Las mejores escuelas de arte en América y Europa Traductor traducir

Introducción

Como la mayoría de las universidades terciarias, las escuelas de arte vienen en todas las formas y tamaños. Entonces, la pregunta "¿qué escuela de arte es la mejor?" Es casi imposible de responder. ¿Mejor para quien? Todos podemos estar de acuerdo, por ejemplo, en que la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, el Royal College of Art de Londres y la Ecole Nationale Superieure des Beaux Arts de París son tres de las mejores universidades de arte del mundo, pero no sirven para nada. estudiante de arte que quiere ser enseñado en (digamos) italiano, español, alemán, ruso o chino. La mejor escuela de arte es la institución educativa que es mejor para usted, el estudiante, no según una lista de criterios objetivos.

Cómo elegir la escuela de arte adecuada

De acuerdo, elegir el colegio de arte que sea mejor para ti es el tema más importante. Pero a pesar de que es una elección personal, debe tener en cuenta una serie de factores, de la siguiente manera:

Metas personales
¿Qué vas a hacer con el arte que aprendes? Si desea utilizarlo comercialmente, un título de arte será más útil que un diploma de arte o un curso básico breve. Si un título de licenciatura no es apropiado para usted, considere uno de los cada vez más numerosos programas de grado asociado o una calificación de grado en línea.

Cualificaciones que estás buscando
Si tiene en mente una carrera artística específica, averigüe qué cursos educativos y calificaciones se necesitan. (Asunto, tipo de título, etc.) Si es posible, comuníquese con el departamento de Recursos Humanos de una empresa que ofrezca el tipo de carrera que desea. Una vez que conozca los cursos universitarios y las calificaciones que requieren, verifique que sean ofrecidos por las escuelas de arte en su lista corta. Lo más importante: verifique que sus escuelas elegidas estén debidamente acreditadas (reconocidas por el organismo rector de la industria). Por ejemplo, el organismo de acreditación para las escuelas de arte / diseño es la Asociación Nacional de Escuelas de Arte y Diseño (NASAD). Así que revise su lista de escuelas de arte con NASAD.

Ambiente de enseñanza
Dos universidades de arte pueden ofrecer cursos idénticos, pero sus respectivos entornos de enseñanza pueden ser completamente diferentes. Uno puede ser local, el otro fuera del estado. Uno puede estar en el campus, el otro dividido en varias cuadras de la ciudad. Uno puede ser urbano, el otro en un pueblo pequeño. Uno puede tener buenos recursos en materiales y equipos de arte, el otro no. (Estudiantes interesados ​​en diseño los cursos, en (digamos) diseño web, diseño de juegos, diseño gráfico o animación, definitivamente necesitan verificar que la universidad cuente con los últimos recursos tecnológicos). Investigue las escuelas en su lista y vea cómo se comparan. Si es posible, conéctate y chatea con estudiantes universitarios.

Facultad
El personal docente variará de una escuela a otra, así que vea cómo se comparan varias facultades. ¡Pero ten en cuenta que los artistas famosos no necesariamente son los mejores maestros de arte!

Oportunidades de posgrado
¿Qué le ofrece cada escuela a modo de asistencia de posgrado? ¿Ofrecen programas de colocación o pasantías en empresas comerciales de arte / diseño? ¿Tienen un historial de encontrar trabajos para sus estudiantes con artistas o diseñadores profesionales? ¿Qué otras conexiones pueden ofrecer que fomenten su carrera?

Su presupuesto
Compare las tarifas del curso cobradas por cada escuela de arte. Además, verifique qué "extras" deben pagarse. Verifique los costos de alojamiento, comida y viajes diarios. Pregunte sobre becas, facilidades de préstamos y también oportunidades de enseñanza o tutoría para estudiantes. Si es posible, conéctese en línea y hable con estudiantes universitarios actuales sobre el costo real de convertirse en estudiante.

Calificaciones de entrada requeridas por su escuela de arte
Verifique dos veces que entienda y pueda cumplir con los requisitos de ingreso requeridos por las universidades en su lista corta.

¿Qué temas de arte puedes elegir?

En el siglo XVI, a los estudiantes que trabajaban en las primeras academias de arte de Europa solo se les enseñaba dibujo ) disegno ) hasta que se graduaran, después de lo cual podrían recibir instrucción en pintura ) colorito )

Por el contrario, los estudiantes de arte de hoy se enfrentan a una gran variedad de opciones de asignaturas, que generalmente incluyen: arte fino (pintura, escultura), historia del Arte, diseño, ilustración caricaturas fotografía película animación y videoarte, varios tipos de arte Grafico y grabado, tanto como arte de la computadora, conservación y estudios de museos. Varios de estos temas cubren una gran cantidad de subtemas. La escultura, por ejemplo, es un área temática multimedia. La fotografía puede ser una forma de bellas artes basada en lentes o una actividad estrictamente comercial, incluidas formas especializadas como el fotoperiodismo. El diseño también es una categoría general que abarca un número diverso de disciplinas complejas, que incluyen: diseño tridimensional, gráfico, de interiores y de moda, así como diseño digital y web. Grabado abraza tradicional xilografías, varios tipos de aguafuerte y grabado, así como más moderno litografía y impresión de pantalla.

¿Qué tipos de títulos / diplomas hay disponibles?

Hay cuatro tipos básicos de cursos de arte de tercer nivel, cuyos detalles varían según el país.

(1) Curso básico . Este curso de nivel de diploma generalmente ofrece una amplia introducción a una asignatura de artes o diseño. En el año 1, muchos programas de licenciatura (por ejemplo, bellas artes) ofrecen cursos básicos en varias disciplinas relacionadas, lo que les da a los estudiantes de pregrado una comprensión completa de su campo, antes de la especialización. Un Programa de Grado Asociado es otro tipo de curso básico, que generalmente le enseña al estudiante los conceptos básicos de diseño y explica las utilidades de hardware y software más comúnmente utilizadas, así como otras herramientas y equipos relevantes.

(2) Programa de Licenciatura . Este es el curso de grado básico para todas las materias universitarias, incluidas las artes. Entonces, cuando se usa el término ’grado’, generalmente significa Licenciatura. Por lo general, con una duración mínima de tres años, una licenciatura en diseño de arte le brinda las credenciales necesarias para seguir su carrera creativa al más alto nivel, o puede ser un trampolín para cursos de posgrado en artes en el nivel de maestría o doctorado. Una licenciatura va mucho más allá del plan de estudios básico cubierto por diplomas, cursos básicos y títulos asociados. Como se indicó, una Licenciatura inicialmente puede involucrar una serie de cursos básicos para ayudar al estudiante a decidir en qué área especializarse.

(3) Programa de Maestría . Este es el curso educativo de más alto nivel que se ofrece en la mayoría de las universidades, y la entrada está restringida a los graduados en posesión de una Licenciatura. Con una duración de 1 a 2 años, una maestría permite al estudiante especializarse en un área relativamente estrecha, adquiriendo así habilidades educativas avanzadas de mayor valor comercial. También puede ser un trampolín para un doctorado o un puesto de enseñanza académica como profesor o profesor.

(4) Doctorado (PhD). Esta es una disertación de posgrado de 3 años, cuyos parámetros generalmente se acuerdan entre el estudiante y su tutor universitario, lo que requiere una investigación original por parte del estudiante. Un doctorado representa la cumbre del logro educativo, y se otorgan relativamente pocos doctorados en arte y diseño.

¿Qué carreras están disponibles para los graduados de arte y diseño?

Las carreras profesionales más populares para los graduados en artes incluyen:

Carreras para graduados de bellas artes

(1) Artista profesional: pintor, escultor o grabador.
(2) Artista comercial en un estudio de arte comercial (vallas publicitarias, publicidad, publicaciones). Nota: el conocimiento de los paquetes de software de gráficos por computadora ahora es esencial.
(3) Ilustrador. Un tipo de arte comercial más especializado, que crea imágenes para medios digitales e impresos, o ilustraciones de fantasía para libros / revistas.
(4) Animador. Muchos de los animadores más exitosos se formaron inicialmente en pintura de bellas artes.
(5) Caricaturista, caricaturista para medios digitales o impresos.
(6) Profesor de arte. (Nota: la calificación en Historia del Arte puede ser necesaria)
(7) Artes Profesionales – en (digamos) administración, conservación, curaduría, estudios de museos. (Nota: la calificación en Historia del Arte puede ser necesaria)

Los graduados en fotografía tienen una carrera profesional a medida como fotógrafo comercial o fotoperiodista. Para diferentes trayectorias profesionales, ver: Grandes fotógrafos (c.1880-presente). (Lea también: ¿La fotografía es arte?)

Carreras para graduados de diseño

Las oportunidades profesionales más populares para los graduados de diseño incluyen:

(1) Diseñador gráfico.
(2) Diseñador de interiores.
(3) Diseñador web.
(4) Diseñador de juegos.
(5) Animador.

Las cinco vías para diseñadores están en áreas de alto crecimiento y ofrecen carreras financieramente gratificantes a largo plazo. Con la excepción de la animación, que es común tanto para los graduados de arte como para los de diseño, las carreras para graduados de diseño tienden a ser más seguras y mejor pagadas que las de los graduados de bellas artes.

Escuelas de arte: orígenes e historia

El arte humano cobró vida durante el pequeño período de 30, 000-15, 000 a. C., cuando una gran cantidad de pintores de cuevas comenzaron a decorar las paredes de las cuevas en el sur de Francia y España, y los talladores de roca en Europa comenzaron a producir pequeñas esculturas femeninas conocidas como figuras de Venus. ¿Quiénes fueron estos increíbles artistas prehistóricos? ¿Quién les enseñó a pintar? ¿Quién mantuvo vivas las tradiciones pictóricas de mezclar pigmentos ocres o diseñar pinceles de tipos seleccionados de pelo de animales? Nadie sabe. (Para más información, ver: Pintura rupestre.)

A medida que el arte echó raíces en las primeras civilizaciones, como las de Sumer, Egipto, la antigua Persia, Creta, Micenas, Etruria y la antigua Grecia, aumentó la demanda de pintores, escultores y artesanos similares. Se habrían establecido escuelas para entrenar a estos ’decoradores’, ya que ninguno de ellos se consideraba como ’artistas’, algunos de los cuales sin duda habrían alcanzado una gran fama, pero ni ellos ni sus escuelas son conocidos. No hasta la era clásica de Escultura griega (c.500-300 a. C.) se dieron a conocer los nombres de artistas (como Fidias, Myron, Polykleitos, Praxiteles y otros). Pero el anonimato se volvió a imponer durante el Imperio Romano, el Imperio Bizantino Oriental y gran parte de la Edad Media.

Arte cristiano primitivo

La era de Arte cristiano – que comenzó en Irlanda con manuscritos iluminados como el Libro de Kells, y se extendió por Europa a los grandes monasterios continentales en Aquisgrán, Trier, Regensburg y Colonia, administrados por las cortes reales carolingias y ottonianas, vino y se fue sin revelar los nombres de sus artesanos artísticos, como lo hizo la era de Las primeras vidrieras románicas y los murales religiosos. De hecho, no fue hasta finales del período románico del siglo XII que escuchamos de escultores individuales como el francés. Gislebertus (activo en la primera mitad del siglo XII), el maestro español Mateo (activo en la segunda mitad del siglo XII) y el italiano Benedetto Antelami (activo en 1178-1196). Por cierto, rara vez se oía hablar de pintores, sobre todo porque las pinturas eran menos duraderas que las esculturas de piedra, y porque la mayoría de los pintores eran monjes artistas que, sospecha, abrazaron el anonimato ante Dios.

Arte y arquitectura de la catedral durante el período gótico

Debido a que sabemos muy poco sobre las vidas y las carreras de estos primeros artistas, no sabemos casi nada sobre la educación artística antes de la época gótica. Entonces, si bien sabemos una cantidad razonable sobre las personas que encargaron grandes obras como los Evangelios de Lorsch, el Apocalipsis de Bamberg, el Tapiz de Bayeux , o la catedral de Chartres, sabemos poco sobre los aprendizajes, talleres, estudios y otros tipos de escuelas de arte que existían hasta entonces. Incluso la era gótica es un libro relativamente cerrado. La mayoría del arte gótico se refería a la arquitectura de la catedral, junto con la escultura arquitectónica (estatuas de columnas, relieves del portal), retablos de madera (dípticos, trípticos, etc.) Vitral, el ocasional mosaico o tapiz. Por lo general, cientos de trabajadores locales fueron reclutados para completar el edificio y sus tesoros, bajo la supervisión de maestros albañiles de piedra y otros artesanos maestros, la mayoría de cuyos nombres nos hemos perdido. Solo individuos excepcionales, generalmente asociados con un púlpito particularmente famoso, o una serie de estatuas de columnas, tendrían sus nombres grabados para la posteridad. Sin embargo, habrían sido precisamente estos hombres, como los escultores italianos Nicola Pisano Arnolfo di Cambio, Lorenzo Maitani, Andrea Pisano y los pintores internacionales góticos, sienés y florentinos Cimabue, Duccio di Buoninsegna, Giotto, Simone Martini, Jean Pucelle, Masolino, los hermanos Limbourg y Jean Fouquet, cuyos talleres proporcionaron la capacitación básica para las generaciones de orfebres, pintores, escultores y otros artesanos, cuyas obras formaron la columna vertebral de Arte renacentista en el quattrocento .

El renacimiento y después

Debido a los asombrosos talentos exhibidos por los pintores y escultores del Renacimiento temprano (1400-90), como Filippo Brunelleschi, Donatello, Andrea Mantegna, Botticelli y otros, junto con la fama que estos virtuosos lograron, la imagen del artista ’comenzó a cambiar de un decorador altamente calificado a un miembro venerado de la intelectualidad: un proceso acelerado durante el Alto Renacimiento (1490-1530) por los logros creativos de Leonardo DaVinci (1452-1519) ) La última cena y Mona Lisa) y Miguel Ángel (esculturas, David y Pieta; frescos de la Capilla Sixtina). Esta mejora en el estado de los artistas significó que el arte se reconoció como una disciplina intelectual (como la ingeniería y la arquitectura), en lugar de ser simplemente una habilidad manual (como el trabajo en metal). Por lo tanto, podría enseñarse en las escuelas. Es por eso que, desde el siglo XVI en adelante, surgieron varias escuelas oficiales de arte en toda Europa, comenzando en Italia. Estas escuelas eran conocidas como academias de artes. Además, algunos antiguos maestros fundaron escuelas propias: en Bolonia, por ejemplo, Ludovico Carracci (1555-1619), su primo Annibale Carracci (1560-1609) y su hermano Agostino Carracci (1557-1602) estableció la "Academia degli Desiderosi", más tarde llamada "Academia degli Incamminati" (Academia de los Progresistas). Esta academia formó el núcleo de la Escuela de pintura boloñesa que floreció entre 1590 y 1630.

La academia de bellas artes

Las dos academias más antiguas fueron: Academia de arte en Florencia fundada en 1562 por Giorgio Vasari (1511-1574), bajo el Gran Duque Cosimo 1 de Medici, y el Academia de arte en Roma fundada en Roma alrededor de 1583 por el papa. Otras academias incluyeron Haarlem (1583); Académie Royale de Peinture et de Sculpture, París (1648); Nuremberg (1674), Polonia (1694), Berlín (1697), Viena (1705), St Petersberg (1724), Estocolmo (1735), Copenhague (1738), Madrid (1752) y Londres (1768). La primera Academia Americana Oficial de Bellas Artes se fundó en Filadelfia, en 1805.

Métodos Académicos de Enseñanza de Arte

Inicialmente, la mayoría de las academias educaban a artistas jóvenes de acuerdo con las teorías clásicas del arte establecidas durante el Renacimiento italiano. Las reglas y convenciones enseñadas por estas academias llegaron a conocerse como Arte académico, que estuvo marcado por una rigidez extrema. Por ejemplo, la entrada a la Ecole des Beaux-Arts de París solo estaba permitida para los candidatos que aprobaron un examen y obtuvieron una carta de referencia de un notable profesor de arte. Si es aceptado, el candidato comenzó el curso de bellas artes, avanzando por etapas solo después de completar una cartera de dibujos para su aprobación. Solo después de completar varios años de dibujo, incluida la figura dibujar, anatomía y geometría, se les permitió a los estudiantes pintar. Además, un conjunto rígido de estética fueron observados. Cosas como el tema, los tipos de pose, el uso de color en pintura y así sucesivamente, estaban estrictamente regulados e interpretados de manera tan conservadora por los profesores de la Academia que el sistema de enseñanza no pudo adaptarse a los gustos y técnicas cambiantes. Como resultado, para el siglo XIX fue cada vez más ignorado y dejado de lado.

El británico real Academia (RA) era menos rígido que sus homólogos en Europa. Los métodos de pintura poco ortodoxos de JMW Turner, por ejemplo, no le impidieron convertirse en el académico más joven.

A medida que la Academia declinó, surgieron nuevas escuelas, incluidas escuelas de estudio para alumnos seleccionados en imitación del sistema utilizado en el Ecoles des Beaux-Arts. Entre los mejores estaban la academia de Eugene Carriere (1849-1906), y Gustave Moreau (1826-1898), el Liga de estudiantes de arte de Nueva York , fundada en 1875 cuando la escuela de la Academia Nacional cerró debido a problemas financieros, el alemán Escuela de diseño Bauhaus (1919-32), y los Sujetos de la Escuela de Artistas, fundada en Nueva York (1948) por Mark Rothko, Robert Motherwell y otros.

Sin embargo, las academias no renunciaron a su influencia sobre la educación artística sin luchar. A pesar de su enfoque anticuado de la enseñanza del arte, conservaron un considerable poder comercial. Por ejemplo, cada academia de arte organizó una serie de exhibiciones ) salones) durante el año, que típicamente atrajeron un enorme interés de los coleccionistas de arte. La participación fue un sello de aprobación garantizado para un aspirante a artista. Además, los artistas cuyas obras fueron ’aprobadas’ y que se exhibieron regularmente en el salón de la Academia, se les otorgaría Asociado y, a su debido tiempo, Membresía completa de la Academia, el galardón final para cualquier pintor o escultor ambicioso.

Arte académico en el siglo XX

Curiosamente, aunque el enfoque general de la enseñanza al estilo de la Academia todavía se considera anticuado, los coleccionistas de arte aún le otorgan un enorme valor a la pintura y la escultura que refleja el rigor y la minuciosidad del método académico. De hecho, sigue existiendo una brecha entre los curadores y otros profesionales de las artes, que tienden a preferir formas de arte contemporáneo como la instalación, el video y el arte sonoro: los que dudan pueden consultar la lista de Ganadores del Premio Turner – y compradores de arte en una subasta, que continúan demostrando un mayor grado de conservadurismo.

Las mejores escuelas de arte en América y Canadá

Aquí hay una breve selección de las mejores universidades de arte, institutos de diseño y cursos de arte acreditados en los Estados Unidos y Canadá, junto con sus tasas de matrícula.

Escuelas de arte del noreste
Maine
Maryland
Massachusetts
Nueva York
Pensilvania
Rhode Island
Virginia
Washington DC

Escuelas de arte del sur
Florida
Misisipí
Tennesse
Texas.

Escuelas de arte del medio oeste
Illinois
Indiana
Michigan
Minnesota
Misuri
Ohio
Wisconsin

Escuelas de arte occidental
California
Oregón
Washington

Colegios canadienses
Escuelas de arte en Canadá

Las mejores escuelas de arte en Gran Bretaña e Irlanda

Una breve selección de los mejores colegios / universidades de arte y cursos de diseño en el Reino Unido e Irlanda.

Londres
Escocia
Inglaterra y Gales

Las mejores escuelas de arte en Irlanda

Colegio Nacional de Arte y Diseño
Crawford College of Art & Design
Escuelas de arte de Dublín
Escuelas de arte de Munster
Leinster Art Colleges
Cursos de bellas artes de Connacht
Ulster Art Colleges

Escuelas de arte y escuelas de verano en Europa

Ecole Des Beaux Arts (París)
Las mejores escuelas de arte en Florencia
Escuelas de arte en Roma