Alta escultura griega clásica Traductor traducir

Caracteristicas

Escultura griega clásica temprana dio paso al estilo clásico alto alrededor de 450 a. C. y este último se desarrolló muy rápidamente. Su final no está definido claramente, pero por conveniencia se puede poner alrededor de 400 a. C., cuando se conoce como Clásico Tardío . En la cara, un desprendimiento sereno reemplaza la severidad del Clásico Temprano; la anatomía se vuelve más precisa tanto en general como en particular; las cortinas están elaboradas con un nuevo sentido de propósito; y las poses, de todas formas estatuas, son más fáciles pero compactas. Es un estilo elaborado con una inteligencia mucho más exhaustiva que cualquiera de sus predecesores y, a juzgar por sus estándares, las obras clásicas tempranas parecen torpes y ambas Daedalic y Escultura arcaica Parece ridículo.

[Nota: para biografías de importantes escultores de la antigua Grecia, ver: Fidias (488-431 a. C.), Myron (Activo 480-444), Callimachus (Activo 432-408), Skopas / Scopas (Activo 395-350), Lisipo / Lisipo (c.395-305), Praxiteles (Activo 375-335), Leochares (Activo 340-320).]

En la representación natural de las formas corporales hubo un progreso constante. Esto se ve en su forma más sutil en los troncos de las figuras y, más obviamente, en detalles como el ojo donde el párpado superior pronto se superpone regularmente al inferior, pero aun así se mantuvieron algunas convenciones artificiales en aras de la belleza ideal o la claridad estructural. El perfil griego, por ejemplo, que es de naturaleza anormal, tiene el mérito de hacer que la nariz parezca una parte integral de la cara y no una excrecencia casual, aunque los escultores del Alto Clásico fueron más comprometedores que sus predecesores. Otro avance importante fue la comprensión de la anatomía femenina, que fue alentada por el nuevo y más revelador estilo de cortinas. Se puede contrastar la Nike de Paionios (c. 420 a. C.) con la figura central del Trono de Ludovisi (c. 460 a. C.) o, en la medida en que los peplos pesados ​​lo permitan, el frontón Hippodamia del Olimpia (c. 460 a. C.).

Al mismo tiempo, los escultores progresistas estudiaron los efectos de la actividad en la musculación, dando más importancia al torso a expensas de la cara. Ya sea por esta razón o por algún sentido de propiedad artística, la expresión facial de la emoción se vuelve aún más rara que en el Clásico Temprano, a veces de manera absurda. En una de las metopas del Partenón , que fue tallada ya en los años 440, el Centauro que maneja un Lapith tiene el típico aspecto del alto clásico del desprendimiento pensativo, casi melancólico. Aún más curiosas son las caras refinadas y desapasionadas en las escenas del burdel reproducidas en algunas macetas de Arretine de finales del siglo primero.

Cortinas en alta escultura clásica

Las cortinas típicas del estilo clásico temprano de Arte griego había amortiguado la figura en un sistema de pliegues profundos que en general seguían la línea del cuerpo y las piernas. Si la postura era vertical, los pliegues caían verticalmente; y si la pose estaba inclinada o doblada, también lo era con mayor frecuencia la dirección de los pliegues. Los efectos fueron bastante majestuosos en figuras de pie, pero por lo demás parecían demasiado monótonos y restrictivos para los escultores del Alto Clásico, que consideraban las cortinas como un medio para explicar o enfatizar la anatomía y la acción del sujeto. Sin embargo, aunque su apariencia era más convincente, los nuevos arreglos no eran más fieles a los hechos y se basaban menos en la observación de modelos drapeados que en el estudio de las ilusiones ópticas. Esto es característico de la escultura ideal, que representa la naturaleza no como es, sino como debería ser.

Si uno mira el Penélope (c.460 aC) y luego el Iris (c.435 aC) del frontón oeste del Partenón, ambos tallados completamente en la ronda, las formas del Iris parecen mucho más redondeadas. Lo que produce esta apariencia es la disposición de las cortinas y aquí hay dos innovaciones importantes: ’transparencia’ y ’línea de modelado’. Las cortinas transparentes, o cortinas más precisas que se adhieren a la figura como si fuera un material delgado y húmedo, se habían utilizado para las partes inferiores del korai arcaico tardío y el escultor provincial del trono de Ludovis intentó en el estilo clásico temprano. Pero en el Iris, la transparencia es mucho más sofisticada, modelando particularmente el vientre y los senos por superficies lisas y crestas altas y estrechas; El propósito de estas crestas, por cierto, no era un soplo a la propiedad, ya que la pintura era suficiente para mostrar que la figura estaba vestida, sino para completar el diseño general y también para enfatizar el modelado. Ya sea que las pinturas sugirieran o no transparencia a los escultores del Alto Clásico, su uso del dispositivo fue completamente escultórico.

La ’línea de modelado’ se demuestra muy claramente por el muslo derecho del Iris y también por los muslos de los dioses del friso del Partenón. En el Penélope, los pliegues de las cortinas sobre los muslos aparecen más o menos como líneas rectas, ya sean verticales u oblicuas, y el efecto es plano. En el Iris y los dioses del friso, los pliegues se curvan en la parte superior, como si reprodujeran el perfil del muslo, y este o algún reflejo de visión similar da una impresión de redondez en profundidad, una impresión particularmente necesaria en bajo relieve..

En algunas de las figuras pediculares del Templo de Zeus en Olimpia parece haber un intento de andar a tientas con este truco óptico y puede haber algo por el estilo, aunque menos inteligente, en los pliegues sobre la parte inferior de la otra pierna. del asistente de la derecha en el trono de Ludovisi. En una forma más avanzada, la línea de modelado ocurre, aunque con poca frecuencia, en la pintura de jarrones aproximadamente en la misma fecha, por lo que es probable que haya sido inventada por pintores, que en ese momento no habían desarrollado sombreado y podían indicar redondez y escorzo solo por lineal dispositivos. De todos modos, los escultores habían dominado sus posibilidades en los 440 y el Iris lo muestra en uso no solo en los muslos sino también y más sutilmente en el vientre y alrededor de los senos.

Las cortinas que fluyen detrás de una figura hacen que parezca avanzar, pero el efecto es mucho más convincente si las líneas de las cortinas siguen una doble curva. Esto es obvio en la vista lateral de la Nike de Paionios. Sin las cortinas el estatua Puede parecer que se está equilibrando en un pie, con la cortina no hay duda de que está en movimiento rápido. En Nike, la ’línea de movimiento’ se desarrolla con una exuberancia inusual; Un uso más modesto pero efectivo se produce en el muslo izquierdo del Iris del Partenón, una figura que, incompleta como es, evidentemente corre hacia la izquierda. En el siglo IV, las acroterías del Templo de Asklepios en Epidauro muestran una curiosa extensión del dispositivo; una mujer monta una silla de montar en un caballo al galope y su falda se curva en la dirección en la que se mueve, ya sea por un efecto decorativo ilógico o tal vez, si está a punto de saltar, para indicar su inminente recesión relativamente el caballo. Al igual que la ’línea de modelado’, la ’línea de movimiento’ puede haber llegado a los escultores de la pintura clásica.

De vez en cuando se usaban ’catenarias’ o pliegues en bucle pesados, que ocurren naturalmente en ciertos tipos de vestimenta, en la parte posterior del korai arcaico, pero los escultores del alto clásico usaban catenarias con mayor frecuencia y más sutilmente. En la figura de la balaustrada de Nike que se desabrocha la sandalia, sus puntos de fijación se encuentran a diferentes alturas, a lo largo del brazo izquierdo y la pierna derecha, y el efecto es unir la figura y dar coherencia y gracia a una pose que desnudo sería torpe y desequilibrado. Un uso menos importante del alto clásico de las catenarias es, como en el arcaico, a espaldas de las estatuas drapeadas: es una forma tranquila, digna y económica de tratar su aspecto menos interesante.

Para obtener una lista de las mejores estatuas, estatuillas y relieves producidos durante el período de la antigüedad clásica, consulte: Las esculturas más grandes de la historia . Para revisiones de famosas estatuas posteriores, ver: Venus de Milo (c.130-100 AEC) por Alexandros de Antioquía, y Laocoon y sus hijos (c.42-20 aC) por Hagesander, Athenodoros y Polydorus. Para una guía del neoclasicismo, ver: Escultores neoclásicos .

Además de explotar estos dispositivos especiales, los escultores del Alto Clásico multiplicaron y variaron los pliegues de sus cortinas. La práctica normal en el estilo clásico temprano había sido que los pliegues en cualquier área importante del vestido tuvieran una profundidad y un ancho casi iguales y se colocaran a distancias casi iguales entre sí. Esto se muestra más típicamente en estatuas permanentes como el Auriga de Delfos y con algunas modificaciones en la Hipodamia posterior y más avanzada del Templo de Zeus en Olimpia ; y para efectos menos felices está el Penélope, donde los pliegues son más cercanos, menos profundos y menos regulares, pero pierden grandeza sin ganar vivacidad. (Nota: la clásica estatua griega de Zeus en Olimpia (466-435 aC), esculpida por Fidias, figuraba como una de las famosas Siete maravillas del mundo , por el poeta griego Antípatro de Sidón.)

En el estilo clásico alto de Escultura griega , en general, es la composición general la que determina el espaciado de los pliegues, así como su ancho y profundidad, ahora a menudo mucho mayor que antes, y para evitar la monotonía, existe una variación más detallada en estos detalles y también en los contornos de cada pliegue. Una consecuencia desafortunada de este tratamiento de cortinas es que cuando se rompen las crestas de los pliegues profundos, como ha sucedido a menudo en el transcurso del tiempo, gran parte del efecto original se destruye, ya que el patrón de sombra y luz se altera y los huecos de pliegues que eran invisibles y de difícil acceso ahora muestran sus superficies sin terminar.

[Nota: para obtener información sobre la cerámica de la antigua Grecia, incluida la técnica geométrica, de figura negra, de figura roja y de fondo blanco, consulte: Cerámica griega: historia y estilos .]

Fidias

En las figuras de los frontones del Templo de Zeus en Olimpia, que parecía haber sido tallado alrededor de 460 a. C., solo hay indicios débiles del estilo clásico alto. Dentro de veinticinco años como máximo, como demuestran las esculturas del Partenón, ese estilo se había establecido más o menos por completo.

Si se necesita un maestro individual para dar cuenta de la velocidad y el carácter de este desarrollo, el candidato obvio debe ser Fidias , quienes más tarde escritores griegos y romanos y otros historiadores de arte antiguo considerado el mayor escultor del siglo quinto. Hasta ahora, pocas, si alguna, obras originales de Fidias se han identificado con alguna probabilidad y solo una o dos copias estilísticamente confiables; quizás la llamada ’ Atenea lemniana ’ podría reproducir una de sus primeras obras, de alrededor de 450 a. C.

También está el escultura del Partenón para ser considerado. Según Plutarco, quien escribió en el siglo II dC, Fidias estaba a cargo general del programa de construcción en Atenas, y aunque no es probable que él mismo haya tallado ninguna de las esculturas arquitectónicas del Partenón, por una cosa estaba ocupado. los cuarenta pies escultura criselefantina de Atenea que estaba dentro de él: el estilo general de esas esculturas sugiere la influencia de una sola personalidad. Las metopas, que fueron talladas primero, difieren notablemente no solo en las expresiones y detalles anatómicos de las figuras sino también en la composición del conjunto, por lo que es evidente que tanto los artesanos atrasados ​​como los modernos fueron empleados y solo recibieron instrucciones verbales "Sin cualquier modelo o boceto; pero en el friso y en los frontones, el diseño está unificado y, aunque los diversos artesanos mostraron su individualidad en los detalles, su estilo también tiene una unidad general. Como Fidias era en ese momento la personalidad dominante en la escultura del ático, Es probable que el estilo del Partenón refleje el de Fidias. La composición del friso y los frontones podría ser incluso suya.

Para el personaje del estilo High Classical es fácil confiar demasiado en las esculturas arquitectónicas del Partenón, ya que forman el único gran cuerpo de obras originales de primera calidad que ha sobrevivido. Sin embargo, hay suficientes piezas posteriores para mostrar cómo se desarrolló el estilo. De las inscripciones financieras se deduce que las metopas, el friso y los frontones del Partenón fueron tallados (en ese orden) del 447 al 432 a. C. Aquí el nuevo estilo aparece con claridad y fuerza confiadas. En la próxima generación no hay grandes innovaciones, sino una tendencia hacia la elegancia o la extravagancia. Una curiosidad menor curiosa de este período es un renacimiento limitado de detalles arcaicos modificados, especialmente hileras de rizos de concha de caracol en la parte delantera del cabello; tal vez el objetivo era dar una veneración pasada de moda a las imágenes estáticas de las divinidades.

NOTA: Para escultores posteriores inspirados en la escultura griega clásica, ver: Clasicismo en el arte (desde 800).

Polykleitos

Los grandes escultores del estilo clásico alto fueron lo suficientemente seguros e inquisitivos como para especular sobre su arte, y Polykleitos , quien luego fue considerado el competidor más cercano de Fidias, ambos hicieron una estatua y escribieron un tratado para explicar sus teorías. La mayoría de las sobras que sobreviven del tratado se refieren a proporciones aritméticas detalladas para las partes de la figura humana, aunque la medición de copias del Doryphorus, que pudo haber sido su estatua modelo, y de otras obras de la época, todavía no producido cualquier sistema numérico coherente. Su exposición enigmática sugiere que el trabajo del escultor es más difícil cuando la arcilla está en la uña. Aun así, muchas de las sutilezas de la escultura del Alto Clásico apenas eran susceptibles de análisis teóricos, por ejemplo, los ajustes de proporciones y ángulos para corregir el escorzo de las partes superiores de las grandes figuras vistas desde abajo, lo que permitían algunos, pero no todos los maestros contemporáneos, ya era una práctica antigua, como se puede observar en el Auriga en Delphi de aproximadamente 470 a. C.

Para detalles de los estilos arquitectónicos de la antigua Grecia, ver: Arquitectura griega .

Coloración de estatuas

Casi no hay evidencia sobre el color de la escultura de mármol en este período, pero a juzgar por las pinturas o, más bien, las pinturas en jarrón, se usaron tonos más delicados y más naturales. Es de esperar que los contrastes de color se calculen más deliberadamente, y esto también debe recordarse cuando se considera el efecto original de figuras drapeadas y parcialmente drapeadas, como por ejemplo la Nike de Paionios . También hubo un aumento en la práctica de dejar detalles menores pero cansados ​​sin tallar y simplemente pintarlos, por ejemplo, las correas de la sandalia y las plumas de las alas del Nike of Plate ; y accesorios de metal, por supuesto, se mantuvieron en uso. En el tratamiento de escultura de bronce Es poco probable que haya habido algún cambio.

Citas y cronología

En cuanto a la datación, las inscripciones nos informan que las esculturas del Partenón fueron ejecutadas entre 447 y 432 a. C., y es razonable permitir cinco años consecutivos para el trabajo en metopas, frisos y frontones. Por razones históricas, las Nike de Paionios deberían haber sido talladas dentro de un año o dos de 420 a. C., y la escultura arquitectónica del nuevo templo en el Argive Heraeum debe ser posterior a 423, cuando el antiguo se quemó. Las Cariátides del Erecteion de Atenas se completaron probablemente solo un poco antes de 413 y el friso ciertamente entre 409 y 406. Una vez más, estas fechas provienen de inscripciones, que para el friso incluso detallaban pagos a artesanos particulares para trabajos particulares. Además de algunos relieves fechados con precisión en losas que registran decretos públicos en Atenas, pero su calidad es demasiado pobre para ser de mucha ayuda. Por lo demás, las citas se deben principalmente a comparaciones subjetivas de estilo o incluso a inferencias más subjetivas de eventos históricos. Aún así, la tendencia principal es clara.

Esculturas sobrevivientes

Muy pocas estatuas originales del Alto Clásico sobreviven y ninguna está muy bien conservada; pero copias en Arte romano Son abundantes, algunas justas y una o dos excelentes en acabado. Hay mucha escultura arquitectónica, de la cual el Museo Británico tiene su parte. Otros relieves también son numerosos, pero la calidad varía. Aún no se ha encontrado ninguna estatua de bronce importante, y el estándar general de las figuritas se cae rápidamente, aunque algunos especímenes finos ofrecen consuelo.

El alto desnudo masculino clásico de pie: Doryphorus

El desnudo masculino de pie encontró una solución clásica en el Doryphorus o Spear-carrier de Polykleitos , hecho quizás alrededor del 440 a. C. y uno de los temas favoritos para los copistas en la época romana. El original, que no tenía el tronco del árbol, era de bronce y medía menos de siete pies de alto, excluyendo la lanza que descansaba sobre el hombro izquierdo y se sostenía en la mano izquierda. Esto, como dejaron en claro los escritores posteriores, fue la obra más famosa de Polykleitos y bien pudo haber sido el "canon" que fue analizado en su tratado; y es significativo, tanto por el carácter indiferenciado de mucha escultura clásica como por el predominio de una actitud estética hacia el arte, que esta estatua llegó a ser conocida por un nombre descriptivo y que no podemos decir qué dios, héroe u hombre representaba.

En pose, el Doryphorus completa el desarrollo iniciado en el Kritios Boy y continuó en el Oenomaus . Allí, la postura había sido liberada, pero la parte superior del cuerpo todavía parecía rígida. Aquí, toda la figura tiene una facilidad de equilibrio estudiada: la pierna derecha tensa contrasta con la pierna izquierda floja y, a la inversa, el brazo izquierdo tenso con el brazo derecho flojo. La línea media de la figura forma una doble curva suave que continúa a través de la cara; y los ejes a través de rodillas, caderas, pectorales, hombros y ojos están inclinados en una especie de rotación. Aunque la cabeza se gira un poco hacia un lado, la estatua todavía se compone de cuatro elevaciones principales: frontal, dos lados y posterior, y no solo sus contornos, sino también sus características principales se planifican básicamente en un diseño lineal. Esta puede ser una razón para la retención del ligamento unguinal, que delimita con tanta firmeza el límite entre el tronco y las piernas.

Nuevas convenciones de cortinas

Para los hombres mayores, y especialmente para los dioses mayores, algunas cortinas se consideraban apropiadas, incluso cuando estaban de pie. Las fórmulas habituales del Alto Clásico dejaban el cofre desnudo (como había estado en el Zeus del frontón este del templo en Olimpia) con la prenda metida con optimismo en la cintura y, a veces, un extremo arrojado sobre el hombro. El nuevo estilo de cortinas era, por supuesto, un activo para tales figuras.
Las figuras femeninas de pie eran ahora, por lo que parece, menos frecuentes que las de los hombres de pie. Algunos de ellos tienen la misma facilidad de pose y también aprovechan al máximo los nuevos efectos de las cortinas, otros debido a su posición o función estaban más restringidos. Entonces, en la colosal estatua de culto de Fidias de Atenea Parthenos , que estaba en la cella del Partenón , tanto la pose como el vestido tenían un acento fuertemente vertical.

Nuevas poses

A medida que aumentaba su habilidad, los escultores buscaban nuevas poses o variaciones de las antiguas. Además de estar sentados, ahora hay figuras descansando; Aparecen las amazonas heridas y ocasionalmente se permite que una estatua dé un paso decisivo hacia adelante. Uno de los inventos más audaces del Alto Clásico es el monumento en Olimpia hecho por Paionios para los mesenios y naupactianos . Esta figura de Nike (o Victoria), volando desde el cielo, es de mármol Parian y más bien de tamaño natural. Originalmente tenía alas, que se levantaban detrás de los hombros, su antebrazo izquierdo estaba ligeramente doblado hacia arriba, y una capa abierta, sostenida por las dos manos, se hinchaba hacia atrás para alcanzar a cada lado aproximadamente el nivel de los tobillos. La figura está apoyada en un trozo de piedra sin forma del que emerge la cabeza de un águila, presumiblemente para representar una nube o tal vez el cielo, y esto a su vez descansaba en un muelle ligeramente cónico, de sección triangular y casi treinta pies de altura. En la vista frontal, la línea de modelado se usa con un dominio exuberante, tanto que el muslo derecho drapeado se ve más redondo que el desnudo izquierdo, y en la vista lateral la línea de movimiento tiene su turno; pero las dos vistas no están coordinadas por completo y apenas se ha considerado la de la parte posterior, aunque, por supuesto, su inclinación la hizo poco visible desde el suelo. Como vestimenta, la cortina tiene poco sentido, ya sea en su masa o en la forma en que gira alrededor de la pierna derecha, sin afectar los pliegues principales; pero su función era explicar y mejorar la figura, y esto lo hace admirablemente en las vistas principales, incluso si uno ya no tiene la ayuda del color para distinguir entre sí las partes desnudas, los peplos, la capa, las alas y, probablemente, la apoyo.

Nota sobre la evaluación del arte
Para aprender más sobre el arte plástico, vea: Cómo apreciar la escultura . Para trabajos posteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura moderna .

Escultura Pedimental en el Partenón

los esculturas de piedra de los frontones del Partenón, tallados dentro de los dos o tres años de 435 a. C. se ejecutaron con un cuidado notablemente detallado y la composición tiene una complejidad y sofisticación que, hasta donde sabemos, ni siquiera se abordó en ningún frontón anterior o posterior. Los sujetos, apropiados para un templo de Atenea, están en el este del nacimiento de esa diosa y en el oeste su competencia con Poseidón por la tierra de Attica. En ambos, la acción está en el centro y el movimiento y la atención de las deidades circundantes se desvanecen hacia las esquinas, por lo que hay poco interés narrativo para complementar el efecto estético y el éxito dependía del patrón hecho por el conjunto lleno de gente y de la excelencia. de figuras y grupos particulares. Otra novedad audaz es la transgresión del espacio pedimental; Las figuras se proyectan más allá del marco, más notablemente en las esquinas del frontón este, donde las cabezas de los caballos representan los carros del Sol y la Luna, a punto de levantarse o ya hundidos bajo el suelo del campo. Aunque es obvio que los frontones del Partenón deben haber sido planeados en un diseño o modelo cuidadosamente medido, un examen minucioso de las cortinas sugiere que los escultores que tallaron las figuras todavía tenían cierta libertad en su elección de detalles.

Frisos y Metopes

Los relieves más importantes son frisos arquitectónicos y metopas, y algunas lápidas tienen la misma calidad, particularmente las de Atenas, donde reaparecieron monumentos tallados de este tipo alrededor del 440 a. C. Su forma ahora es lo suficientemente amplia como para tomar dos o tres figuras, normalmente planteadas en una escena doméstica tranquila y sugiriendo por la cara y la actitud no más que resignación comprensiva. Los relieves votivos también se vuelven comunes, dedicados por particulares a divinidades personales y, a menudo, menores; son en su mayoría de mano de obra inferior, aunque ya algunos son interesantes por su imitación de los efectos tridimensionales de la pintura. También existen pequeños relieves que ocasionalmente encabezan los textos de un decreto público, pero su estilo, a veces anticuado, suele ser superficial.

En general, los relieves del Alto Clásico siguen a las estatuas independientes. con, por supuesto, una gama más amplia de poses para escenas de batalla u otra acción vigorosa. A veces, estas posturas tienen una violencia exagerada, aunque, excepto en trabajos pasados ​​de moda, la cara permanece impasible con regularidad; y a veces, como en una de las metopas del Partenón, incluso las poses tienen una calma estudiada. Para composiciones tranquilas, hay excelentes ejemplos en el extremo este del friso del Partenón, que fue tallado alrededor del 440 a. C., justo después de las metopas, y contrasta de manera iluminadora en el tratamiento de figuras sentadas con los espectadores arcaicos del Tesoro Siphniano. Aquí, como es habitual en buenos relieves clásicos, se evita la pose de perfil completo y se da más variedad en el vestido. Uno puede notar el agrupamiento de material en el regazo del dios a la izquierda, un dispositivo utilizado con mayor énfasis en estatuas sentadas. Un detalle naturalista, sorprendente junto con la disposición formal de los pliegues, es el borde del dobladillo debajo del codo izquierdo de la figura giratoria.

Los escultores clásicos serios consideraron las figuras en relieve como estatuas aplastadas en lugar de como pinturas recortadas. En Etruria, el estilo clásico alto era demasiado sutil y difícil para los artesanos locales y tenía poco efecto. En Licia, los potentados nativos habían empleado escultores griegos desde la época arcaica, dictando a menudo los temas y, a veces, en consecuencia, la composición de los relieves: por lo que el friso de piedra caliza del Heroon de Gjolbaschi (o Trysa), tallado probablemente entre 420 y 410 a. C., incluye la tormenta de una ciudad, con muros y edificios detrás de ellos, a veces en perspectiva parcial, y figuras en varios niveles. Más al este, en Fenicia, hay entre muchas otras obras griegas de mejor calidad y excelente preservación, especialmente de las bóvedas de los reyes de Sidón: incluso en su antigua y extraña cultura, la superioridad artística del arte clásico antiguo había sido reconocida.

Legado

Ejemplificando el punto alto de la arte de la antiguedad clasica La escultura clásica alta tuvo una influencia significativa pero fluctuante en sus sucesores. Los romanos continuaron venerándolo; ver, por ejemplo, el Ara Pacis Augustae – y a finales del siglo II apareció un estilo completamente clasicista, que adaptó o repitió las viejas fórmulas y, a veces, con tanta habilidad que las producciones clasicistas han pasado y, sin duda, todavía pasan por obras genuinas del siglo quinto. Al mismo tiempo, la copia directa también se convirtió en una industria, que duró hasta el siglo IV EC o incluso más, a pesar de que la calidad no suele ser mejor que la mediocre. Muchas de estas copias volvieron a salir a la luz a partir del siglo XV, pero como rara vez transmitían la sutil sutileza del estilo clásico alto, los pintores y escultores del Renacimiento convertido más bien a lo más dramático estatuario del período helenístico , y no fue hasta 1807, cuando Lord Elgin exhibió en Londres su colección del Partenón, que la calidad de High Classical fue reconocida y casi universalmente apreciada. Para los escultores esto era demasiado tarde para una influencia efectiva, aunque Canova (el principal exponente de la moda entonces Estilo neoclásico ) lamentó que hubiera nacido demasiado tarde para beneficiarse de la revelación y las escuelas de arte compraron ampliamente los moldes para que sus estudiantes los dibujaran, como algunos todavía lo hacen. Los críticos también quedaron impresionados y prestaron al menos un toque de gracia a la escultura del Alto Clásico, hasta que en el presente siglo los más modernos encontraron su carácter demasiado naturalista o florido y vieron más virtudes en sus productos provinciales, como el Niobid moribundo en Roma. y especialmente en vistas no previstas originalmente.

Recursos
Para artículos sobre las artes visuales de la antigüedad clásica, ver:

Escultura de la antigua Grecia (Introducción)
Pintura Griega Periodo Arcaico (c.600-480)
Pintura Griega Era Clásica (c.480-323 a. C.)
Estatuas y relieves de estilo helenístico (c.323-27 a. C.)
Pintura griega del período helenístico (c.323-27 a. C.)
Legado de pintura griega
Arte griego de metalistería (Siglo VIII AEC en adelante)