Bartolome Esteban Murillo - vida y pinturas 
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No se sabe mucho sobre la vida del artista líder de la "edad de oro" de la pintura española, que hizo una contribución invaluable a la historia del arte y se convirtió en el fundador de la escuela de pintura de Sevilla. Bartolomé Esteban Murillo nació, muy probablemente en diciembre de 1617. Hay un registro de su bautismo, que tuvo lugar el 1 de enero de 1618. Para entender, bajo la influencia de la cual se formó el estilo creativo de un artista brillante, uno debe entender qué Sevilla era donde nació en ese momento.
Sevilla
Sevilla fue uno de los dos puertos en España que se le permitió comerciar con América (según el real decreto del siglo XVI). Aquí se trajeron perlas, oro, plata, cuero, así como cacao, aves raras, hin y otros productos sin precedentes en España. Enormes astilleros a orillas del río navegable Guadalquivir estaban constantemente ocupados, aquí construían barcos, fabricaban velas, cuerdas y todo lo necesario para la flota. A partir de las materias primas traídas, los artesanos más hábiles de Sevilla (más precisamente, sus suburbios Triana y Makarene) crearon magníficos recipientes, brocados de brocado de oro y tela, ropa para el clero, produjeron y pintaron enormes y pesadas velas de iglesia. En los porches de numerosas iglesias abarrotadas, pidiendo limosna, los pobres, los pobres y los lisiados. El número de pobres, niños de la calle y vagabundos sin hogar fue enorme. En los documentos del Ayuntamiento hay muchos registros de que los pobres estaban muriendo de hambre.
Al mismo tiempo, Sevilla también era un centro importante de la Iglesia Católica omnipotente y rica. Ya en el siglo XV, el clero español estaba orgulloso de las enormes catedrales que eran los edificios góticos más grandes de Europa. Los monasterios eran numerosos y muy ricos, poseían verdaderos tesoros y distribuían generosamente órdenes a los mejores artistas. Las magníficas fiestas de la iglesia y las solemnes procesiones religiosas de Sevilla fueron famosas en todo el país. Esto fue atendido no solo por el clero, sino también por saber: los duques de Medina Sidonia, Zunig, Alcalá y muchos otros donaron grandes sumas de dinero para tales eventos, tratando de enfatizar su riqueza e influencia.
Así, Sevilla era una ciudad de contrastes: lujo y pobreza, riqueza y miseria. Incluso en la segunda mitad del siglo XVII, cuando la ruina y el empobrecimiento barrieron toda España como resultado de la crisis económica, los barcos todavía llegaron a Sevilla desde el otro lado del océano, sin embargo, el pulso de la vida comercial todavía latía en todas las tierras. de Andalucía pertenecía a cinco familias nobles. Los nobles, que estaban tan orgullosos de la nobleza de la sangre y consideraban vergonzoso cualquier trabajo, excepto los asuntos militares, la iglesia o el servicio judicial, se involucraron cada vez más en el comercio. La grandeza de España es cosa del pasado, como lo son sus sueños de dominación mundial. En el arte español, las imágenes heroicas de valientes guerreros victoriosos y mártires de carácter fuerte aparecían cada vez menos. El arte realista perdió gradualmente su severa masculinidad y carácter expresivo. Fueron reemplazados por imágenes líricas excesivamente exaltadas o, por el contrario, suaves, que se pueden ver en las obras de maestros de la escuela de Madrid, por ejemplo, Juan Kareño de Miranda, Claudio Coelho, Antonio Pereda y Sevilla - Herrera el Más joven, Pedro de Moya, Alonso Kano. La pretensión de los magníficos adornos creció en la arquitectura, y en la escultura de madera, las estatuas a menudo no solo estaban pintadas, sino que también se vestían con trajes lujosos.
Comienzo del camino creativo
Durante este período, nació el futuro gran artista Bartolomé Esteban Murillo. Habiendo perdido a sus padres temprano, el niño se crió en la familia de su tía, la esposa del barbero sevillano Juan Lagares. Al descubrir pronto la inclinación del niño por la pintura, los familiares le dieron a estudiar al artista Juan del Castilio, que se distinguió por su amor por los novelistas sevillanos y los artistas italianos. Pero pronto Murillo resultó quedarse solo, ya que su maestro se fue a Cádiz. Los primeros biógrafos afirman que el joven artista pintó su trabajo en pequeños lienzos y luego los vendió en el astillero. Esto parece probable, ya que en Sevilla, muchos pintores trabajaron para el astillero.
Los datos confiables sobre la vida de Murillo son extremadamente pocos. Pasó unos dos años en Madrid (probablemente de 1648 a 1650), donde realmente pudo reunirse con Velázquez y estudiar gracias a él las pinturas de grandes maestros en las colecciones reales. Además, el amigo de Murillo, Pedro de Moya, que admiraba las obras de Anthony van Dyck, trajo copias y dibujos de las obras de este genio de la pintura de Flandes e Inglaterra a Sevilla. Murillo llevó a cabo principalmente las órdenes de los monasterios, creando grandes ciclos de historias bíblicas y evangélicas, leyendas sobre la vida de los santos. En las historias "Adoración de los pastores", "El milagro de satisfacer a cinco mil personas con cinco panes", numerosas escenas de dar limosnas y sanar a los santos enfermos, retrató con amor a los pobres de Sevilla: campesinos, mendigos, lisiados. Toda su vida escribió pinturas de género, que representan a niños descalzos de los pobres españoles, que participan en juegos en las calles de la ciudad.
En las obras del período temprano de la obra de Murillo (años 40 del siglo XVII), la evidente influencia de Velázquez, Herrera el Viejo, Zurbarán, Roelas y otros maestros de la escuela de Sevilla es evidente. El artista trabaja de la manera oscura de caravaggistas, reviviendo sus lienzos con solo unos pocos puntos en colores cálidos. Ya en estos años, el joven artista comienza a interesarse por el problema de la transmisión de luz, haciendo tímidos intentos de resolverlo en sus obras.
Quizás el joven Murillo pintó la pintura "Adoración de los pastores", que ahora se encuentra en el Hermitage. Ante la joven y bella Madonna, que mira suavemente al niño Jesús, acostado en un miserable pesebre, hay simples campesinos andaluces que trajeron sus magros regalos. Se trata de un anciano arrodillado, que levanta tímidamente las manos y no se atreve a tocar al bebé, una anciana sonriente y de nariz afilada con un chal ligero, un joven con una capa roja y un pastor con un personal característico. Sus figuras todavía están escritas de manera bastante rígida, y su colocación no es muy exitosa: son colocadas por una "escalera", una encima de la otra. El color oscuro del lienzo de la izquierda está iluminado por la luz que emana del bebé. La brillante blancura de la sábana y el delicado cuerpo rosado del niño crean una ilusión de luz brillante, iluminando el rostro manso de Madonna, su vestido rojizo y simple, y proyectando reflejos dorados en el borde de la ropa áspera del anciano arrodillado.
En los años 40 y 50, Murillo creó pinturas de género más de una vez, continuando la tradición democrática establecida de la escuela de pintura de Sevilla en la primera mitad del siglo. Tales obras incluyen "Gypsy" (Madrid, Prado), "Girl with Flowers and Fruits" (Moscú, Museo Pushkin), "Lousy" (París, Louvre) y "Boy with a Dog" (San Petersburgo, Hermitage).
La pintura "Niño con un perro" fue pintada a mediados de los años 50. Vemos a un niño caminando por la calle. En su mano hay una canasta. El niño, sonriendo cariñosamente, con un gesto de su mano le muestra al perro que en su canasta no hay nada más que una jarra de arcilla vacía. La figura del niño fue escrita en generaciones, pero el artista logró crear una sensación del movimiento del niño a lo largo de la calle, un claro entendimiento de que el bebé está hablando con un amigo de cuatro patas mientras viaja. La cara del niño está pintada con tal realismo que no hay duda de que la imagen fue pintada de la naturaleza y el artista conocía bien a este niño. La figura está delineada por líneas suaves y suaves. Iluminando una cara delgada que no difiere en belleza, se siente una sonrisa bajo las largas pestañas de los párpados ligeramente bajos, a través de los cuales el brillo de los ojos astutos es claramente visible. El artista escribe el cabello, la cara, las manos, la ropa con una capa muy delgada de pintura, con trazos oblicuos largos con un pincel. El color de la imagen es opaco, estrictamente pensado y bastante gráfico. Los tonos grises del cielo se iluminan en el horizonte, a la derecha se alza una pared amarillenta con un inexpresivo árbol verde pálido. Contra este fondo desvaído, las mangas oscuras de la chaqueta, el abrigo ligero del perro y la canasta dorada se destacan claramente. Probablemente, este mismo niño sirvió como modelo para el pintor de la obra "Boy in the Window" (Londres, National Gallery), en la que también desarrolló su sabor distintivo, y continuó experimentando con la luz y el color.
Éxito y reconocimiento
Con la mejora de sus habilidades, Murillo en los años 50 del siglo XVII perfeccionó cada vez más la gama de tonos dorados y plateados que lo atraían, tratando de transmitir una neblina de aire perforada por la luz. La carrera del maestro está ganando impulso gradualmente. Ya en 1656 recibió el título del primer pintor de su Sevilla natal para la gran pintura "Visión de San Antonio de Padua" realizada para el altar de la Catedral de Sevilla. Todos admiraban cuán magistralmente se escribió la corriente de luz, a la que el monje Antonio de Padua estira los brazos, y vio al niño Jesús que bajaba del cielo.
Los contemporáneos ensalzaron a Murillo: comenzaron a llamarlo "Sevilla Apelles", comparándolo con el gran pintor de la antigua Grecia, e incluso lo colocaron más alto que el propio Tiziano. A comienzos de los años 50 y 60, se creó la obra "La Anunciación" (San Petersburgo, Hermitage). En él podemos ver una elaboración aún más sutil de luz y color que en la imagen "Boy with a Dog". El ángel, que acababa de llegar a María con la buena noticia de que estaba destinada a convertirse en la madre del Hijo de Dios, se arrodilló ante ella.
Junto con el ángel, el cielo en forma de una nube de luz parecía haber entrado en la habitación modesta, habiendo lavado los contornos de las paredes y envuelto en la columna con neblina. Solo una mesa con un libro sobre ella, un ramo de lirios en un florero de vidrio delgado y losas de un piso simple son claramente visibles. Una ligera manta sobre la cabeza de María y sus hombros se funden con la nube. El color general de la imagen está muy bien resuelto. La mancha de color principal era una bufanda de ángel, rojo carmín, con delicados matices de sombras, que revoloteaba fácilmente contra el fondo de nubes de humo gris. El color de la bufanda combina bien con la ropa púrpura-gris del ángel y la canasta dorada-amarilla en el piso, e incluso con la suave almohada azul en ella. La segunda versión de la pintura está en el Museo del Prado de Madrid, pero en ella parte del pie del ángel y parte del florero están cortadas por los bordes del lienzo, lo que distorsiona significativamente la composición de la obra.
El pintor, como el verdadero hijo de su tierra, recurrió repetidamente a la imagen de la Virgen y cantó la belleza de las mujeres de Sevilla. Los andaluces llamaron a su tierra "la tierra de María la Bautista". Fue la Virgen María la patrona de Sevilla, así como todas las ciudades y pueblos de Andalucía. La gente común la honró como intercesora, compuso canciones, cuentos y leyendas sobre ella. En la poesía popular, Madonna siempre ha sido una belleza con grandes ojos y delicadas manos blancas. La admiran las personas, los árboles, el sol, el mar y los arroyos. En las obras de Murillo, María también es siempre una mujer de ojos grandes, graciosa, tierna y esbelta, en contraste con las obras de muchos maestros españoles que vieron en Madonna, principalmente a su madre, con ojos modestamente bajos mirando a su hijo.
Las Madrillas de Murillo más famosas: “Madonna and Child” (Florencia, Uffizi), “Madonna and Rosary” (Madrid, Prado), “Madonna and Child”, cuyo segundo nombre es “Madonna and Servilleta” (Sevilla, Museo of Fine Arts) y "Madonna and Child", también conocida como "Gypsy Madonna" (Roma, Galería Corsini). Todas estas mujeres encantadoras que miran al espectador también se pueden admirar, no solo rezarles. La encantadora imagen del artista se encuentra en varias escenas: "Inmaculada Concepción", "Anunciación", "Adoración de los pastores", "Descansa en la huida a Egipto", "Huida a Egipto", "Sagrada Familia", "Tomando la Virgen" al cielo ”, y muchos otros, ambos escritos por orden de la iglesia y creados para otros clientes.
Las composiciones de las obras de Murillo encargadas por la Iglesia Católica se distinguen por una combinación de calma solemnidad del lienzo religioso con motivos de género que aportan calidez y alma a la vida humana simple. Esta es la obra "Descansa en la huida a Egipto". Aquí vemos el sueño sereno de un bebé, el gesto cariñoso de la mano de una madre con la palma abierta protegiendo a un niño, el rostro tranquilo y apacible de María, el dosel confiable de un árbol debajo del cual descansaba. Joseph se encuentra cerca, sosteniendo una mula. Lindos ángeles curiosos, temerosos de despertar al niño, permanecen abrazados a la distancia.
El trabajo es sorprendentemente armonioso: la proporción de figuras y paisajes, el flujo suave de líneas suaves, los colores cálidos de las túnicas rojas de Madonna combinadas con la ropa marrón oscuro de Joseph, los árboles, el becerro rosado de un bebé y una neblina plateada transparente de distantes colinas inclinadas. La ejecución cuidadosa y magistral de las cosas ordinarias: nudos perfectamente anudados, arrojados sobre el sombrero de paja de Joseph, una botella en una calabaza vacía, nos demuestra lo hábil que era el maestro de la naturaleza muerta Murillo. Ninguno de los maestros españoles recurrió tan a menudo a temas apócrifos como Murillo. Estaban interesados en él no menos que los temas clásicos de la Ascensión de la Virgen y la Inmaculada Concepción, muchos de los cuales se pueden encontrar en museos de todo el mundo: en el Prado, el Hermitage, el Louvre, los museos de Sevilla y privados. colecciones. Apócrifos es una leyenda no permitida por la iglesia oficial en los textos de los cuatro evangelios canónicos existentes: leyendas sobre los juegos del pequeño Cristo con sus hermanos (hijos de José); sobre la palmera datilera, que creció en la oración de la Virgen durante su viaje a Egipto; un ataque contra una sagrada familia de animales y ladrones (dragones, lobos, leones y leopardos); sobre la educación del niño Jesús por parte de José; sobre la infancia de Mary y muchos otros.
Una característica de la escuela de pintura de Sevilla fue la imagen de la Virgen volando hacia el cielo, acompañada de ángeles. La joven Velázquez pintó la Inmaculada Concepción (Londres, Galería Nacional), mostrándole una niña joven, bastante terrenal, con una cara ligeramente corpulenta y ojos avergonzados. Como creen muchos historiadores del arte, fue escrito por Juana, hija del maestro de Velázquez, Francisco Pacheco, quien más tarde se convirtió en su esposa. A continuación puedes ver los edificios y calles de Sevilla. Murillo creó una nueva imagen en la pintura española de María: una sevillana joven, frágil y elegante, que se eleva en las nubes, elevándose suave y fácilmente. Tal es la "Inmaculada Concepción" almacenada en el Hermitage. Una densa nube gris, en la que los angelitos se divierten alegremente, se lleva a la Madonna parada sobre ella. La Virgen María se para sobre ella, doblando una rodilla ligeramente, con gracia, solo con el toque de sus dedos, juntando sus manos y sosteniendo suavemente el borde rizado de la capa con los codos.
La pintura de la Ascensión (San Petersburgo, el Hermitage) fue pintada varios años después. La cara de la niña se asemeja a la cara de María de la Inmaculada Concepción, creada por el artista para el monasterio capuchino y almacenada en Sevilla. Probablemente ambas pinturas fueron pintadas por el maestro del mismo modelo. La Madonna está vestida con un vestido blanco largo, en su cintura: un cinturón dorado, una bufanda sobre sus hombros, se arremolina fácilmente en el aire. Inusualmente magistralmente transmitió un movimiento suave hacia arriba. Al espectador le parece que está de pie debajo y su mirada sigue gradualmente a la figura ascendente. Los ángeles juegan a los pies de Mary, y uno de ellos, un niño pequeño de piel oscura y cabello oscuro, trata de sostener la capa ondeante de la Virgen volando hacia ella. El brazo derecho de Madonna está levantado, su cabeza está ligeramente inclinada, sus ojos están levantados hacia el cielo.
La impresión de un movimiento ascendente se logra no solo por la composición. Murillo muestra esta aspiración con colores ricos y luz. Justo debajo, oscuridad total, esta es una tierra abandonada. Al levantarse, el fondo se vuelve más claro, más transparente, los colores son más claros, plateados, las siluetas de los ángeles voladores se ahogan en su bruma. En el borde superior del lienzo, aparecen tonos dorados más cálidos, brillantes en tonos amarillos, leonado y rosados. El artista vuelve a escribir con trazos oblicuos largos, todo es liso, suave, las alas de los ángeles están ligeramente tocadas por el blanco. El claroscuro es transparente, la transición de tonos es invisible y los contornos de las figuras se disuelven en el aire.
Murillo también tiene otra Madonna: la amante de una casa pobre, la esposa ordinaria de un artesano. En el siglo XVIII, el Hermitage adquirió la pintura "La Sagrada Familia", cuyo pequeño formato corresponde a la interpretación íntima de la trama. El carpintero Joseph tuvo una hora de descanso. Dejando a un lado el trabajo, tomó al niño en sus brazos, la cara de su padre tranquila y cariñosa. El niño tira los bolígrafos hacia la madre, que dejó de coser para llevarse a su hijo. La acción probablemente tiene lugar en un taller en el que una cortina verde separa el espacio de trabajo de la vivienda. La suave luz dorada llena todo el espacio. La gama de colores del trabajo se resolvió sutilmente: la capa amarilla de Joseph y el color gris de su ropa, el vestido rosa de Maria y una capa azul oscuro sobre su regazo, un chal amarillo pálido, la mortaja blanca de un bebé y los tonos rosados estaban hábilmente coordinados y profundamente pensado El artista crea trazos largos, ligeros y casi transparentes que sobresalen del borde de la cubierta blanca y los pliegues de la cortina, mientras que el tejido de la canasta, por el contrario, se escribe con trazos cortos del pincel. La economía simple de un simple carpintero: un banco de trabajo con un avión, una sierra, apoyada contra la mesa y una cesta de herramientas en primer plano, pero el aire dorado de la habitación suaviza sus contornos, como si se disolviera en un cielo. calina.
En 1660, Murillo se convirtió en presidente de la Academia de Artes de Sevilla, fundada por él mismo, una asociación libre de artistas que existía con sus propias donaciones. Creía que el artista debería primero estudiar la naturaleza y seguir las tradiciones del arte aceptadas en casa, e imitar la antigüedad. Sus obras diferían de las obras de la Academia de Bolonia exclusivamente en motivos de género, interés en los tipos folclóricos españoles y el desarrollo de claroscuros y cuestiones de color.
El protector de la Academia de Sevilla fue el marqués de Villamanrique, para quien el artista, en los años 1665-1670, realizó una serie de pinturas sobre escenas de la vida de Jacob. Entre ellos se encuentran las obras "La escalera de Jacob" y "La bendición de Jacob Isaac" (ambas en el Hermitage, San Petersburgo). Estas son enormes obras decorativas diseñadas para decorar el palacio. En ambos lienzos, la trama bíblica es como empujada a un segundo plano. En la pintura "La bendición de Jacob Isaac", a la escena con la participación de los personajes principales se le asigna un lugar mucho más pequeño que el resto del paisaje con figuras. El arco de la casa, en las profundidades que vemos en la cama de un anciano ciego sentado, Isaac, se muestra a la derecha. Junto a él está su esposa Rebekah, y su Jacob está arrodillado en la cama de su padre. Esta es una historia sobre cómo un moribundo Isaac quería bendecir a Esaú, su hijo mayor, a quien planeaba transferir el liderazgo en la familia. Usando la ceguera de su esposo, Rebekah le trajo a su hijo menor, su favorito, Jacob. Todos los personajes son muy característicos de Murillo. Isaac es un anciano tranquilo y amable, Rebekah es una anciana delgada, de mejillas hundidas y nariz afilada. Este tipo de mujeres a menudo se encuentra en las pinturas de Murillo: esta es Anna, la madre de María, y viejos mendigos en escenas de dar limosnas, y mujeres campesinas en numerosas "Adoración de los pastores". Y viejos mendigos en escenas de dar limosnas, y mujeres campesinas en numerosas "Adoración de los pastores". y viejos mendigos en escenas de dar limosnas, y mujeres campesinas en numerosas "Adoración de los pastores".
Luz y espacio
Toda la escena de la bendición del hijo por parte del padre se destaca como si brillara desde dentro por una cortina roja brillante detrás de la cama de Isaac. Se crea una sensación inusual de espacio en la habitación por una transición clara entre el borde oscuro del arco y el tono claro de la camisa y las almohadas de Isaac, hacia el brillante y brillante borde colgante de la cortina. El espacioso paisaje, que se extiende más allá de la pared de la casa, atrae la atención con las nubes de tormenta que flotan sobre el suelo. Los desbordamientos suaves de los tonos del cielo son infinitamente diversos: todos los tonos de gris, desde el oscuro ahumado hasta el plateado transparente, en el que se pierden los contornos de las aves voladoras.
Todos los tonos de los colores del cielo se combinan perfectamente con los tonos marrón dorado de la carretera y las sombras en ella. A lo largo del trabajo, uno siente el orden estricto de una única solución compositiva, enfatizando la profundidad del espacio. El camino que se adentra en las montañas, el árbol inclinado en la misma dirección, el movimiento de una mujer doblada bajo la carga de una pesada jarra, la figura distante de un cazador refuerzan la impresión de profundidad. La imagen está repleta de elementos domésticos: vasos en primer plano, palomar, una valla de tablas viejas, macetas en el techo. Vemos yeso cayendo en algunos lugares en la pared de la casa. Todo esto está tomado de la vida y nos muestra la vida de los andaluces comunes.
La obra "La escalera de Jacob" es más decorativa. Aquí Murillo transmitió magníficamente la fabulosa y la riqueza del sueño. La historia bíblica cuenta cómo Jacob, temiendo la venganza de su hermano, viajó al país de Harran, pero en el camino se durmió y vio en un sueño una escalera al cielo, a lo largo de la cual descendieron los ángeles, con la noticia de que Dios había decidido todo el país. en cuya tierra duerme, dáselo. La acción tiene lugar por la noche a la luz de la luna, arrojando sus tenues rayos sobre el río, la cascada, los troncos retorcidos y las ramas de los árboles. La figura de Jacob con ropa pálida apenas se nota. Y aquí, el pintor se siente más atraído por el paisaje y la creación en el lienzo de la realidad mágica de la luz de la luna que aparece a través de las nubes oscuras. Los delicados ángeles frágiles están vestidos con túnicas de color amarillo pálido, rosa y azul. Contra el fondo de un misterioso paisaje nocturno, con una compleja gama de tonos oscuros y brillantes, sus alas y ropas brillan con puntos claros. El cielo gris oscuro está pintado con grandes trazos de barrido característicos. Las hojas en las ramas de los árboles viejos y poderosos están ligeramente tocadas en algunos lugares por el rosa, en algunos lugares por los trazos rojos que crean una falsa impresión de flores.
En el apogeo de su maestría pictórica, en los años 1660-1670, Murillo trató de poetizar las imágenes de sus personajes, por lo que fue acusado repetidamente de cierta dulzura y deliberada belleza de los héroes de sus pinturas. Sin embargo, estos reproches no son del todo justos. De hecho, los niños que vemos en los lienzos "Juan el Bautista con el Cordero" (San Petersburgo, el Hermitage), "El Buen Pastor" (Madrid, Prado) y otros son típicos de Andalucía, todavía pueden ser visto en Sevilla y pueblos de los alrededores. La orientación democrática de la obra del artista se expresó en el hecho de que equiparaba la belleza de la Virgen con la belleza de las mujeres simples de Andalucía, y la belleza de su hijo, el pequeño Jesús, con la belleza de los trapos callejeros.
Por ejemplo, en la pintura "Las limosnas de Foma Villanueva" (Sevilla, Museo de Bellas Artes) vemos a un joven residente de Sevilla, agarrando al bebé con una mano al pecho y con la otra llevando al bebé semidesnudo mayor la mano. La mujer y sus hijos no son diferentes de la Virgen y el niño Jesús de las pinturas religiosas del artista.
En la pintura "Juan el Bautista con el Cordero", el pequeño John es un chico guapo de ojos grandes con grandes mechones, que presiona un cordero esponjoso contra su pecho. Las suaves piernas y brazos cincelados del niño y su figura ligeramente curva le dan gracia. El niño se coloca en el centro de la composición, en el que el paisaje juega un papel importante, recordándonos la pintura "La escalera de Jacob". Murillo tiene muchas de esas imágenes infantiles.
La pintura "Joseph, Leading the Baby of Christ" (San Petersburgo, Hermitage), pintada en 1670, se interpreta como una escena de género. Un joven Joseph de barba negra conduce a un niño de cabello rizado vestido con una larga camisa morada que habla con él en el camino. El paisaje de la ciudad que vemos detrás de ellos: Sevilla, sus edificios y calles son más de una vez reconocidos en las obras del maestro. Murillo a menudo se refería a esta trama, que no estaba incluida en los evangelios canónicos. En el lienzo "José con el Niño Cristo" (Moscú, Museo Pushkin), vemos cómo José abrazando a Cristo lo divierte con una rama en flor. Murillo siempre pintaba de buena gana escenas con Joseph.
Es cierto que el artista también tenía imágenes de otros niños, no hermosas y felices, sino demacradas, pálidas, enfermas e infelices. Estos niños se pueden ver en lienzos sobre el tema de dar limosnas. Pero Murillo trató de evitar escenas innecesariamente trágicas; no funcionaron demasiado bien para él. En la obra "La crucifixión" (San Petersburgo, Hermitage), el cuerpo de Jesús se destaca sobre un fondo gris oscuro de nubes, el Hijo de Dios es tranquilo y hermoso. Mary, John y Mary Magdalene, de pie al pie de la cruz, son jóvenes y hermosas.
El lienzo de gran formato "La muerte del inquisidor Pedro Arbues", también perteneciente a la colección Hermitage, fue encargado por el tribunal de la Inquisición de Sevilla. Pedro Arbués de Epila, quien vivió a fines del siglo XV, fue el inquisidor de Aragón bajo los reyes católicos Fernando e Isabel, quienes fundaron la Inquisición en España. Aragón en aquellos días disfrutaba de una serie de privilegios y algunas libertades. Los duros estatutos de la Inquisición, especialmente la confiscación de todos los bienes de los convictos, causaron inquietud entre los nobles aragoneses, que finalmente decidieron matar a Arbues con la esperanza de que el rey tuviera miedo y no le enviara un reemplazo.
El noble español Juan de la Abadia dirigió el asesinato, mientras que los jóvenes Vidal de Uranso y Juan de Esperaindeo, que querían vengar a las personas cercanas ejecutadas por la Inquisición, se convirtieron en artistas. El asesinato tuvo lugar el 15 de septiembre de 1485, justo en la catedral de Zaragoza. Una tarde, cuando Arbuez estaba arrodillado frente al altar, de Esperaindeo lo apuñaló en el brazo con una espada, y de Uranso, advirtió que el inquisidor formidable y odiado usa cota de malla debajo de su ropa y protege su cabeza con armadura, empuje una daga en su cuello.
Todos los participantes en la conspiración fueron torturados. Arbuesu fue erigido una gran tumba, y más tarde, elevado al rango de santo. Murillo conocía todas las circunstancias del asesinato y las reprodujo con precisión en la imagen, pero a pesar de las figuras bellamente pintadas, la hermosa transición del claroscuro de medios tonos en la oscura catedral, los rostros de los participantes son demasiado secos e inexpresivos, y las posturas también lo son. teatral.
Trabaja para el Hospital Caridad
Una de las series de pinturas más famosas de Murillo fue un ciclo de once obras (1671-1674), realizado para el Hospital Caridad, ubicado en Sevilla. El hospital pertenecía a una fraternidad fundada en 1578, creada para el entierro de ejecutados, desconocidos y ahogados. La Hermandad fundó una gran capilla dedicada a San Jorge, que ocupaba parte de una gran sala en el territorio del astillero de Sevilla. En el mismo lugar en 1664 se instaló un pequeño hospital, cuya entrada estaba decorada con una inscripción que terminaba con las palabras: "… la casa de los pobres y la escalera al cielo".
Viviendo al mismo tiempo que Muirlo, don Miguel Manyara Vicentele de Leka, un caballero de la Orden de Calatrava, reconstruyó el antiguo y construyó un nuevo hospital grande en el que atendió a los enfermos, enterró a los muertos, alimentó a los hambrientos con sopa gratis. y proporcionar otras formas de misericordia. Manyara mismo era una figura muy interesante, sin embargo, característica de su tiempo. Un rastrillo, un quemador de vida, un participante en orgías y asesinatos, una vez temió los sermones del clero, amenazando no solo al más allá con el juicio final, sino también a la corte terrenal de la Inquisición. Hay una leyenda según la cual Manyara soñó con su funeral, después de lo cual se arrepintió de sus pecados e incluso legó para enterrarlo no en la iglesia de Caridad, sino debajo de una estufa a la entrada, para que todos pisotearan su tumba con su pies Manyara le sugirió a Murillo que escribiera para el hospital once pinturas que glorificaran la misericordia. Todas las tramas fueron extraídas de la Biblia, el Evangelio y más tarde leyendas de santos. Las obras más famosas de esta serie fueron "Moisés tallando el agua de la roca" (Sevilla, Caridad), "Cristo cura la parálisis" (Londres, Galería Nacional) y "St. Isabel, la reina de Hungría, trata a los enfermos ”(Madrid, Prado).
La pintura "La liberación del apóstol Pedro de la prisión" (San Petersburgo, Hermitage), pintada para Caridad, se distingue por una interpretación inusual de la solución de corte. El artista se propuso representar de manera más confiable una fuente de luz en una habitación oscura. El resplandor radiante emana de la cabeza de un ángel, iluminando la pared, haciéndola casi invisible, como si estuviera impregnada de un juego de tonos plateados grisáceos, intercalados con tonos rosados. A la izquierda de las figuras de los soldados inactivos, se muestra otra fuente de luz: una pequeña luz dorada que ilumina con moderación la silueta negra de una alabarda, la capa roja de uno de los soldados y un anillo de hierro atornillado en la pared. Y aquí Murillo se mantuvo fiel a sí mismo: el prisionero representado es un anciano guapo con una cara tranquila, que no expresa emociones.
Al mismo tiempo, para el hospital, Caridad escribió a otro artista que también vino de Sevilla: Juan Valdés Leal, quien realizó la orden de Miguel Manyara. La obra de Valdés Leal fue diametralmente opuesta al arte de Murillo. Siendo un pintor talentoso, dominando perfectamente el color, Valdez Leal prefirió pintar pinturas sombrías, imbuidas de tragedia, misticismo y dinámicas apasionadas. En sus obras, vemos figuras en un ataque de inquietud, resplandor inquieto de luz alternando con sombras, la combinación de colores, aunque elegante, pero demasiado nítida.
Un ejemplo son dos de sus pinturas más famosas, escritas para Caridid: "Hieroglyphs of Death" y "The End of Earthly Glory". En el primero, describió un esqueleto con una guadaña, caminando entre multitudes, libros y armas que ya no se necesitaban, apagando el fuego de una vela humeante con dedos huesudos, en el segundo mostró una imagen terrible de la descomposición de los cadáveres of a knight and a bishop, with a mysterious hand holding scales over them.Típico de Valdés Leal y la obra "Retrato de Manyara". Manyara se sienta a la mesa, señalando el crucifijo con un gesto ligeramente teatral de su mano. Un niño con un libro, vestido con ropa monástica oscura, se sentó en un banco bajo a la izquierda. El niño pálido se llevó un dedo a los labios, simbolizando así un voto de silencio eterno y humildad.
Pero las diferencias en el trabajo de los artistas estaban determinadas no solo por sus personalidades y personajes, sino también por la complejidad del arte conflictivo del final de la "edad de oro" de la cultura española. Valdez Leal reflejó en su trabajo una reacción aristocrática al realismo, que incluía el horror místico del más allá. Esteban Murillo también amaba la vida en sus manifestaciones más diversas. Su obra está relacionada con las mejores tradiciones del arte nacional español de los mejores tiempos. Se esforzó con todas sus fuerzas por la transferencia veraz del medio ambiente y fue profundamente sincero en este esfuerzo. Pintor observador, no pudo evitar notar los contrastes de Sevilla: la riqueza de la iglesia y la nobleza y la pobreza de la gente. Todo esto se refleja en sus creaciones. Al mismo tiempo, él era el hijo de su tiempo,Al darse cuenta de que las condiciones habían cambiado, por lo tanto, la poetización de las imágenes y la decoración de la composición a menudo reemplazaban la profundidad de contenido y la expresividad característica de los antiguos maestros.
El artista murió de un accidente. Mientras pintaba el monasterio capuchino en Cádiz, Murillo cayó de los bosques altos. En estado grave, fue transportado a su hogar en Sevilla, donde murió a causa de sus heridas en abril de 1682.