La historia de las películas de animación:
desde los primeros dibujos animados hasta las obras maestras CGI Traductor traducir

La animación ha evolucionado desde simples dispositivos ópticos hasta sofisticadas tecnologías informáticas durante el último siglo y medio. Los experimentos con imágenes en movimiento comenzaron mucho antes de la invención del cine, y hoy en día las películas de animación recaudan miles de millones de dólares en taquilla y ganan importantes premios cinematográficos.

Antecedentes: Juguetes ópticos y dispositivos tempranos

La teoría de las imágenes animadas surgió medio siglo antes de la llegada del cine. Los inventores victorianos crearon dispositivos para entretener a los invitados en salones y para espectáculos de magia mediante proyecciones. Descubrieron el principio de persistencia de la visión: si se muestran imágenes de etapas de movimiento en rápida sucesión, el ojo humano las percibe como movimiento continuo.

En 1833 se introdujo el fenaquistiscopio, el primer dispositivo de animación que utilizaba la sustitución secuencial rápida de imágenes. Las imágenes se disponían radialmente en un disco con pequeños orificios rectangulares en el borde. La animación podía visualizarse a través de ranuras en el disco giratorio frente a un espejo.

Praxinoscopio y el teatro óptico

El siguiente paso fue el praxinoscopio, inventado en 1877 por el francés Charles-Émile Reynaud. Su nombre proviene del griego antiguo y se traduce como "espectador de acción". El dispositivo utilizaba espejos en lugar de ranuras estrechas, lo que producía una imagen más brillante y menos distorsionada que el zoótropo.

En 1888, Reynaud perfeccionó su invento creando un teatro óptico. En lugar de una sola secuencia de imágenes dentro de un cilindro, utilizó una película transparente de gran tamaño con imágenes, enrollada entre dos carretes. Esto permitió la creación de lo que se considera la primera película animada proyectada. El primer programa, en 1892, incluía tres dibujos animados: «Pobre Pierrot», «Un bon bock» y «El payaso y sus perros».

El nacimiento de la animación cinematográfica

Primeros experimentos con animación cinematográfica

En 1906, James Stuart Blackton creó "Funny Faces in Funny Phases", probablemente la primera animación cinematográfica. Ese mismo año, Blackton experimentó con la fotografía stop-motion: fotografiaba un objeto, lo modificaba ligeramente de posición y luego lo volvía a fotografiar, creando una animación en movimiento.

En 1908, el caricaturista francés Émile Cohl creó Phantasmagorie, el primer dibujo animado completo sin actores reales. Compuesta por 700 dibujos, cada uno expuesto dos veces, esta película de dos minutos se convirtió en un ejemplo temprano de lo que más tarde se llamaría animación tradicional. Cohl colocaba cada dibujo sobre una placa de vidrio retroiluminada y luego calcaba el siguiente, con variaciones, sobre el anterior. Los personajes se transformaban constantemente, demostrando las fantásticas posibilidades de la animación.

Avances tecnológicos en Fleischer Studios

Max Fleischer patentó la rotoscopia en 1915. Esta técnica permitía a los animadores calcar secuencias de acción en vivo fotograma a fotograma, creando un movimiento realista. Fleischer proyectaba secuencias de acción en vivo de su hermano vestido de payaso y calcaba cuidadosamente cada fotograma para lograr un movimiento natural.

La rotoscopia resolvió el problema de la animación de personajes humanos. Esta técnica fue ampliamente utilizada por el estudio Fleischer para crear movimiento realista y fluidez en dibujos animados. El método se empleó para crear a Gulliver en Los viajes de Gulliver y en las escenas de baile de Betty Boop. El dibujo animado de 1934, La pobre Cenicienta, combinó rotoscopia y decorados 3D para crear la ilusión de profundidad.

La edad de oro de Disney y la innovación tecnológica

Cámara multiplano

Walt Disney se esforzó por hacer sus dibujos animados más realistas. Su equipo de camarógrafos y animadores creó un panel de varias capas. Utilizaron un proceso de animación tradicional en el que cientos de obras de arte se movían frente a la cámara a diferentes velocidades y distancias. Esto creaba una imagen en movimiento y una sensación de profundidad.

La cámara se dirigía hacia abajo, sobre las capas pintadas, controlada por mecanismos mecánicos. Disney denominó a todo el sistema una "cámara de superanimación". La cámara podía moverse hacia arriba o hacia abajo para crear un efecto de zoom. A medida que el disco giraba, se mostraban imágenes sucesivas, una tras otra, creando una animación fluida. El praxinoscopio proporcionaba una visión mucho más nítida de la imagen en movimiento que el zoótropo.

El sistema de cámara multiplano de Disney utilizaba hasta siete capas de imágenes y requería la intervención de decenas de técnicos para manipular los planos según las instrucciones del operador. Las pinturas al óleo se montaban en paneles de vidrio separados que podían moverse a diferentes velocidades y distancias de la cámara. En ocasiones, los planos del fondo y del primer plano se movían en direcciones opuestas para crear un efecto de rotación.

Blancanieves y los siete enanitos

Cuenta la leyenda que la idea de Blancanieves se remonta a cuando Walt Disney, de quince años, vio una versión muda de Blancanieves en 1916. La idea evolucionó hasta 1934, cuando Walt reunió a los animadores y les contó una versión preliminar de la historia.

Estrenada en 1937, Blancanieves y los siete enanitos fue el primer largometraje de animación. Su producción obligó al equipo a crear una obra más extensa que nunca, y el presupuesto de la película se multiplicó aproximadamente por seis desde sus 250.000 dólares originales (equivalente a entre 5,5 y 33 millones de dólares actuales). Un éxito comercial, reestrenado en cines varias veces en los años posteriores, estableció de inmediato el dominio de la industria de la animación de largometrajes.

Variedad de estudios y técnicas

La edad de oro de la animación estadounidense

En 1940, MGM competía con Walt Disney Productions y Leon Schlesinger Productions. El primer cortometraje de Tom y Jerry, "El Gato con Botas", fue un éxito de taquilla y recibió una nominación al Óscar al Mejor Cortometraje. William Hanna y Joseph Barbera dirigieron un total de 114 cortos de Tom y Jerry para el estreno de MGM entre 1940 y 1958.

El Gato con Botas no ganó el Premio de la Academia de 1940 a la Mejor Caricatura, pero otro dibujo animado de MGM, La Vía Láctea de Rudolf Ising, sí lo hizo, convirtiendo a MGM en el primer estudio en arrebatarle un Premio de la Academia a Walt Disney.

Warner Bros. cerró el estudio original Termite Terrace en 1963 tras más de dos décadas en la cima. Ese mismo año, Freling y DePatie formaron su propio estudio, DePatie-Freleng Enterprises, que se hizo cargo de la producción de la franquicia de Looney Tunes en virtud de un acuerdo con Warner Bros.

UPA y animación limitada

UPA Studio desarrolló una técnica de animación limitada que requiere menos dibujos por segundo. Esto permitió una mayor experimentación y un enfoque en la narrativa a través de la atmósfera y la psicología de los personajes, en lugar de solo el movimiento detallado.

La técnica se manifestó en la pantalla como una estética distintiva. Los fondos solían ser abstractos y cuadrados, en lugar de meticulosamente detallados. Los diseños de los personajes se simplificaron, utilizando líneas y formas audaces para transmitir individualidad. En lugar del movimiento constante del personaje, un cambio sutil en la expresión, un gesto específico o un ángulo de cámara dinámico transmitían acción y emoción.

El primer cortometraje exitoso de UPA fue "Hell-Bent for Election", dirigido por Chuck Jones. Le siguió "Brotherhood of Man" (1945), una caricatura educativa que promovía la tolerancia entre todas las personas. Su diseño innovador, plano y estilizado contradecía todo lo que representaba la animación de Disney, y su aspecto único marcó la pauta para todas las caricaturas posteriores de UPA.

Animación stop-motion de Ray Harryhausen

Raymond Frederick Harryhausen creó una de las primeras formas exitosas de animación stop-motion. El stop-motion consiste en filmar un fotograma de un modelo, realizar ajustes y luego filmar otro. Dado que la película se mueve a 24 fotogramas por segundo, se crea la ilusión de movimiento.

Harryhausen desarrolló una forma de animación de modelos stop-motion conocida como Dynamation. Empezando con Mighty Joe Young en 1949, Harryhausen trabajó en numerosas películas populares de ciencia ficción, creando extraterrestres, criaturas prehistóricas y bestias míticas. Finalmente se retiró tras completar Furia de Titanes en 1981.

Las criaturas de Harryhausen eran famosas por su increíble detalle, conocido como "Dynamation", que les permitía integrarse a la perfección con la acción en vivo, y su extraño comportamiento las hacía parecer criaturas reales en lugar de efectos especiales desechables. Harryhausen también creó uno de los combates de espadas más famosos en la pantalla entre Jason y un grupo de esqueletos en Jasón y los Argonautas.

Escuela Soviética de Animación

Los estudios Soyuzmultfilm se convirtieron en la principal base de producción de animación soviética y el centro creativo de la animación en la URSS. En sus inicios, el estudio adoptó la tecnología del celuloide, el llamado método de cinta transportadora Disney, ideal para la producción en masa de animación dibujada a mano.

Yuri Norshteyn desarrolló un nuevo enfoque tecnológico — la animación multiplano con cortes — para dotar a sus animaciones de una apariencia tridimensional y, junto con el director de fotografía Alexander Zhukovsky, introdujo diversas técnicas innovadoras. Sus películas "El zorro y la liebre" (1973), "La garza y la grulla" (1974) y "El cuento de los cuentos" (1979) fueron aclamadas mundialmente.

"Erizo en la niebla" es una película de animación soviética de 1975 dirigida por Yuri Norshteyn y producida por Soyuzmultfilm en Moscú. El guion ruso fue escrito por Sergei Grigorievich Kozlov, quien también publicó un libro con el mismo título.

La animación japonesa y el desarrollo del anime

Osamu Tezuka es a menudo llamado el "dios del manga" y el "padre del anime". Inspirado por la primera película de animación china "La Princesa del Abanico de Hierro", Tezuka impulsó lo que se conocería como la revolución del manga en Japón con la publicación de "La Nueva Isla del Tesoro" en 1947.

En 1961, Tezuka entró en la industria de la animación japonesa y fundó la productora Mushi Productions, competidora de Toei Animation. Su primera obra adaptada a la animación fue "Saiyuki", una adaptación del cuento chino "Viaje al Oeste", producida por Toei Animation.

A Tezuka no le gustó su tiempo en Toei, sobre todo porque sentía que no tenía control sobre su historia ni su final. Esta película se considera un punto de inflexión en la historia de la animación. Fue pionera en el uso de un estilo artístico simplificado y animación limitada para ahorrar mano de obra y costos.

Tezuka fundó Mushi Production, uno de los primeros estudios de anime en Japón, donde creó la primera serie de anime de televisión japonesa, Astro Boy, en 1963. El programa se convirtió en un hito significativo en la historia del anime tanto por su éxito como por establecer la práctica de la animación limitada, que se convirtió en el estándar de la industria.

El renacimiento de Disney

El Renacimiento Disney abarca el período comprendido entre 1989 y 1999, durante el cual Walt Disney Feature Animation volvió a producir películas de animación de gran éxito comercial y de crítica. Diez largometrajes asociados a este período son La Sirenita (1989), Los Rescatistas de Australia (1990), La Bella y la Bestia (1991), Aladdin (1992), El Rey León (1994), Pocahontas (1995), El Jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997), Mulán (1998) y Tarzán (1999).

La Sirenita se considera el verdadero comienzo del Renacimiento de Disney, pero sus orígenes se remontan a mucho antes de que comenzara la producción en 1985. En la década de 1930, Disney consideró adaptar el clásico de Hans Christian Andersen.

La Bella y la Bestia (1991) fue un rotundo éxito de crítica y público. Fue la primera película de animación nominada al Óscar a la Mejor Película y la única en ser nominada a la misma categoría en un periodo en el que solo había cinco nominaciones (1944-2008). Ganó el Globo de Oro a la Mejor Película (Musical o Comedia) y dos Óscar a la Mejor Banda Sonora Original y a la Mejor Canción Original (por "La Bella y la Bestia").

Además de convertirse en la película de animación más taquillera de Disney hasta la fecha, La Bella y la Bestia fue la primera película de animación en recaudar 100 millones de dólares en taquilla en Estados Unidos. En 1994, se convirtió en la primera película del Renacimiento Disney en recibir una adaptación en Broadway.

La revolución de los gráficos por computadora

Primeros experimentos con CGI

No fue hasta que la productora Kathleen Kennedy vio imágenes de prueba de un T. rex en una pantalla de computadora en el estudio de efectos visuales Industrial Light & Magic (ILM) que se tomó la decisión de incorporar dinosaurios generados por computadora en la película de acción real. Jurassic Park solo cuenta con 14 minutos de efectos visuales de dinosaurios, aproximadamente cuatro de los cuales fueron generados por computadora, pero su impacto duradero en el cine fue monumental.

Steven Spielberg y su equipo comenzaron con bocetos y modelos dibujados a mano de varios dinosaurios. La producción utilizó gráficos por computadora para los Velociraptors, Brachiosaurus y Tyrannosaurus rex. Los datos tuvieron que ser manipulados con un wireframe digital: una estructura para un dinosaurio que le ayuda a construir su estructura, permitiéndole mantenerse en pie, moverse y correr.

Cada fotograma de la secuencia completa de persecución en jeep tardó aproximadamente 12 horas en renderizarse. Animar todas las tomas del T-Rex persiguiendo al jeep llevó cuatro meses para que la secuencia de carrera funcionara correctamente.

Toy Story y el triunfo de Pixar

El primer cortometraje íntegramente generado por computadora fue "Luxo Jr.", producido por Pixar Animation Studios en 1986. Este trabajo pionero demostró el potencial de la animación por computadora para contar historias completas, en lugar de simplemente complementar películas de acción real. En 1988, Pixar amplió esta perspectiva con su segundo cortometraje, "Tin Toy", que sentó las bases tecnológicas para el primer largometraje CGI, "Toy Story".

Estrenada en 1995, Toy Story fue el primer largometraje completamente animado por computadora. Fue pionera en muchos sentidos y precursora de las películas animadas que vemos hoy, mostrando un impresionante mundo tridimensional con iluminación, sombreado y texturas, así como personajes bellamente elaborados, incluyendo personajes humanos y juguetes vivientes.

Disney, en colaboración con Steve Jobs y Pixar, estrenó Toy Story el 22 de noviembre de 1995. Fue la primera gran película creada íntegramente con animación por computadora, con un presupuesto de producción de 30 millones de dólares. La película recaudó 40 millones de dólares en sus primeros cinco días, camino a una recaudación mundial de 365 millones de dólares.

Se utilizó el software de renderizado RenderMan para gestionar la escala visual. El tiempo total de renderizado superó las 800.000 horas máquina en una granja de renderizado de 117 ordenadores Sun Microsystems. Toy Story demostró la viabilidad comercial de la animación por computadora (CGI). Con un presupuesto de más de 30 millones de dólares, el futuro de la animación por computadora dependía de su éxito financiero. La película recaudó 373 millones de dólares en todo el mundo, lo que demostró el potencial de rentabilidad de la CGI y allanó el camino para su dominio.

Toy Story marcó el comienzo de una era sin precedentes en la animación CGI convencional. Para el año 2000, el 50% de las películas animadas utilizaban animación por computadora, cifra que se disparó al 90% en 2009. Pixar lideró la iniciativa con secuelas revolucionarias como Toy Story 2 (1999) y Buscando a Nemo (2003).

La industria de la animación moderna

Animación en arcilla de Nick Park

Nick Park lleva más de 15 años animando figuras de arcilla, y su increíble éxito se ve reflejado en cuatro nominaciones y tres premios Óscar. Durante este tiempo, ha estado acompañado por dos rostros muy amigables: Wallace y Gromit.

Wallace (con la voz de Peter Sallis) es un inventor adorable con una pasión por el queso comparable a su despiste. Gromit es el perro de Wallace y, como muchos compañeros leales, debe evitar que se meta en problemas. Park admite: «Originalmente, Gromit iba a ser un gato, pero resultó más fácil trabajar con arcilla con un perro». También se planeó que Gromit hablara, pero a Park le resultó demasiado difícil animar la boca de un perro, así que se centró en las expresiones faciales de Gromit para comunicarse.

La iluminación y el nuevo modelo de producción

Universal Studios contrató a Chris Meledandri para dirigir su nuevo estudio independiente, Illumination Studios, después de que presentara un nuevo modelo de producción de películas animadas de bajo presupuesto en 20th Century Fox. Meledandri fundó Illumination el 17 de enero de 2007.

Meledandri creía que "un control estricto de costos y el éxito de las películas de animación no son mutuamente excluyentes". Como director de Illumination, Meledandri continuó empleando técnicas de animación económicas, convencido de que la calidad de la historia era más importante que asegurar que cada brizna de hierba y cada arruga de un rostro se renderizaran correctamente.

Illumination no produce sus películas internamente, con sede en Santa Mónica, sino que subcontrata la producción de animación a otros estudios. La mayoría de sus películas son animadas por Illumination Studios Paris, una filial formada tras la adquisición de Mac Guff (que animó la primera película de "Gru, mi villano favorito").