Arte posmodernista: definición, características, historia Traductor traducir

El término «arte posmoderno» se refiere a la amplia categoría de arte actual creado desde 1970 aproximadamente. Una característica distintiva del arte «postmoderno» es el rechazo de la estética en la que se basaba su predecesor, el arte «moderno» (1870-1970). Uno de esos valores rechazados es la idea de que «el arte» es algo «especial» que debe "elevarse por encima" del gusto popular.

Coincidiendo con una serie de nuevos desarrollos tecnológicos, el posmodernismo ha dado lugar a casi cinco décadas de experimentación artística con nuevos medios y nuevas formas de arte, incluyendo «Arte conceptual», diversos tipos de «Performance» e «Instalación», así como movimientos basados en la informática como el deconstructivismo y el arte de proyección. Utilizando estas nuevas formas, los artistas posmodernistas ampliaron la definición de arte hasta el punto de que casi todo» «cabía dentro de ella.

Por desgracia, la mayoría de los artículos sobre posmodernismo están llenos de palabras complicadas como «modernidad» (no es lo mismo que modernismo), «posmodernidad» (diferente de posmodernismo), «metamodernismo» (cercano al posmodernismo pero no parte de él), y «posposmodernismo» (dame un respiro). Así que, en lugar de utilizar jerga, permíteme que te ponga un ejemplo sencillo para ayudarte a entender «el arte posmoderno» y en qué se diferencia del «arte moderno» y de su predecesor aún más antiguo «el arte académico».

El primer gran estilo artístico después del Renacimiento fue el arte académico, los clásicos enseñados por profesores en academias. El arte académico es el equivalente artístico del tradicional «traje y corbata». Después, hacia 1870, llegó «el arte moderno». Es el equivalente artístico de «camisa y pantalón» o «chaqueta y pantalón». Después, hacia 1970, aparece el arte posmoderno «», que es el equivalente artístico de «vaqueros y camiseta». Al igual que los códigos de vestimenta se han vuelto menos formales y más «informales» y «para todas las ocasiones», los artistas contemporáneos se dejan impresionar menos por las viejas ideas de lo que debe ser el arte y se centran más en crear algo (cualquier cosa) que llame la atención.

Pero la ropa informal, como los vaqueros y las camisetas, sólo se ha popularizado porque la propia sociedad se ha vuelto menos formal. Del mismo modo, como veremos, «el arte posmoderno» forma parte de una corriente más amplia de cambio tecnológico, político y social en Occidente que ha traído consigo muchas nuevas actitudes y nuevos tipos de comportamiento. El impacto de Internet, por ejemplo, en la búsqueda y difusión de imágenes artísticas, así como en la creación de artes aplicadas y diseño, aún está por ver. Pero como ya ha revolucionado la industria musical, es probable que su impacto en el mundo del arte no se haga esperar.

Definición de arte posmoderno

Si realmente necesitas una definición de arte postmoderno en una frase, aquí la tienes:

Estilo de arte posterior a la década de 1960 que rechazó los valores tradicionales y los supuestos políticamente conservadores de sus predecesores en favor de una concepción más amplia y divertida del arte, utilizando nuevas formas artísticas enriquecidas por la tecnología de vídeo e informática.

En qué se diferencia del arte contemporáneo

¿Cuál es la diferencia entre arte posmoderno y arte contemporáneo? En la práctica, los dos términos son más o menos intercambiables. Sin embargo, técnicamente hablando, «arte postmoderno» significa «después del arte moderno» y se refiere a un periodo específico (digamos, de 50 años de duración) que comienza alrededor de 1970, mientras que «arte contemporáneo» se refiere al periodo dinámico de 50 años inmediatamente anterior al presente. En el presente, los dos periodos coinciden. Pero, por ejemplo, en 2050, «arte posmoderno» (1970-2020) será sustituido por otra época, mientras que «arte contemporáneo» abarcará el periodo 2000-2050. Así pues, ambos conceptos divergirán.

En qué se diferencia del modernismo tardío

En bellas artes, el término «modernismo tardío» se refiere a movimientos o tendencias que rechazan algunos aspectos del «arte moderno», pero que por lo demás permanecen dentro de la tradición modernista. Estilos como el Expresionismo Abstracto (1948-65) fueron practicados por una serie de artistas modernos radicales, entre ellos Jackson Pollock, el inventor del action painting, y Willem de Kooning, que rechazó muchas de las convenciones formales de la pintura al óleo. Sin embargo, ni Pollock ni de Kooning crearían algo parecido al «Erased Drawing» Rauschenberg (1953, Museo de Arte Moderno de San Francisco) de de Kooning, ya que ambos seguían firmemente comprometidos con los conceptos modernistas de autenticidad y significado.

Del mismo modo, entre los seguidores de movimientos posmodernistas como el Realismo Moderno (desde la década de 1970 hasta la actualidad) y el Neoexpresionismo (desde la década de 1980 hasta la actualidad), también había muchos artistas que trabajaban de forma modernista en lugar de posmodernista. En términos de vestuario, el modernismo tardío es el equivalente artístico «de camisa y pantalón», pero de color amarillo chillón.

Antecedentes

«El arte moderno» suele asociarse con el siglo 1870-1970, aproximadamente desde el Impresionismo hasta el Pop Art. A pesar de varias catástrofes mundiales -la Primera Guerra Mundial (1914-18), la pandemia de gripe (1918-19), el crack de Wall Street y la Gran Depresión (finales de los años 20 y años 30)- que socavaron muchos de los fundamentos morales de la época, los artistas modernos conservaron en general la creencia en las leyes científicas fundamentales de la razón y el pensamiento racional. En general, como la mayoría de los occidentales de la época, creían que la vida tenía sentido; que el progreso científico era automáticamente algo bueno; que el Occidente cristiano era superior al resto del mundo; y que los hombres eran superiores a las mujeres.

Los modernistas también creían en el significado, la relevancia y el progreso del arte, especialmente de las bellas artes y la arquitectura. Siguiendo los pasos de Leonardo y Miguel Ángel, creían en el «arte elevado» - arte que eleva e inspira al espectador culto, en lugar del «arte bajo», que simplemente divierte o entretiene a las masas. Adoptaban una visión de futuro y consideraban que el arte debía progresar constantemente bajo la dirección de un grupo de artistas de vanguardia.

La Segunda Guerra Mundial y el Holocausto pusieron todo patas arriba. París fue sustituida bruscamente por Nueva York como capital mundial del arte. Después de Auschwitz, todas las bellas artes -a excepción del arte del Holocausto se volvieron de repente irrelevantes, por lo que los artistas contemporáneos recurrieron a la abstracción (aunque impregnada de emoción, simbolismo o animación) para expresarse. Sorprendentemente, en la década de 1950, la Escuela de Nueva York, en la que destacaron las pinturas de Jackson Pollock, así como la pintura de campo de color más tranquila de Mark Rothko, marcó el comienzo de un resurgimiento temporal del arte a ambos lados del Atlántico. Estos artistas de vanguardia consiguieron redefinir los límites de la pintura abstracta, pero se mantuvieron dentro de los confines del modernismo. Creían en la creación de obras de arte auténticas, acabadas y con un contenido importante.

Pero la era «del modernismo» llegaba inexorablemente a su fin. Las crecientes revelaciones del Holocausto, las pruebas de la bomba atómica, la crisis de los misiles de Cuba (1962) y la guerra de Vietnam (desde 1964) estaban provocando que la gente se desilusionara cada vez más con la vida (y el arte). Ya a mediados de los años 50, Jasper Johns y Robert Rauschenberg produjeron las primeras obras posmodernistas al estilo del neodada y el arte pop. La corriente principal del arte pop pronto se convirtió en el comienzo del posmodernismo propiamente dicho, con los canales de televisión estadounidenses centrados en la ofensiva del Tet de 1968 y la caótica Convención Demócrata de Chicago.

En la arquitectura del siglo XX la situación fue algo diferente. En el diseño de los edificios modernos influyó el deseo de crear un estilo totalmente nuevo para «el hombre moderno». Los arquitectos modernistas querían eliminar todas las referencias históricas y crear algo completamente nuevo. (Así que nada de columnas griegas, arcos de estilo gótico o cualquier otro recordatorio de «estilos del pasado».) Así surgió el Estilo Internacional de Arquitectura (1920-1970), un lenguaje minimalista de aburrida regularidad y horrible brutalismo (bloques de apartamentos de hormigón con ventanas diminutas). Afortunadamente, a partir de 1970, los arquitectos posmodernistas empezaron a rehumanizar la arquitectura del siglo XX, diseñando estructuras con características interesantes extraídas de la cultura popular y de estilos más tradicionales.

Características del posmodernismo

«El posmodernismo» no es un movimiento, sino una actitud general. Por lo tanto, no existe una lista consensuada de características que definan «el arte posmoderno». Pero hay que empezar por algún sitio, así que aquí van unos cuantos hitos seleccionados.

Ideología general

El posmodernismo refleja una desilusión generalizada con la vida y con el poder de los sistemas de valores y/o tecnologías existentes para efectuar cambios útiles. Como resultado, la autoridad, la pericia, la experiencia, el conocimiento y los logros sobresalientes han sido desacreditados. Los artistas desconfían ahora mucho más de las «grandes ideas» (por ejemplo, que todos los «logros» son buenos). Y lo que es más importante, el arte modernista «» ha pasado a considerarse no sólo elitista, sino también blanco, dominado por los hombres y sin interés por las minorías. Por eso el posmodernismo apoya el arte de artistas del tercer mundo, feministas y de minorías.

Sin embargo, los críticos afirman que, a pesar del supuesto «rechazo» de las grandes ideas, el movimiento posmodernista parece tener muchas grandes ideas propias. Algunos ejemplos son: "todas las formas de arte son equivalentes"; "se puede hacer arte de cualquier cosa"; "la democratización del arte es algo bueno" (pero, ¿qué pasa con la democratización de la cirugía cerebral?).

Parafraseando a Andy Warhol, "cualquiera puede ser famoso durante 15 minutos". Esta idea, más que ninguna otra, resume la era del posmodernismo. Ante un nuevo mundo sin sentido, los posmodernos respondieron diciendo:

"Muy bien, juguemos con este sinsentido. Admitimos que la vida y el arte ya no tienen ningún significado intrínseco evidente, pero ¿y qué? Experimentemos, hagamos el arte más interesante y veamos a dónde nos lleva. Quién sabe, ¡quizá podamos ser famosos durante 15 minutos!".

Educación artística

El posmodernismo cambió las prioridades educativas en numerosas facultades de arte. En los años 70 se reconoció que el arte de la pintura (y en menor medida la escultura) estaba obsoleto. Además, la idea de trabajar durante cuatro años para aprender las habilidades necesarias de estas bellas artes tradicionales se consideró regresiva.

Se creía que el arte debía liberarse de las élites y abrirse al público, por lo que las escuelas de arte empezaron a producir un nuevo tipo de graduados: aquellos familiarizados con las formas inmediatas del estilo posmoderno, así como con las técnicas básicas de producción. En resumen, la creatividad «individual» se consideraba más importante que la acumulación de habilidades artesanales.

Uso de la tecnología

La era del arte «posmoderno» coincidió con la aparición de varias nuevas tecnologías basadas en la imagen (por ejemplo, televisión, vídeo, serigrafía, ordenadores, Internet) y se benefició enormemente de ellas. La nueva gama de imágenes de vídeo y fotografía ha reducido la importancia de las habilidades de dibujo, y mediante la manipulación de las nuevas tecnologías, los artistas (especialmente los que se dedican a nuevos medios como la instalación, el vídeo y el arte basado en la lente) han podido reducir los procesos tradicionales implicados en «hacer arte», pero aun así crear algo nuevo. Así lo ilustran la fotografía documental de Diane Arbus, centrada en los miembros de grupos minoritarios de Nueva York, y el videoarte del coreano-americano Nam June Paik (1932-2006).

Enfoque posmodernista en la cultura popular o «baja» cultura

El término «alta cultura» es utilizado a menudo por los críticos de arte cuando intentan distinguir la «alta cultura» de la pintura y la escultura (y otras bellas artes) de la «baja» cultura popular de las revistas, la televisión, la ficción y otros productos de masas. Los modernistas, y sus influyentes partidarios como Clement Greenberg (1909-1994), creían que la baja cultura era inferior a la alta cultura. En cambio, los posmodernistas, partidarios de una idea más «democrática» del arte, consideran que la «alta cultura» es más elitista.

Por ejemplo, el Pop Art -el primer movimiento posmoderno- creó arte a partir de objetos de consumo corrientes (hamburguesas, latas de sopa, paquetes de jabón en polvo, cómics) que se hicieron reconocibles al instante. Los artistas pop y otros fueron aún más lejos en sus intentos de democratizar el arte imprimiendo su arte «» en tazas, bolsas de papel y camisetas: un método que, por cierto, ejemplifica el deseo posmodernista de socavar la originalidad y autenticidad del arte.

Mezcla de géneros y estilos

Desde el neodadaísmo, a los posmodernos les encanta mezclar las cosas -o introducir nuevos elementos en las formas tradicionales- para crear nuevas combinaciones y pastiches. Fernando Botero crea cuadros de estilo primitivo con figuras obesas; Georg Baselitz pinta figuras al revés. Gerhard Richter combina fotografía y pintura en sus «pinturas fotográficas» de la década de 1970, y Jeff Koons combina imágenes de consumo (formas de globos) con una técnica escultórica muy acabada para crear sus esculturas pop «Air Dog» (1994-2000). Mientras tanto, Andreas Gursky combina la fotografía con imágenes generadas por ordenador para crear obras como Rhine II (1999, MoMA, Nueva York), y Jeff Wall utiliza el fotomontaje con el procesamiento digital en sus creaciones pictorialistas posmodernas.

Multivalencia posmoderna

Los artistas posmodernos han abandonado la idea de que una obra de arte sólo tiene un significado inherente. En su lugar, creen que el espectador es un juez igualmente importante del significado. La fotografía surrealista de Cindy Sherman, por ejemplo, subraya la idea de que una obra de arte puede interpretarse de muchas maneras diferentes. De hecho, algunos artistas -como la artista de performance Marina Abramović (nacida en 1946)- incluso permiten a los espectadores participar en sus «obras de arte» o incluso requieren la intervención del espectador para completar la obra.

Satisfacción de las necesidades del consumidor

El auge del consumismo y la gratificación instantánea en las últimas décadas del siglo XX también ha tenido un gran impacto en las artes visuales. Los consumidores quieren novedades. También quieren entretenimiento y espectáculo. En respuesta, muchos artistas posmodernos, comisarios y otros profesionales han aprovechado la oportunidad para convertir el arte en un «producto de entretenimiento».

La introducción de nuevas formas de arte, como la performance, los happenings y las instalaciones, junto con nuevos temas - como tiburones muertos, moscas moribundas, enormes esculturas de hielo, multitudes de cuerpos desnudos, edificios que parecen moverse, una colección de 35.000 figuras de terracota, islas envueltas en tela de polipropileno rosa, cuerpos pintados, espeluznantes imágenes proyectadas en edificios públicos, etc.- han proporcionado a los espectadores una serie de nuevas experiencias (a veces chocantes). La cuestión de si estas nuevas formas de arte son realmente «arte» sigue siendo objeto de acalorados debates. Los conceptualistas posmodernos dicen que «sí», los tradicionalistas dicen que «no».

Centrarse en el espectáculo

A falta de un verdadero sentido de la vida -especialmente cuando nos bombardean día y noche con anuncios de radio y televisión y al mismo tiempo nos obligan a escuchar a los políticos explicar que dos más dos son tres-, los posmodernos han optado por centrarse en el estilo y el espectáculo, a menudo utilizando materiales y técnicas publicitarias para conseguir el máximo efecto. Ejemplos de este enfoque son las técnicas de impresión comercial, las imágenes de estilo cartel publicitario y los colores primarios de artistas pop como Roy Lichtenstein y James Rosenquist .

Esta atención a la superficie es una característica recurrente del arte posmoderno y a veces deriva en imágenes melodramáticas, deslumbrantes e incluso chocantes. Por ejemplo, la fotografía de moda de Nick Knight y David LaChapelle. Desde 1980, el uso del ordenador y otras tecnologías ha revolucionado el arte multimedia (por ejemplo, la animación) y ha creado oportunidades particulares en ámbitos como la arquitectura y el mapping de proyección.

La importancia que el posmodernismo concede a captar la atención del público queda perfectamente ilustrada por las tácticas de choque de un grupo de estudiantes del Goldsmiths College conocido como los Jóvenes Artistas Británicos, en Londres a finales de los años ochenta y noventa. Se hicieron famosos por tres exposiciones: «Freezing» (1988) y «Modern Medicine» (1990), comisariada por un estudiante desconocido, Damien Hirst (n. 1965), y «Modern Medicine» (1990), comisariada por un estudiante desconocido, Damien Hirst (n. 1965). 1965), y «Modern Medicine» (1990) y Sensation (1997) - los YBA fueron condenados por su escandaloso mal gusto, pero algunos de ellos (Rachel Whiteread, Damien Hirst, Douglas Gordon, Gillian Wearing, Chris Ofili, Steve McQueen, Mark Wallinger) se convirtieron en ganadores del Premio Turner, mientras que otros (Jake y Dinos Chapman, Tracey Emin, Mark Quinn y Jenny Savile) también alcanzaron considerable fama y fortuna.

Tres principios «del posmodernismo»

❶ Significado instantáneo

Se acabaron los óleos descoloridos que representan oscuros sucesos de la mitología griega, provocando una sonrisa comprensiva en los espectadores cultos. La pintura y la escultura posmodernas, originadas en el movimiento Pop Art, eran atrevidas, brillantes y reconocibles al instante. Los temas y las imágenes procedían principalmente de los bienes de consumo, las revistas, los gráficos publicitarios, la televisión, el cine, los dibujos animados y los cómics. Por primera vez, todo el mundo entendía el arte expuesto. Aunque el posmodernismo ha evolucionado a partir del Pop Art, el objetivo clave sigue siendo la reconocibilidad instantánea.

Sin embargo, algunas obras «del arte posmoderno» son más «comprensibles al instante» que otras. Tomemos, por ejemplo, Equivalente 1 (1966, Kunstmuseum, Basilea) de Carl Andre (nacido en 1935). Esta es una de esas obras de arte que deben ser explicadas por un experto antes de poder ser entendidas. Se trata de una escultura minimalista postmoderna compuesta por 120 ladrillos de construcción ordinarios. Los ladrillos están apilados unos encima de otros en el suelo en dos capas de 60 ladrillos dispuestos en una precisa configuración rectangular de tres por veinte.

A primera vista, esta obra maestra del arte moderno parece algo que se vería en una obra de construcción muy lujosa. Afortunadamente, el catálogo de tu galería de arte te dirá que André tomó su radical decisión de crear obras de arte directamente sobre el suelo en 1965 mientras practicaba piragüismo en un lago de New Hampshire, y que esta majestuosa pila de ladrillos ejemplifica su credo artístico: «Forma = Estructura = Lugar». Da la casualidad de que el Equivalente 1 original fue «demolido» en 1966 y «remodelado» en 1969. (Tal vez se necesitaban los ladrillos para algo).

❷ Se puede hacer arte con cualquier cosa

Siguiendo la tradición de Marcel Duchamp -cuyo urinario titulado «Fuente» (1917) fue el primer ejemplo conocido de conversión de un objeto ordinario en una obra de arte-, los posmodernos se han encargado de crear arte a partir de los materiales y la basura más inverosímiles. Véase: Arte basura .

Escultores, instaladores y artistas del ensamblaje han creado arte a partir de chatarra industrial, máscaras de gas, fieltro, cráneos humanos, sangre humana, moscas muertas, luces de neón, gomaespuma, latas de sopa, hormigón, caucho, ropa vieja, estiércol de elefante y mucho más. La idea es democratizar el arte y hacerlo más accesible.

❸ La idea es más importante que la obra en sí

En general, hasta los años 60, los artistas (incluidos Picasso, Pollock y Lichtenstein) creían que no había nada sin un producto acabado. Por lo tanto, se hacía mucho hincapié en la calidad de la obra de arte acabada y en la artesanía necesaria para crearla. Hoy, las cosas son diferentes. Los posmodernos tienden a creer más en el concepto que hay detrás del producto acabado que en el producto en sí. Por eso muchos tipos de «arte posmoderno» se conocen como «arte conceptual» o «conceptualismo».

Un ejemplo de este nuevo enfoque es la obra de arte conceptual (lista de instrucciones) de Martin Creed titulada «227: Las luces se encienden y se apagan» («Lights Going On and Off» 2001), que ganó el Premio Turner en 2001. Otras formas de conceptualismo sin producto son las instalaciones (que, al fin y al cabo, son puramente temporales), las performances, los Happenings, el arte de proyección, etc.

Quizá el ejemplo más destacado de arte conceptual fue una exposición celebrada en marzo de 2009 en el Museo Nacional de Arte Moderno de Francia, en el Centro Pompidou de París. Titulada «Especialización de una sensibilidad de estado de materia prima en una sensibilidad pictórica estabilizada», consistía en nueve salas completamente vacías, y nada más.

Colecciones de arte posmoderno
Pueden verse dos excelentes exposiciones de arte posmoderno en la Saatchi Gallery, Londres, o en el Guggenheim, Nueva York.

Movimientos artísticos posmodernistas

Hasta ahora, no ha habido grandes movimientos artísticos internacionales en el periodo del posmodernismo . En su lugar, esta época ha sido testigo de la aparición de una serie de movimientos limitados y localizados, así como de varias formas artísticas totalmente nuevas, como el vídeo y la pintura de palabras. Además, surgieron docenas de grupos artísticos disidentes, así como una o dos escuelas antipostmodernistas cuyos miembros pretendían crear un arte del que Miguel Ángel o Picasso se sintieran orgullosos.

He aquí una breve lista de los principales movimientos y estilos posmodernistas, incluidas la mayoría de las nuevas formas artísticas.

Pop Art (a partir de los años 60)
El campeón del Pop Art fue Andy Warhol (1928-1987), que hizo arte de imágenes banales producidas en masa. Para más detalles, véanse el Pop Art de Andy Warhol de los años 60 y 70, y las esculturas de Claes Oldenburg (nacido en 1929).

Word Art (Pintura basada en texto) (desde los años 60)
Forma de pintura o escultura conceptualista que utiliza imágenes verbales o textuales. Un buen ejemplo de la técnica posmodernista de introducir nuevos elementos en medios antiguos. Asociado con los artistas pop Robert Indiana (n. 1928) y Jasper Johns (n. 1930), el artista japonés On Kawara (1932-2014), conocido por sus «pinturas de citas», Barbara Kruger (n. 1945), famosa por su «Compro, luego existo», y Christopher Wool (n. 1955), cuyo cuadro de palabras titulado «Apocalipsis hoy» (1988) se vendió en 2013 por 26,4 millones de dólares.

Arte conceptual (a partir de los años 60)
El lenguaje definitivo del posmodernismo. Lo importante no es el producto acabado, sino la idea subyacente. El primer y (posiblemente) mayor artista conceptual fue Yves Klein (1928-1962), fundador del Nouveau Realism. Para más información, véase: El arte posmoderno de Yves Klein (1956-62).

Performance y Happenings (Principios de los años 60 en adelante)
Este género, fundado por artistas como John Cage (1912-1992) y Allan Kaprow (1927-2006), fue una nueva forma de presentar el arte a las masas. Véase también «esculturas vivientes» Gilbert and George (1943, 1942).

Arte de instalación (desde los años 60)
Nueva forma de implicar al espectador en una obra de arte o un montaje. El principal exponente del arte de instalación es el artista alemán Joseph Beuys (1921-1986). Véanse también los inusuales proyectos artísticos de tipo instalación («intervenciones») creados por Christo y Jeanne-Claude (Christo Javacheff y Jeanne-Claude Denat).

Fluxus (años 60)
Movimiento antiartístico de estilo dadaísta iniciado por George Maciunas (1931-1978). Surgió primero en Alemania y más tarde se extendió a Nueva York. En gran parte asociado a Happenings y otras actividades callejeras «».

Videoarte (a partir de los años 60). Véase también: Arte de animación .
El vídeo es uno de los medios más versátiles que existen. Una película de vídeo puede ser
❶ la obra de arte en sí misma;
❷ un registro de cómo se realizó la obra de arte;
❸ un elemento de una instalación;
❹ parte de una composición de vídeo múltiple. Sea cual sea su función, el vídeo hace que el arte sea más dinámico, más atractivo, más emocionante. Desde finales de los años 80, tanto el vídeo como la animación dependen del uso de programas informáticos para manipular y controlar las imágenes.

Minimalismo (desde los años 60)
Refugio de pintores y escultores intelectuales preocupados por «la pureza» en el arte. Los minimalistas intentaron crear un arte despojado de todo punto de referencia externo, dejando sólo la forma. Ingeniosos, quizá, pero totalmente aburridos. Entre los artistas minimalistas se cuentan Agnes Martin (n. 1912), Ed Reinhardt (1913-1967), Ellsworth Kelly (n. 1923), Kenneth Noland (n. 1924), Robert Ryman (n. 1930), Robert Morris (n. 1931), Robert Mangold (n. 1937), Frank Stella (n. 1936) y Brice Marden (n. 1938). Sobre los escultores minimalistas, véase más adelante.

Fotorrealismo (años 60, 70)
Forma hiperrealista de pintura, basada normalmente en fotografías. Entre los primeros fotorrealistas destacan Chuck Close (nacido en 1940) y Richard Estes (nacido en 1936). Entre los escultores fotorrealistas figuran John De Andrea (nacido en 1941), Duane Hanson (1925-1996) y Carol Feuerman (nacida en 1945).

Land Art (mediados de los años 60)
Sin galerías comerciales codiciosas (supuestamente). El defensor de esta tendencia es el artista experimental Robert Smithson (1938-1973). Véanse también las «intervenciones envolventes» en la naturaleza de Christo y Jeanne-Claude (ambos nacidos en 1935) y las obras medioambientales de Andy Goldsworthy.

Fotografía (a partir de los años 60)
Los YBA fueron sólo uno de los diversos grupos posmodernistas que abogaron por el uso del arte de la cámara. De hecho, la obra de los mejores fotógrafos pronto superó el millón de dólares en subasta. Lo mejor de la fotografía posmoderna puede verse en la obra de Helmut Newton (1920-2004), Robert Mapplethorpe (1946-1989), Cindy Sherman (nacida en 1954) y Nan Goldin (nacida en 1953).

Arte Povera (1966-71)
Autodenominado «arte pobre», creado por un grupo artístico de vanguardia anticomercial en Italia formado por Piero Manzoni, Michelangelo Pistoletto, Giuseppe Penone y otros. Se prestaba gran atención a las cualidades físicas de los materiales utilizados.

Postminimalismo (Década de 1970)
En el arte postminimalista -término acuñado por el crítico de arte Robert Pincus-Witten (1935)- el énfasis se desplaza de la pureza de una idea a la forma de comunicarla. Véanse las obras de la alemana-estadounidense Eva Hesse (1936-1970).

Arte feminista (década de 1970)
Movimiento artístico que trata temas específicos de la mujer, como el parto, la violencia contra la mujer, las condiciones laborales de la mujer, etc. Entre las mujeres que participaron en este movimiento destacan Louise Bourgeois (1911-2010) y la artista japonesa Yoko Ono (nacida en 1933). Otras activistas son Miriam Shapiro (1923-2015), Nancy Spero (1926-2009), Eleanor Entin (1935), Joan Jonas (1936), Judy Chicago (1939), Mary Kelly (1941), Barbara Kruger (1945) y la artista inglesa Margaret Harrison (1940).

Graffiti (a partir de los años 70)
El movimiento posmoderno definitivo: pintura instantánea, fama instantánea. Véase la biografía «del terrorista del graffiti» y artista callejero Banksy (n. 1973-4). Para dos de los artistas callejeros de mayor éxito, véanse Jean-Michel Basquiat (1960-88), Keith Haring (1958-1990) -creador del mural «Crack is Wack» en Harlem- y David Wojnarowicz (1954-1992), activista contra el SIDA y artista callejero y collagista de gran talento.

Escultura posmoderna (años setenta. en adelante)

Importantes contribuyentes al arte plástico posmoderno son, por ejemplo, el surrealista Salvador Dalí (1904-1989), conocido por su «Camión de helados derretido» (1970, colección privada); el escultor francés César (1921-1998), más conocido por sus «compresiones» ; artista cinético suizo Jean Tinguely (1925-1991); nuevo rico Armand (1928-2005), conocido sobre todo por sus «acumulaciones» ; minimalistas Donald Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007) y Richard Serra (nacido. 1939); los muralistas Anish Kapoor (n.1954) y Anthony Gormley (nacido en 1950); y el estadounidense Bruce Naumann (nacido en 1941), conocido sobre todo por sus esculturas de neón. Dos nuevos tipos de escultura que surgieron en la década de 1980 fueron la escultura de hielo los Campeonatos Mundiales de Arte sobre Hielo se celebran anualmente en Fairbanks, Alaska, desde 1989 - y el arte sobre arena los Campeonatos Mundiales de Arte sobre Arena se celebraron en Harrison Hot Springs en Harrison, Columbia Británica, Canadá, de 1989 a 2009.

Neoexpresionismo (década de 1980 en adelante)
Se caracteriza por pinturas de gran formato con temas intensos, a menudo violentos, pintados a gran velocidad. A veces se imprimían materiales en la superficie del cuadro. Entre los neoexpresionistas más destacados se encuentran Georg Baselitz (nacido en 1938), Gerhard Richter (nacido en 1932), Jörg Immendorf (nacido en 1945), Anselm Kiefer (nacido en 1945), Rainer Fetting (nacido en 1949) y A.R. Penck (Ralph Winkler, nacido en 1939), Julian Schnabel (nacido en 1951) y David Salle (nacido en 1952).

Deconstructivismo (años 80-2000)
Estilo posmoderno de arquitectura ejemplificado por la obra del arquitecto de Los Ángeles Frank O. Gehry (nacido en 1929), así como por Daniel Libeskind, Peter Eisenman, Rem Koolhaas, Zaha Hadid, Bernard Tschumi y el grupo Co-op Himmelblau. La arquitectura deconstructivista gravitacional incorpora a menudo el diseño asistido por ordenador mediante programas informáticos de alta tecnología, así como los recursos de estudios de arquitectura de vanguardia como Skidmore Owings and Merrill.

Jóvenes Artistas Británicos (Britart) (1985-1999)
Una combinación de oportunismo comercial impresionante e ideas chocantes. Una explosión de mal gusto extremo hecho pasar por arte. Al público le encantó. El YBA más famoso es Damien Hirst (n.1965), y el principal patrocinador del grupo fue el coleccionista de arte Charles Saatchi (n.1943).

Arte neopop (finales de los 80 en adelante)
Enormes esculturas de plástico hechas con juguetes infantiles y mucho más en la misma línea, ejemplificado por la obra de Jeff Koons (n.1955).

Arte corporal (años 90)
Estilo artístico que utiliza el cuerpo como «lienzo». La forma más popular son los tatuajes, seguidos de pintura facial de varios tipos. El arte de las uñas es otro recién llegado. El arte corporal postmoderno se ilustra con el dibujo ilusionista de la neozelandesa Joanne Gair de Demi Moore -fotografiada por Annie Leibovitz que apareció en la portada de Vanity Fair en agosto de 1992. Las formas más extremas de arte corporal las practican artistas como Marina Abramovic (nacida en 1946) y Frank Uwe Laisipen (alias Ulay) (nacido en 1943).

Pintura posmoderna
Contribuyentes importantes a los estilos pictóricos posmodernos no enumerados anteriormente son: el inimitable Francis Bacon (1909-1992); el realista moderno Lucian Freud (1922-2011), el pintor de objetos Jack Vettriano (n.1951), pintor figurativo (nacido en 1951), y artista figurativa Jenny Saville (nacida en 1970).

Realismo cínico (década de 1990)
Movimiento artístico contemporáneo chino que surgió tras la represión de la Plaza de Tiananmen (1989). Los realistas cínicos utilizaban un estilo de pintura figurativa con una narrativa burlona (a veces autoburlona). Las figuras de payaso, los hombres calvos y los retratos fotográficos eran motivos recurrentes. El estilo representaba satíricamente la situación política y social de China y, al ser un nuevo enfoque para los artistas chinos, fue bien recibido por los coleccionistas occidentales. Entre los artistas asociados a este movimiento figuran Yue Mingjun (nacido en 1962), Fang Lijun (nacido en 1963) y Zhang Xiaogang (nacido en 1958), todos los cuales lograron ventas multimillonarias.

Mapping de proyección (arte de proyección) (siglo XXI)
Una de las últimas formas de posmodernismo, el arte de proyección consiste en la visualización informatizada de imágenes de vídeo en edificios u otras grandes superficies.

Arte informático (siglo XXI)
También llamado arte digital o de Internet, es una categoría general que engloba diversas formas de arte relacionadas con la informática. La sociedad aún no ha decidido si clasificar los resultados de las redes neuronales como arte.