Las principales direcciones de la cultura occidental del siglo XX. 935 palabras Traductor traducir

Los estudios culturales y la historia del arte, que comprenden los fenómenos y exploran los procesos de desarrollo del arte del siglo XX, aún no pueden juzgar estos fenómenos en su conjunto por sus resultados finales. Sería más justo limitarnos a identificar las principales tendencias en el desarrollo del arte en el siglo pasado.

Crisis del arte del siglo XX, que expresa la tensión más alta de la fractura. A la vuelta de los siglos XIX-XX. El realismo democrático y el impresionismo se están convirtiendo en algo del pasado, y el trabajo de los postimpresionistas está experimentando cambios importantes. Pero al mismo tiempo hubo un importante movimiento ideológico y artístico internacional, llamado Art Nouveau en Rusia, art nouveau en Bélgica y Francia, secesión en Austria-Hungría, art nouveau en Alemania, estilo de libertad en Italia, estilo moderno en el Reino Unido, estilo Tiffany en los Estados Unidos. Art Nouveau estableció la tarea de crear un nuevo estilo grande, que incluía un programa estético muy distinto. En general, la idea de tal programa es la idea de crear belleza que no esté contenida en la vida y que no satisfaga a los artistas. Obviamente, el arte en sí mismo sirvió como el único portador del hermoso estilo moderno. Por supuesto, dicho programa está dirigido al arte por el arte y la estética. Pero al mismo tiempo, tiene como objetivo transformar la vida con medios estéticos. La creatividad se entendía como una fantasía artística, comparada con las fuerzas creativas de la naturaleza. De ahí la frecuente combinación de ideas simbólicas y motivos decorativos. En arquitectura, fluye, plástico, como si las formas autoformantes se estuvieran extendiendo, en la creatividad decorativa: un adorno floral estilizado, que se extiende en la superficie, crece, como si envolviera un objeto. En la pintura, las líneas flexibles y las manchas de color no distinguen el volumen, sino que crean un mundo peculiar donde el espacio no tiene profundidad, y los objetos y figuras - masa. La composición en sí misma está determinada por el comienzo del patrón decorativo.

Art Nouveau gravitó hacia la síntesis del arte. Pole S. Vyspiansky (1869-1907) fue un poeta, dramaturgo, pintor, artista gráfico, maestro del diseño de interiores arquitectónicos. El alemán P. Behrens (1868-1940) trabajó como arquitecto, pintor, diseñador y artista gráfico. El belga X. Van de Velde (1863-1957) actuó como teórico modernista, arquitecto, organizador de artes decorativas y aplicadas, pintor y artista gráfico.

Los artistas Emil Galle, Eugene Grasse, Eugene Valen, Louis Bo-Nieu, Alfons Mucha y otros trajeron fama mundial al Art Nouveau francés, fueron al mismo tiempo arquitectos, escultores, artistas gráficos, diseñadores y pudieron hacer mucho con sus propias manos.

Art Nouveau logró combinar orgánicamente tradiciones artísticas europeas y orientales. Los motivos orientales no solo forman un grupo especial de obras dentro de este estilo, sino que a menudo se usan en artes y manualidades.

Art Nouveau está directamente involucrado en el aumento de los gráficos de circulación, lo que llevó a la difusión masiva de las artes gráficas en la vida pública y personal. Los gráficos de periódicos y revistas experimentaron un desarrollo particularmente rápido. Esto también fue facilitado por el hecho importante de que las capacidades del cliché zincográfico de revista-periódico correspondían a las propiedades del patrón Art Nouveau, que opera con una línea de contorno ancha y una mancha plana. Los artistas modernos, de hecho, crearon un nuevo tipo de libro, donde todo el diseño era un solo conjunto, que incluía no solo ilustraciones, sino también la fuente, la encuadernación, el formato, etc. Junto con las ediciones de circulación masiva, comenzaron a publicarse publicaciones costosas y sofisticadas. El diseño del cual involucraba no solo artistas gráficos, sino también artistas de otras especialidades.

Casi en línea con este estilo, tuvo lugar el desarrollo del póster. En los carteles publicitarios, se desarrolla una forma de material sustantivo que da credibilidad a la imagen del producto publicitado. Un grupo especial está ocupado por carteles que contienen motivos sociopolíticos que formaron la base del cartel revolucionario.

El golpe fue realizado por artistas de Art Nouveau en las artes y oficios: unieron los objetos domésticos al valor artístico. Casi todos los artistas modernistas crearon cortinas, muebles, joyas, etc. No solo aparecieron direcciones completas y grandes maestros individuales que trabajaban en esta forma de arte, sino que industrias enteras comenzaron a desarrollarse de una nueva manera: porcelana en Dinamarca (artista K. Thomsen), vidrio producción en Francia (E. Galle) y vidrio opal en los Estados Unidos (LK Tiffany).

En 1907, el surgimiento de la organización alemana Werkbund, que reunió a una nueva base de industriales, arquitectos y artistas, marcó el comienzo de una nueva era. Los modernistas querían combinar arte altamente profesional y productos para el hogar. Pero en la práctica, esto condujo a una fuerte estratificación. Por un lado, comenzaron a crearse obras de arte costosas y, por otro, artesanías baratas llamadas kitsch. Los productos al estilo kitsch son como un fantasma barato de belleza. Se caracterizan por el sentimentalismo, las patéticas arrogantes, el eclecticismo deliberado, el exceso de decoración y los materiales caros falsos. Kitsch fue replicado en base a la imitación industrial de productos únicos. Desde la década de 1960 se convirtió en uno de los fenómenos de la cultura de masas. El kitsch se usa más ampliamente en el diseño de productos de boulevard, películas y videos, en diversas formas de decoración doméstica estandarizada.

En el contexto de los problemas globales de la economía, las personas valoran cada vez más su lugar de trabajo. Ahi esta trabajar en las vacantes de Chisinau Aparecen todos los días.

Los aspectos positivos de los intentos de combinar la creación artística y la producción industrial incluyen la aparición del diseño, así como el diseño de productos en masa dotados de un nivel estándar de calidad. Pero esto, a su vez, negó fundamentalmente la estilística decorativa y ornamental del Art Nouveau. Diseño, combinando varios tipos de actividades de diseño, el objetivo principal era la formación de cualidades estéticas y funcionales del entorno del sujeto. Estos incluían no solo la belleza, sino también la conveniencia, la rentabilidad, la conveniencia fisiológica y psicológica del uso del objeto. Todo esto indicaba una crisis, un estado crítico de la era de los estilos artísticos.

Pero el estilo modernista no iba a renunciar a sus posiciones. Floreció rápida y magníficamente en la arquitectura. Es cierto que el Art Nouveau no se convirtió en un estilo oficial del estado, porque sus libertades románticas no eran adecuadas para los edificios oficiales. Art Nouveau tampoco recibió reconocimiento metropolitano incondicional, aunque las construcciones se construyeron con este estilo en París, Viena y Bruselas. Los centros arquitectónicos de Art Nouveau incluyen ciudades como Barcelona española, Turín italiano, Munich alemán y Darmstadt. El modernismo nunca podría pretender una arquitectura masiva, porque sus fantasías arquitectónicas requerían costos financieros muy altos. Este estilo se desarrolló principalmente en la arquitectura de mansiones urbanas y edificios de apartamentos caros, villas de campo y casas de veraneo. Afuera, estos edificios se ven como una composición espacial asimétrica, fusionando volúmenes que son diferentes en forma y escala. La decoración decorativa de fachadas e interiores alcanza una sofisticación increíble, mientras que la forma y la decoración de ventanas, puertas y escaleras se vuelven diversas casi hasta el infinito. La arquitectura se centra en crear una especie de confort estético. Los representantes más destacados del estilo Art Nouveau en arquitectura fueron A. Gaudi, en particular, quien creó el Park Güell en Barcelona y el edificio de apartamentos Batlo, y J. Hoffman, quien construyó el Palacio Stoclet en Bruselas, decorado con varios colores. mosaicos de G. Klimt. En los Estados Unidos, la arquitectura está adquiriendo una naturaleza vital, que se refleja en la construcción de casas de campo unifamiliares. El lema de los arquitectos estadounidenses es: "La forma sigue a la función". En el estilo Art Nouveau, trabajó el arquitecto estadounidense FL Wright.

El uso de marcos de hormigón armado, que fueron utilizados por primera vez en París por O. Per-re, hizo posible crear enormes ventanas "francesas" que expandían la pared del piso al techo. Los edificios de estilo de transición todavía se conectan mucho con el estilo Art Nouveau, por ejemplo, frente a fachadas con azulejos. Pero uno nuevo era visible tanto en el marco de hormigón armado no oculto como en las vastas superficies de vidrio que forman una arquitectura de fachada lacónica. Las tendencias racionales comenzaron a manifestarse de manera más amplia y vívida en la construcción de varios edificios públicos. Gradualmente, el esteticismo emocional de la modernidad es cada vez más inferior al constructivismo, el racionalismo y el funcionalismo.