Rey de pintores Tiziano Vecellio (1477-1576) Traductor traducir

Tiziano Vecellio da Cadore es uno de los mejores artistas de todos los tiempos, junto con leyendas del Renacimiento italiano como Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Tiziano, un genio reconocido de su tiempo, fue llamado "el rey de los pintores y el pintor de reyes". Los descubrimientos de este titán de la pintura en el campo de las bellas artes, de una forma u otra, influyeron en el trabajo de todos los artistas posteriores. Tiziano jugó un papel importante en el desarrollo del género mitológico, el paisaje y el retrato. Por cierto, ser capturado con el pincel de un maestro fue el premio más alto para sus contemporáneos.

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El artista vivió una larga vida, preservando hasta su último día la claridad de pensamiento, la sensibilidad de la percepción, la agudeza visual y la increíble capacidad de trabajo. Esto permitió a Tiziano no soltar el cepillo de sus manos hasta el final de sus días y dejar a los descendientes una extensa herencia artística. En sus creaciones, la fragilidad y la solemnidad, la espiritualidad y la cotidianidad de la realidad, la tragedia y la belleza del hombre y el mundo se combinaron de una manera sorprendente. No sin razón, las obras del pintor fueron copiadas innumerables veces.

La vida y la obra del artista cayeron en el período de mayor prosperidad de Venecia, el esplendor de su poder y gloria, la época de los cambios globales y los acontecimientos históricos. Según diversas fuentes, Tiziano nació en el año 1477 o 1480. Sus padres pertenecían a una antigua familia que vivía en la pequeña ciudad de Pieve di Calore, ubicada en los Alpes. El niño mostró su habilidad para dibujar temprano y, a la edad de diez años, sus padres lo enviaron a Venecia a estudiar. Los fundamentos de las bellas artes del joven Tiziano comprendieron en el taller de Giovanni Bellini, quien jugó un papel importante en el destino del joven artista, presentándole al ya famoso pintor Giorgione. Esta reunión jugó un papel importante en la vida de Tiziano, gracias a ella pronto encontró su propio estilo y ganó reconocimiento. Y aunque dos artistas talentosos no se hicieron amigos: los hábitos, los personajes y las perspectivas de la vida eran demasiado diferentes, no se puede subestimar el papel que desempeñó Giorgione en la vida de Tiziano. El respeto de este último a su camarada mayor puede juzgarse por la evidencia sobreviviente de lo duro que Tiziano sufrió la muerte inesperada de Giorgione (el gran artista murió inesperadamente cuando solo tenía treinta y cinco años).

Un homenaje peculiar al talento de Giorgione y el importante papel que jugó en el destino de Tiziano fue la restauración por parte del artista de la Venus dormida de Giorgione, que se había quemado en el fuego. Tiziano reescribió completamente el lienzo irreparablemente dañado por el fuego, conservando solo la pose de la heroína y su tierna cara. El modesto pintor no comenzó a firmar la imagen con su propio nombre y nunca mencionó la autoría casi completa de la obra maestra atribuida al pincel de Giorgione. Quizás este trabajo fue el primer hito en la confusión resultante, debido a que, a lo largo de muchas décadas, las pinturas de Tiziano, distinguidas por su rara perfección de ejecución, a menudo se atribuyeron a los pinceles de Giorgione.

Pero volvamos un poco, es decir, en 1508, durante la "edad de oro" del Renacimiento italiano, cuando un reconocido artista invitó al joven Tiziano a ayudarlo a decorar el Compuesto alemán en Venecia. Giorgione comenzó a diseñar su parte del Compuesto alemán mucho antes que su compañero más joven, eligiendo por sí mismo la fachada principal del edificio que parece más ventajosa. Tiziano se quedó con la parte trasera del patio con vistas a una calle estrecha, que siempre estaba llena de gente. Giorgione, que no solo era un pintor talentoso, sino también un hombre encantador, siempre estaba rodeado de muchos amigos que de vez en cuando venían al lugar de trabajo para alabar al artista y elevar su espíritu creativo. Tiziano, distinguido por su silencio y aislamiento, trabajó principalmente en la soledad. No es sorprendente que el consumado y más seguro de sí mismo Giorgione terminara el trabajo mucho antes que su joven colega.

Cuando la restauración del Compuesto alemán finalmente se completó, toda Venecia corrió a ver este milagro. El deleite de la audiencia no conocía límites y, según numerosos testimonios, la pintura de Tiziano fue la más sensacional. Para evaluar las pinturas murales, se creó una comisión especial, encabezada por Bellini. Los recuerdos de uno de los testigos que estuvieron presentes allí ese día - Dolce sobrevivió: “Tiziano retrató a la magnífica Judith, ella es sobre todo alabanza. El color y el diseño eran tan perfectos que tan pronto como apareció ante la audiencia, todos los amigos de Giorgione, que decidieron por unanimidad que este era su trabajo, inmediatamente comenzaron a felicitar al artista, asegurándole que esta era la mejor de todas sus creaciones. Desafortunadamente, en la actualidad no podemos juzgar el trabajo de los dos maestros, porque después de solo treinta o cuarenta años, los frescos se perdieron casi por completo debido a la pintura muy húmeda, saturada de sal marina, aire veneciano y oxidada. Pero incluso a partir de los fragmentos individuales que han sobrevivido, está claro que Tiziano pasó brillante esta difícil prueba, declarándose a sí mismo como un artista talentoso con un estilo profundamente individual.

Y el peso, gracias a la participación en este proyecto, comenzó a hablar sobre las obras de Tiziano muy temprano, ya que las primeras obras del maestro fueron notables por su realismo raro y la transferencia cuidadosa de detalles, que rara vez era posible para los pintores jóvenes. La situación extremadamente favorable para las personas creativas en el país no jugó el menor papel en el reconocimiento temprano del artista. Durante este período, Venecia vivió en paz y prosperidad, gracias a una flota poderosa, comercio desarrollado y una posición económica fuerte.

Crea un estilo único

Era una época en la que poetas, escritores, músicos y artistas retrataban a personas felices en el contexto de la naturaleza serena, y los temas principales de las obras de arte eran el amor, la belleza y la poesía de las relaciones. En tal ambiente, comenzó el camino creativo del joven Tiziano.

Inicialmente, el artista se dejó llevar por la imagen de la naturaleza, y el momento mágico antes del atardecer, cuando el cielo adquirió un color brillante y saturado, se convirtió en su momento favorito del día. Puedes adivinar que la estación favorita de Tiziano era el otoño, con sus disturbios y colores multicolores. Es cierto que el amor por los paisajes no duró mucho, con el tiempo, el maestro comenzó a dar preferencia a otro género, a saber, el retrato.

La gente comenzó a atraer al artista, con su rico y complejo mundo interior. Entre las primeras obras del artista, "Retrato de un hombre con un vestido con mangas azules", que representa a uno de los mejores amigos del artista, el poeta Ludovico Ariosto, apoyado en el parapeto con las iniciales "TV", destaca como una habilidad especial.. Es cierto que hay una versión de que el propio Tiziano está representado en la imagen, que ahora está almacenado en la Galería Nacional de Londres. La pregunta sigue siendo controvertida, pero no fundamental, ya que lo principal en este trabajo no es su objeto, sino la forma de escribir de la joven artista y la habilidad con la que fue interpretada. El color elegante de la imagen, la ligereza de los trazos, la composición simple y armoniosa, la tela bellamente pintada de la ropa de un hombre, mirando al espectador un poco desde arriba, todo esto caracteriza el talento ya sobresaliente de Tiziano.

Con el tiempo, el trabajo de Tiziano comenzó a llenarse de narrativas, dinámicas, tensiones y dramas cada vez mayores. La naturaleza en ellos ya no era silenciosa y estática, estaba llena de vida, y las personas en su contexto estaban llenas de sentimientos y movimientos. Por ejemplo, en la pintura Tres edades de hombres (1512, Galería Nacional de Escocia, Edimburgo), se muestran el paso del tiempo y la brevedad de la era humana. La trama de la imagen, que se desarrolla en el contexto de un paisaje soleado, debe leerse de derecha a izquierda. Dos bebés, durmiendo en un dulce sueño en primer plano a la derecha, representan el comienzo sereno de la vida cuando una persona aún no sabe qué alegrías y penas le esperan en el futuro. El angelito protege la paz y la seguridad de los niños, alrededor de los cuales la hierba joven apenas se abre paso. En la parte izquierda de la composición, en primer plano, debajo de la gruesa corona de un árbol, hay una joven pareja enamorada. Esta parte de la imagen representa la mitad de la vida cuando somos jóvenes, llenos de fuerza, deseos, salud y energía. Y en el fondo se sienta un anciano con dos calaveras en sus manos. Las calaveras simbolizan la inevitabilidad de la muerte que espera a cada persona cuando su vida llega a su fin. La cabeza del anciano se baja al cofre, expresando la tristeza y la desesperanza de la vejez. El significado de la imagen es simple: todos nacemos para morir más tarde. Este tema entusiasmó a Tiziano a lo largo de su trabajo, reflejándose en otros lienzos, por ejemplo, "Alegoría del tiempo y la mente", que consideraremos más adelante.

La pintura "Country Concert" (circa 1510, el Louvre, París) también pertenece al período inicial de la creatividad del artista, en el que Tiziano logró transmitir una fusión sorprendentemente armoniosa del hombre con la naturaleza en un hermoso y tranquilo momento nocturno. Aquí delante de nosotros hay dos hombres jóvenes con hermosas ropas de color verde pálido y brillantes colores rojo anaranjado. Uno de ellos es músico, está a punto de tocar las cuerdas de su laúd, el otro es un aldeano, está listo para escuchar con atención. En primer plano hay una mujer desnuda, en sus manos una flauta, muy probablemente sea Muse. Ella está de espaldas al espectador y está mirando cuidadosamente al músico. En el lado izquierdo de la composición hay otra virgen desnuda, en sus manos hay un recipiente con agua, que simboliza la idea de purificar todos los seres vivos a través de la comunicación con el arte. La desnudez de las doncellas en el contexto de la naturaleza se ve muy armoniosa y es una alegoría importante de la expresión de los sentimientos castos.

La composición se completa con el fondo, que nos devuelve de esta atmósfera sorprendente y poética a la prosa de la vida, de la que es imposible esconderse de cualquier lugar. El pastor, vagando con su rebaño bajo las densas copas de los árboles, se convirtió en la personificación de la tierra en la imagen. En las profundidades de la imagen se pueden ver los techos de casas campesinas simples, las personas que viven en ellas ni siquiera sospechan la existencia de este rincón celestial de la naturaleza. Cuando miras la imagen, tienes la sensación de que, aunque el héroe no ha tenido tiempo de comenzar a tocar el laúd, los sonidos hechizantes de la música ya han logrado llenar todo el espacio. Inicialmente, esta pintura se atribuyó al pincel de Giorgione, ya que influye mucho en sus métodos: la imagen de un mundo ideal lleno de sueños e ilusiones, que existe fuera del tiempo y el espacio reales.

El tema de contrastar lo elevado y lo terrenal se reflejó en otra obra de Tiziano, perteneciente al mismo período. En la pintura "Concierto interrumpido" (circa 1510, Palazzo Pitti, Florencia), vemos a un joven monje jugando con entusiasmo en una espineta. Detrás de él hay un hombre mayor que intenta detener el juego del joven tocando su hombro. El monje se separa a regañadientes de su ocupación: sus dedos delgados continúan revoloteando sobre las teclas, aunque su cabeza ya está vuelta hacia un lado. La cara del camarada mayor es severa, la razón es que el joven parado a la izquierda, con la ropa de un patricio con una mirada arrogante y vacía, pasó junto a los músicos, con una sonrisa irónica fija en sus labios.

La idea principal de la imagen es que el mundo sublime del arte, la armonía, la belleza y el amor siempre pueden ser destruidos por la realidad bruta que irrumpe en la forma más inesperada. Entonces, en la imagen, la indiferencia del patricio, lejos del mundo de la música y, de hecho, indiferente a él, hace que un hombre con un laúd en sus manos detenga a su compañero fascinado, para no perder la fuerza y ​​la inspiración en una persona que no puede apreciarlo.

Quizás la trama de la pintura fue influenciada por las obras del filósofo Platón, publicado en ese momento en Venecia, quien en sus "Leyes" expresó la idea de que: "el arte más bello es el que es percibido solo por los elegidos".

Una de las primeras pinturas bíblicas de Tiziano es una pintura titulada "No me toques" (circa 1512, National Gallery, Londres). En el corazón del lienzo hay un episodio del Evangelio en el que Jesucristo se le aparece a María Magdalena, y ella, para asegurarse de que Él está realmente vivo y no es un sueño, se acerca a Él. Pero Jesús, tímidamente cubriendo su desnudez con una mortaja, dice: "No me toques, porque aún no he ascendido a mi Padre". El fondo de la trama es el paisaje: un árbol alto representado en el centro del lienzo, las casas se elevan a la derecha en la colina y el mar es visible en la distancia. Las figuras de María y Cristo en el primer plano literalmente brillan, colores magistralmente seleccionados en tonos dorados, marrones y ocres durante mucho tiempo hicieron que los historiadores del arte pensaran que la pintura pertenece al pincel de Giorgione.

Amor y envidia de los que están en el poder.

A Tiziano, desde temprana edad tratado amablemente por aquellos en el poder, se le ofreció muchas veces abandonar su amada Venecia y establecerse bajo el ala de uno u otro patrón. Pero el artista era demasiado aficionado a esta ciudad y esperaba construir su vida y carrera aquí. Por lo tanto, habiendo logrado cierto reconocimiento, el pintor escribió una carta de apelación a los gobernantes de la ciudad, en la que propuso llevar a cabo el trabajo más difícil de programar el salón del Gran Consejo. Junto con esto, solicitó considerar su candidatura para el puesto vacante de intermediario de suministro de sal en el Compuesto alemán para ese momento. A primera vista, esto es extraño, pero esta posición administrativa en Venecia fue ocupada, por regla general, por artistas. Esto se debió a los detalles de su trabajo, que requieren conocimiento de minerales, ya sea sal o pintura. La posición de intermediario fue un tidbit para cualquier artista de la época. Ella dio el derecho a recibir un salario anual y el título honorario de pintor oficial de la República de San Marcos. Y esto, a su vez, proporcionó al artista trabajo: recibió automáticamente la mayor parte de la orden estatal, incluidos los retratos de todos los nuevos dux para la sala del Gran Consejo. Además, la tesorería pagó muchos de los gastos del artista: alquilar un taller, comprar lienzos y pinturas, así como otras necesidades.

Y así, en 1513, Tiziano tuvo una suerte increíble: el Consejo de Gobierno aceptó su propuesta. El feliz artista comenzó a instalarse en un nuevo lugar. Muchos estudiantes acudieron a su taller, los artistas jóvenes soñaban con trabajar con un maestro tan reconocido y famoso, los pintores más maduros envidiaban su posición ventajosa y honorable. Pero, desafortunadamente, la alegría de Tiziano no duró mucho. Otro venerable artista, Giovanni Bellini, en cuyo taller trabajó el joven Tiziano, se indignó por esta cita, y se dirigió a su patrón, uno de los influyentes Doges venecianos, con una solicitud para impugnar la decisión del Consejo. Como resultado, estalló un escándalo y la decisión de nombrar a Tiziano se revirtió rápidamente. Esto también fue facilitado por un cambio en la composición del Gran Consejo, que sucedió en el momento equivocado para el joven artista. Tiziano estaba furioso, pero no abandonó sus ambiciosos planes. El resultado de su lucha fue su nuevo nombramiento para el puesto de intermediario de sal, que tuvo lugar solo cuatro años después, en 1517.

Tiziano expresó parcialmente su enojo con los que están en el poder en su obra The Caesar’s Dinarium, creada en 1516 (ahora la pintura está en la Galería de Arte de Dresde). El lienzo está pintado con una paleta extraordinariamente rica y rica, gracias a la cual la imagen parece muy realzada. La composición de la imagen es simple y expresiva. Dos figuras, que se muestran hasta la cintura, parecen colisionar sobre el lienzo. Estos son dos opuestos: virtudes en la imagen de Cristo parado en el centro y codicia en la imagen del fariseo, como si invadiera la imagen de la derecha. El hipócrita extiende el denario a Cristo, toda su apariencia provocativa y desagradable. Cristo, por el contrario, es una encarnación de la pureza y la sinceridad, su figura sobre un fondo oscuro, por así decirlo, ilumina todo el lienzo. Mira tranquilamente al fariseo, con confianza en sus ojos y una pregunta tonta: "¿Por qué me estás tentando?" El significado de la imagen es simple y comprensible: el Señor conoce todos nuestros pensamientos, porque Él es el que todo lo ve, y su respuesta es simple, pero profunda: "Dale al César lo que es del César, pero Dios el Dios". Tomando el argumento bíblico tradicional, el artista reflejó en él sus pensamientos más íntimos sobre el bien y el mal. El color general de la imagen es alarmante. Brillantes, como llenas de luz, las túnicas de Cristo, junto con su impecable rostro iluminado, contrastan bruscamente con los tonos marrón dorado que representan al fariseo, encarnando todo el mal y la injusticia del mundo. Su apariencia es colorida: una nariz áspera con una joroba, una frente alta, un arete en la oreja, piel bronceada, una mano fibrosa sostiene una moneda. No es casualidad que dos figuras, una de las cuales representa la bondad y la nobleza, y la otra, toda la bajeza y la mezquindad de las que es capaz una persona, ocupen un espacio tan diferente en el lienzo. No es casualidad que Tiziano corta la figura del fariseo, lo presiona hasta el borde de la imagen, mostrando así su actitud ante la cuestión de la lucha entre el bien y el mal, su creencia infinita de que el principio divino almacenado en cada persona puede derrotar a todos los vicios del mundo.

Busca la felicidad personal

La vida personal del artista no funcionó de inmediato. Durante mucho tiempo no pudo encontrar a su amada a su gusto. Por primera vez, la idea del matrimonio fue visitada por Tiziano cuando conoció a la hija de su amigo, una niña muy joven llamada Violana. Desafortunadamente, no había evidencia de que su amor fuera mutuo, pero a juzgar por el hecho de que Violana a menudo visitaba el estudio del artista y posaba para él para una serie de obras, Tiziano no era indiferente a ella. Es cierto, a pesar de esto, el matrimonio no tuvo lugar. Los biógrafos de Tiziano solo pueden especular sobre las razones de este resultado, pero lo más probable es que los padres de la niña se opusieran a la unión.

El artista inmortalizó su amor y pasión por Violanta en la pintura Flora, escrita alrededor de 1515 (ahora la obra pertenece a la Galería de los Uffizi en Florencia). Este trabajo se convirtió en una verdadera obra maestra del joven Tiziano. La imagen está saturada de sensualidad y admiración por la belleza femenina. Una hermosa niña de cabello dorado sostiene en su mano derecha un ramo de las primeras flores de primavera, con su otra mano sostiene una capa que se desliza de su hombro, casi exponiendo su pecho lleno. La imagen de Violana apareció más tarde en muchas obras del maestro ("Amor celestial y amor terrenal", "Solomei", "Mujer joven con espejo", "Violana" y otras), como una encarnación de la verdadera belleza y feminidad. Pero Flora se convirtió en la más famosa de ellas, el lienzo fue copiado y copiado por otros artistas muchas veces.

La segunda obra importante del artista, escrita en el mismo período de tiempo, fue "Amor celestial y amor terrenal" (circa 1515, Galería Borghese, Roma). La inspiración ideológica de la imagen fueron las "Ninfas de Azolan" de Bembo y la novela "Batallas de amor en sueños de Polyphilus", que se discutieron activamente en los salones venecianos. Las raíces de ambos se encuentran en la mitología romana, en la que dos Venus personificaron la unidad de los opuestos: sentimientos platónicos sublimes y deseos y pasiones carnales.

El lienzo está pintado en colores sorprendentemente brillantes y claros que transmiten una percepción alegre de la vida y del mundo que lo rodea, está lleno de alegorías y símbolos, ya que fue creado por orden de una persona que conoce bien el arte. En el primer plano de la imagen están las figuras de dos hermosas mujeres que están sentadas cerca de la fuente. A la izquierda está la bella Violana en la imagen del amor terrenal. Su vestido fue interceptado por un cinturón con una hebilla de metal, que representa el símbolo del matrimonio, su emblema es una corona de ramas de mirto en la cabeza. El amor celestial en la parte derecha de la imagen sostiene solemnemente una lámpara encendida en su mano levantada, como si bendijera el amor terrenal por la reciprocidad. Es difícil no darse cuenta de que, a pesar del hecho de que las dos mujeres en el lienzo son, por así decirlo, opuestas entre sí, de hecho, están en la misma cara. La diferencia está solo en los atuendos de las heroínas. Heavenly Love está desnuda, solo un trozo de tela blanca cubre sus caderas; este es un símbolo de su pureza e inocencia, su capa roja contrasta fuertemente con los colores modestos y sobrios de la ropa de Earthly Love.

Como en cualquier lienzo de esa época, el fondo jugó un papel no menos importante en el significado simbólico de la imagen que sus personajes principales. El paisaje sensual y al mismo tiempo inusualmente claro está dividido en dos partes por un poderoso árbol. En la mitad "terrenal" de la imagen se muestra una casa rica y un jinete acercándose a ella, que obviamente una esposa amorosa y fiel está esperando fuera de la puerta. Las liebres, dejadas atrás la figura del amor terrenal significan fertilidad. El paisaje en el lado derecho de la imagen incluye un campanario de una iglesia en medio de cadenas montañosas, un lago y un rebaño de ovejas con un pastor que los vigila. Cupido en el centro del lienzo está ocupado atrapando los pétalos de rosa caídos del agua.

En esta composición inusualmente armoniosa, el maestro de una manera muy elegante trata de resolver el dilema real y ético por sí mismo sobre la relación entre el sentimiento exaltado y la pasión carnal. La obra lírica está llena de muchos detalles muy realistas que caracterizan el estilo actual del autor de Tiziano, así como su rica paleta. El cliente del lienzo, un funcionario enamorado del Gran Consejo, estaba muy satisfecho con la pintura, sin siquiera sospechar que se convertiría en una gran obra maestra de la pintura mundial.

Al mismo tiempo, se pintó la pintura "Madonna con cerezas" (1515, Kunsthistorisches Museum, Viena). El lienzo se distingue por el brillo de la solución colorista y los detalles exactos de todas las figuras y objetos, lo que, sin duda, habla del gran talento y habilidad de su autor.

En cuanto a la historia del amor insatisfecho de Tiziano y la joven Violana, ella, habiéndose encontrado con la oposición de otros y parientes, por sí sola quedó en nada. El maestro regresó a casa, sin siquiera sospechar que era allí donde el destino lo esperaba. El hermano mayor del artista trajo a una nueva ama de llaves a su casa, una niña simple, Chechilia. Con ella, la casa del artista estaba llena de limpieza y comodidad, su hogar cobró vida, la cocina estaba llena de deliciosos aromas. Tiziano se sorprendió por la simplicidad, espontaneidad, modestia y nobleza de Chechilia. Pero entonces él todavía no sabía que era ella quien se convertiría en su compañera de por vida, una amiga fiel y madre de tres hijos.

El pintor oficial de la República de San Marcos.

En 1517, Tiziano, finalmente aprobado como artista oficial de la República de San Marcos, trabajó para crear la imagen del altar de la Ascensión de María (1516-1518, Iglesia de Santa María Gloriosa dei Frari en Venecia). El día de la inauguración, la iglesia estaba llena de invitados eminentes y gente común. Cuando la cubierta fue retirada solemnemente del altar, los presentes literalmente jadearon por la luz cegadora que irradiaba. La intensidad emocional alcanzó su pico expresado en gritos de deleite e indignación, un efecto tan sorprendente produjo una nueva creación del artista. Se convirtió en un nuevo hito en la historia de la pintura veneciana y mundial, en la que será difícil encontrar una obra que se distinga por el mismo poderoso impacto emocional. El arte de los entonces famosos Bellini y Carpaccio nunca alcanzó tales alturas, y la pintura mundial en ese momento no tenía otros ejemplos de una imagen tan monumental y a gran escala.

La composición de la obra se divide en tres partes. En la parte inferior hay figuras de tres metros de los once apóstoles, escoltando a la Virgen, ascendiendo al cielo. El maestro transmitió perfectamente sus emociones a través de expresiones tensas y agitadas de sus caras. Los apóstoles son ejecutados de manera tan realista que le parece al espectador que ahora escuchará sus gemidos y exclamaciones desesperados. En el centro del fresco se representa la majestuosa figura de la Madre de Dios, despidiéndose de este mundo y escoltada por los ángeles a Dios. La expresión de su rostro es tranquila, en su mirada hay paz y alegría tranquila de la próxima reunión con el Padre Celestial. Y finalmente, en la parte superior de la composición, se representa al Señor, esperando a la virgen María con dos ángeles. Lamentablemente, la imagen no se conservó. El tiempo la influyó mucho, los colores se desvanecieron y se duchó, además, por muchas razones, un gran lienzo se transportaba constantemente de un lugar a otro, lo que tampoco podía sino afectar su seguridad. Sin embargo, no hay duda de que con esta obra maestra, Tiziano demostró a sus compatriotas cuán merecidamente recibió su posición como el artista principal de la República de San Marcos.

Las obras maestras del artista nacieron una tras otra. En 1520, se pintó el magnífico "Retrato de un hombre con guantes" (el Louvre, París), que representa a un representante típico de la intelectualidad de la época, que tenía un espíritu cercano al propio Tiziano. El hombre representado está inmerso en sus propios pensamientos, es soñador y reflexivo, en sus manos hay guantes, pero parece haberse olvidado de ellos. A pesar del aparente desapego, su rostro se expresa claramente como una posición activa hacia la vida. Da la impresión de una persona que es muy autosuficiente, segura de sí misma y conocedora de la vida. En esta imagen, Tiziano presentó a un cierto héroe de su tiempo, a quien le gustaría conocer en la sociedad veneciana: un hombre educado, delgado, inteligente y profundo que conservaba la dignidad y la nobleza espiritual, a pesar de un momento muy difícil, cuando Las mentiras reinan en todas partes, la hipocresía y la ira.

Además de los retratos y la pintura religiosa, desde 1520 hasta 1523, Tiziano crea varias pinturas con una trama mitológica. La mitología y la alegoría fueron el patín indiscutible del maestro, sin embargo, después de la creación de las pinturas "Baco y Ariadna" y "Bacanalia en la isla de Andros", el artista se desvió durante mucho tiempo de las tramas mitológicas. Los biógrafos de Tiziano atribuyen esto al hecho de que el pintor participó activamente en la vida de la sociedad, cuyos problemas le preocupaban constantemente. La alegría ciega y la diversión desenfrenada de los héroes mitológicos estaban demasiado lejos de la realidad que rodea al artista con sus vicios y problemas.

La trama de la pintura "Baco y Ariadna" (1520-1523, National Gallery, Londres) nos muestra el regreso victorioso de Baco (en la antigua mitología griega de Dioniso) de la India a la isla de Naxos, donde Ariadna anhela sola. El carro de Baco, enganchado por dos leopardos, ya está parado tranquilamente en la orilla, y el dios mismo salta rápidamente de ella a su amada Ariadna. El acompañante apropiado de Bacchus es una divertida compañía de sátiros y bacanos. Corren detrás del líder, quien, después de haber levantado una pierna de pantorrilla sobre su cabeza, y que están tratando de escapar de la queja de una boa constrictor. Abajo, un pequeño sátiro, todavía un niño, arrastra la cabeza de un ternero, sobre el cual el perro ladra, en el suelo. El niño mira al espectador con una mirada traviesa con una sonrisa maliciosa, como si esperara una respuesta del público a su empresa.

La capa púrpura del Baco desnudo ondea en el viento, toda su figura es inusualmente dinámica, refleja su impaciencia. La figura de Ariadne, por el contrario, se aleja del espectador, como si estuviera cerrada a él. Parece que Baco, con su rapidez, la asusta. Ariadne, sorprendida por todo lo que sucede, se esconde detrás de su mano, sin saber qué hacer a continuación. El telón de fondo de la acción es un paisaje que representa árboles poderosos, un pueblo distante, montañas en el horizonte y el mar.

La segunda imagen mitológica de este período fue "Bacchanalia en la isla de Andros" (1523, Museo del Prado, Madrid). El lienzo representa una orgía de los habitantes de la isla, sus numerosos cuerpos llenan casi todo el espacio de la imagen. Aquí, hombres y mujeres que beben, se divierten y cometen atrocidades. En el fondo, a la derecha en la colina, yacía Selen, borracha y desnuda, en la parte delantera derecha del lienzo se representa a una chica desnuda, que ya bebió bastante vino y se quedó dormida aquí, sobre una manta blanca, aparentemente olvidando su desnudez. En el centro, al lado del que duerme, un niño pequeño se alivia.

A finales de este año, el artista se enteró de la triste noticia: un talentoso pintor italiano, representante de la clásica escuela veneciana Vittore Carpaccio, murió. Fue a él a quien Tiziano le dedicó su nueva pintura, "La posición en el sepulcro" (1523, Museo del Louvre, París).

La composición de la imagen es rica, hecha en tonos rojo-naranja y negro, transmitiendo drama y ansiedad de una trama dinámica. Casi no hay fondo, solo un cielo gris y un bosque oscuro, casi negro, en la esquina derecha. A la izquierda están las figuras tristes de la Madre de Dios y de María Magdalena que la consuelan y la sostienen por los hombros. Ambos observan con horror cómo los tres discípulos llevan el cuerpo sin vida de Cristo para ser enterrado en una tumba. El primer plano de la imagen está lleno de resplandor que emana del cuerpo de Cristo, como si brillara desde adentro. Parece brillar desde el interior, llenando el primer plano del lienzo con resplandor. La imagen está construida sobre una combinación de colores rojo y negro, transmitiendo un episodio dramático de alarmante y dinámico.

Los retratos de dux para la sala del Gran Consejo ocuparon una gran parte de la obra de Tiziano como artista de la corte, pero, desafortunadamente, casi todos fueron quemados durante numerosos incendios. Un lugar honorable en la galería de retratos conservados de la corte que pertenecen al pincel de Tiziano está ocupado por el "Retrato de Federico II Gonzaga" (circa 1525-1529, Museo del Prado, Madrid), en el que el dux es capturado con su amado perro faldero. Gonzaga se representa casi a toda su altura. Su ropa azul oscuro, decorada con adornos asombrosos, le da a la imagen un lujo y una cierta solemnidad. La cara de un dux con rasgos aristocráticos delicados y una barba bien cuidada está llena de autoestima. Él mira al espectador con una mirada distante. Los elegantes dedos bien arreglados de Gonzag acarician al perro, que se presiona contra el dueño con todo su cuerpo.

Serie de pérdidas

En el apogeo de su reconocimiento público y relevancia, el artista sufrió una tragedia personal. Durante el nacimiento de su segundo hijo con Tiziano, Cecilia de repente comenzó a sangrar mucho. Esta noticia sorprendió mucho al pintor y, temiendo lo peor, decidió casarse de inmediato.Tiziano invitó a los mejores médicos a Cecilia, con cuyos esfuerzos finalmente mejoró, pero el artista no cambió de opinión acerca de casarse. Esta noticia se extendió rápidamente por toda Venecia, porque Tiziano era un artista y figura pública muy famoso. Sin embargo, él y Cecilia organizaron una ceremonia de boda muy modesta en casa en el círculo de solo las personas más cercanas y queridas.

Fue en 1525, Tiziano se quedó con su familia por un tiempo, y cuando Cecilia se fortaleció lo suficiente, regresó a Venecia, donde fue esperado por numerosas órdenes inconclusas.

En 1530, Tiziano se embarcó en un nuevo lienzo de temática religiosa, Cena en Emaús (Louvre, París). La historia tradicional del evangelio representa al Cristo resucitado sentado en una mesa cubierta con un mantel blanco como la nieve. A ambos lados de él están sus alumnos, junto al dueño de la institución y el camarero, observando este maravilloso fenómeno. Cristo bendice los platos servidos con un gesto de sus manos. Toda la composición es muy ligera, lírica, sostenida en colores brillantes y suaves, está escrita con trazos libres de luz.

El tiempo vuela rápidamente, y el constantemente ocupado Tiziano es nuevamente informado sobre la grave condición de su esposa. El artista tira todo y se apresura a casa. Apenas logra atrapar a Chechilia, que ha cambiado más allá del reconocimiento. Después del nacimiento de su tercer hijo, una hija llamada Lavinia, la pobre mujer nuevamente experimentó un sangrado severo. A pesar de todos los esfuerzos de los médicos, después de una noche de insomnio que Tiziano pasó al lado de la cama de su esposa, ella murió el 5 de agosto de 1530.

El artista sufrió inusualmente esta pérdida. Según las descripciones de sus contemporáneos, vivió como en un sueño, continuó haciendo algo, se encontró con personas, pero como si no hubiera visto ni escuchado a nadie. Todos los pensamientos de Tiziano fueron ocupados por su amada Cecilia, quien durante muchos años fue su fiel amiga, esposa devota y madre amorosa de sus hijos. Solo después de que la perdió, el artista se dio cuenta de cuánta luz trajo a su vida esta mujer, tan noble y modesta. Cecilia llenó su casa de calidez y confort, rodeó a Tiziano con infinitos cuidados, para que nada le impidiera crear sus obras maestras. Una vez, el artista deambuló por su casa, pensando en su pérdida irreparable, cuando tropezó con un lienzo sin terminar, que el cliente había estado esperando durante mucho tiempo.Fue la Madonna y el Conejo (circa 1530, Museo del Louvre, París). Los ojos de Tiziano se llenaron de lágrimas. Cecilia lo miró desde la imagen, encarnada en la imagen de una mujer parada a la izquierda de la Virgen María.

Pasó el tiempo, los niños crecieron. Los dos hijos de Tiziano eran completamente opuestos el uno del otro: el Pomponio mayor era egoísta y perezoso, y el joven Orazio, por el contrario, era tranquilo y complaciente. La pequeña Lavinia era muy parecida a su madre. Tiziano cada día entendía cada vez más claramente que tenía más opresión por estar en la casa, donde cada rincón le recuerda a su esposa muerta. Pero el artista también estaba cansado de Venecia, no quería volver allí. El pintor durante mucho tiempo estuvo buscando un nuevo hogar en un rincón tranquilo y apartado. Y así, el 1 de septiembre de 1531 tuvo éxito: alquiló una casa de dos pisos con una amplia terraza y un entrepiso en las afueras de Biri Grande.

En 1532, Tiziano se embarca en su primer retrato de cuerpo entero. Este es un "Retrato del emperador Carlos V con un perro" (Museo del Prado, Madrid).

Horas de poses ayudaron a establecer una relación muy amistosa entre el artista y el emperador. El emperador le contó sinceramente a Tiziano sobre su vida y sobre sí mismo. Carlos V era un hombre infinitamente cansado del poder, cuya vida estaba llena de formalidades y formalidades sin alma. Es por eso que el pintor retrató al emperador con ropas simples y no con un lujoso vestido completo, enfatizando así que su héroe, en primer lugar, es un hombre. La única criatura fiel en su vida fue el perro fotografiado a su lado. Según testigos presenciales, Carlos V estaba muy satisfecho con la pintura y admiraba la habilidad del artista. Lleno de emoción, el emperador se separó abrazando fuertemente al pintor. La comitiva de Carlos V, que estuvo presente en todo esto, posteriormente abrumó al artista con órdenes, proporcionándole trabajo durante mucho tiempo.

Después de esto, Tiziano superó otra pérdida: su madre murió. Este evento lo sumergió en una depresión aún más profunda. Solo la alegre risa de los niños en su nuevo hogar ayudó al maestro a quedarse y vivir. Y, sin embargo, durante varios años el artista vivió como un recluso, sin salir de su taller por días. Trabajó muy duro y dedicó sus horas libres a hablar con niños.

Pináculos de excelencia

Después de la pérdida de Cecilia en la casa de Tiziano, su hermana Orsa comenzó a cultivar, ella también se dedicaba a criar hijos. Pasó el tiempo, y una vez que Orsa se dio cuenta de que todas las noches una góndola flotaba a la casa del pintor, en la que se sentaba una joven, siempre tratando de pasar desapercibida. Rápidamente subió la escalera exterior directamente al taller del artista, ubicado en el segundo piso. Por supuesto, nunca se le ocurrió a nadie reprochar al pintor, por el contrario, los familiares esperaban que la aparición de un nuevo amante de alguna manera alegrara la soledad de Tiziano y lo ayudara a recuperar la alegría de la vida. El resultado de este pasatiempo fue tal trabajo, representando a una bella desconocida, como "Retrato de una mujer joven con un sombrero con una pluma", "Chica con una capa de piel", así como la magnífica "Venus Urbinskaya".

"Girl in a Fur Cape", escrita en 1535 (Kunsthistorisches Museum, Viena) fue una obra encargada y es una alegoría del matrimonio. En el lienzo, se representa a una joven que cubre juguetonamente un seno con una capa de piel, mientras que su segundo seno permanece desnudo. La mirada tímida de la niña y el delicado rubor en sus mejillas solo enfatizan el significado erótico de la imagen, que consiste en contrastar la carne femenina y el pelaje esponjoso. Una composición similar se encuentra en la pintura "Retrato de una mujer joven con un sombrero con una pluma" (1536, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), donde la modelo también tiene su hombro, pecho y brazo derechos. Debajo de la capa de piel recortada se puede ver una camisa blanca translúcida. Un sombrero con plumas decoradas con piedras está en la cabeza de la niña. En ambas pinturas, el artista no oculta su admiración, al borde de la lujuria franca,La belleza de un cuerpo femenino joven. La piel blanca como la nieve de la heroína, escrita con trazos claros e ingrávidos, contrasta fuertemente con el rico fondo oscuro, gracias a lo cual su imagen parece aún más delicada y frágil.

Y en 1538, por orden del gobernador de Venecia, Guidobaldo della Rovere, quien más tarde será el cliente habitual de Tiziano, se pintó la pintura "Venus Urbinskaya" (Galería de Arte de los Uffizi, Florencia). Esta foto fue el regalo de bodas del duque a la futura esposa. La Venus de cabello dorado, acostada en una elegante pose sobre sábanas blancas como la nieve, está llena de dicha, en su mano derecha hay una rama de rosa mosqueta. Su mirada es tranquila y segura, no es tímida ante su desnudez. Un cuerpo hermoso está escrito de forma tan delgada y ligera que parece que emana un resplandor. A los pies de Venus, en lugar de los cupidos tradicionales, un pequeño perro se sienta y duerme. En el fondo de la pintura hay una habitación bañada por la luz brillante de una mañana soleada. En la ventana de Venus hay una olla de mirto que representa el matrimonio y la fidelidad. Dos sirvientas corren alrededor de su pecho,recogiendo ropa para el baño de la mañana de la anfitriona. Por extraño que parezca, Venus Tiziano no es celestial, sino una mujer terrenal muy real, que aparece ante nosotros con una belleza francamente desnuda.

Si seguimos la cronología aproximada, entonces, a partir de las obras que conocemos, está el lienzo "Coronando con una corona de espinas". Esta pintura existe en dos versiones: una de ellas está almacenada en el Louvre (1542) y la otra en la Antigua Pinacoteca de Múnich (1572-1576). La composición de las dos pinturas es muy similar. En el centro del lienzo se encuentra la figura del Cristo torturado, rodeado de cinco torturadores y tres escalones que conducen al lugar de la flagelación pública. La diferencia es solo en el fondo. En una obra temprana, una brutal escena de burla de Jesús tiene lugar en el contexto de un arco de piedra iluminado sobre el que se levanta un busto del emperador Tiberio. En una imagen posterior, solo se ve un candelabro iluminado en la parte superior del lienzo. En ambos casos,Cristo soporta humildemente la intimidación y el dolor de las personas que lo atacaron con vehemencia con lanzas. Después de todo, Él ya los ha perdonado, y esto le da a Su imagen verdadera majestad.

En 1545, Tiziano crea otro destacado retrato del dux de Venecia, "Retrato del dux Andrea Gritti" (National Art Gallery, Washington). Representa a un gobernante con una mirada severa de ojos crueles, traicionando su carácter despiadado y opresivo. La ropa de color rojo intenso una vez más enfatiza su carisma y deseo de liderazgo. En el dux hay una capa de un costoso, como si fuera una tela luminosa de tonos marrón dorado y el mismo tocado.

El cerrado y poco comunicativo Tiziano tenía muy pocos amigos cercanos. Uno de ellos fue el poeta y escritor Pietro Lretino. Eran dos personas muy diferentes: Lretino era muy alegre, amoroso, amaba el lujo, las fiestas y las festividades, hablador y seguro de sí mismo, tenía excelentes conexiones. A Tiziano le gustaba el optimismo, la cordialidad, el carisma y el hecho de que el poeta estaba muy versado en arte y literatura. Tiziano incluso se convirtió en el padrino de una de las hijas de Loretino. En 1545 pintó su retrato. En la pintura "Retrato de Pietro Lretino" (Palazzo Pitti, Florencia), casi todo el espacio del lienzo está ocupado por la figura del poeta. El lienzo está escrito con numerosas variaciones de colores rojo y dorado, lo llenarán de energía y poder del espíritu, revelando el carácter del héroe.Hay evidencia de que Lretino estaba insatisfecho con el trabajo, en particular, no le gustó que la cadena de oro (recibida como un regalo del Rey Francisco I) fuera casi invisible en su pecho y brillara demasiado tenuemente. Es cierto que esto podría ser una broma del poeta, mal interpretado por un testigo ocular.

En el mismo año, en 1545, Tiziano escribe "Retrato de un hombre joven" (Palazzo Pitti, Florencia). Un hombre guapo con una mirada hipnótica y fascinante de ojos verdes mira al espectador desde el lienzo. Durante mucho tiempo se creía que la imagen representaba al duque inglés de Howard, por lo que la pintura se llamaba "Retrato de un joven inglés". Pero en 1928, el crítico de arte Venturi presentó su propia versión, respaldada por pruebas convincentes. Él creía que el hombre sobre lienzo era Ippolito Riminaldi, un abogado, otro amigo de Tiziano, a quien le encantaba conocer durante sus viajes a Ferrara. En cuanto a la composición del lienzo, es extremadamente simple: delante de nosotros hay un joven con una estricta camisola negra, con puños de encaje blanco que asoman por debajo de su cuello y mangas. Su mano izquierda descansa sobre su cadera, y en su derecha sostiene guantes.El color general del lienzo es muy sobrio, está construido sobre una combinación de dos colores primarios: negro y gris. Solo las manchas blancas de los puños y los guantes marrones los diluyen. Es sorprendente la precisión y sutileza de su rostro con ojos pensativos e inteligentes. En toda su apariencia, la nobleza brilla a través.

En 1548, Tiziano pintó otro retrato de Carlos V. El emperador le confesó al artista, con quien se hizo cercano incluso antes, que estaba cansado de ver sangre derramada y que vivía solo esperando la próxima reunión con su inolvidable esposa.. Lleno de sincera compasión, Tiziano transmitió sus sentimientos en "Retrato de Carlos V en un sillón" (Old Pinakothek, Munich). Aquí se muestra al emperador sentado en un sillón con el telón de fondo de un paisaje desértico y deslucido, del que todavía sopla con frío y anhelo. Charles V se sienta en un sillón, vestido de negro, como si se olvidara de quitarse un guante. El piso rojo contrasta fuertemente con los colores de su ropa y tocados. El emperador está muy triste, pensativo y solitario.

La perfección del estilo

Los últimos quince años de la vida del artista, cuando ya había intercambiado la octava docena, generalmente se llama el período tardío de su trabajo. Este es el momento en que Tiziano vuelve a recurrir a su tema mitológico favorito, que siempre interpretó en su espíritu individual.

La pintura "Venus y Adonis" (Museo del Prado, Madrid) se remonta a 1533, cuya trama nos muestra una escena de despedida. Venus trata de mantener a su amada, absorta en la sed de cazar y no escuchar sus advertencias sobre el peligro inminente. Tratando de mantener a Adonis, con la fuerza saliendo de sus brazos, Venus golpea accidentalmente un florero con su pie. En el fondo de la imagen, debajo de la gruesa corona de un árbol, Cupido duerme en silencio, diseñado para proteger su amor. El carácter dinámico y emocionante de la trama contrasta fuertemente con el paisaje que lo rodea, lleno de calma y pacificación, nada que presagie problemas en él. En esta cacería, donde Adonis murió, Tiziano ve una metáfora de la vida humana: las personas siempre están buscando algo, quieren más, están listas para arriesgar su salud y su vida, ir en contra del destino,incluso olvidarse de Dios, quien inevitablemente los castigará por esto. La imagen fue un éxito sin precedentes con el público. El artista tuvo que hacer unas veinte copias del lienzo con varias variaciones de tramas similares.

La segunda pintura increíblemente popular de Tiziano, que tuvo que copiar muchas veces, fue Venus con un espejo, pintada alrededor de 1555 (National Gallery, Washington). Ella tiene una Venus de cabello rubio cubriéndose los senos con la mano izquierda, esconde las rodillas debajo de la manta brillante con la mano derecha. Dos cupidos regordetes sostienen espejos frente a ella. Las mejillas de la diosa arden con un rubor encantador que simboliza la floreciente juventud y belleza. La obra maestra estaba en Rusia, pero en 1931, por orden del gobierno de la URSS e independientemente de la opinión de la dirección del Hermitage del Estado, se vendió a una persona privada. Más tarde, la imagen estaba en la Galería Nacional de Washington.

Otra obra maestra del último período de la obra de Tiziano es la pintura "El rapto de Europa" (1559-1562, el Museo Isabella Stewart-Gardner, Boston), cuya trama reproduce uno de los episodios de la Metamorfosis de Ovidio. Técnicamente, la imagen se hizo libremente y audazmente, esto distinguió las últimas obras del maestro, escritas en trazos amplios y descuidados. Si miras la imagen de cerca, es difícil entender lo que está pintado en ella y solo desde la distancia se nos revela una gran obra maestra de Tiziano. De hecho, estas pinturas fueron las precursoras del impresionismo, cuando las miras, parece que todo el trabajo está escrito al mismo tiempo, fácilmente, naturalmente, a gran escala.

En la primavera de 1559, Tiziano cayó en una posición desagradable. Su hijo menor, Orazio, fue a Milán, donde se suponía que debía recibir del tesoro una gran cantidad de dinero perteneciente a su padre. En el camino a casa, atacaron al joven, golpeándolo y robándole. Como resultó más tarde, el robo fue organizado por el escultor Leone Leoni, quien también trabajó para la corte real. Tiziano inmediatamente sospechó de Leona y le escribió una carta a Felipe II, cuyo texto nos llegó: “Leona, que sabía sobre el pago de los beneficios estatales y fue instigada por una instigación diabólica, decidió quitarle la vida a Orazio para apropiarse de su dinero. Invitó a Orazio a su casa y le ofreció vivir en su casa. Mi hijo rechazó esta oferta y este villano, expulsado de España por luteranismo y espoleado por un enemigo del Señor Dios,decidió cometer el asesinato con la ayuda de cómplices. Los sinvergüenzas atacaron a Orazio con espadas y dagas en sus manos, habiendo arrojado previamente una red sobre su cabeza. Sin esperar tal traición, mi pobre Orazio cayó, después de haber recibido seis heridas graves. Si Oratio murió, en quien tengo todas mis esperanzas en la vejez inminente, entonces, bajo el peso de este dolor, juro que me volvería loco. "Al final de la carta, exigió castigar a Leoni con toda la severidad de la ley. El escultor fue arrestado, pero después de pagar la multa, fue liberado. Al final de la carta, exigió castigar a Leoni con toda la severidad de la ley. El escultor fue arrestado, pero después de pagar la multa, fue liberado. Al final de la carta, exigió castigar a Leoni con toda la severidad de la ley. El escultor fue arrestado,pero después de pagar la multa, fue puesto en libertad.

Antes de que Tiziano se recuperara de esta conmoción, su hermano Francesco falleció. Los biógrafos del artista sugieren que en el mismo período, la amada hija del artista Lavinia murió en el parto. Una serie de estos eventos golpeó al maestro muy duro.

En 1550, a la edad de setenta y tres años, el artista comenzó a escribir "Autorretrato" (Museo Estatal de Arte de Berlín), completado solo once años después. En él, Tiziano aparece ante el espectador como un anciano débil y decrépito, que solo tiene que esperar humildemente su muerte. Por el contrario, vemos a una persona fuerte y segura frente a nosotros. Se arroja una capa de piel sobre los anchos hombros del maestro, con una camisa debajo, en la que se ve claramente una cadena dorada. Los dedos de sus manos tamborilean sobre la mesa, lo que caracteriza su disposición inquieta y concentración. Parece que en un momento el artista se levantará alegremente y con grandes avances irá a crear su próxima obra maestra. En la mirada entrecerrada de Tiziano vemos sabiduría y un interés genuino en la vida. Lo más probable es que este autorretrato fue creado para niños,desde que hasta la muerte del pintor estuvo en su casa.

Alrededor de 1565, Tiziano recibió un pedido de la pintura "Penitente María Magdalena" (Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). La modelo para el lienzo fue una cierta Julia Festina, que deleitó al maestro con un mechón de largo cabello dorado. Al duque de Gonzago realmente le gustó la pintura, inmediatamente ordenó una copia del lienzo para dársela a una cierta poetisa. El trabajo fue un éxito tan rotundo que Tiziano decidió hacer varias copias de inmediato, cambiando en cada una solo la posición de las manos de la heroína, la inclinación de su cabeza y el fondo del paisaje circundante. El biógrafo de Tiziano Ridolfi señala seis pinturas de Tiziano con la penitente María Magdalena. Una de las opciones de lienzo sobrevivientes se mantiene en Moscú en una colección privada. Pero, según los expertos,el mejor de ellos es el que está representado en el Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo. En ella, la imagen de la penitente Mary es la más casta. Su hermoso cuerpo está cubierto con ropa translúcida ligera y una capa a rayas, así como el cabello suelto que se extiende sobre sus hombros y pecho. La penitente Magdalena mira al cielo con una mirada llena de remordimiento, sus ojos están llenos de lágrimas y desesperación. En el primer plano de la imagen hay símbolos cristianos: el cráneo y la Escritura revelada.En el primer plano de la imagen hay símbolos cristianos: el cráneo y la Escritura revelada.En el primer plano de la imagen hay símbolos cristianos: el cráneo y la Escritura revelada.

En 1565, Tiziano crea otra de sus mejores obras maestras: "Retrato del anticuario Jacopo Strada" (Kunsthistorisches Museum, Viena). La pintura transmite perfectamente el carácter del coleccionista representado en "su elemento": a su alrededor hay libros antiguos, monedas, en la pared, ya sea una pintura o parte de un manuscrito antiguo. Jacopo le muestra al interlocutor invisible una figura hecha de mármol blanco, su rostro y toda la pose están llenos de energía, inspiración e incluso emoción. El lienzo tiene un color inusualmente armonioso. La ropa del anticuario y todo su entorno están hechos en colores cálidos, creando una atmósfera de cierta solemnidad. Esta imagen fue un vívido ejemplo de una pintura "diferente" descubierta por Tiziano en sus últimos años. Más tarde, esta dirección, con su riqueza de colores y sombras,Una transmisión inusualmente hábil del claroscuro será desarrollada por artistas como Rembrandt y Caravaggio. Pero esto será más de 100 años después, y ahora, Tiziano, ya a una edad muy avanzada, después de haber sufrido muchas adversidades y aflicciones personales, continúa creando.

Los últimos años de la vida del maestro.

En los últimos años, el artista a menudo escribió para el alma. La casa de Tiziano estaba constantemente llena: muchos estudiantes, artistas, coleccionistas e invitados famosos acudieron a él en toda Italia y en otros países. Sin embargo, propenso a la melancolía y la meditación, Tiziano, de hecho, permaneció solo. A menudo recordaba su juventud y amada Chechilia, se permitía pensar en la fragilidad del ser y anhelaba a todos los que se habían tomado su tiempo. El resultado de estos tristes argumentos y la soledad espiritual fue la pintura "Alegoría del tiempo y la razón", escrita alrededor de 1565 (National Gallery, Londres), que se considera una especie de testimonio del maestro a sus descendientes. Según la tradición, la imagen debe leerse de izquierda a derecha, es decir, en sentido antihorario y de arriba a abajo. Lo viejo con una gorra roja simboliza el pasado,el hombre de barba negra es el presente y el joven es el futuro. Animales: las imágenes dibujadas en la parte inferior de la imagen también son simbólicas: el lobo representa las fuerzas del hombre que selecciona el pasado, el león representa el presente y el perro despierta el futuro con su ladrido.

En 1570, Tiziano crea la pintura "El pastor y la ninfa" (Kunsthistorisches Museum, Viena). Este lienzo liviano y libremente escrito no era una orden de nadie; El artista lo creó para sí mismo. La ninfa desnuda yace sobre la piel de un animal muerto, de espaldas al espectador y gira ligeramente la cabeza. La joven virgen no está en absoluto avergonzada por su desnudez. Junto a ella hay un pastor que está a punto de comenzar a tocar un instrumento musical, aunque tal vez simplemente se interrumpió, arrastrado por la belleza o las palabras de la heroína. El color general de la imagen está engrosado intencionalmente por el autor, esto crea un cierto secreto y subestimación en las relaciones de los personajes principales, realzado por la inclusión de tonos oscuros marrones y cenicientos. El paisaje de fondo es borroso, allí solo puedes ver un pedazo de un árbol roto,como si quedara después de una tormenta. No afecta a los amantes, vive en su propio mundo de belleza y felicidad y se da cuenta de todo. A pesar de la composición romántica de la imagen, el caos que prevalece en el paisaje que rodea a los personajes y la elección de los colores, sin embargo, nos dicen que en el alma del artista no había alegría en armonía. Es como si su propia pregunta fuera visible en la mirada desconcertada de la ninfa: qué les sucederá a continuación, cómo encontrar alegría nuevamente en el Universo destruido.Es como si su propia pregunta fuera visible en la mirada desconcertada de la ninfa: qué les sucederá a continuación, cómo encontrar alegría nuevamente en el Universo destruido.Es como si su propia pregunta fuera visible en la mirada desconcertada de la ninfa: qué les sucederá a continuación, cómo encontrar alegría nuevamente en el Universo destruido.

Pronto ocurrió otra desgracia, el padre de Tiziano murió. Pero el artista no podía darse por vencido, continuó creando. Gracias a su cliente habitual, Felipe II, Tiziano siempre recibió trabajo. Entonces, alrededor de 1570, el maestro comenzó a crear la obra "Llevar la cruz" (Museo del Prado, Madrid), que tardó cinco años en completarse. En el corazón de la imagen hay una clásica historia del evangelio. Según las Escrituras, Simón el Cirene fue enviado a Cristo para ayudarlo a llevar la pesada cruz al Calvario. La cara de Jesús está llena de tormento y dolor, su hombro derecho parece casi transparente. La imagen de Simón, como opuesta a la imagen de Cristo. En su dedo hay un anillo costoso, que enfatiza su difícil origen. La cara limpia de Simon con una barba prolija y bien arreglada contrasta bruscamente con la cara de Jesús cubierta de gotas de sangre.La imagen completa está dividida en diagonal por la parte inferior de la cruz, lo que mejora aún más la disonancia general.

Los temas religiosos pasan por todo el trabajo de Tiziano, pero de acuerdo con las tramas de las propias pinturas y la forma en que se ejecutan, se puede rastrear cómo ha cambiado la cosmovisión del artista, su actitud hacia la virtud, los vicios y el tema del martirio. Esto se refleja perfectamente en los lienzos dedicados al gran mártir Sebastián.

En las primeras obras, San Sebastián aparece ante nosotros humilde y humilde, pero en la última obra del artista, está decidido y listo para luchar hasta el final. Esta pintura, titulada "St. Sebastián "(Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), fue pintado alrededor de 1570. El fondo de la imagen es borroso, es imposible distinguir nada, y solo la figura del héroe, clavado en un árbol, se alza fuera por su pureza. Su cuerpo está perforado por flechas, pero su cara no está distorsionada por el dolor. El orgullo y la calma estaban en su mirada, su cara estaba ligeramente levantada y sus cejas estaban fruncidas. Se cree que Tiziano aquí se representa a sí mismo, no en sentido literal, sino alegóricamente. Por lo tanto, expresó su actitud hacia su propio destino, a todas las traiciones y pérdidas que él, al final de su vida,había aprendido a soportar con firmeza y dignidad. En este trabajo, la fe del artista concluye que un héroe individual es capaz de soportar cualquier golpe del destino, sobrevivirá, incluso si todo el mundo que lo rodea está al revés, será capaz de resistir y no romperse. El color de la imagen parece borroso y monocromo, pero cientos de colores y matices se queman en cada centímetro. El destino de la imagen fue tal que en 1853, por decreto del emperador Nicolás I, fue colocada en los almacenes del Hermitage, donde permaneció hasta 1892. Solo después de muchos años, este trabajo ocupó el lugar que le correspondía en la sala del museo. que en 1853, por decreto del emperador Nicolás I, fue colocada en los almacenes del Hermitage, donde permaneció hasta 1892. Solo después de muchos años este trabajo ocupó el lugar que le correspondía en la sala del museo. En 1853,Por decreto del emperador Nicolás I, fue colocada en los almacenes del Hermitage, donde permaneció hasta 1892. Solo después de muchos años, este trabajo ocupó el lugar que le correspondía en la sala del museo.

En el mismo año, Tiziano escribió otro trabajo, con una idea similar. En el corazón de la pintura "El castigo de Marcia" (Galería de imágenes, Kromeriz). Yace el mito de la sátira de Marcia, que se atrevió a desafiar a Apolo a un concurso musical. Marsyas tocaba la flauta doble, y Apolo tocaba la lira. Cuando las musas no podían elegir un ganador, Apolo ofreció competir en habilidades vocales. Aquí, Martius perdió. En castigo por la derrota, Apolo decide desnudarse, este momento se muestra en la imagen.

En el centro del lienzo está la figura de Marcia, suspendida por las piernas de un árbol. A su alrededor hay héroes que se dejan llevar por el proceso de la monstruosa tortura del sátiro. La imagen se divide en dos partes: a la izquierda del cuerpo de Marcia hay personas que están fascinadas por su asesinato, ella le arranca la piel, sin ocultar su placer. En el lado derecho del lienzo están aquellos que están tristes por este brutal asesinato. Estos incluyen al anciano, quien, presumiblemente, representa al propio Tiziano. Él tristemente observa la muerte de Marcia y la crueldad de sus verdugos. El rostro del sátiro mismo conserva la dignidad de la muerte inminente. Los historiadores del arte creen que las tramas de las últimas pinturas de Tiziano caracterizan su despedida de las ideas del humanismo, en el que estaba decepcionado. El mundo es cruel y nada en él puede salvar a una persona,ni siquiera el art.

Soledad y desesperación

La pintura "Luto de Cristo" (Galería del Academy, Venecia), pintada alrededor de 1576, fue la última creación del maestro. En él, Tiziano reflejó la pregunta que lo atormentaba: ¿qué hay allí, más allá de los límites de la vida? A ambos lados del lienzo se representan dos enormes esculturas: el profeta Moisés y la profetisa Sibila, personifican la profecía de la crucifixión y la posterior resurrección de Cristo. En la parte superior del arco en el lado izquierdo están las ramas y las hojas de la planta, en la parte superior a la derecha hay pequeñas embarcaciones con un fuego ardiente. En el centro de la composición, la Madre de Dios sostiene el cuerpo sin vida de su Hijo asesinado. A la izquierda de Cristo está María Magdalena, su pose es guerrera, como si preguntara: "¿Para qué es esto?" A la derecha de la virgen María, un anciano está de rodillas,apoyando la mano sin vida de Jesús. Algunos creen que la figura del anciano también representa al propio Tiziano. La coloración general del lienzo se mantiene en tonos plateados con separaciones intercaladas de rojo, marrón y dorado. Los colores y la disposición de las figuras transmiten perfectamente la desesperanza y la naturaleza dramática de la trama. Hay un misterio aquí. En la esquina inferior izquierda de la obra hay un pequeño hombre con un jarrón en sus manos, los críticos de arte todavía se preguntan de dónde vino y qué se supone que simboliza.Hay un misterio aquí. En la esquina inferior izquierda de la obra hay un pequeño hombre con un jarrón en sus manos, los críticos de arte todavía se preguntan de dónde vino y qué se supone que simboliza.Hay un misterio aquí. En la esquina inferior izquierda de la obra hay un pequeño hombre con un jarrón en sus manos, los críticos de arte todavía se preguntan de dónde vino y qué se supone que simboliza.