vrubel seraph 1904 Mikhail Vrubel (1856-1910)
Mikhail Vrubel – vrubel seraph 1904
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Pintor: Mikhail Vrubel
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El cuadro El serafín de seis alas de Mijaíl Vrubel fue pintado en 1904. La obra fue creada por el artista en el Hospital Universitario V.P. Serbsky. La obra fue pintada sobre un lienzo con pinturas al óleo. Esta creación se conoce con el nombre de "Azrael", además el lienzo se llama "Ángel con espada e incensario". La corona en la cabeza del serafín de seis alas parece arder con fuego, sembrando sus semillas, rompiendo la oscuridad impenetrable.
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Descripción del cuadro de Mikhail Vrubel El serafín de seis alas
El cuadro El serafín de seis alas de Mijaíl Vrubel fue pintado en 1904. La obra fue creada por el artista en el Hospital Universitario V.P. Serbsky. La obra fue pintada sobre un lienzo con pinturas al óleo. Esta creación se conoce con el nombre de "Azrael", además el lienzo se llama "Ángel con espada e incensario".
La corona en la cabeza del serafín de seis alas parece arder con fuego, sembrando sus semillas, rompiendo la oscuridad impenetrable. Con un precioso brillo de piedras las fuertes alas proyectan su luz. Su semblante está atravesado por la frialdad y la severidad. Su rostro está enmarcado por el pelo oscuro. Su cuello es alargado y recto. Seraphim le lanza una mirada penetrante y gélida con los ojos muy abiertos. Sus manos se levantan hacia arriba.
En una mano sostiene un incensario de llamas ardientes y en la otra, entrelazada con una serpiente, sostiene una espada. El serafín nos recuerda el mundo celestial del que desciende. Es como un ángel de la muerte, que nos recuerda que nada dura para siempre en este mundo terrenal. Su mirada habla del inminente ajuste de cuentas.
La escena parece un sueño delirante con destellos intermitentes de fuego rojo, azul y verde. Los colores fríos suenan al final.
La obra es una ilustración del poema de Pushkin "El Profeta". Anteriormente, Vrubel ya había escrito un cuadro basado en la obra de Pushkin. Después, el tema del Profeta se convirtió para el artista en algo dirigido.
Vrubel ya trabajó en la lona, estando enfermo. Al mismo tiempo, tenía suficiente poder para poner el alma y el significado secreto en cada trazo. Este es el último gran lienzo del pincel del artista.
El estilo general del lienzo recuerda a los frescos antiguos. Los trazos de una vidriera brillante se entrelazan en la obra de arte. El cuadro parece estar compuesto por miles de piezas de mosaico de colores. Es a la vez fría, repulsiva y hechizante, dotada de los profundos sentimientos del autor.
No se puede comentar Por qué?
En esta obra se presenta una figura central femenina, con un rostro alargado y mirada directa al espectador. La paleta cromática es predominantemente fría, basada en tonos azulados, violetas y grises, aunque salpicada por destellos dorados y rojizos que aportan contraste y dinamismo.
La ejecución pictórica se caracteriza por una pincelada fragmentada y vigorosa, casi abstracta en algunas zonas, lo que sugiere movimiento y una cierta inestabilidad emocional. La figura no está delineada con precisión; más bien, emerge de un fondo igualmente difuso y texturizado. Se percibe una falta de volumen tradicional, favoreciendo la bidimensionalidad y el énfasis en la superficie pictórica.
A ambos lados de la figura central se distinguen elementos simbólicos: a la izquierda, una forma que recuerda vagamente a un ala o plumaje, con toques plateados y blancos; a la derecha, un objeto complejo que podría interpretarse como una copa o cáliz ornamentado, con reflejos incandescentes. Estos objetos no parecen estar integrados de manera natural en el espacio pictórico, sino más bien superpuestos, creando una sensación de irrealidad y misterio.
La expresión facial de la figura es ambigua: aunque hay un atisbo de serenidad, también se detecta cierta melancolía o resignación. La ausencia de detalles concretos sobre su vestimenta o entorno dificulta una interpretación literal.
Subtextos potenciales podrían apuntar a una representación alegórica de la espiritualidad, la trascendencia o incluso el sufrimiento. El uso del color y la luz sugiere una lucha entre la oscuridad y la esperanza. La fragmentación formal podría simbolizar la disolución de las formas terrenales en busca de un estado superior de conciencia. La presencia de los objetos simbólicos – ala/plumaje y copa/cáliz – evoca conceptos como el vuelo, la pureza y la redención. En conjunto, la pintura transmite una atmósfera onírica y profundamente introspectiva, invitando a la contemplación y la reflexión sobre temas existenciales.