Ophelia John Everett Millais (1829-1896)
John Everett Millais – Ophelia
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Pintor: John Everett Millais
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Pintor: John Everett Millais
Comentarios: 5 Ответы
не понимаю... (если в ракурсе времени только).... Офелия??? Нет!
Это, возможно, самая знаменитая картина Джона Эверетта Миллеса (именно так пишется его фамилия), одного из прерафаэлитов (19 век, Англия), которые отличались талантом, неуемной фантазией, способностью соединять несоединимое, и все это ради нового слова в искусстве, каковое они сказали таки. К несчастью, впоследствии (в 20 веке) у них появились подражатели (модернисты разных мастей), которые талантом уже не блещут и околпачивают наивных.
artlover, если беретесь кого-то поучать, хотя бы ознакомьтесь с предметом... Милле!
Невероятная картина – завораживает. Гений!
El cuadro Ofelia o la muerte de Ofelia es una obra del pintor inglés Jean Millet (también conocido como Millet), que la completó en 1852. En su lienzo, el autor representa la trágica escena de la obra shakesperiana Hamlet: la muerte de Ofelia. Según la trama, la desafortunada joven perdió la cordura y, al no recibir el amor de su príncipe y tras la muerte de su padre, se hizo una corona y se entregó a la voluntad de las olas.
En el lienzo vemos la agonía de la joven. Su rostro está distorsionado, sus manos están contraídas en un espasmo, sus cabellos están revueltos y los flores flotan sobre el agua. El paisaje fue pintado por el artista en varias partes; la recopiló de lugares del condado de Surrey, a orillas del río Hogsmill. Al aire libre, el artista se sentaba con un traje normal bajo un paraguas durante once horas. En general, tenía miedo de que lo castigaran por entrar en una propiedad privada, pero, por otro lado, temía a un enorme toro que pastaba en el campo; además, el viento lo atormentaba constantemente, amenazando con arrastrarlo al río y hacerlo experimentar las sensaciones de una Ofelia ahogada. Al mismo tiempo, era acosado por una gran cantidad de mosquitos voraces, y Millet también describió que, para su desgracia, dos cisnes no querían alejarse del río que el artista quería capturar. Además, estos cisnes estaban destruyendo la vegetación que debía aparecer en el cuadro.
El autor pintó la imagen de la heroína principal en su estudio después de haber pintado el paisaje. Esto era inusual porque, normalmente, primero se pintaban los personajes principales y el paisaje se consideraba una parte menos importante del cuadro, por lo que los pintores dejaban su representación para más adelante.
La modelo fue una joven de 19 años llamada Elizabeth Sidall, la musa constante del movimiento prerrafaelita. Para la modelo, Millet compró un vestido antiguo decorado con bordados florales, que le costó 4 libras. El dibujo de la modelo se realizó en invierno y hacía mucho frío en el estudio. A pesar de que el agua de la bañera de aluminio donde yacía la joven se calentaba, ésta se resfrió mucho y su padre amenazó a Millet con demandarlo, por lo que el artista tuvo que pagar el tratamiento de la joven.
Las flores representadas en el cuadro pueden verse hasta los más pequeños detalles. Además, ningún botánico notará ninguna imprecisión. Estas flores tienen un simbolismo. Así, en la Edad Media se creía que las amapolas simbolizaban la ingratitud, el sauce llorón personificaba el amor infeliz, los brotes de ortiga representaban el dolor, la margarita era un símbolo de la inocencia, las rosas, por supuesto, significaban el amor, la violeta y el pensamiento eran una personificación de la lealtad, y las flores de Adonis representaban el dolor.
El propio artista Millet fue un niño prodigio; ingresó en la Academia de Arte a los 11 años, habiéndose preparado durante 2 años para ello. Después de estudiar en la academia durante 8 años, en 1848 conoció en una galería a los artistas Rossetti y Hunt. Ellos organizaron una hermandad de artistas prerrafaelitas. La idea clave de los artistas prerrafaelitas es afirmar que la representación de la naturaleza en las pinturas debe ser lo más precisa posible. Esto explica el cuidado con el que se pintan las flores.
El joven artista no se preocupaba por no tener clientes y sus cuadros eran criticados, pero después de casarse todo cambió. Vio a su futura esposa en casa de su amigo John Ruskin. Para comprar una vivienda, Millet comenzó a crear cuadros que pudieran venderse, pero esto significó su renuncia al ideal. Con sus retratos y paisajes, el artista acumuló una gran fortuna e incluso adquirió un título de baronet. Posteriormente, ocupó el cargo de presidente en la Royal Academy of Arts.
No se puede comentar Por qué?
La obra presenta una figura femenina recostada en el agua, aparentemente muerta o en un estado cercano a ella. Su posición es horizontal, con los brazos extendidos y la cabeza ligeramente inclinada hacia atrás. Viste una rica vestimenta que contrasta fuertemente con el entorno natural; se observa un tejido bordado con flores, ahora parcialmente sumergido y desordenado por el agua.
El contexto inmediato es un paisaje exuberante, dominado por vegetación densa: árboles, arbustos y hierbas altas rodean la superficie acuática. La luz parece filtrarse a través del follaje, creando un juego de sombras que acentúa la atmósfera melancólica. Se distinguen flores flotando en el agua junto con la figura, sugiriendo una conexión entre ella y la naturaleza circundante.
La paleta cromática es rica pero apagada, predominando los tonos verdes, marrones y ocres, lo cual refuerza la sensación de decadencia y quietud. La composición se centra casi exclusivamente en la figura y el agua, con el paisaje actuando como un marco que enfatiza su aislamiento.
Subyacentemente, la pintura evoca temas de pérdida, muerte y belleza efímera. La vestimenta lujosa sugiere una posición social elevada, mientras que su estado actual implica una caída o despojo. Las flores, tradicionalmente asociadas con la juventud y el amor, podrían simbolizar la fragilidad de la vida y la inevitabilidad del declive. El agua, elemento ambiguo entre la vida y la muerte, podría representar tanto un retorno al origen como una disolución final. La expresión serena en el rostro de la figura sugiere una aceptación pasiva de su destino, o quizás una liberación del sufrimiento terrenal. La abundancia natural que la rodea no ofrece consuelo, sino que acentúa su soledad y vulnerabilidad.