El papel de los frescos en la antigua Roma:
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La pintura al fresco ocupó un lugar central en el arte de la Antigua Roma, decorando las paredes de casas particulares, villas y edificios públicos. Esta técnica artística era una forma de decoración que expresaba los valores estéticos, el estatus social y las preferencias culturales de la sociedad romana. Los frescos romanos se convirtieron en una importante fuente de información sobre la vida cotidiana, las creencias religiosas y las tradiciones artísticas de esta civilización.

Historia del desarrollo de la pintura al fresco en la Antigua Roma

La pintura al fresco en la Antigua Roma tiene su origen en las tradiciones helenística y etrusca, que los romanos no solo adoptaron, sino que también desarrollaron considerablemente. Los primeros ejemplos de frescos romanos datan del siglo III a. C., aunque el apogeo de este arte se sitúa entre los siglos I a. C. y I d. C.

Los romanos no percibían el arte como algo separado de la vida cotidiana; ni siquiera tenían un término específico para el arte como tal. Sin embargo, valoraban enormemente la habilidad y la artesanía de los artesanos que creaban frescos para decorar sus hogares y espacios públicos.

De especial valor para el estudio de la pintura al fresco romana son los hallazgos en las ciudades sepultadas por la erupción del Vesubio en el año 79 d. C.: Pompeya, Herculano y las villas circundantes. Gracias a la ceniza volcánica que preservó estas ciudades, numerosos frescos con brillantes colores conservados han sobrevivido hasta nuestros días, lo que nos permite rastrear la evolución de la pintura mural romana a lo largo de dos siglos.

Los frescos romanos se crearon no solo por placer estético, sino también con una función práctica: ampliaban visualmente el espacio de las habitaciones y hacían los interiores más luminosos y espaciosos. Ante la escasez de luz natural y la ausencia de ventanas en algunas estancias, los frescos con imágenes brillantes creaban la ilusión de espacio y luz.

Aspectos técnicos de la creación de frescos romanos

Materiales y pigmentos

La creación de frescos romanos requería una preparación minuciosa y el uso de diversos materiales. La base de los frescos era yeso, compuesto de cal y relleno (arena o virutas de mármol). La preparación de una pared para un fresco era un proceso de varias etapas, que incluía la aplicación de varias capas de yeso.

Plinio el Viejo, en su Historia Natural, dividió los pigmentos en dos grupos: "floridos" (brillantes) y "tenues". El primer grupo incluía pigmentos caros y raros como el cinabrio (sulfuro de mercurio), la azurita, la malaquita, el índigo y la púrpura de Tiro. Estos materiales solían ser proporcionados por el cliente al artista debido a su elevado coste. El segundo grupo incluía pigmentos más asequibles: ocres de diversas tonalidades, tierra verde, tiza y azul egipcio sintético.

El azul egipcio, el primer pigmento creado artificialmente de la historia, fue especialmente importante para la pintura romana. Este silicato de calcio y cobre se producía mediante la cocción de una mezcla de mineral de cobre, piedra caliza y arena de cuarzo. La tecnología para su fabricación provenía de Egipto, pero para la época romana, la producción del pigmento se había extendido por todo el imperio.

Una nueva investigación muestra que los artistas romanos utilizaban materiales más sofisticados y variados de lo que se creía. Entre los componentes inusuales encontrados en los frescos romanos se incluyen la barita, la alunita, el carbón y la diatomita. Esto indica una tecnología avanzada y amplios vínculos comerciales que proporcionaban a los artistas los materiales que necesitaban.

Método Buon Fresco

La principal técnica de la pintura mural romana era el buon fresco (del italiano: buon fresco, «fresco auténtico»). Este método consiste en aplicar pigmentos resistentes a los álcalis, molidos con agua, sobre un revoque de cal fresco y húmedo. La composición química del revoque hace innecesario el uso de un aglutinante para los pigmentos.

El proceso de creación de un fresco comenzaba con la preparación de la pared. Primero, se aplicaba una capa gruesa de yeso (arriccio), que se dejaba secar durante varios días. Después, se aplicaba una fina capa de yeso de acabado (intonaco) sobre la zona que el artista planeaba pintar en un día. Sobre esta capa húmeda, el artista aplicaba los pigmentos.

Al secarse el yeso, se produjo un proceso de carbonatación: el hidróxido de calcio reaccionó con el dióxido de carbono del aire, formando carbonato de calcio, que fijó los pigmentos en una estructura cristalina protectora. Esto confirió al fresco una gran durabilidad, a diferencia de otras técnicas de pintura mural.

La principal ventaja de la técnica del fresco es su durabilidad. La desventaja es que el trabajo debe realizarse rápidamente, antes de que se seque el yeso, y sin errores, ya que las correcciones son casi imposibles. Una técnica alternativa era el fresco seco, en el que se aplicaban pigmentos al yeso seco con un aglutinante, pero estas pinturas eran menos duraderas.

Revistas y organización del trabajo

Debido a las peculiaridades de la técnica del buon fresco, el artista solo podía pintar la sección de la pared cubierta con yeso fresco y que permanecía húmeda. Esta sección, que podía pintarse en un día, se llamaba giornata (en italiano: giornata, «jornada de trabajo»).

El tamaño de la giornata dependía de la complejidad de la imagen. Por ejemplo, un rostro detallado podía requerir una giornata completa, mientras que grandes áreas del fondo podían completarse con mayor rapidez. En algunos frescos supervivientes, se pueden discernir los límites entre las giornatas, especialmente si la restauración o el paso del tiempo han revelado diferencias en los tonos de los pigmentos entre las distintas zonas.

Antes de aplicar la pintura, el artista realizaba un dibujo preparatorio. Para ello, solía utilizar cartulina de tamaño natural (dibujos preliminares), desde la cual se transferían los contornos al yeso fresco. Los contornos podían rayarse en el yeso o dibujarse con un carboncillo.

Al final de la jornada laboral, se raspaba el yeso sobrante de la pared para aplicar una nueva capa al día siguiente para una nueva giornata. Este proceso requería una planificación y organización minuciosas del trabajo, de modo que el límite entre giornatas adyacentes fuera prácticamente imperceptible, especialmente en las uniones de elementos importantes de la imagen.

Cuatro estilos de pintura pompeyana

Gracias a los frescos supervivientes de Pompeya y otras ciudades sepultadas por la erupción del Vesubio, los investigadores han podido rastrear la evolución de la pintura mural romana. En 1882, el arqueólogo alemán August Mau identificó cuatro estilos principales de pintura pompeyana, que reflejan el desarrollo de este arte desde finales del siglo II a. C. hasta el 79 d. C. Esta clasificación, complementada y refinada por investigadores posteriores, todavía se utiliza en la crítica de arte.

Primer estilo: incrustación

El primer estilo, también llamado incrustación o estructural, fue común entre el 200 y el 80 a. C. aproximadamente. Este estilo se caracteriza por el revestimiento de imitación de mármol sobre paredes enlucidas, con molduras en relieve y colores brillantes.

Las paredes pintadas en el primer estilo solían dividirse en tres zonas horizontales. La zona inferior imitaba una base de mármol de colores, la zona central consistía en una serie de paneles rectangulares que creaban la ilusión de losas de mármol de diferentes colores y texturas, y la zona superior solía diseñarse como un friso. En ocasiones, se incluían en el diseño elementos arquitectónicos como pilastras.

El primer estilo refleja la influencia de la cultura helenística en el arte romano. Este tipo de decoración mural era común en las ciudades griegas del período helenístico, de donde pasó a Roma. El uso del estuco y los colores brillantes creaba el efecto de una lujosa decoración de mármol, algo que solo los muy ricos podían permitirse, convirtiendo estas pinturas en un símbolo de prestigio y riqueza.

Se pueden observar ejemplos del primer estilo en la Casa Samnita de Herculano y la Casa del Fauno de Pompeya. Aunque este estilo fue finalmente reemplazado por estilos pictóricos más complejos, elementos del estilo de taracea continuaron utilizándose en la pintura mural romana en períodos posteriores, especialmente en las zonas inferiores de la muralla.

Segundo estilo: arquitectónico

El segundo estilo, conocido como arquitectónico, fue popular entre el 80 y el 15 a. C. aproximadamente. En este estilo, los artistas abandonaron el estuco en relieve en favor de la pintura ilusionista, creando la ilusión de un espacio tridimensional con elementos arquitectónicos sobre una superficie plana.

En la zona inferior de la muralla, aún se podía imitar el revestimiento de mármol, pero sin relieve, utilizando medios puramente pictóricos. Las zonas media y superior se transformaron en complejas composiciones arquitectónicas con columnas, pilastras y cornisas, creando la ilusión de espacio más allá de la muralla real. A través de estos elementos arquitectónicos, se abrían vistas de paisajes, ciudades, santuarios o escenas teatrales imaginarias.

El segundo estilo se caracteriza por representaciones realistas, el uso de la perspectiva, colores brillantes y el juego de luces y sombras. Los artistas buscaban ampliar el espacio de una habitación, creando la ilusión de una salida a estancias más amplias o al aire libre. En algunos casos, las paredes parecían desaparecer por completo, convirtiéndose en ventanas a otros mundos.

En las pinturas del segundo estilo también aparecen imágenes figurativas: escenas mitológicas, bodegones y máscaras. Pueden ubicarse en el centro de composiciones arquitectónicas, como cuadros enmarcados, o formar parte de un paisaje imaginario.

Los ejemplos más famosos del segundo estilo son los frescos de la Villa de los Misterios en Pompeya, la Villa Boscoreale y la Villa Farnesina en Roma. Curiosamente, el arquitecto Vitruvio criticó algunos elementos de este estilo por considerarlos poco realistas, afirmando que «estas cosas no existen ahora, no pueden existir y nunca han existido».

Tercer estilo: ornamental

El tercer estilo, llamado ornamental, se extendió aproximadamente entre el 15 a. C. y el 50 d. C. Este estilo abandonó la arquitectura ilusionista y la profundidad espacial del segundo estilo en favor de composiciones más planas y decorativas.

Las paredes del tercer estilo solían estar divididas en paneles verticales, separados por finas columnas o candelabros. Los paneles centrales solían contener pequeños paisajes o escenas mitológicas, enmarcadas por motivos ornamentales. Estas pinturas en miniatura parecían auténticas obras de caballete colgadas en la pared.

La paleta de colores del tercer estilo se volvió más refinada y sobria. Se utilizaban con frecuencia fondos monocromáticos (negro, rojo y blanco), sobre los que destacaban elegantes motivos ornamentales y pequeñas escenas figurativas. Los elementos ornamentales característicos eran los estilizados motivos vegetales, las guirnaldas, los candelabros y las criaturas fantásticas.

El tercer estilo muestra un deseo de refinamiento y elegancia más que de efectos espaciales. Los artistas prestaban gran atención al detalle y a la perfección técnica de la ejecución. Este estilo correspondía a las preferencias estéticas de la época augusta, con su tendencia hacia el clasicismo y el lujo sobrio.

Se pueden ver ejemplos del tercer estilo en la Casa de Lucrecio Frontón y la Casa de Marco Lucrecio en Pompeya, así como en los palacios imperiales del Monte Palatino en Roma.

Cuarto estilo: complejo

El cuarto estilo, que Mau denominó complejo o refinado, se popularizó a mediados del siglo I d. C. y prevaleció en Pompeya hasta la erupción del Vesubio en el año 79 d. C. Este estilo combina elementos de todos los estilos anteriores, creando composiciones eclécticas y ricas.

El cuarto estilo revive la arquitectura ilusionista del segundo, pero en una versión más fantástica y decorativa. Los elementos arquitectónicos se vuelven ligeros, gráciles, a veces irrealmente delgados. Sirven de marco para diversas imágenes: escenas mitológicas, paisajes, bodegones y bocetos de género.

Un rasgo característico del cuarto estilo es la riqueza y diversidad de sus motivos decorativos. Las paredes solían dividirse en numerosos paneles de diferentes tamaños, repletos de ornamentos, paisajes en miniatura y fantasías arquitectónicas. Los paneles centrales podían contener grandes composiciones mitológicas, ejecutadas con gran maestría.

La paleta de colores del cuarto estilo vuelve a ser brillante y contrastante. Los fondos rojos, negros y amarillos eran populares, sobre los que destacaban escenas figurativas multicolores y elementos decorativos blancos. Los artistas del cuarto estilo demostraron un dominio virtuoso de la técnica, creando complejas composiciones de múltiples figuras y ornamentos detallados.

El cuarto estilo refleja el gusto de las épocas neroniana y flavia temprana, con su amor por la pompa y la teatralidad. Este estilo se puede apreciar en la Domus Aurea de Nerón en Roma, así como en muchas de las casas pompeyanas restauradas tras el terremoto del año 62 d. C., como la Casa de los Vettii.

Temas de los frescos romanos

Los frescos romanos impresionan por su diversidad de temas. Desde escenas mitológicas hasta bocetos cotidianos, desde fantasías arquitectónicas hasta bodegones, el repertorio temático de la pintura mural romana refleja los intereses, valores y preferencias estéticas de la sociedad romana.

Historias mitológicas

Las escenas mitológicas fueron uno de los temas más populares en la pintura al fresco romana. Decoraban las paredes de triclinios (comedores), cubículos (dormitorios) y otras estancias de casas y villas privadas. Los artistas romanos se inspiraron principalmente en la mitología griega, lo que demuestra la profunda influencia de la cultura helenística en el arte romano.

Entre los temas mitológicos comunes se incluyen historias sobre dioses y héroes: los amoríos de Zeus (Júpiter), las hazañas de Heracles (Hércules), las historias de Perseo y Andrómeda, Teseo y Ariadna, Dioniso (Baco) y Ariadna. También eran populares las escenas del ciclo troyano y las historias sobre el amor de los dioses por los mortales.

Los frescos mitológicos no solo tenían fines decorativos, sino que también reflejaban la educación y el nivel cultural del dueño de la casa. Podían tener un significado simbólico, insinuando ciertas virtudes o cualidades por las que el dueño de la casa deseaba ser famoso. Por ejemplo, las escenas con Hércules podían simbolizar fuerza y ​​valor, y las historias sobre Dioniso, hospitalidad y generosidad.

La calidad de las escenas mitológicas variaba desde creaciones artísticas de maestros hasta obras más sencillas. Los frescos más elaborados eran probablemente copias de famosas pinturas griegas que no se han conservado. Así, las copias romanas se convirtieron en nuestra única fuente de conocimiento sobre muchas obras maestras perdidas de la pintura griega.

Motivos arquitectónicos y paisajes

Los motivos arquitectónicos eran un elemento integral de la pintura mural romana, especialmente en los estilos II y IV. Columnas, pilastras, pórticos, cornisas y balaustradas creaban la ilusión de un espacio más amplio y servían de marco para otras imágenes.

Una categoría especial la constituían los llamados paisajes sagrados-idílicos, que representaban santuarios, templos y altares rodeados de árboles y rocas. Estas imágenes combinaban elementos de lo real y lo imaginario, creando una imagen idealizada del campo con acentos religiosos.

Los paisajes urbanos eran menos comunes, pero también estaban presentes en el repertorio de los artistas romanos. Podían representar vistas de ciudades, puertos y villas con elementos arquitectónicos característicos. Plinio el Viejo menciona al artista Studium (o Ludius), quien fue el primero en decorar paredes con imágenes de villas, pórticos, paisajes de jardines, arboledas, colinas, estanques, canales, ríos y costas.

Las marinas eran otro tema popular, sobre todo en zonas costeras como Campania. Podían representar puertos con barcos, barcos pesqueros, criaturas marinas o escenas mitológicas relacionadas con el mar, como las historias de Poseidón (Neptuno) y las Nereidas.

Los paisajes de los frescos romanos no eran naturalistas en el sentido moderno. Combinaban elementos reales con fantásticos, creando una imagen idealizada de la naturaleza. A menudo, estos paisajes servían de fondo para escenas mitológicas o de género, complementando y enriqueciendo la trama principal.

Naturaleza muerta y vida cotidiana

Los bodegones eran un motivo común en la pintura al fresco romana. Podían representar frutas, verduras, flores, caza, pescado, mariscos y utensilios de cocina. Estas imágenes solían colocarse en comedores y cocinas, simbolizando la abundancia y la hospitalidad del hogar.

Recientes descubrimientos arqueológicos en Pompeya han revelado impresionantes bodegones en el salón con columnas de una de las casas. Aves, animales de caza, cestas de mariscos y crustáceos se representan sobre un fondo rojo brillante, lo que indica la desarrollada cultura culinaria y el gusto artístico de los antiguos pompeyanos.

Las escenas de la vida cotidiana también se reflejaban en los frescos romanos. Podían representar diversos oficios y profesiones, escenas comerciales, entretenimiento, rituales y ceremonias. Estas imágenes son especialmente valiosas para los historiadores, ya que proporcionan información visual sobre la vida y las costumbres de los antiguos romanos.

Las escenas relacionadas con banquetes y simposios también eran populares. Representaban comensales, músicos, bailarines y sirvientes sirviendo comida y vino. Estos frescos no solo decoraban los triclinios, sino que también creaban una atmósfera de alegría y lujo, complementando el auténtico banquete que se celebraba en la sala.

Una categoría aparte la constituían las escenas eróticas, que podían ubicarse en dormitorios u otros espacios privados. Contrariamente a la creencia popular, estas imágenes no siempre eran de naturaleza abiertamente sexual; muchas de ellas estaban asociadas con el culto a Dioniso u otras ideas religiosas.

El papel de los frescos en la sociedad romana

Los frescos en la antigua Roma cumplían múltiples funciones, desde las puramente decorativas hasta las de estatus social y simbólicas. No eran meros adornos murales, sino un elemento importante de la cultura romana, que reflejaba sus valores, ideas de belleza y normas sociales.

Importancia social y cultural

En la sociedad romana, el hogar no era solo un espacio privado, sino también un lugar de vida social. Los romanos adinerados recibían visitas con regularidad: clientes, socios, amigos. La decoración del hogar, incluyendo los frescos, era una forma de impresionar a los visitantes y de demostrar el estatus, la riqueza, la educación y el buen gusto del propietario.

La elección de temas para los frescos a menudo reflejaba los intereses intelectuales y las preferencias culturales del propietario. Las escenas mitológicas demostraban familiaridad con la cultura griega, considerada el estándar de sofisticación. Las escenas de obras literarias daban testimonio de educación. Las imágenes de filósofos o musas indicaban las ambiciones intelectuales del propietario.

En los edificios públicos, los frescos podían tener un valor propagandístico. Por ejemplo, en edificios relacionados con el culto imperial, se podían colocar escenas que glorificaban al emperador y sus hazañas. En los templos, los frescos ilustraban mitos asociados con la deidad venerada y escenas de rituales religiosos.

Los frescos también cumplían una función educativa. Para muchos romanos, especialmente los niños, las representaciones de escenas mitológicas eran una forma de aprender sobre el patrimonio cultural, las creencias religiosas y los valores morales de la sociedad. Las imágenes visuales complementaban e ilustraban lo que se podía aprender de la literatura y la historia oral.

Simbolismo y estatus

Los frescos eran un indicador importante del estatus social en la sociedad romana. Solo las personas adineradas podían permitirse contratar artistas cualificados y comprar pigmentos costosos para decorar sus hogares. Colores brillantes y raros como el púrpura, el lapislázuli o el cinabrio eran especialmente apreciados y muy caros.

La ubicación de los frescos en la casa también se relacionaba con las funciones sociales de las distintas estancias. Las pinturas más impresionantes y costosas se ubicaban en las zonas comunes de la casa: el atrio, el peristilo y el triclinio, donde los visitantes podían admirarlas. Las imágenes más íntimas y personales se ubicaban en estancias privadas: dormitorios y pequeños salones.

El lenguaje simbólico de los frescos era comprensible para los romanos cultos. Ciertas imágenes y escenas tenían asociaciones establecidas. Por ejemplo, las imágenes de Venus podían simbolizar el amor y la belleza, pero también la fertilidad si la diosa se presentaba en el contexto de jardines o escenas agrícolas. Los motivos dionisíacos simbolizaban no solo el vino y la alegría, sino también la renovación mística y el renacimiento.

Algunos investigadores señalan que los frescos podrían haber tenido una función apotropaica: proteger del mal y atraer la buena suerte. Esto podría explicar la popularidad de las imágenes de ciertas deidades y símbolos, como los amuletos fálicos, Medusa o las máscaras teatrales.

En general, los frescos en una casa romana creaban un ambiente visual especial que correspondía al estatus y las ambiciones del propietario, reflejaban sus valores y gustos y también cumplían las funciones prácticas de organizar y zonificar el espacio.

Conservación y estudio de frescos romanos

La historia de la conservación y el estudio de los frescos romanos es una historia de descubrimientos arqueológicos, investigación científica y desarrollo de métodos de conservación. Gracias a las excavaciones en Pompeya, Herculano y otros asentamientos romanos, así como a las modernas tecnologías analíticas, ahora tenemos la oportunidad de ver y comprender este patrimonio artístico único.

Pompeya y Herculano

La erupción del Vesubio del 24 de agosto del año 79 d. C. fue una catástrofe para los habitantes de Pompeya, Herculano y las villas circundantes, pero, paradójicamente, garantizó la conservación de numerosos frescos para las generaciones futuras. Capas de ceniza volcánica y piedra pómez protegieron las pinturas de los efectos de los factores atmosféricos y evitaron su destrucción.

Las primeras excavaciones sistemáticas de Pompeya comenzaron a mediados del siglo XVIII, bajo el reinado de Carlos III de Nápoles. Despertaron un gran interés en Europa e influyeron significativamente en el desarrollo del neoclasicismo artístico. El descubrimiento de frescos en perfecto estado de conservación y con brillantes colores causó sensación entre quienes estaban acostumbrados a ver la antigüedad en estatuas de mármol monocromáticas.

Herculano presentaba condiciones de conservación diferentes a las de Pompeya. La ciudad estaba sepultada bajo una capa más gruesa de flujos piroclásticos, que se solidificaron formando roca resistente. Esto dificultó la excavación, pero conservó mejor los materiales orgánicos, incluyendo elementos de construcción y mobiliario de madera. Los frescos de Herculano a menudo estaban incluso mejor conservados que los de Pompeya.

Muchos de los frescos de Pompeya y Herculano fueron retirados de las paredes y trasladados al Museo Arqueológico de Nápoles, donde aún se conservan. Sin embargo, la mayoría de las pinturas se dejaron in situ, lo que dificulta su conservación, ya que están expuestas al sol, la lluvia y las fluctuaciones de temperatura.

En las últimas décadas, arqueólogos y restauradores han empleado nuevos métodos para preservar y restaurar frescos. Estos incluyen el uso de conservantes modernos, la creación de recubrimientos protectores y microclimas, así como la grabación y reconstrucción digital para documentar y estudiar las pinturas.

Investigación y análisis modernos

Los métodos científicos modernos nos permiten comprender mejor la tecnología de creación de los frescos romanos y su aspecto original. Los métodos espectroscópicos y cromatográficos ayudan a identificar los pigmentos y aglutinantes utilizados por los artistas antiguos.

La espectroscopia Raman ha demostrado ser especialmente útil para el análisis de pigmentos azules y verdes romanos, como el azul egipcio, la azurita y la malaquita. Esta técnica no destructiva permite determinar con precisión la composición química de los pigmentos sin necesidad de grandes muestras del material.

El análisis de aglutinantes orgánicos en frescos romanos es más complejo. Distintos grupos de investigación obtienen resultados dispares al analizar los mismos materiales, lo que indica posibles problemas metodológicos. Las dificultades surgen de la extracción de aglutinantes antiguos del yeso endurecido y de la posible contaminación biológica de las muestras.

Si la mayoría de las pinturas murales romanas se realizaron con la técnica del buon fresco, como se creía anteriormente, o si los artistas emplearon técnicas mixtas con la adición de aglutinantes orgánicos, sigue siendo tema de debate académico. Nuevas evidencias sugieren que los artistas romanos podrían haber empleado técnicas mixtas con mayor frecuencia de lo que se creía.

La tecnología digital también ha transformado la forma de estudiar los frescos romanos. La fotografía de alta precisión, el escaneo 3D y la reconstrucción virtual permiten crear modelos detallados de las salas pintadas, que pueden estudiarse sin exponer los originales al riesgo de sufrir daños. Estas técnicas también permiten restaurar la apariencia original de los frescos eliminando virtualmente los daños y la contaminación.

La investigación interdisciplinaria, que reúne a arqueólogos, historiadores del arte, químicos y conservacionistas, proporciona la visión más completa de la pintura al fresco romana. Contribuye no solo a comprender mejor la tecnología y la estética del arte romano antiguo, sino también al desarrollo de métodos eficaces para preservar este patrimonio cultural para las generaciones futuras.

La pintura al fresco en la Antigua Roma es un fenómeno único en la historia del arte mundial. Combinando las tradiciones artísticas griegas con sus propias innovaciones, los romanos crearon una cultura visual rica y diversa que influyó en las épocas artísticas posteriores, desde el Renacimiento hasta la actualidad.

La técnica del buon fresco, perfeccionada por los maestros romanos, permitió la creación de imágenes vívidas y duraderas, muchas de las cuales han conservado su belleza hasta nuestros días. Los cuatro estilos de pintura pompeyana identificados por August Mau demuestran la evolución de los gustos artísticos y las capacidades técnicas a lo largo de dos siglos.

Los temas de los frescos romanos reflejan el rico mundo espiritual de los antiguos romanos, sus ideas religiosas, su conocimiento literario y mitológico, y sus preferencias estéticas. Desde majestuosas escenas mitológicas hasta elegantes bodegones, desde fantasías arquitectónicas hasta bocetos de género, los frescos nos revelan el mundo en el que vivían las personas hace dos mil años.

El papel social y cultural de los frescos en la sociedad romana era significativo. No solo decoraban viviendas y edificios públicos, sino que también demostraban el estatus del propietario, reflejaban sus intereses intelectuales, creaban una atmósfera particular en los locales, ampliaban visualmente el espacio y aportaban luz y color a los interiores.

Gracias a las circunstancias únicas de conservación de los frescos de Pompeya, Herculano y otras ciudades romanas, así como a los modernos métodos de investigación y conservación, tenemos la oportunidad de estudiar este extraordinario patrimonio artístico. Cada nuevo descubrimiento y estudio aporta nuevos detalles a nuestra comprensión de la pintura al fresco romana y de la cultura en general.