Crucifixion Tommaso Masaccio (1401-1428)
Tommaso Masaccio – Crucifixion
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Pintor: Tommaso Masaccio
Ubicación: Museum Capodimonte, Naples (Museo di Capodimonte).
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El cuadro de la Crucifixión, del maestro italiano Masaccio, fue pintado en 1426 para adornar los locales de la capilla de Santa María del Carmine de Pisa. Es el más conocido y el más preciso en cuanto a fechas y costes, ya que el cliente, debido a la especial impresión que le causaba la obra, documentaba escrupulosamente todos los detalles de su encargo. En el proceso de creación de la obra, ante la insistencia del cliente, que era un conocido notario de Pisa, Giuliano di Colino, Masaccio sólo utilizó los materiales más caros y de mayor calidad.
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Descripción de un cuadro de Masaccio Crucifixión
El cuadro de la Crucifixión, del maestro italiano Masaccio, fue pintado en 1426 para adornar los locales de la capilla de Santa María del Carmine de Pisa. Es el más conocido y el más preciso en cuanto a fechas y costes, ya que el cliente, debido a la especial impresión que le causaba la obra, documentaba escrupulosamente todos los detalles de su encargo.
En el proceso de creación de la obra, ante la insistencia del cliente, que era un conocido notario de Pisa, Giuliano di Colino, Masaccio sólo utilizó los materiales más caros y de mayor calidad. La información también indica que el artista utilizó pan de oro en el proceso.
El tema es sobre la crucifixión de Jesucristo. En el centro de la obra está Cristo en la cruz. A su izquierda está Juan el Evangelista, con un chitón azul, y a su derecha la doliente Madre de Dios, vestida con un amplio manto azul con una túnica roja.
María Magdalena, extendiendo sus manos en señal de aflicción a su maestro injustamente asesinado, está situada directamente frente a la cruz y sólo es visible para el espectador desde la parte posterior. Pero incluso desde este punto de vista, queda claro el gran dolor de la mujer, que, sin embargo, pronto será el primer ser humano en contemplar el gran milagro: la aparición de Jesús resucitado. En el cuadro, María aparece con una túnica roja, encorvada y con la cabeza descubierta.
Cabe destacar que el extremo superior de la cruz está coronado por un símbolo que significa un renacimiento temprano y que da esperanza a los que están de luto, a saber, el Árbol de la Vida.
Existe la versión de que María Magdalena no estaba presente en el cuadro desde el principio. El hecho es que la aureola sobre su cabeza aparece visualmente encima de los pies de Cristo, lo que difícilmente se corresponde con un error de Masaccio en el trabajo inicial del cuadro.
Al mismo tiempo, la restauración llevada a cabo a mediados del siglo XX reveló otro hecho interesante: bajo la inscripción "Jesús de Nazaret, Rey de los Judíos" se encontró exactamente el mismo Árbol de la Vida, mencionado anteriormente. Quién y por qué lo eliminó de la versión original de la composición sigue siendo un gran misterio.
Otro dato interesante: es probable que originalmente el cuadro, para realzar el efecto de la imponente escena bíblica, tuviera que mirar hacia arriba desde abajo. Así lo indica el voluminoso pecho de Cristo, así como el cuello poco pronunciado de María Magdalena.
No se puede comentar Por qué?
El fondo dorado, característico de la pintura religiosa medieval, intensifica el dramatismo y eleva la escena a un plano simbólico, sugiriendo lo divino y trascendente. En la parte superior central, una corona de espinas se alza sobre la cruz, recordatorio tangible del tormento previo.
A los pies de la cruz, una figura vestida con ropajes carmesí extiende sus manos hacia arriba en un gesto que podría interpretarse como súplica o desesperación. A ambos lados, dos personajes femeninos, ataviados con túnicas azul y rosa respectivamente, observan la escena con semblantes apesadumbrados. Se les rodea de aureolas circulares, indicando su santidad y participación en el evento divino. La figura a la izquierda inclina ligeramente la cabeza, mostrando una profunda tristeza, mientras que la situada a la derecha se apoya en su brazo, como buscando consuelo.
La composición es estática y frontal, típica del arte de la época, lo que enfatiza la solemnidad del momento. La luz, aunque uniforme, resalta los contornos de las figuras y acentúa el dramatismo de la escena.
Más allá de la representación literal del episodio, esta pintura parece explorar temas como la redención a través del sufrimiento, la fe inquebrantable frente a la adversidad y la compasión ante la pérdida. La ausencia de elementos narrativos secundarios o detalles ambientales contribuye a una atmósfera contemplativa e introspectiva, invitando al espectador a meditar sobre el significado profundo del sacrificio representado. La paleta cromática, aunque limitada, es efectiva para transmitir las emociones asociadas con la escena: el rojo simboliza la pasión y el derramamiento de sangre, el azul evoca la fidelidad y la devoción, mientras que el dorado representa lo divino y la esperanza.