1968) Mármol de Carrara, Fundación Joan Miró, Barcelona.

Henry Moore (1898-1986)

• Composición (1932) Bronce, Tate Gallery.
• Figura tumbada (1936) Elmwood, Wakefield City Art Gallery and Museum.
• Figura acostada (1938) Hornton Greenstone, Tate Gallery.
• Madre reclinada y bebé (1948) Parque de esculturas de Yorkshire, Reino Unido.
• Dos formas (1966) Mármol de Sorai, Colección Staehein, Zúrich.

Barbara Hepworth (1903-1975)

• Madre y niño (1934) Alabastro/mármol, Tate Gallery.
• Tres formas (1935) Mármol, Tate Gallery, Londres.
• Forma hueca con interior blanco (1963) Madera de guarea, Gimpel Fils, Londres.

Karl Hartung (1908-1967)

• Composición VIII (1948) Madera de tilo, colección privada.

Pinturas biomórficas famosas

Wassily Kandinsky (1866-1944)

• Composición VII (1913) Galería Tretyakov, Moscú.
• Con borde blanco (1913) Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.
• Pequeños placeres (1913) Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.
• Nublado (1917) Galería Tretyakov, Moscú.
• En gris (1919) Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Pompidou, París.

Juan Miró (1893-1983)

• Carnaval de Arlequines (1924-5) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
• Interior Holandés I (1928) Museo de Arte Moderno, Nueva York.
• Pintura (1933) Ateneo Wadsworth, Hartford, Connecticut.
• Mujer (1934) Pastel, colección privada (Richard S. Zeisler, Nueva York).
• Nocturno (1935) Museo de Arte de Cleveland.
• Figuras antes de la metamorfosis (1936) Museo de Arte de Nueva Orleans.

Yves Tanguy (1900-1955)

• ¡Mamá, papá está herido! (1927) Museo de Arte Moderno de Nueva York.
• Cinta de extremos (1932) Colección privada.

Arshile Gorki (1904-1948)

• Hoja de alcachofa es un búho (1944) MoMA, Nueva York.
• Compromiso II (1947) Whitney Museum of American Art, Nueva York.