Cómo aparecieron los nombres de los estilos musicales 
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Cuando se trata de ciertos géneros de música, algunos de los nombres se explican por sí mismos: puedes imaginar fácilmente cómo suenan el drum and bass y el trance (e incluso si estás equivocado, probablemente todavía entenderás más o menos qué discurso). Sin embargo, nombres que damos por sentados, como "metal" o aquellos que nos suenan desconocidos, como cuando se trata de música nueva o de piezas raras completamente olvidadas, adquieren formas abstractas cuando empiezas a pensar en su origen. Entonces, ¿cuáles son las raíces etimológicas de algunos de nuestros géneros favoritos? Empieza a leer, ahora lo averiguaremos.
Tecno
Al principio, podría pensar que el "techno" tiene sentido en el papel: la música dance altamente electrónica se basa naturalmente en una versión abreviada de la palabra "tecnología". Si bien sus orígenes como designación de un género se remontan a mediados de la década de 1980 (lo cual es bastante lógico, ya que la gente abandonó los arreglos de larga duración para comenzar a crear música con nuevos dispositivos digitales cada vez más sofisticados), no olvidemos que los griegos usaban la palabra “téchnē” para denotar maestría y destreza, agregando otra capa. Asimismo, otros subgéneros, como el “trance”, tienden a enfocarse en el sentimiento de liberación que se da a un ritmo acelerado, lo que pronto conduce a la euforia.
País
Si lo piensas bien, "country" es un término extraño para "música country" porque la descripción de su sonido parece encarnar todo un estado nacional. Sin embargo, el camino de la "música country" ha sido largo, y se remonta a lo que la gente llamaba "música country" en la década de 1920. El término se usó originalmente para describir el gospel sureño y los estilos folclóricos estadounidenses, pero el término música country en sí (a veces, tal vez definido con más precisión como música country occidental) no apareció hasta la década de 1940, cuando programas de radio como Grand Ole Opry ”, trajeron bandas de cuerdas y compositores directamente a los hogares de muchas familias estadounidenses, consolidando así el "country" como un género musical altamente localizado.
Reggae
Cuando se trata de popularizar la frase "reggae", sus orígenes son sorprendentemente fáciles de rastrear. La frase entró por primera vez en la conciencia pública en 1968 con The Maytals, cuyo líder Toots Hibbert escribió una canción llamada "Do the Reggay". Esta canción de Rocksteady ayudó a definir un movimiento que había estado activo desde la década de 1960, a saber, la forma en que los músicos jamaicanos mezclaban ska, rock y calipso. Toots describió su versión de la palabra reggae como una referencia a una persona descuidada o algo descuidada (había variantes de jerga anteriores como "rege", "strege" y "rege-rege"), pero como género, "reggae" comenzó a simbolizan el estilo hermoso, pacífico y, a veces, francamente espiritual del surco.
Roca de yate
Aunque el rock para yates ha existido desde mediados de los 70, no obtuvo su nombre oficial hasta que una serie web en 2005 decidió burlarse con amor de cierto tipo de soft rock de alta gama de esa época. A menudo asociado con melodías ligeras, de jazz y brillantes, este término moderno incluye Steely Dan, Hall & Oates y Christopher Cross. Si bien el término ahora es bastante común y es un subgénero adorado en ciertos círculos del indie pop, algunos puristas todavía debaten a menudo si ciertos artistas están en el barco o no. Para que conste, England Dan y JF Coley definitivamente están en el barco.
Shoegaze
La escena del rock del Reino Unido a finales de los 80 fue interesante ya que el éxito titánico del rock gótico como The Cure generó una gran cantidad de subgéneros ruidosos y distintos, desde la neopsicodelia hasta la forma de baile que era Madchester. Sin embargo, "shoegaze" fue escrito por primera vez en el ahora desaparecido semanario británico Sounds, donde usaron este descriptor para la banda Moose, señalando que la banda logró su característico sonido de guitarra arremolinada mirando sus pedales y sin entrar en las imágenes. contacto con la audiencia. Pronto, "shoegaze" fue adoptado por otras publicaciones y se hizo popular entre bandas como Jesus and Mary Chain y, sobre todo, My Bloody Valentine. Su álbum de 1991 "Loveless" es considerado uno de los mejores álbumes de rock jamás hechos y es el punto de referencia para el género.
Selva
Si bien los estilos de baile de los 90, como el techno y el trance, allanaron el camino para el odioso EDM de estadio que escuchamos hoy, una de las partes más emocionantes de la música dance de principios de los 90 fue lo mal que estaba desfragmentada. Surgieron subgéneros como big beat y hardcore, pero de todo esto surgieron los distintos sonidos del "jungle techno". Nacida del amor por el dancehall, la jungla se definió por la incorporación del bajo tipo reggae en las pistas de baile. La canción de 1991 de Lennie De-Ice, "We Are IE", se cita a menudo como uno de los pilares fundamentales del sonido para este movimiento. Al combinar una estética de ritmo mundial con algo espontáneo y bailable como el techno, Jungle finalmente se convirtió en una salida para la expresión de muchos productores urbanos jóvenes en el Reino Unido. Elogiado por ser que convirtió lo que de otro modo podría ser un término con tintes raciales en empoderamiento,jungle fue popular en el Reino Unido, pero nunca ganó un apoyo igualmente fuerte en los EE. UU.
Brill Building
En la preadolescencia, la música pop era tendencia, y nuevas canciones y extravagantes dulces para los oídos eran tendencia (recuerde: las Chordettes grabaron las canciones "Mr. Sandman" y "Lollipop", convirtiéndolas en una verdadera fuerza de la época). Pero cuando amaneció la era de los 60, cierta casta de compositores buscaba algo más sofisticado. Neil Sedaka revirtió algunos de sus primeros sencillos fallidos escribiendo la canción “¡Oh! Carol "sobre su ex novia Carol King. Todos los días, los dos se encontraban en el Brill Building de Nueva York, donde numerosos sellos discográficos y equipos de compositores trabajaron para entregar el oro de la radio día tras día. El sonido se ha vuelto tan prominente que" Brill Building "se ha convertido en una designación de género en sí misma, y compositores como Neil Diamond, Ellie Greenwich, Bert Baharach y Andy Kim,fueron algunos de los nombres más importantes que trabajaron en este pequeño edificio, cambiando el curso de la música pop.
Industrial
Gracias al álbum debut de Nine Inch Nails en 1989 "Pretty Hate Machine", que inmediatamente se convirtió en una sensación, el público en general comenzó a comprender qué era la "música industrial". Si bien el líder de NIN, Trent Reznor, usa el sonido de ejercicios reales en su LP de pop industrial, estaba lejos de ser el primer artista en ingresar al género. Aunque el término "música industrial" se utilizó por primera vez en la era anterior al rock para describir la sinfonía de Shostakovich, fueron las duras pulsaciones del sintetizador de los innovadores de Kraftwerk las que sentaron las bases de la música industrial actual, sin mencionar el trabajo sincero de Pink Floyd. Miles Davis, Joy Division y Capitán. Beefheart. Sin embargo, para muchos, fue con los sonidos a veces castigadores de Throbbing Gristle que todo comenzó, y su influencia continúa hasta el día de hoy.
Prog rock
"Prog-rock" es una designación un poco inusual del género, ya que casi todos conocen las bandas que tocan en este estilo, pero pocos pueden identificar correctamente a sus habitantes absolutos. Prog, una abreviatura obvia de "rock progresivo", se definió realmente por su ambición. Nacido de la dinámica del art rock y la experimentación en el estudio en los años 70, el rock progresivo puede definirse mejor por su sentido de escala: un género de canciones "épicas", a menudo imbuidas de pura destreza técnica. Se alienta a que las firmas temporales cambien, y si puedes hacer que el álbum que estás creando tenga un concepto (o incluso convertirlo en una ópera), recibirás elogios. Los primeros campeones del programa incluyen bandas como Emerson, Lake & Palmer, Pink Floyd y Yes. Bandas como Porcupine Tree y The Mars Volta en estos días, sin importar la iteración que encontremos,el legado del programa continúa.
Ritmo y blues
Con sus orígenes en las tradiciones de la música negra como el boogie-woogie, el gospel y el blues, es un poco sorprendente saber que el R&B se utilizó por primera vez en forma impresa en 1948, cuando apareció en la revista Billboard. Esta frase reemplazó el término profundamente desagradable "música racial" que se había utilizado antes, e incluso hoy el R&B se utiliza como término general para clasificar una gran cantidad de música negra. Incluso el álbum de 1983 de las hermanas Poynter, Break Out, que incluía éxitos como Automatic, Neutron Dance y Jump (For My Love), logró llegar a las listas de éxitos de Billboard y de R&B al mismo tiempo. Ha habido muchos álbumes legendarios de R&B a lo largo de las décadas que son imprescindibles para cualquier conocedor de la música que se precie, y nos encantan, a pesar de la etimología algo desafortunada del R&B.
Vaporwave
Durante la revolución del indie pop de principios de la década de 2000, el software de producción musical cada vez más accesible cayó en manos de la generación siempre en línea. Como resultado, las formas musicales comenzaron a desarrollarse a un ritmo vertiginoso. "Chillwave" es un subgénero distinto en el que los sintetizadores helados se superponen a un ritmo elegante del que fueron pioneros bandas como Neon Indian. Vaporwave (un término de la industria informática para productos artificiales que nunca se materializaron: vaporware) es tanto un estilo musical como un tipo de iconografía, a menudo satírica de la cultura de consumo empresarial. A menudo, los artistas han tomado iconografía vulgar centrada en el consumidor (como el jazz suave o el ascensor muzak), la ralentizaron, la trituraron y la llevaron a un nivel artístico más alto, sin dejar de ser invariablemente funky. Incluso había subgéneros dentro de ese subgénero )fácil caer en el "Simpsonswave "pit), pero algunos de los representantes más famosos del género, como George Clanton y Saint Pepsi / Skylar Spence, están lanzando nueva música hasta el día de hoy.
Jazz
Sorprendentemente, no sabemos completamente de dónde viene la palabra "jazz". Sabemos que este es un americanismo separado que podría haberse notado alrededor de 1905-1910, pero no apareció impreso para describir la música hasta 1915. Su raíz proviene de un antiguo término de la jerga de mediados del siglo XIX llamado jasm, que significa energía. o vigor. Los artículos de principios de la década de 1910 se referían alternativamente al género como "jazz" y, a veces, "jasm", pero el primer término pronto comenzó a dominar el discurso popular. El jazz lo abarca todo, ya que el jazz puede referirse tanto a la música de baile de big band de la década de 1920 como a la forma polifónica más compleja en la que pensamos hoy.
Canguelo
Cuando estás deprimido, a menudo estás de mal humor o deprimido. Cuando escuchas música funky, generalmente es porque te acurrucas y te sacudes al ritmo. Funky se originó como un término de la jerga para describir algo que huele a humedad o huele mal. En las primeras comunidades africanas, el funk tenía connotaciones positivas, ya que el olor a sudor se asociaba con el trabajo duro. Las canciones con la palabra "funky" en el título se remontan a 1907, pero la forma en que percibimos la música groove, sexy y dance funky en la actualidad no tomó forma por completo hasta la década de 1960, cuando artistas como James Brown la introdujeron en la corriente principal.. En la década de 1970, el pi-funk y otras variedades tomaron nuevas formas de vida, e incluso hoy en día artistas como Bruno Mars y Anderson. Paak, no quiero nada más, cómo rendir homenaje a tus héroes del funk sin dejar de encabezar las listas incluso después de todas estas décadas.
Rock and roll
El término rock and roll es una abreviatura de rock and roll y se utilizó originalmente para describir aguas turbulentas para barcos. Por supuesto, las personas más depravadas podrían pensar que este es un eufemismo para el sexo, lo que sería genial para este género que a menudo rompe los tabúes. Como una forma más dinámica de country, gospel y blues, el rock tuvo muchas variedades y campeones tempranos, desde la hermana Rosetta Tharp hasta Chuck Berry y Elvis Presley. Incluso la frase "rockabilly" combina "rock and roll" y "redneck" para obtener su propio sonido amplificado especial. Con el tiempo, este género se hizo muy popular, pero no recordamos ni una sola banda de rock. ¿Conoces al menos uno?
Alternativa
Ben Gibbard de Death Cab for Cutie bromeó una vez sobre la clasificación de géneros: en los 80 lo llamaron "rock universitario", en los 90 - "alternativo", y en los 2000 - "rock indie". No se equivocó, ya que el primo más artístico del rock convencional ha pasado por tantas descripciones como evoluciones. En resumen, "alternativa" es simplemente una variación de la roca más convencional que a menudo es fácil de digerir pero llena de mayor ambición. El sello independiente REM fueron algunas de las primeras "superestrellas alternativas" en triunfar a pesar de sus letras a veces impenetrables, y los vuelos eternos de fantasía de The Smashing Pumpkins ayudaron a definir el "rock alternativo" durante gran parte de los 90… bandas contemporáneas como Twenty One Pilots se ajustan a la definición de "alternativa"el género no tiene muchos portadores de la antorcha en la década de 2020.
Metal pesado
Cuando lo piensas, ¿qué hace que el heavy metal sea la descripción más apropiada para la música hard rock? En el mundo de la ciencia, "metal pesado" significa metal con un alto nivel de gravedad muy específico, y los militares a menudo usan el término para referirse a un arma o tipo de disparo más grande. En la cultura pop, la expresión "heavy metal" fue utilizada originalmente por el ícono de la contracultura William S. Burroughs en varias obras a principios de la década de 1960. Estas referencias no tenían nada que ver con la música, pero la influencia de Burroughs en la generación emergente de Beatles hizo del metal una referencia accidental a canciones más lentas y fuertes. El álbum debut de Iron Butterfly en 1968 se tituló "Heavy", y fue por esta época cuando los críticos comenzaron a utilizar el "metal" para referirse a los sonidos de bandas como los Rolling Stones y Electric Flag. Entonces,cuando Led Zeppelin y Black Sabbath aparecieron a principios de los 70, el heavy metal adquirió un significado completamente nuevo, y el resto fue la historia de Speaker Fuzz.
riot grrrl
A finales de los 80 y principios de los 90, la música rock, y especialmente el hard rock y el punk, estaba dominada por los hombres. Aunque artistas como Lita Ford y Joan Jett tuvieron éxito en el hair metal a fines de la década de 1980, fueron la excepción y no la regla. Entonces, cuando la escena grunge comenzó a tomar forma en el noroeste del Pacífico, también hubo un movimiento feminista para que las niñas se sentaran frente a las guitarras y se pararan frente a los micrófonos. La cultura Zine era fuerte en ese momento, y trabajos autoeditados como "Interrobang?!", "Chainsaw" y "Jigsaw" tuvieron éxito cubriendo tanto el punk rock como la difusión de las normas de género. Las bandas de mujeres al frente como Bikini Kill y Bratmobile comenzaron a ganar tracción. Jen Smith de Bratmobile habló sobre querer tener un "motín de chicas" en el escenario, y el tercer número de "Jigsaw"fue subtitulado "angry grrrl zine". Pasó muy poco tiempo antes de que "riot grrrl" se convirtiera en el descriptor del movimiento en sí mismo, y cuya influencia todavía se siente hoy, para eliminar el atractivo despectivo de los hombres hacia las "niñas" y cambiar el nombre a un gruñido animal más furioso.
Musica especifica
Hasta donde sabemos, todavía no ha habido un álbum de musique concrète que encabece las listas de éxitos, pero eso se debe en gran parte al diseño. Las grabaciones en este estilo a menudo consistían en sonidos grabados que luego se distorsionaban, manipulaban y arreglaban en formas nuevas y atractivas. Una figura clave en este movimiento es el compositor francés Pierre Schaeffer, quien se obsesionó con encontrar nuevas formas que el sonido pudiera tomar, y finalmente creó el "Concrete Music Research Group", un colectivo que, a través de innovaciones técnicas y compositivas, traería experimentos sonoros. limitar. Aunque este nombre no significa más que la obvia "música específica", fueron Schaeffer y el grabador egipcio Halim El-Dubh quienes desafiaron las nociones preexistentes de composición y grabación y, como resultado, cambiaron para siempre el curso de la música. desarrollo.
Nuevo jack swing
A veces denominado "swingbeat", hubo un período a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990 en el que el nuevo swing de gato era inevitable. A menudo asociado con productores de R&B y pop como Teddy Riley y Jam & Lewis, este sonido fue ejemplificado por duras baterías digitales, a menudo grabadas con el Roland TR-808, para crear el tipo de "ritmo orquestal" que dio brillo a muchos de esa época., lustre metálico. La combinación de varios términos de jerga en el artículo de Village Voice sobre Riley fue la primera vez que se introdujo New Jack Swing, y pistas como el legendario Control de Janet Jackson y gran parte del pico de popularidad de Bobby Brown se convirtieron en típicos de este sonido. Sin embargo, junto con la popularidad vino la sobresaturación, y ahora el nuevo jack swing se recuerda más como una marca de tiempo de producción de la época que cualquier otra cosa.(Aunque las primeras grabaciones de Janet todavía suenan duras hoy).
Duro
Hardcore puede significar diferentes cosas para diferentes géneros, pero ya sea que hable de hardcore punk rock o de música de baile hardcore, la "intensidad" será la característica clave. Curiosamente, los orígenes definitivos del término se remontan a la era punk, y esto se debe al hecho de que DOA nombró su segundo LP, 1981, "Hardcore ’81", popularizando así el término. Desde entonces, ha adquirido muchas otras variaciones, pero si ves que algo está indicado como hardcore, lo más probable es que recibas un castigo por tus oídos.
IDM
IDM es un acrónimo de "música de baile intelectual" con el que muchos DJ y otros artistas electrónicos comerciales han estado en desacuerdo durante mucho tiempo (después de todo, ¿qué están haciendo, música de baile "tonta"?). Sin embargo, a principios de los 90, esta clasificación se utilizó para definir una marca de música electrónica cada vez más cerebral, a veces desafiante, sin ánimo de lucro, que surgió del ambiente a finales de los 80. Warp Records ha sido durante mucho tiempo el hogar de los pioneros del ambient electro, y las obras de artistas como Aphex Twin, The Orb, Autechre y el pionero alemán de glitch Oval se encuentran bajo la clasificación IDM. En un momento, IDM se hizo cargo de los servidores de listas de Internet con mayor sintonía musical, impulsando la revolución de los fanáticos en línea que llevó a que los foros de mensajes y los blogs comenzaran a tener un gran impacto en el discurso de Internet en las décadas siguientes.
Taladro
La música rap siempre ha tenido su parte de destacados pop y giros y vueltas en la dirección oscura y autobiográfica, pero "Drill" fue algo completamente diferente. Habiendo aparecido principalmente en Chicago poco antes de la década de 2010, los artistas de drila no temían retratar las cosas crueles y trágicas que presenciaron en la calle, sin escatimar detalles. Era diferente de otros géneros, como la violencia ficticia del núcleo del terror, porque dril siempre tuvo un carácter más personal, dando a las letras un oscuro sentido de seriedad, y los ritmos eran a menudo igual de oscuros. Etimológicamente, "taladrar" es un argot de represalia, pero su uso varía, al igual que el hecho de que "taladrar" como género está más determinado por sus temas que por su sonido específico. Hay variedades notables de dril británicos y de Brooklyn,pero artistas como Chief Keef y productores como Lex Luger tienen mucho poder sobre una escena que parece haberse infiltrado recientemente en el rap mainstream.
Ska
La música ska tiene su origen a fines de la década de 1950 en Jamaica, y desde entonces ha habido varias olas, la "tercera ola" de las cuales ha llevado a la fama en los Estados Unidos de artistas como The Mighty Mighty Bosstones, Operation Ivy y sin duda. Sin embargo, ¿el término "ska" en sí mismo? Nadie sabe realmente de dónde vino, pero la mayoría de las historias involucran a la bajista Clouette Johnson. Su grupo Clue J & His Blues Blasters fue una de las primeras bandas de ska en la escena, y varios de sus miembros pasaron a formar parte de The Skatalites, que todavía están activos hasta el día de hoy. Muchos dicen que el género recibió su nombre de que Johnson le dijo a otro miembro de la banda que tocara la guitarra de una manera ska ska ska, pero otros lo niegan. Cualquiera que sea el nombre que haya surgido, lo más probable es que sea onomatopoyético de una forma u otra, y hasta entonces,Mientras tengamos estas líneas de cuerno de jazz y ritmo rápido, siempre tendremos ska.
Dubstep
Lo interesante del dubstep es cómo ha cambiado su significado en una década. Aparecido originalmente a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000, una remezcla "dub" de algo a menudo significaba una revisión sincopada, a menudo relacionada con el reggae, de una canción, ya sea un cambio melódico o una reelaboración representativa. Sin embargo, las mezclas de dub han dado paso al "dubstep", un nuevo tipo de género beat que surgió del movimiento garage en el Reino Unido. Los primeros álbumes de dubstep de bandas como Burial fueron reconocidos por su atmósfera fría y sus rupturas emocionales. Sin embargo, el término para el género cambió de nuevo con la aparición del movimiento un tanto burlón "brostep", en el que artistas como Skrillex reinaban de forma suprema con sus explosivos impulsos rítmicos y otros efectos de la arena-EDM.
Honky-tonk
Un diccionario describe el origen de la palabra "honky-tonk" como un "compuesto de rimas a base de bocinazo". Es una manera increíble de retratar una frase que funciona como género y como tipo de lugar. Honky-tonk puede significar un bar donde se toca música country, y el género en sí a menudo se ve como la música de piano que se puede escuchar en un antiguo salón. Descrito por algunos como "más interesado en el ritmo que en la melodía", el honky-tonk se ha adaptado en una variedad de contextos, que van desde el boogie-woogie en el piano hasta el estilo de composición de estilo country de los grandes de la "edad de oro". como George Jones y Hank Williams.
Hip hop
Podríamos hacer una lista completa que describa la simbiosis de todos los subgéneros enormemente diferentes del rap (como boom-bap, crunk, grime y trap), pero todos tienden a caer bajo un marcador cultural común: el hip-hop. Aunque en la terminología de la posguerra "hippie hop" se usaba comúnmente para referirse a las fiestas en casas de adolescentes, muchos se refieren al Gran Maestro Flash y los Cinco Furiosos Keith Cowboy (Keith Wiggins), que usaba "hip" y "hop" como un sargento en un marcha militar. grita "izquierda-derecha-izquierda". La frase "hip-hop" rápidamente se hizo popular después de las presentaciones en vivo de Furious Five, y la frase en sí se usó en el verso de apertura del icónico sencillo "Rapper’s Delight" de The Sugarhill Gang. Hoy en día, el hip-hop está menos relacionado con un estilo de música específico y más con toda la cultura (moda, arte, etc.) que creció a su alrededor.
Hyperpop
Quizás uno de los fenómenos más nuevos en esta lista, el "hiperpop" se usa para definir una forma de pop que empuja los límites de la música y que aún acentúa un gancho pegadizo, pero rompe todas las reglas de la producción musical. Esto se debe en gran parte al colectivo PC Music dirigido por el productor AG Cook y que pronto dio lugar a artistas tan influyentes como Sophie y Charli XCX. Mientras se regocijan y ridiculizan la cultura del consumo, los artistas del "hiperpop" pueden crear música explosiva y feliz, porque una canción de 100 Gecs puede rascarte los oídos con el sonido atonal de los parlantes y, al mismo tiempo, quedarse atascado en tu cabeza durante varias semanas. Los artistas y fanáticos de Hyperpop a menudo (pero no exclusivamente) se identifican a sí mismos como insectores. Esto es música pop, pero la parte "hiper" va más allá de las simples comparaciones con el hardcore feliz, porque hay una nueva generación en ella,futurismo y, más a menudo, retrofuturismo. A pesar de que el hiperpop solo ha aparecido en los últimos años, parece que está a la vuelta de la esquina.
Bossa Nova
No importa cuán común fuera la bossa nova en el reino de la samba, su origen tuvo lugar relativamente recientemente, a fines de la década de 1950. Traducido del portugués, "bossa nova" significa "nueva tendencia" o "nueva dirección", en particular en el sentido de que este género tomó los elementos rítmicos de la samba y los recreó usando la guitarra clásica en lugar de la percusión más tradicional. El legendario guitarrista João Gilberto y el futuro autor de la canción “La chica de Ipanema” Antonio Carlos Jobim son a menudo considerados los “padres del boss nova”. Tras el éxito de Sergio Mendes y Brazil 66, varios artistas de jazz estadounidenses comenzaron a hacer sus propias grabaciones de bossa nova en la década de 1960, lo que llevó el género a la aclamación mundial y arrojó luz sobre este aspecto notable de la cultura brasileña.
Nueva era
O, como algunos llaman en broma al género, "la música de Wyndham Hill". Aunque este sello discográfico en particular era conocido por inundar el mercado con bandas sonoras maravillosas y casi cómicamente obvias para spas de día y salones de masajes en los años 80 y 90, la música New Age está muy cerca de la música ambiental. Si bien la música ambiental a menudo es completamente instrumental y puede ser relajante o desconcertante según el propósito artístico de la pieza, New Age está específicamente diseñada para elevar el estado de ánimo y el centro, para calmar y relajarse. New Age fue originalmente un movimiento sin fines de lucro, pero en la década de 1980, a través de catálogos y anuncios de CD y casetes en las tiendas desde casa, los artistas de New Age se afianzaron en la conciencia de masas sin el apoyo de las principales discográficas (de ahí el exceso de Windham Hill productos).El género obtuvo su nombre más cercano debido a su asociación con el movimiento de espiritualidad New Age de la década de 1970, que barrió Occidente y ofreció formas alternativas de encontrar la paz interior, y ciertos casetes, y más tarde CD, sirvieron de acompañamiento musical a este movimiento.
casa
Según un presentador de noticias poco informativo de los años 80, "La música house se creó por primera vez en las casas de sus creadores". Esto es cierto hasta cierto punto, pero la producción masiva de productos electrónicos en la década de 1980 dio a las personas más acceso a equipos de estudio sin tener que pedir tiempo de estudio (incluso si ese equipo era a veces prohibitivamente caro). Sin embargo, los verdaderos orígenes de la música house, como se la conocía, se remontan a Chicago a principios de la década de 1980. Allí, en el vecindario West Loop de Chicago, DJ Frankie Knuckles puso en movimiento el Warehouse ahora cerrado, tomando canciones disco y rehaciéndolas en formas más largas y, a veces, más sustanciosas. En ese momento, Knuckles y otros DJ de ideas afines como Ron Hardy estaban creando un sonido de percusión, que inspiró nuevos estilos de baile (como "footwork" y "jacking") y sigue siendo influyente hasta el día de hoy.
Zydeco
Aunque hay muchas variedades interesantes y sabrosas de música cajún, reconocerá inmediatamente la canción zydeko cuando la escuche. Composiciones típicas de blues con influencias criollas y nativas americanas, el sello distintivo de las composiciones de zydeco es el acordeón de piano, que a menudo ocupa un lugar central en la mayoría de las composiciones (también se destaca la percusión en la tabla de lavar). El término "zydeco" no tiene una raíz específica, pero muchos dicen que proviene de la pronunciación del idioma francés "les haricots ne sont pas salés", que significa "frijoles sin sal". Esta expresión de dificultad tiene poco que ver con las melodías generalmente divertidas asociadas con zydeco, pero como todo lo que tiene que ver con zydeco, no tiene que tener sentido para sonar bien.
Punk
Mucho antes de que la música punk fuera definida por mohawks y guitarras ruidosas, el término "punk" se ha utilizado durante siglos, comenzando con Shakespeare (que lo utilizó en Jolly Wives y Measure for Measure de Windsor para describir a las mujeres con baja responsabilidad social "). Chicago Tribune utilizó el término por primera vez para describir a The Fugs en 1970, pero fue adoptado por The Cream, Rolling Stone y otros críticos conocidos. Aunque el garage rock de los sesenta fue llamado "garage punk" en las retrospectivas de los setenta, The Stooges y The New York Dolls fue una de las primeras bandas contemporáneas en recibir la designación de "punk". Desde entonces, el nombre de un rock tan impulsivo y anti-establishment se ha mantenido y los fanáticos del punk nunca miraron hacia atrás.
Ambiente
Eric Satie, el compositor que creó algunas de las melodías más bellas del mundo en forma de Gymnopedias, una vez probó suerte en un nuevo estilo de composición, al que llamó "música de muebles". A pesar de que esta música era viva y rica en cambios y melodías, todavía la concibió como una música que debería sonar de fondo y no llamar la atención por completo. ¿El nombre francés para "música de muebles"? Musique d’ameublement. En las décadas siguientes, han surgido varias formas de música y composiciones sin estructura o basadas en el estado de ánimo, destinadas a cambiar el estado de ánimo en formas distintas de las canciones como las conocemos tradicionalmente. Sin embargo, la grabación de 1975 de Brian Eno de "Discreet Music" se consideró un gran avance en la definición del género contemporáneo de la música ambiental, y finalmente lo consolidó.llamando a su grabación experimental de 1978 "Ambient 1: Music for Airports", cimentando para siempre el nombre del género en la mente del público.
Blues
Generalmente se acepta que el "blues" se llama así porque la letra refleja cierta tristeza o nostalgia. La poeta y activista Charlotte Fortin escribió una vez que canciones como esta "no se pueden cantar sin un corazón lleno y un espíritu inquieto", un sentimiento que los músicos de blues han llevado consigo durante más de un siglo. Algunos dicen que el término blues deriva de una expresión del siglo XVII. "blue devils", que se pensaba que era lo que una persona ve en estado de ebriedad (y a veces melancólica). A medida que las canciones se desarrollaron a fines del siglo XIX y comenzaron a grabarse a principios del siglo XX, la música blues pasó a incluir de todo, desde temas espirituales negros hasta canciones de trabajo. y baladas, a veces divertidas, pero a menudo plagadas de dolor y privaciones. El blues más tarde sirvió como base para todo, desde el jazz hasta el rock and roll.
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