Arte egipcio: tipos, características, historia Traductor traducir

La cultura egipcia, que contribuyó en gran medida al arte del Neolítico tardío, es probablemente la forma de arte antiguo más conocida de la cuenca mediterránea antes de la llegada de la civilización griega (c. 600 a.C.). La arquitectura del Antiguo Egipto, por ejemplo, es mundialmente famosa por sus extraordinarias pirámides egipcias, mientras que otras características únicas del arte del Antiguo Egipto incluyen una escritura basada en imágenes y símbolos ) jeroglíficos) y un meticuloso estilo hierático de pintura y escultura en piedra. La civilización egipcia estuvo marcada por la geografía del país y las costumbres políticas, sociales y religiosas de la época. Protegidas por las fronteras del desierto y sostenidas por las aguas del Nilo, las artes y la artesanía egipcias se desarrollaron en gran medida sin obstáculos (por invasiones externas o luchas internas) durante muchos siglos. El faraón (que originalmente significaba «palacio») era venerado como gobernante divino (presumiblemente una encarnación del dios Horus), pero generalmente mantenía un férreo control a través de una estricta jerarquía burocrática cuyos miembros a menudo eran nombrados en función de la autoridad.

Para una comparación moderna, véase: Arte mesopotámico (ca. 4500-539 a.C.) y Escultura mesopotámica (ca. 3000-500 a.C.). Sobre pintura, cerámica y escultura orientales, véase: Arte de China . También: Arte neolítico en China (7500), y también: Arte tradicional chino .

La función del arte egipcio era doble. En primer lugar, glorificar a los dioses, incluido el faraón, y facilitar el paso del hombre a la otra vida . En segundo lugar, para defender, promover y preservar los valores de la época. Debido a la estabilidad general de la vida y la cultura egipcias, todas las artes, incluidas la arquitectura y la escultura, así como la pintura, la orfebrería y la joyería, se caracterizaban por una adhesión muy conservadora a las normas tradicionales que favorecían el orden y la forma frente a la creatividad y la expresión artística. Las artes decorativas incluían los primeros ejemplos de nail art (decoración de uñas).

La cultura egipcia se desarrolló a lo largo de tres mil años, periodo que suele dividirse de la siguiente manera:

Período de las Dinastías Tempranas ; Reino Antiguo (2680-2258 AEC); Reino Medio (2134-1786 AEC.); Reino Nuevo (1570-1075 a.C.), incluyendo el controvertido periodo de Amarna, el reinado de Amenhotep (Ehnaton) (1350-1320 a.C.). Le siguieron el Periodo Intermedio hasta la Era Ptolemaica (323-30 a.C.) y el periodo de dominación romana (30 a.C.-395 d.C.).

El símbolo de la antigua civilización egipcia son las pirámides, la mayoría de las cuales se construyeron durante los periodos del Reino Antiguo y Medio, cuando el poder del faraón era absoluto. Aún hoy, los arqueólogos y egiptólogos no comprenden del todo el significado de estos monumentos funerarios y tumbas. La Gran Pirámide de Guiza (h. 2565 a.C.), testimonio de la organización social y el ingenio arquitectónico de la antigua cultura egipcia, sigue siendo el único monumento superviviente incluido en la lista de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo elaborada por el poeta griego Antípatro de Sidón.

Artistas y artesanos egipcios

Los escultores y pintores egipcios no eran artistas en el sentido moderno de persona creativa. El arte egipcio antiguo era más bien obra de artesanos asalariados que recibían formación y trabajaban en equipo. El artesano principal podía ser muy versátil y trabajar en muchas ramas del arte, pero su participación en la creación de una estatua o la decoración de una tumba era anónima. Orientaba a sus ayudantes en su trabajo y ayudaba a formar a los novatos, pero su contribución personal no podía valorarse.

Los artistas trabajaban juntos en todas las fases de su oficio. El boceto o dibujo inicial lo realizaban uno o varios, seguidos de otros que esculpían las etapas intermedias y finales. Los artistas seguían el mismo patrón.

Cuando las escenas quedaban inacabadas, los artesanos más experimentados corregían el trabajo de los menos hábiles. Muchos artesanos alcanzaron posiciones influyentes y sociales, como sabemos por sus propios monumentos funerarios. Imhotep, el arquitecto que construyó el complejo piramidal escalonado para el rey Djoser en 2660-2590 a.C., fue tan venerado en épocas posteriores que fue deificado. Sin embargo, se creía que el mérito de cualquier obra de arte pertenecía al mecenas que la había encargado.

Reglas de la pintura

La civilización egipcia era muy religiosa. Así, la mayoría de las obras de arte egipcias incluyen representaciones de muchos dioses y diosas, uno de los cuales era el faraón. Además, el respeto de los egipcios por el orden y los valores conservadores llevó al establecimiento de complejas reglas sobre cómo los dioses y los humanos podían ser representados por los artistas.

Por ejemplo, al dibujar figuras, su tamaño se calculaba únicamente en función del estatus social de la persona, en lugar de según las reglas artísticas habituales de la perspectiva lineal . La misma fórmula para representar la figura humana se ha utilizado durante cientos, si no miles, de años. La cabeza y los pies están siempre de perfil; los ojos y la parte superior del cuerpo, de frente. Para las esculturas y estatuas egipcias, las reglas establecen que las estatuas masculinas deben ser más oscuras que las femeninas; cuando están sentadas, las manos del sujeto deben estar sobre las rodillas. Los dioses también se representaban según su posición en la jerarquía de deidades y siempre con la misma apariencia. Por ejemplo, Horus (dios del cielo) se representaba siempre con cabeza de halcón, Anubis (dios de los ritos funerarios) siempre con cabeza de chacal.

El uso de pigmentos

El uso del color en las pinturas egipcias también estaba regulado y el color se utilizaba simbólicamente. Los artistas egipcios utilizaban seis colores en sus pinturas: rojo, verde, azul, amarillo, blanco y negro. El rojo, como color del poder, simbolizaba la vida y la victoria, así como la ira y el fuego. El verde simbolizaba la vida nueva, el crecimiento y la fertilidad; el azul, la creación y el renacimiento; y el amarillo, lo eterno, como las cualidades del sol y el oro. El amarillo era el color de Ra y de todos los faraones, por lo que los sarcófagos y las máscaras funerarias se hacían de oro para simbolizar al faraón eterno y bxsmortal que ahora era un dios. El blanco era el color de la pureza, simbolizaba todo lo sagrado y se utilizaba habitualmente en los objetos religiosos y en los instrumentos empleados por los sacerdotes. El negro era el color de la muerte y representaba el inframundo y la noche.

Para más información sobre los pigmentos de colores utilizados por los artistas en el antiguo Egipto, véase: La paleta de colores de los artistas egipcios .

El arte egipcio y la vida después de la muerte

Casi todas las pinturas que se conservan del antiguo Egipto se encontraron en las tumbas de faraones o altos funcionarios del gobierno y representan escenas de la vida después de la muerte. Estas pinturas, conocidas como arte funerario, representaban narraciones de la vida después de la muerte, sirvientes y objetos como barcos y comida para ayudar a los muertos en su viaje por el más allá. Estas pinturas solían ejecutarse sobre papiro, sobre panel (utilizando colores de cera) o en las paredes como frescos y murales (utilizando témpera). Además, en la tumba se colocaban maquetas (por ejemplo, de barcos, graneros, carnicerías y cocinas) para garantizar el futuro bienestar del difunto.

Dado que el espíritu habitaba el cuerpo, también era crucial protegerlo de la descomposición. El uso de vendas apretadas para momificar el cadáver y la extracción y embalaje de los órganos internos en doseles de cerámica y otros lujosos sarcófagos se generalizaron entre la élite gobernante. Todas estas actividades contribuyeron a sostener una industria nacional de artistas y artesanos egipcios que se afanaban en producir las obras de arte necesarias (pinturas, esculturas, cerámica, alfarería, joyería y metalistería).

La escultura egipcia era altamente simbólica y durante la mayor parte de la historia egipcia no pretendía ser naturalista o realista. Las esculturas y estatuas estaban hechas de arcilla, madera, metal, marfil y piedra, de las cuales la piedra era la más permanente y común. Muchas esculturas egipcias estaban pintadas con colores brillantes.

Además de la arquitectura piramidal, la escultura en piedra, las joyas y los retratos de las momias de Fayum, los artesanos egipcios también son conocidos por su vajilla antigua, especialmente loza egipcia, arte cerámico, desarrollado en Egipto desde el 1500 a.C., aunque comenzó en Mesopotamia. Los talleres de loza más antiguos que se conservan, con hornos de ladrillo modernos, se encontraron en Abydos, en la región del Nilo Medio. La loza egipcia es una cerámica no arcillosa compuesta de polvo de cuarzo o arena, recubierta de una capa vítrea, a menudo hecha con pigmentos de cobre para dar un lustre azul transparente o azul verdoso. Véase Historia de la cerámica .

El reinado del rey Amenhotep (Ehnaton) (1350-1320 a.C.)

El faraón Amenhotep IV (esposo de la reina Nefertiti) instigó una especie de revolución cultural en Egipto . Nacido en el seno del culto de Amón (Amén), una cultura que rendía culto a una amplia gama de dioses, cambió su nombre por el de Ehnaton y, fortalecido por su control sobre el ejército, introdujo el culto únicamente a Atón, el dios del sol. La capital de Egipto y la corte real se trasladaron a Amarna, en el Egipto Medio. Todo ello condujo a una ruptura radical con la tradición, especialmente en artes como la pintura y la escultura. Se volvieron más naturalistas y dinámicas que el arte estático de épocas anteriores, limitado por reglas. En particular, el estilo artístico de Amarna se caracterizaba por una sensación de movimiento y actividad. Los retratos de la nobleza egipcia ya no eran idealizados, y algunos incluso se representaban de forma caricaturesca. La presencia de Atón en muchas imágenes se representaba mediante un disco dorado que brillaba hacia abajo desde arriba.

Tras la muerte de Ehnaton, el siguiente faraón, el niño Tutankhatón, fue persuadido para que regresara a Menfis y cambiara su nombre por el de Tutankhamón, volviendo así a Amón. Como consecuencia, los pintores y escultores egipcios volvieron en gran medida a las antiguas tradiciones, que continuaron hasta la época helenística (a partir del 323 a.C.).

Para una comparación con las primeras obras del Próximo Oriente del arte sumerio (~3000 a.C.), véase: Cordero en un matorral (c.2500 a.C., Museo Británico, Londres), Toro arrodillado con vasija (3000 a.C., Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), y Leona Gennol (3000 a.C., colección privada). En cuanto a la escultura moderna, véanse, por ejemplo, el Toro alado y león con cabeza humana (859 a.C.) del palacio de Ashurnasirpal en Nimrud, y los relieves de alabastro de una cacería de leones que representan a Ashurnasirpal II y Ashurbanipal, ejemplos característicos del arte asirio (ca. 1500-612 a.C.).

Época helenística (323-27 a.C.)

La influencia del arte helenístico griego en los artistas egipcios, un proceso que se aceleró en la época de Ptolomeo, fomentó la representación naturalista de las personas en pinturas y esculturas, y difiere poco del proceso iniciado por Ehnaton. Los retratos se volvieron realistas y se relajaron las reglas del color. Esta tendencia se vio favorecida por el estilo práctico del arte romano.

El ejemplo más conocido de pintura helenístico-egipcia de la época de la Antigüedad clásica es una serie de retratos de momias de Fayum encontrados principalmente en los alrededores del oasis de Fayyum, al oeste del Nilo, cerca de El Cairo. Los retratos de Fayum, un tipo de retrato naturalista muy influido por el arte griego y, en particular, por la pintura griega helenística (323-27 a.C.), se colocaban sobre el lienzo funerario del difunto. Estas pinturas, conservadas en condiciones excepcionalmente secas, se cuentan entre las obras de arte originales más importantes que se conservan de la Antigüedad.

Se pueden ver colecciones de obras de arte egipcias en el Museo Egipcio de El Cairo; el Museo Británico de Londres; el Louvre de París; el Museo Egipcio de Berlín; y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Nota: los gobernantes de Egipto no eran llamados faraones por su pueblo. Sólo los griegos y los judíos utilizaban esta palabra. Sin embargo, hoy en día es el término común para todos los antiguos reyes de Egipto.

Pintura y escultura egipcias: breve resumen

Tallas en relieve

Las primeras figuras talladas y escenas en relieve datan de la prehistoria, cuando los paneles decorativos de pizarra y las crestas de madera, hueso y marfil se enterraban en las tumbas de sus propietarios. Se tallaban con los contornos sencillos y espectaculares de especies familiares del valle del Nilo: antílopes, íbices, peces y aves. Los peines de marfil más elaborados y los mangos de los cuchillos de sílex de marfil, que probablemente tenían algún fin ceremonial, están tallados en relieve, con la escena destacando en el fondo.

Hacia el final del periodo prehistórico la escultura egipcia era inconfundible, aunque hasta ese momento no había grandes monumentos arquitectónicos en los que mostrar la habilidad de los escultores. Por la escasa evidencia de unas pocas figuras talladas en fragmentos de hueso y marfil sabemos que los dioses eran adorados en santuarios construidos con haces de cañas. Los jefes del Egipto prehistórico vivían probablemente en estructuras similares, muy parecidas a las que aún se encuentran en los pantanos del sur de Arabia.

El trabajo de los escultores era evidente en la producción de cabezas de maza y paletas ceremoniales, talladas en honor de victorias y otros acontecimientos importantes y dedicadas a los dioses. Muestran que ya se había formado un estilo escultórico característico, repetido en todos los periodos posteriores de la historia egipcia, y que la tradición de representar la figura humana en parte de perfil y en parte frontal ya estaba establecida. El significado de muchos detalles aún no puede explicarse completamente, pero las representaciones del rey en forma de un poderoso león o un fuerte toro se repiten a menudo en tiempos dinásticos.

Relieves de tumbas

Los primeros relieves que representan al rey golpeando a sus enemigos o acercándose en una pose ritual son algo antinaturales, pero en la III Dinastía la técnica ya estaba muy avanzada. La mayoría de los ejemplos conservados son de piedra, pero los paneles de madera hallados en la tumba de Hesir en Saqqara, 2660-2590 a.C., muestran la perfección de los artesanos (Museo Egipcio, El Cairo). Estas figuras, de pie y sentadas, talladas según las convenciones de los ideales egipcios de masculinidad, enfatizaban de diferentes maneras los diversos elementos de la forma humana.

La cabeza, el pecho y las piernas se muestran de perfil, pero los ojos y los hombros se representan como si estuvieran de frente, y la cintura y las caderas están en tres cuartos. Sin embargo, esta pose artificial no parece torpe gracias a la conservación de las proporciones naturales. La perfección de la técnica, evidente en el fino modelado de los músculos de la cara y el cuerpo, confiere gracia a lo que de otro modo podría parecer rígido y severo. Hesir, portando el bastón y el cetro de su rango, junto con una paleta y un estuche de plumas que simbolizan su posición de escriba real, mira con orgullo y confianza hacia la eternidad. El esmero del artesano no se limita a la figura de su patrón, pues los jeroglíficos que componen la inscripción con el nombre y los títulos del difunto también están tallados con delicadeza y seguridad y son bellas representaciones en miniatura de animales, aves y objetos utilizados en la antigua escritura egipcia. Los animales y aves utilizados como jeroglíficos están representados de perfil.

Los grandes cementerios de Gizeh y Saqqara, donde los nobles y los funcionarios de la corte fueron enterrados junto a sus reyes, ofrecen muchos ejemplos de la destreza de los artesanos de las dinastías IV, V y VI, una habilidad raramente alcanzada en periodos posteriores. La pieza central de estas primeras tumbas era una losa de piedra que representaba al difunto sentado frente a una mesa de ofrendas. Esta última solía colocarse sobre una puerta falsa a través de la cual el espíritu del difunto, llamado Ka, podía seguir entrando y saliendo de la tumba. La idea subyacente era que la imagen mágica de las ofrendas de la estela, activada mediante las fórmulas religiosas correctas, existiría hasta el fin de la eternidad junto con el Ka de la persona a la que se hacían.

En las escenas individuales o en las obras que llenaban una pared desde el techo hasta el suelo, cada figura tenía su propio lugar y no se permitía que abarrotara el espacio que se le había asignado. Uno de los logros más notables de los maestros egipcios era la forma en que llenaban el espacio disponible de forma natural y equilibrada, de modo que las escenas llenas de vida nunca parecían apretadas o abarrotadas.

Las secuencias horizontales o registros de escenas a ambos lados de las estelas funerarias y las puertas falsas de las tumbas de las Dinastías V y VI están llenas de detalles vivos y naturales. Aquí, la vida cotidiana de campesinos y nobles fue captada por el maestro para siempre -las acciones del pastor y el pescador congeladas a medio paso para que el dueño de la tumba estuviera siempre rodeado del bullicio diario de su hacienda. Los temas debían ser típicos de acontecimientos ordinarios, escenas familiares más que ocasiones especiales.

Los maestros egipcios no utilizaban la perspectiva para mostrar la profundidad y la distancia, pero establecieron la convención de que se podían utilizar varios registros, cada uno con su propia línea base, para representar multitudes de personas. Las personas situadas en el registro más bajo se consideraban las más cercanas al espectador, y las situadas en el más alto, las más lejanas. En el Reino Antiguo se encuentran varias escenas de este tipo: por ejemplo, una multitud de portadores llevando los productos de sus posesiones a un noble fallecido en su mesa funeraria, o escuadrones de hombres representados arrastrando una gran estatua. Las estatuas representadas en relieves, al igual que los jeroglíficos, aparecen de perfil, en contraste con las figuras de los hombres que las arrastran. Sin embargo, quizá las escenas más famosas que muestran la proximidad y la distancia sean las escenas pintadas de los banquetes del Reino Nuevo, en las que numerosos invitados, vestidos con sus mejores ropas, se sientan en filas frente a sus anfitriones.

Los registros también podían utilizarse para representar diferentes etapas de una secuencia de acciones en evolución, como los fotogramas de una película de dibujos animados. En el Reino Antiguo, los acontecimientos importantes del año agrícola se suceden en las paredes de muchas tumbas: el arado, la siembra, la cosecha y la trilla del grano están fielmente representados. Los pastores trabajan en los pastos cuidando el ganado tan apreciado por los antiguos egipcios, mientras que otras escenas representan la captura de aves acuáticas en las marismas del Nilo y la pesca en el propio río. También se representan otras actividades domésticas, como la panadería y la fabricación de cerveza, vitales para la existencia eterna del noble difunto; otras escenas muestran a carpinteros, alfareros y joyeros trabajando.

Fue en estas escenas de la vida cotidiana donde el escultor pudo hacer uso de su iniciativa y liberarse en cierta medida de las ataduras de las convenciones. El difunto y su familia debían ser representados en las poses rituales descritas: más grandes que el natural, estrictamente proporcionados, siempre tranquilos y algo distantes.

Los trabajadores rurales de las haciendas, sin embargo, podían ser representados en sus tareas cotidianas de forma más relajada, transmitiendo algo de la vivacidad y energía que debían caracterizar a los antiguos egipcios. Mientras que los portadores de ofrendas, que simbolizan las ofrendas funerarias de la hacienda a su señor, son representados avanzando hacia él en una procesión formal y señorial, los campesinos que trabajan en el campo parecen robustos y enérgicos. Se inclinan hacia el arado y golpean a los burros, atienden al ganado y llevan a hombros pequeños terneros sin miedo a los cocodrilos que acechan en los pantanos.

Los detalles naturales utilizados para rellenar los extraños rincones de estas escenas funerarias muestran el placer con el que los antiguos artesanos egipcios observaban su entorno. Pájaros, insectos y grupos de plantas sirven para equilibrar y completar el cuadro. Los resultados de una observación minuciosa pueden apreciarse en los detalles que distinguen las especies de aves y peces que habitan los juncos y las aguas poco profundas de las marismas.

Poco ha sobrevivido de los relieves que adornaban los templos reales de principios de la V Dinastía, pero un fragmento de una escena de caza en las marismas ha sobrevivido del templo funerario del primer rey, Userkaf, hacia 2460 a.C. (Museo Egipcio, El Cairo). El aire sobre las graciosas cabezas de juncos de papiro está animado por aves, y el fino tallado las hace fácilmente distinguibles incluso sin añadirles color. La abubilla, el ibis, el martín pescador y la garza son inconfundiblemente reconocibles, y la gran mariposa que revolotea sobre ellos añade el toque final.

Bajo relieve

La tradición de la decoración en bajorrelieve, con figuras que sobresalen ligeramente del fondo, continuó durante la VI Dinastía y el Reino Medio, cuando se utilizó especialmente en los monumentos reales. Se conservan pocos fragmentos de este tipo de monumentos, pero los jeroglíficos esculpidos en la pequeña capilla de Sesostris I, actualmente reconstruida en Karnak, atestiguan el toque seguro y delicado de los artesanos. A finales del Reino Antiguo, el relieve se combinó con otras técnicas, como la incisión, en la que simplemente se tallaban líneas en la piedra, sobre todo en monumentos no pertenecientes al reino, y el resultado era a menudo muy agradable desde el punto de vista artístico.

Un excelente ejemplo es la estela funeraria de piedra caliza de Neanhthethi, c. 2.250 a.C. (Merseyside County Museums, Liverpool). La parte principal de la estela -la figura y la inscripción horizontal sobre ella- está en relieve, pero el panel vertical de jeroglíficos repite su nombre con un título diferente, y el símbolo del escriba -la paleta y la pluma necesarias para iniciar ambas líneas- se utiliza una sola vez, en el punto donde las líneas se cruzan. El resultado es un diseño perfectamente equilibrado, y constituye una agradable variedad en los tipos de estelas talladas en tiempos del Reino Antiguo.

La estela de Hotepa, tallada durante el periodo del Reino Medio, 2000-1800 a.C. (Merseyside County Museums, Liverpool), muestra una evolución posterior. Las figuras de tres funcionarios de pie y los signos jeroglíficos están claramente tallados en el duro granito rojo. Los signos y las figuras se rellenaron originalmente con pigmento azul para que contrastaran con la superficie roja pulida de la piedra.

Relieve hundido

El relieve hundido se puso de moda durante el Reino Medio, y se utilizó con gran éxito en la XVIII y principios de la XIX dinastía. El fondo no se recortaba, como en el bajo relieve, para que las figuras se elevaran por encima del nivel del resto de la superficie. En su lugar, el relieve se tallaba en la superficie lisa de la piedra. Bajo la intensa luz del sol egipcio, los detalles tallados destacaban bien, pero el relieve rebajado estaba mejor protegido de la intemperie y, por tanto, era más duradero.

La pintura egipcia

La pintura en el antiguo Egipto se desarrolló en la misma línea que las escenas en relieve esculpido, y a menudo se combinaron ambas técnicas. Los primeros ejemplos de pintura aparecen en el periodo prehistórico en forma de motivos y escenas sobre cerámica. Nuestros conocimientos dependen en gran medida de lo que ha sobrevivido, y los fragmentos son necesariamente escasos debido a la fragilidad del material. Se conocen partes de dos escenas que representan figuras y barcos, una sobre lino y la otra en la pared de una tumba. En las paredes de las tumbas reales de la Primera Dinastía se conservan paneles con motivos de vivos colores, que representan las esteras y colgaduras tejidas que adornaban las paredes de las grandes casas. Estos motivos se repiten una y otra vez a lo largo de la historia egipcia en muy diversas variantes. Algunos de los mejores se pueden ver en los laterales de los ataúdes rectangulares de madera encontrados en las tumbas de los nobles del Reino Medio en Beni Hasan y en otros lugares, hacia 2000-1800 a.C.

Pintura funeraria egipcia

Las primeras pinturas representativas en el inconfundible estilo tradicional egipcio datan de las dinastías III y IV. Las más conocidas son probablemente los fragmentos de la tumba de Itet en Medum, c. 2.725 a.C., que representan grupos de gansos formando parte de una gran escena de caza en los pantanos (Museo Egipcio, El Cairo). Los gansos, de varias especies, aparecen más bien primitivos entre macizos de vegetación estilizada, pero las marcas están cuidadosamente elegidas y los colores son naturales y sutiles.

Durante todo el Reino Antiguo se utilizó pintura para decorar y acabar los relieves de piedra caliza, pero durante la VI Dinastía las escenas pintadas empezaron a suplantar a las escenas en relieve en las tumbas privadas por motivos económicos. Era más barato encargar escenas pintadas directamente en las paredes de las tumbas, aunque su magia era igual de eficaz.

Durante el Primer Periodo Intermedio y el Reino Medio, los ataúdes rectangulares de madera de la nobleza solían pintarse con gran esmero, convirtiéndolos en verdaderos hogares para los espíritus de los muertos. En el exterior de los ataúdes se inscribían los nombres y títulos de sus propietarios y se invocaba el patrocinio de diversos dioses. El resto de las superficies se cubría con paneles de vivos colores que imitaban las paredes de las casas cubiertas con esteras tejidas, con ventanas y puertas decoradas con complejos motivos geométricos. Se prestaba mucha atención «a la puerta falsa» situada en la parte de la cabeza del ataúd, por la que el ka podía entrar y salir a voluntad. Este panel siempre representaba los dos ojos sagrados del halcón, el dios del cielo Horus, que permitían al difunto mirar hacia el mundo de los vivos.

Las superficies interiores de los ataúdes se pintaban a veces con ofrendas hechas al difunto para asegurar su continuidad en la otra vida. La pieza central era una mesa de ofrendas repleta de pan, carne y verduras. También era importante la lista de ofrendas rituales, y se representaban con detalle objetos personales como armas, báculos, vasijas de barro y piedra y prendas de vestir. Se dibujaban tocados en la cabeza y pares de sandalias de repuesto en los pies.

Estos ataúdes se colocaban en las pequeñas cámaras excavadas en la roca de las tumbas del Alto Egipto, donde la piedra es a menudo demasiado áspera o se desmorona para proporcionar una buena superficie para la pintura. Sin embargo, se conservan fragmentos de pinturas murales, y en algunas tumbas pueden verse animadas escenas de caza en el desierto o de labores agrícolas. La aguda capacidad de observación también permitió la creación de temas inusuales, como hombres luchando o niños jugando, mostrados en secuencia como una serie de fotogramas de una película en movimiento. Otros cuadros están pintados con gran maestría. Parte de una escena en un pantano de una tumba de Beni Hasan, hacia 1.800 a.C., representa a un grupo de pájaros sobre una acacia. Las hojas del árbol, que parecen alas, están muy bien dibujadas, y los pájaros -tres zorzales, una abubilla y un pato de garganta roja- son fácilmente reconocibles.

Sin embargo, la verdadera pintura funeraria se hizo patente en el periodo del Reino Nuevo, especialmente en las tumbas de la gran necrópolis de Tebas. Aquí, la piedra caliza era por lo general demasiado pobre y escamosa para la talla en relieve, pero la superficie podía enlucirse para proporcionar una base al artista. Como siempre, se siguieron las convenciones tradicionales, sobre todo en las escenas formales que representan a un muerto, donde aparece más grande que su familia y acompañantes. Sin embargo, al igual que quienes esculpían los relieves del Reino Antiguo, los artistas podían usar su imaginación para los pequeños detalles que llenaban las escenas de mayor tamaño. Los pájaros y animales de los pantanos, normalmente representados de perfil, tienen marcas cuidadosamente dibujadas que dan la impresión de pelaje y plumas reales; y sus acciones son a veces muy realistas. En la tumba de Nebamun, hacia 1.400 a.C., un gato de caza, que ya ha agarrado un pájaro con sus garras, salta para agarrar un pato con la boca.

Los fragmentos que ilustran un banquete de la misma tumba dan la impresión de que el artista no sólo poseía una habilidad excepcional, sino que también se complacía en experimentar con detalles inusuales. Los nobles invitados están sentados en filas formales, pero los sirvientes y animadores no eran tan importantes y no tenían por qué conformarse de este modo. Los grupos de mujeres músicas se arrodillan con gracia en el suelo, con las plantas de los pies vueltas hacia el espectador, y dos de un grupo están representadas casi de frente, lo que es muy poco frecuente. La ligereza y la alegría de la música se transmiten por sus cabezas inclinadas y el movimiento visible de las pequeñas trenzas de sus cabellos hábilmente trenzados. El movimiento animado se prolonga con una pareja de jóvenes bailarinas, representadas de perfil, cuyas palmas y pies voladores se representan con gran sensibilidad. Otra particularidad es el sombreado de las plantas de los pies y de los vestidos plisados de los músicos.

Frescos egipcios

La pintura no sólo adornaba las paredes de las tumbas del Reino Nuevo, sino que daba gran belleza a las casas y palacios de la gente viva. Los frescos que representaban juncos, agua, aves y animales adornaban las paredes, techos y suelos de los palacios de Amarna y otros lugares; pero después de la dinastía XIX la calidad de este tipo de pintura disminuyó constantemente. En menor escala, la pintura sobre papiro, muebles y ataúdes de madera siguió siendo de gran calidad hasta los últimos periodos de la historia egipcia, aunque también hubo muchas obras de calidad inferior producidas en serie.

Técnicas artísticas de talla en relieve y pintura

Antes de empezar a tallar o pintar en relieve, era necesario preparar la superficie, ya fuera piedra o madera. Si la superficie era buena, a menudo bastaba con nivelarla, pero las imperfecciones debían enmascararse con yeso. En la época del Reino Nuevo, se enlucían paredes enteras y, a veces, se tallaban en el yeso relieves con exquisitos detalles. Normalmente se utilizaba enlucido de barro cubierto con una fina capa de yeso fino.

La siguiente etapa era el boceto: se esbozaban las escenas, a menudo en rojo, con un pincel o una pluma de caña de escriba. Esta etapa era muy importante, sobre todo cuando se proyectaba una escena compleja con un gran número de figuras, o cuando había que cubrir toda la pared con elementos dispuestos en registros horizontales. Algunos maestros tenían la suficiente confianza como para utilizar la mano libre, pero lo más frecuente era utilizar como guía líneas horizontales y verticales que se entrecruzaban. Podían trazarse con una regla o presionando fuertemente los extremos de un cordel pigmentado y pasándolo por la superficie. Muy pronto en la historia de Egipto se fijaron las proporciones de la cuadrícula, de modo que las figuras humanas se dibujaban según un canon establecido. Como la decoración de algunas tumbas nunca se terminó, las líneas de la cuadrícula y los bocetos son claramente visibles, junto con las correcciones realizadas por los artesanos.

La siguiente etapa en la creación del relieve consistía en tallar los contornos correctos y reducir el nivel circundante hasta que la escena era una serie de figuras planas que se erguían sobre el fondo del relieve. A continuación, se recortaban los últimos detalles y se nivelaba la superficie para pintarla. Las correcciones y modificaciones de la talla podían ocultarse bajo una capa de yeso antes de aplicar la pintura.

El artista trabajaba directamente sobre un boceto en una superficie plana y comenzaba con un fondo. Se rellenaba con un solo color, gris, blanco o amarillo, utilizando un pincel hecho con una ramita recta o una caña con las fibras arrancadas. A continuación se dibujaban grandes secciones de figuras humanas, se aplicaba el color de la piel y se pintaban las prendas de lino. Los detalles finos, como las marcas de animales y pájaros o los pétalos de un collar ornamental, se terminaban con un pincel o una pluma más finos. Los pigmentos se preparaban a partir de sustancias naturales como el ocre rojo y amarillo, la malaquita en polvo, el hollín y el yeso. A partir de unos seis colores básicos, se podían mezclar muchos tonos intermedios.

Se utilizaba agua como medio, a la que a veces se añadía goma, y la pintura se aplicaba en una capa uniforme. En el periodo del Reino Nuevo, se conseguían efectos sutiles utilizando pequeños trazos de pincel o pluma para resaltar el pelo de los animales o las cabezas esponjosas de las cañas de papiro. El sombreado apenas se utilizó hasta mediados de la dinastía XVIII, cuando empezó a emplearse, sobre todo en las escenas de multitudes, para transmitir el sutil arrugado de las prendas de lino.

Arquitectura: tumbas piramidales y templos

La arquitectura egipcia es famosa en todo el mundo por su diseño único de tumbas subterráneas, ejemplificado por las pirámides egipcias de Guiza, y por las obras de arte de las tumbas (momias, esculturas, cerámica y orfebrería) y la Esfinge. Todas las grandes pirámides monumentales se construyeron durante la era de la arquitectura egipcia primitiva, y sólo algunas más pequeñas se construyeron durante la era de la arquitectura egipcia del Reino Medio . Después de esto vino la edad de oro de la arquitectura egipcia del Reino Nuevo, con sus vastos recintos de templos en Karnak y Luxor, tras lo cual el largo periodo de la arquitectura egipcia posterior fue una clara anticulminación.

Para un breve estudio del arte musulmán, véase: Arte islámico .