Bird cherry in a glass. 1932 Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878-1939)
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin – Bird cherry in a glass. 1932
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Pintor: Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin
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¿Qué aparece a los ojos del espectador? Objetos caóticamente dispersos que rodean una ramita de cereza de pájaro. Las flores blancas contrastan con la ordinariez y la sencillez de la composición. El artista utiliza los contrastes de color y textura para presentar cosas comunes de una manera nueva. Petrov-Vodkin prestó especial atención a sus obras en el género de la naturaleza muerta y las consideró como "una de las agudas conversaciones de un pintor con la naturaleza".
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Descripción del cuadro "Cerezo en una copa" de Kuzma Petrov Vodkin
¿Qué aparece a los ojos del espectador? Objetos caóticamente dispersos que rodean una ramita de cereza de pájaro. Las flores blancas contrastan con la ordinariez y la sencillez de la composición. El artista utiliza los contrastes de color y textura para presentar cosas comunes de una manera nueva. Petrov-Vodkin prestó especial atención a sus obras en el género de la naturaleza muerta y las consideró como "una de las agudas conversaciones de un pintor con la naturaleza". Y de hecho, a pesar de la falta de conexión visible entre los objetos de la composición, el cuadro irradia armonía.
El caos representado en la mesa se ve desde arriba y está claramente confinado en el lienzo. Las cosas están conectadas por un solo espacio. La visión "como en la palma de la mano" nos permite observar el estricto orden y la "independencia" de los objetos en la disposición. Un libro bajo un vaso de agua rompe el esquema de color general. El platillo y la cuchara manchados y desordenados en la esquina derecha parecen superfluos. Dos cartas y un tintero piden una respuesta. Una pequeña caja se encuentra solitaria en la parte inferior, casi invisible a primera vista del dibujo. Y sobre toda esta "basura" se extiende la fragancia y la belleza de las flores.
Lo que es particularmente único y vívido en esta obra es la especial variante de perspectiva que le da el artista. Todo el bodegón se ve como desde arriba, creando una inusual tridimensionalidad de la imagen. Todos los detalles del grupo están desplazados y ocultos detrás de los demás, pero al mismo tiempo están en un mismo plano. Esto es un error, porque significa que todo lo que es visible para el ojo tiene que rodar hacia abajo. Pero es en esta oposición donde reside la peculiaridad del cuadro y de la obra de Petrov-Vodkin. Genera la tensión de la atmósfera y la elasticidad del espacio, que tan hábilmente maneja.
Muchos no aceptaron ni entendieron esta visión del maestro. Pero el artista se mantuvo fiel a sí mismo, en constante búsqueda de lo que denominaba una visibilidad "móvil". Petrov-Vodkin anhelaba ampliar los límites artísticos de sus lienzos. Apartándose de las perspectivas esféricas y clásicas en su arte, recurrió en realidad a transformar el mundo artístico y extraer lo nuevo distorsionando y perturbando la corrección de las reglas académicas de construcción de la perspectiva.
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A la derecha del vaso, se aprecia un plato sencillo sobre el cual descansa una cuchara de aspecto funcional. Esta inclusión introduce una nota de cotidianidad y quizás alude a la alimentación o al consumo. En la parte superior izquierda, unas ramas adicionales de cerezo silvestre se extienden, creando una sensación de abundancia y vitalidad que contrasta con la rigidez de los objetos inanimados.
Un sobre sellado, situado cerca del libro, introduce un elemento de misterio e intimidad. La presencia de correspondencia sugiere comunicación, recuerdos o incluso secretos guardados. A su lado, un pequeño objeto cúbico oscuro y otro más alargado, posiblemente una caja o un paquete, añaden complejidad a la composición, insinuando historias no contadas o bienes materiales.
La iluminación es uniforme, sin sombras dramáticas, lo que contribuye a una atmósfera de quietud y contemplación. La paleta de colores, aunque limitada, es rica en matices: el azul profundo del fondo resalta los tonos cálidos del libro y la luminosidad de las flores blancas.
Subtextualmente, la obra parece explorar la relación entre la naturaleza transitoria y la permanencia de los objetos creados por el hombre. El cerezo silvestre, símbolo de belleza fugaz y renovación, se presenta en un entorno artificial, lo que podría interpretarse como una reflexión sobre la fragilidad de la existencia o la tensión entre lo natural y lo cultural. La presencia del libro y la correspondencia sugieren temas de memoria, conocimiento y comunicación, mientras que los objetos cotidianos evocan una sensación de familiaridad y nostalgia. En conjunto, la composición invita a la reflexión sobre el paso del tiempo, la belleza efímera y la complejidad de las relaciones humanas con el mundo material.