Arte cristiano: historia, características Traductor traducir
Introducción
Desde sus comienzos durante el primer siglo del Imperio Romano, el cristianismo se ha extendido por todo el mundo para convertirse en la principal religión, sistema de valores y agenda social de la humanidad: al menos hasta el siglo XX. Dirigido primero por Cristo y los apóstoles, gradualmente dio a luz a su propia organización jerárquica, la Iglesia cristiana, que con el tiempo se convirtió en el mecenas más grande e influyente de las artes. De hecho, desde el principio, la Iglesia Cristiana usó muchos diferentes tipos de arte Para crear una identidad para sí mismo, aumentar su poder y así atraer a los fieles. En el proceso, desarrolló su propia iconografía cristiana, basándose en gran medida en arquitectura (catedrales, iglesias, monasterios), escultura (estatuas de la Sagrada Familia, así como profetas, apóstoles, santos), pintura (retablos, murales de iglesias), arte decorativa (vidrieras, mosaicos) y manuscritos iluminados (Evangelios, salterios). De hecho, a principios del siglo XVI, la Iglesia encargó tanto Arte bíblico – usando dinero recaudado a través de impuestos más altos y la ’venta’ de beneficios e indulgencias – eso condujo a protestas generalizadas: protestas que se unieron a la Reforma, y la división de la Iglesia en católicos romanos y protestantes. Aun así, se puede decir que, al menos en Occidente, el historia del Arte Es la historia del arte cristiano.
Antecedentes históricos
En 313, después de casi tres siglos de existencia precaria (y una tradición de arte limitada a anillos, sellos, más algunas pinturas en las catacumbas), finalmente se permitió que existiera el cristianismo. En este año, los emperadores romanos Constantino y Licinio emitieron el Edicto de Milán , que legalizó el culto cristiano. Luego, en 380, el futuro del cristianismo estaba asegurado cuando el emperador Teodosio I, el último emperador romano en gobernar todo el imperio, declaró que en adelante era la única religión autorizada del imperio. Durante el siglo V, bajo la presión de los ataques bárbaros, el Imperio Romano se dividió en dos mitades: este y oeste. La mitad oriental, centrada en Constantinopla, adoptó la Iglesia Ortodoxa Oriental , convirtiéndose en mundialmente famosa por su pintura de icono y mosaicos; la mitad occidental permaneció en Roma y continuó siguiendo a la Iglesia romana. Este último floreció bajo Carlomagno y los Ottonianos, y se restableció por completo con su gran campaña de construcción del románico y Catedrales góticas (c.1000-1350). Más tarde, en 1517, el pastor holandés Lutero lanzó la revolución religiosa, conocida como la Reforma , que culminó en la formación de una forma de cristianismo más modesta y menos jerárquica, conocida como protestantismo , desde cuando la Iglesia romana ha sido denominada catolicismo romano. . El arte cristiano abarca tanto el catolicismo romano como el protestantismo, así como la rama anterior, la Iglesia Ortodoxa Oriental.
Arte cristiano primitivo en Roma (c.150-450)
Hasta la legalización del cristianismo en 313, arte cristiano primitivo era relativamente escaso Incluía pintura al fresco en las paredes de algunas de las catacumbas (sitios de entierro fuera de las murallas de la ciudad) y lugares de reunión de "iglesia-casa"; una serie de diseños arquitectónicos simples para estructuras (martirio) erigidas sobre las tumbas de los mártires; y varios sarcófagos, tallados con varios emblemas o relieves de Jesús, María y otras figuras bíblicas. En estos primeros tiempos, cuando los cristianos todavía estaban siendo perseguidos, la mayoría Arte cristiano romano permaneció (literalmente) parte de una cultura subterránea. Además, el cristianismo (junto con las imágenes utilizadas para simbolizarlo o ilustrarlo) todavía evolucionaba de una sociedad secreta (cuyas imágenes eran inteligibles solo para unos pocos iniciados) a una organización pública (cuyas imágenes eran entendidas por todos). Así, para empezar, la pintura cristiana y, en particular, escultura cristiana primitiva motivos utilizados del arte romano y griego: la imagen de "Cristo en Majestad", por ejemplo, deriva de los retratos imperiales romanos y de las representaciones del dios griego Zeus. La iconografía cristiana tardó siglos en estandarizarse y armonizarse con los textos bíblicos.
Una vez que el cristianismo fue legalmente permitido, su necesidad de arte religioso aumentó rápidamente. Se construyeron nuevas iglesias como centros de culto, utilizando el diseño arquitectónico de la basílica romana básica (utilizada para la administración cívica y la justicia). Una iglesia basílica típica tenía una nave central con uno o más pasillos a cada lado y un ábside semicircular / poligonal en un extremo, cubierto por una bóveda semicúpula o seccional; El ábside se convirtió en el presbiterio y contenía una plataforma elevada, sobre la cual se sentaban el obispo, sus sacerdotes y también el altar. Los baptisterios también fueron diseñados y construidos para varios ritos, en particular el bautismo seguido de la unción con aceite, ya que las personas no bautizadas no podían ingresar a la Basílica Cristiana. La mayor parte de la decoración interior de estos nuevos edificios religiosos se realizó con mosaicos, aunque también se descubrieron pinturas murales. La decoración escultórica de los sarcófagos se volvió más compleja, a menudo ilustrando numerosas escenas de la Biblia. Pero casi no se hizo ninguna escultura en la ronda, por temor a crear ídolos de estilo pagano. Escultura en relieve era por lo tanto estándar, principalmente en piedra aunque talla de marfil Era otro medio popular. En general, el siglo IV fue testigo de más arte, el uso de materiales más ricos y el desarrollo de secuencias narrativas precisas, como en los mosaicos de Santa Maria Maggiore en Roma y las posteriores iglesias de Ravenna en el siglo quinto. Además, durante el siglo V, las imágenes cristianas comenzaron a otorgar mayor importancia al significado religioso que al realismo. Por lo tanto, la perspectiva realista, las proporciones, el color y la luz se degradaron a favor de las convenciones y símbolos estandarizados, al representar figuras y eventos bíblicos.
Arte bizantino: iconos, mosaicos, arquitectura (c.450-1450)
Arte bizantino , ese es el arte de la Iglesia Ortodoxa Oriental, la forma de cristianismo que surgió en Constantinopla (anteriormente llamada Bizancio, ahora llamada Estambul), sede del Imperio Romano en el este, fue la primera categoría de arte cristiano que realmente floreció. Una expresión del estado teocrático que representaba, Arte bizantino cristiano especializado en arquitectura, mosaicos, murales y pintura de iconos. Los artistas bizantinos también se destacaron en artículos de joyería, orfebrería y marfiles, y produjo el primer manuscrito iluminado, o códice.
A medida que el poder de Roma declinó, el de Constantinopla creció. En 535, los ejércitos de Justiniano I (482-565), emperador bizantino de 527 a 565, invadieron Italia (ocupada principalmente por bárbaros) y en 540 conquistaron Rávena, que se convirtió en la sede del gobierno bizantino en Italia. De 540 a 600, el Exarca de Rávena instigó un importante programa de construcción de iglesias en la ciudad y su municipio portuario de Classe: incluyeron la Basílica de San Vitale y la Basílica de Sant’Apollinare en Classe. La basílica de San Vitale combina una cúpula romana, puertas y torres escalonadas, con un ábside poligonal bizantino, así como capiteles bizantinos y ladrillos estrechos. Es mundialmente famoso por sus mosaicos bizantinos, el mosaico más espectacular y mejor conservado. Art º fuera de Constantinopla Para más detalles, ver: Mosaicos de Rávena (C.400-600).
Tal como fue, la arquitectura bizantina alcanzó sus formas distintivas durante la vida de Justiniano, quien construyó cuatro iglesias principales en Constantinopla, entre ellas: la Basílica de los Santos Sergio y Baco (comenzada 526); la basílica de Santa Irene (comenzada 532); la Basílica de los Apóstoles (536-46), cuyo diseño fue replicado en la Catedral de San Marcos en Venecia, y la más grande de todas, la Basílica de Santa Sofía (1532-37) (convertida en mezquita en 1453, ahora un museo). Coronada por una cúpula masiva cuyo peso fue llevado a los pilares de las esquinas por revolucionarias secciones triangulares cóncavas de piedra, llamadas pechinas, y decorada con mosaicos de oro y mármol multicolor, la iglesia de Santa Sofía fue la culminación de la arquitectura romana y una gran inspiración para los edificios posteriores. Medio Oriente, incluida la Mezquita del Sultán Ahmed.
Arte mosaico Fue la característica más importante del arte bizantino durante casi mil años: comparable con la escultura en la antigua Grecia, el panel pintado del Renacimiento del Norte o el retablo de la Venecia del siglo XVI. Brillando a la luz de las velas y a veces decoradas con pan de oro, estos exquisitos rompecabezas de vidrio se regían por reglas rígidas en cuanto a color, tamaño y composición, los mosaicos tenían dos objetivos clave: embellecer la casa del Señor (y asombrar al espectador), y Educar a los adoradores analfabetos en la historia del Evangelio. Las piezas de mosaico individuales ( teselas ) a menudo se colocaron deliberadamente de manera desigual, para crear movimiento de luz y color.
El rápido ascenso del poder árabe durante el siglo VII y las consiguientes dificultades económicas sufridas por el Imperio bizantino, llevaron a una reevaluación de la cultura árabe y la cultura árabe. arte islámico . Durante el siglo VIII (726-787) y el siglo IX (814-842), esto culminó en dos "Iconoclasmas", cuando se impuso una prohibición a todas las obras de arte figurativas. Esto cayó muy mal con los mosaicistas bizantinos. Muchos emigraron a Roma que se opusieron firmemente a la iconoclasia. Otros, paradójicamente, fueron a ciudades árabes donde produjeron algunos de los mejores mosaicos abstractos. Véanse, por ejemplo, los de la Cúpula Islámica de la Roca (688-91, Jerusalén) y la Gran Mezquita (715, Damasco).
Ravenna sigue siendo la mejor fuente individual de mosaicos sobrevivientes. Estos incluyen: Cristo como el mosaico del Buen Pastor (450, Mausoleo de Galla Placidia); el mosaico del Bautismo de Cristo (siglo VI, Baptisterio arriano); el mosaico de la Reina Teodora (547, Basílica San Vitale); Mosaico de Cristo antes de Poncio Pilato (550, Sant’Apollinare Nuovo, Classe). En Estambul, vea los mosaicos del piso (400-550) en el Palacio Imperial; los mosaicos de la Galería Sur (hacia 1260) en Hagia Sophia; y el mosaico de la Dormición de María (1310, Iglesia del Monasterio de Chora). En otra parte del Imperio Bizantino, vea los mosaicos en Hagios Demetrios (650) en Saloniki; y los destacados mosaicos de ábside de principios del siglo XII en la Catedral de Torcello, Venecia.
La pintura mural era sustancialmente más barata que los mosaicos y, por lo tanto, estaba reservada para las iglesias más pobres. Más tarde, sin embargo, a medida que crecieron las dificultades económicas, se convirtió en una alternativa más generalizada. Se caracterizó por composiciones ’arquitectónicas’ a gran escala: los muralistas bizantinos generalmente usaban una pared entera como su ’lienzo’, generalmente lleno de detalles narrativos sin tener en cuenta los principios del tiempo y el lugar. Los famosos murales cristianos bizantinos existentes incluyen: aquellos en la cámara funeraria (450-500) en Nicea (Iznik); el Cristo que llora (1164, Iglesia de San Panteleimon, Nerezi, Skopje, Macedonia); La Crucifixión (1209, Iglesia de San Joaquín y Santa Ana, Studenica, Serbia).
Dada su naturaleza teocrática, quizás no sea sorprendente que la cultura bizantina sea más conocida por sus íconos que por sus murales. Apareciendo por primera vez a principios del siglo IV, estos devocionales a pequeña escala díptico Las pinturas en paneles (a veces llamadas "íconos itinerantes") de Jesucristo, la Virgen María o los Santos, demostraron ser muy populares. Las pantallas de la iglesia ( iconostasio ) estaban llenas de ellas, al igual que las casas particulares. Después de la victoria de los íconos pro figurativos sobre los iconoclastas en 842, la producción de íconos aumentó dramáticamente y las técnicas de pintura de íconos se extendieron a Grecia y Rusia, especialmente a Kiev, Novgorod y Moscú. Ejemplos famosos de pinturas de iconos bizantinos incluyen: La Virgen Odigitria (mediados del siglo V, Monasterio Hodegón, Constantinopla: ahora perdido); San Pedro (c.550, Monasterio de Santa Catalina, Monte Sinaí); San Miguel (c.950-1000, Tesoro di San Marco, Venecia); la Santísima Virgen de Vladimir (c.1131, Galería Tretyakov, Moscú); Icono de la Virgen de Don (c.1380, Galería Tretyakov, Moscú) por Theophanes the Greek, fundador de la Escuela de pintura de iconos de Novgorod (c.1100-1500); y Madre de Dios Hodigitria (1502-3) por Dionisio, uno de los primeros maestros de la Escuela de pintura de Moscú (c.1500-1700).
Cristiano bizantino ilustración de libro Parece haber comenzado a finales del siglo V, con el Evangelios de Garima (fechado recientemente en carbono al 390-660). Otras iluminaciones cristianas antiguas incluyen los Evangelios de Rabbula (c.586, Biblioteca Laurentiana, Florencia). Ambos manuscritos probablemente fueron creados en un monasterio sirio o de Jerusalén.
Arte cristiano medieval: manuscritos iluminados (450-1200)
Con la caída de Roma y la desintegración del Imperio Romano, Europa occidental entró en la Edad Media (400-800), un período de incertidumbre política y estancamiento cultural. La única fuerza unificadora posible era el cristianismo, pero con Roma saqueada y la Iglesia romana bajo presión, su influencia fue limitada. Solo en Irlanda, un país aislado del continente europeo, floreció el cristianismo. De hecho, Arte monástico irlandés y la cultura fue fundamental para mantener vivas las ideas de antigüedad clásica , así como el mensaje de la Biblia. Temprano Arte medieval en Irlanda estuvo dominado por la fabricación de manuscritos iluminados, especialmente el Cathach de San Columba (c.610), el Libro de Durrow (c.650-80), los Evangelios de Lichfield (c.730), los Evangelios de Echternach (690-715), los Evangelios de Lindisfarne (698) y el asombroso Libro de Kells (800) Debido a la continua tradición del país de Arte celta , la mayoría de los ilustradores de manuscritos irlandeses utilizaron diseños celtas abstractos, en lugar de imágenes figurativas preferidas por artistas continentales.
Usar habilidades derivadas de tradiciones anteriores de Arte celta metalistería , Los monasterios irlandeses también fueron responsables de buques eclesiásticos de alta calidad, como el Cáliz Ardagh (Siglo VIII / IX, Museo Nacional de Irlanda), decorado en el estilo de arte La Tene.
Un tercer tipo de arte cristiano que apareció en Irlanda durante la Edad Media fue Escultura de alta cruz (c.750-1150 CE). Consta de monumentos de diferentes tamaños, todos basados en el diseño estándar de la Cruz Celta. Decorados con patrones abstractos o escenas narrativas de la Biblia (raramente ambos), estos monumentos constituyen el conjunto más importante de escultura independiente producida entre la caída de Roma (c. 450) y el comienzo del Renacimiento italiano (c. 1400)
Arte cristiano medieval en el continente siguieron caminos similares, aunque un poco más tarde. Arte carolingio (c.750-900), por ejemplo, (la cultura del reino franco de Carlomagno I) se inspiró en modelos bizantinos en lugar de irlandeses. Las escrituras monásticas en Aquisgrán, París, Reims, Metz y Tours produjeron hermosos ejemplos de pintura medieval como el Evangelista de Godescalc (c.783), el Salterio de Utrecht (c.830) y la Biblia Grandval (c.840). El corte carolingio fue seguido por Arte otoniano , bajo los santos emperadores romanos Otto I, II y III (900-1050). Inspirado por las técnicas carolingias, así como por elementos bizantinos, como el uso de pan de oro, el arte ottoniano fue famoso por sus manuscritos lujosamente decorados, incluido el Perikpenbuch de Enrique II (c.1010), el Apocalipsis de Bamberg (c.1020), el Hitda -Codex (c.1025) y el Codex Aureus Epternacensis (c.1053). Ver también: Arte medieval alemán (c.800-1250).
También se vio una nueva arquitectura cristiana bajo Carlomagno; vea, por ejemplo, la Casa del Monasterio de Lorsch (792-805) y la Capilla Palatina (800, Aquisgrán), y bajo el Ottos, vea la Iglesia de San Cyriakus en Gernrode (961), Catedral de Bamberg (comenzada en 1004).
Además, orfebrería y preciosos metalistería reapareció en el continente, al igual que la escultura, aunque el escultura medieval (al menos bajo los Ottos) tendía a centrarse en el mobiliario de la iglesia: altares, tumbas, puertas, candelabros y sepulcros, en lugar de embellecer la arquitectura de la iglesia. También se produjeron algunos murales, como The Raising of Jairus’s Daughter y Healing of the Hemorrhaging Woman (c.980, Iglesia de San Jorge, Reichenau).
Arquitectura de la iglesia románica (c.1000-1150)
La arquitectura y la cultura ottonianas se superponen considerablemente con Arte románico , un término que en la práctica describe un nuevo estilo europeo de arquitectura cristiana. Fue la primera gran campaña de construcción de iglesias, iniciada por Roma y por las nuevas órdenes cristianas de monjes, que incluía catedrales, abadías e iglesias parroquiales. (En el Reino Unido, el románico se conoce como arquitectura normanda). Arquitectura románica se inspiró en gran medida en los diseños romanos clásicos y se caracterizó por una nueva monumentalidad, que marcó la creciente estabilidad de la época y el renacimiento de la cultura cristiana europea después de cuatro siglos de oscuridad.
Las iglesias románicas y los edificios religiosos más famosos incluyen: Cluny Church II (981, Borgoña); Iglesia del Monasterio de S. Pedro de Roda (1022, Cataluña); Iglesia de la Abadía de San Miguel, Hildesheim (1033, Alemania); Catedral de Ely (1080, Inglaterra); Catedral de Pisa (después de 1083, Italia); La Grand Chartreuse Abbey (1084, Grenoble); Catedral de Durham (después de 1093, Inglaterra); Catedral de Speyer (1106, Alemania); Iglesia de la abadía de Sainte-Foy (1120, Francia); Baptisterio de San Giovanni, Florencia (1128, Italia); Iglesia Cluny III (1130, Francia); Catedral de Maguncia (1137, Alemania); Krak des Chevaliers (después de 1142, Homs, Siria); Iglesia de la abadía de Fontenay (1147, Francia); Catedral de Worms (1200, Alemania); y la Iglesia de la Madeleine (1215, Vézelay).
La arquitectura románica tuvo que hacer frente al creciente número de peregrinos que visitan los lugares de las reliquias sagradas en toda Europa. En Francia / España, por ejemplo, se construyeron arcos masivos para hacer frente a las enormes multitudes devotas en El Camino de Santiago, la ruta de peregrinación a la Catedral de Santiago de Compostela (1075-1211) en Galicia, noroeste de España, donde se encuentran los restos. del apóstol Santiago, según los informes, están enterrados. Otras iglesias románicas en la ruta incluyeron la iglesia de peregrinación de St Etienne (1063, Nevers) y la iglesia de peregrinación de Saint-Sernin (1120, Toulouse).
Para decorar sus iglesias, los arquitectos románicos se basaron en vidrieras, pinturas murales y esculturas.
La producción de vidrieras se concentró en centros como Renania (Alemania) y en Ile de France y Poitiers. Enmarcados por primera vez en plomo, los diseños se basaron en fuertes contrastes de color (azul, rojos intensos, amarillo). (Ver también: Arte de vidrieras: materiales, métodos .) Ejemplos famosos incluyen ventanas de vidrio como: El Profeta Oseas (1130, muro sur de la Catedral de Augsburgo); y La crucifixión de Cristo (1165, Catedral de Poitiers). Se utilizaron murales, como en las iglesias bizantinas, para educar a los feligreses analfabetos. Los estilos eran típicamente dinámicos y animados, mientras que los artistas españoles crearon murales románicos con una mezcla de arte español e islámico. La escultura apareció principalmente en el exterior de las iglesias, en un estilo bastante estático o de madera. El artista románico más famoso fue probablemente el escultor Gislebertus (1120-1135), conocido por su trabajo de ayuda en los portales de
Catedral de San Lazare, Autun.
Arquitectura gótica, pintura de libros (c.1150-1375)
Arte gótico También se trataba de la arquitectura cristiana. Estaba en deuda con un renacimiento de la ciencia y las matemáticas, especialmente la geometría euclidiana. Si bien el románico se destacó por su gran escala, paredes gruesas, ventanas estrechas e interiores oscuros, arquitectura gótica deslumbró con sus altísimas bóvedas, enormes vidrieras e interiores amplios y bien iluminados. Usando arcos puntiagudos para extender el peso del techo y revolucionarios contrafuertes voladores para sostener las paredes, permitió a los arquitectos crear una iglesia que reflejara completamente la gloria de Dios. los estilo gótico apareció por primera vez en la Iglesia de la Abadía de Saint-Denis, cerca de París (comenzada en 1140), y en menos de un siglo había revolucionado el diseño de la catedral en toda Europa. Para la máxima expresión de la arquitectura gótica religiosa, ver: Sainte Chapelle (1241-48) en París.
Otros edificios góticos famosos incluyen las catedrales de Laon (1160), Notre Dame de Paris (1160), Chartres (1194), Bourges (1195), Reims (1211), Amiens (1220), Salisbury (1220), Burgos (1220), Abadía de Westminster, Lincoln (1230), (1245), Colonia (1248), Friburgo (1275), Catedral de York (1280), Ruan (1281), Siena (c.1290), Barcelona (1298), Orvieto (1330), Milán (1386), Sevilla (1402) y otros.
La escultura arquitectónica fue otra característica importante. Las estatuas de columnas y relieves de figuras del Antiguo Testamento, así como representaciones de Cristo y otros miembros de la Sagrada Familia, eran comunes. Escultura gótica desarrollado en una serie de pequeños pasos creativos. Primero vino un realismo creciente, visiblemente diferente del aspecto bastante madera del idioma románico; entonces vemos figuras más elegantes con cortinas suaves; luego figuras con una apariencia sólida y recta, con gestos más moderados. Finalmente llegaron figuras con posturas delicadas y cortinas gruesas que cuelgan en largos pliegues en forma de V. Entre los escultores más importantes se encontraban Nicola Pisano (c.1206-1278) y Arnolfo di Cambio (c.1240-1310).
Los escultores del gótico tardío, con sede en Alemania durante el siglo XV y principios del XVI, produjeron un estallido de exquisitos cristianos. tallado en madera en una serie de espectaculares tríptico retablos, nunca desde entonces igualados. Destacados por la emoción de sus figuras expresionistas, estos maestros talladores incluyeron a Michael Pacher (1435-98), Veit Stoss (c.1447-1533), Tilman Riemenschneider (c.1460-1531) y Gregor Erhart (c.1460-1540). Ver: Arte gótico alemán (c.1200-1450).
Fuertemente influenciados por la escultura, los pintores góticos también estaban ocupados creando obras de arte religioso, pero no dentro de las iglesias, donde las enormes vidrieras ahora proporcionaban el color y la ilustración bíblica que previamente habían proporcionado los murales: ver, por ejemplo, lo translúcido arte de vidrieras dentro Catedral de Chartres (c.1194-1250). En cambio, los pintores góticos se centraron en manuscritos iluminados, como las Biblias francesas Moralisees (c.1230-40), Le Somme le Roi (1290), el Códice Manesse (1310), Heures de Jeanne d’Evreux (1328), Psaltar de Bonne de Luxemburgo (1349), el salterio inglés Amesbury (1240), el salterio Queen Mary (1330) y los salterios Arundel y Luttrell (1340). Estos son solo algunos de los muchos Libros de Horas, Misales, Salterios, Apocalipsis, Biblias y otros textos del evangelio iluminados que emanaron de las escrituras monásticas de la época. Véanse, en particular, las obras de Jean Pucelle (1290-1334). Para más, ver: Historia de los manuscritos ilustrados (600-1200).
Hacia el final de la era gótica, surgió un rico estilo de arte, entre las cortes reales de Europa, que actuó como una especie de puente entre la cultura gótica y renacentista. Conocido como Gótico internacional (c.1375-1450), este estilo fue ejemplificado por una gama de iluminaciones cristianas que alcanzaron su apogeo en obras como Les Tres Riches Heures du Duc de Berry (1416) por los hermanos Limbourg (todos murieron de peste, 1416); Las horas del Marechal de Boucicaut, de Jacquemart de Hesdin (c.1355-1414), y El misal de Jean des Martins de Enguerrand de Charenton (Quarton) (c.1410-1466).
Renacimiento italiano
El arte cristiano del siglo XIV, la era prerrenacentista, estuvo dominado por Giotto. Scrovegni (Arena) Capilla Frescos (c.1303-10) – y Duccio de Buoninsegna (1255-1318) – vea el célebre políptico para la catedral de Siena, conocida como la Retablo Maesta (1308-11). Después de esto vino el Renacimiento temprano en Florencia, ejemplificado por el duomo de la ciudad; para más información, ver: Catedral de Florencia, Brunelleschi y el Renacimiento (1420-36) – Masaccio (frescos de la Capilla Brancacci) y Donatello (estatua de David). Si el arte cristiano del siglo XV estuvo dominado por Florencia, el centro del arte cristiano del siglo XVI fue Roma, donde los principales mecenas fueron el Papa Sixto IV (1471-84), Papa Julio II (1503-13), el papa León X (1513-21) y el papa Pablo III (1534-49).
El siglo XVI también fue testigo de una Edad de Oro del arte en Venecia: ver Retablos venecianos (1500-1600) y Pintura veneciana .
Inmortal pinturas religiosas del Renacimiento incluyen: La flagelación de Cristo (1460) de Piero della Francesca; La última cena (1495-98) y La Virgen de las Rocas (1484) de Leonardo da Vinci; Lamentación sobre el Cristo muerto (c.1490) por Andrea Mantegna; los Madonna Sixtina (1513) y La Transfiguración (1518-20) por Rafael; La Asunción de la Virgen (1516-8) por Tiziano; la Asunción de la Virgen (Catedral de Parma) (1524-30) en el techo de la cúpula en la Catedral de Parma por Correggio; La fiesta de bodas en Cana (1563) y Fiesta en la casa de Levi (1573) por Paolo Veronese; y La crucifixión (1565) por Tintoretto. El mayor cristiano Escultura renacentista incluido: Las puertas del paraíso (1425-52, Baptisterio de Florencia) de Lorenzo Ghiberti; La incredulidad de Santo Tomás (1467) de Andrea Verrocchio; numerosos artículos de devocional escultura de terracota por la familia florentina Della Robbia; Pieta (1500), David (1504) y la tumba del papa Julio II (1505-45) de Miguel Ángel. Pero seguramente el arte cristiano más emblemático del siglo XVI debe ser el Frescos de la Capilla Sixtina , pintado por Miguel Ángel. Estos incluyen el Génesis Fresco (1508-12) – ver en particular El Creación de Adán (Dios pasando la chispa de la vida).
Para el análisis de muchos de los anteriores, ver: Pinturas famosas analizadas .
Irónicamente, cristiano Arquitectura renacentista se basó en diseños de la arquitectura griega pagana e hizo un uso liberal de las órdenes dóricas, jónicas y corintias. Ejemplos destacados incluyen: la cúpula de la Catedral de Florencia (1420-36) y la Iglesia de San Lorenzo (1420-69) diseñada por Brunelleschi; Iglesia de Santa Maria delle Carceri (1485-1506) de Giuliano da Sangallo; Basílica de San Pedro (1506-1626) de Bramante, Rafael, Miguel Ángel, Giacomo della Porta, Carlo Maderno y Bernini; Iglesia de San Giorgio Maggiore (1562) de Palladio.
Arte cristiano renacentista del norte
Así llamado Arte renacentista del norte (c.1430-1580) fue dominado por la escuela de pintura flamenca, parte del movimiento más amplio del Renacimiento holandés. En términos simples, el Renacimiento del Norte comenzó con una explosión, estableciéndose rápidamente como la principal escuela de pintura al óleo, y luego disminuyó gradualmente. los arte de retablo de pintores como Jan van Eyck (ver su Retablo de Gante , 1432) y Roger van der Weyden ( Descenso de la cruz , 1440), así como las obras increíblemente intrincadas de Hugo van der Goes ( Retablo Portinari , 1475), rara vez se igualaron, excepto por las extraordinarias imágenes visionarias de Hieronymus Bosch – ver Jardín de las Delicias y Tríptico Haywain – (recogido con avidez por el austero monarca católico Felipe II de España), y las complejas pinturas de género de Pieter Bruegel el Viejo ( Censo de Belén , 1566; Masacre de los inocentes , 1564; Parábola de los ciegos , 1568).
NOTA: La pintura religiosa del siglo XV en Francia fue dirigida por el artista provenzal Enguerrand de Quarton (1410-66), celebrado por su Avignon Pieta (c.1455, Louvre) – y el pintor de la corte Jean Fouquet (1420-81) destacó por su Díptico Melun (c.1450-55).
El realismo y la precisión flamencos también son evidentes en el trabajo de pintores alemanes como Stephan Lochner ( The Last Judgment , 1440s), Lucas Cranach the Elder ( Adam and Eve , 1528), Hans Baldung Grien ( Altar de la Virgen María [El retablo de Friburgo] ], 1514), y Hans Holbein el Viejo ( Escenas de la Pasión de Cristo [El retablo de Kasheim], 1502). Otros maestros alemanes incluyen el expresionista Matthias Grunewald ( Retablo de Isenheim , 1510-15) y el versátil grabador y pintor Albrecht Durer ( Los cuatro jinetes del Apocalipsis , 1498, xilografía), y Martin Schongauer ( Madonna en el jardín de rosas , 1473).
Nota Histórica: La Reforma Protestante
En 1517, Lutero, un sacerdote holandés, sin duda influenciado por la revuelta anterior de Savonarola (1452-98) en Florencia – comenzó una revuelta religiosa contra las prácticas corruptas de la Iglesia de Roma, que condujo a una división en el movimiento cristiano. Los manifestantes se hicieron conocidos como protestantes, mientras que los que seguían a la Iglesia tradicional se llamaban católicos romanos. El protestantismo (que se dividió en cuatro tipos: luterano, calvinista, anglicano y anabautista) se arraigó en países del norte de Europa como Holanda, Alemania (excepto Baviera) y Gran Bretaña, mientras que países del sur de Europa como Francia, Italia y España (junto con la colonia española de Flandes), siguió siendo católico.
Arte de reforma
Desde aproximadamente 1520, cuando el Renacimiento del Norte sintió el impacto de la revuelta de Lutero contra las prácticas corruptas de la Iglesia romana, un nuevo conjunto de estética se apoderó, en forma de Arte de la reforma protestante , que reflejaba la agenda cristiana del movimiento protestante, que rechazaba el arte humanista y la ideología del Alto Renacimiento, y celebraba una experiencia religiosa más austera, con una decoración mínima. Como resultado, la cantidad de arte religioso encargado por las autoridades de la Iglesia Protestante se redujo enormemente, y los artistas en los países protestantes se vieron obligados a cambiar a formas seculares como la pintura de género, el retrato, la pintura de paisajes y las naturalezas muertas.
Arte protestante
El protestantismo enseñó una forma de adoración personal y discreta que se centró en la relación directa entre Dios y el hombre, sin preocuparse por los intermediarios como papas, obispos y otros empleados de la iglesia. También le dio poca o ninguna importancia a los aspectos decorativos o ceremoniales de la religión. Debido a todo esto, el arte protestante favoreció representaciones moralistas discretas de la vida cotidiana ordinaria, o escenas narrativas simples de la Biblia, en lugar de escenas teológicas dramáticas que involucran la Pasión, la Crucifixión y la Resurrección de Cristo. Otras escenas aceptables incluyeron representaciones de pecadores perdonados por Cristo, en línea con la visión protestante de que la salvación solo es posible a través de la gracia de Dios. El arte protestante también tendía a ser de menor escala que el arte católico, lo que refleja un enfoque más modesto y personal de la religión. Por la misma razón, la ilustración y los grabados de libros se hicieron más populares, mientras que las pinturas y esculturas católicas se convirtieron en objeto de ataques físicos iconclásticos, como lo demuestra la tormenta de Bellas , un episodio de destrucción de la mafia que estalló en 1556. Pero las autoridades de la iglesia protestante estaban igualmente conscientes del poder del arte para educar e influir en los fieles. Como resultado, hicieron el máximo uso de varias formas de grabado , lo que permitió que las imágenes se pusieran a disposición del público a un costo muy bajo.
La estética protestante alcanzó un punto culminante durante el Era barroca holandesa (C.1600-80). Este período, conocido como la Edad de Oro del arte holandés, fue testigo del último desarrollo del estilo realista adoptado anteriormente por los pintores flamencos. Aunque los retratos y paisajes también fueron populares, el período es mejor conocido como el punto más alto de Pintura de género realista holandés y lo que se conoce como pintura de bodegones (cuadros arreglados). Los principales pintores de género de la Reforma Protestante vinieron de una variedad de escuelas. Adriaen van Ostade y el artista católico Jan Steen representaron a la escuela Haarlem; Jan Vermeer y Pieter de Hooch representaron a la escuela de Delft; Hendrik Terbrugghen y Gerrit van Honthorst pertenecían a la escuela de Utrecht; Gerrit Dou representó a la escuela de Leiden; Samuel van Hoogstraten y Nicolaes Maes eran miembros de la escuela Dordrecht; y Carel Fabritius, Gerard Terborch y Gabriel Metsu pertenecían a la escuela de Amsterdam.
Muchas de estas pinturas de género contenían mensajes morales sutiles sobre cómo vivir una vida cristiana, así como mensajes no tan sutiles sobre los peligros del vicio. Esta iconografía protestante discreta fue un contraste completo con las escenas bíblicas intensas, como la crucifixión y la lamentación, favorecida por el arte católico. Los bodegones proporcionaron otro ejemplo de este arte moralista. Conocido como Pintura Vanitas , este género consistía en arreglos de comida y otros objetos colocados sobre una mesa, completos con mensajes simbólicos que desaprobaban la glotonería y la indulgencia sensual. Había dos variedades de pinturas de vanitas: "piezas de banquete" ( pronkstilleven ) o "piezas de desayuno" ( ontbijtjes ). Los exponentes de pronkstilleven incluyen: Harmen van Steenwyck (1612-56) Jan Davidsz de Heem (1606-84) y Willem Kalf (1622-93). Mientras que los principales practicantes de ontbijtjes incluyen: Willem Claesz Heda (1594-1680) y Pieter Claesz (1597-1660).
Sin embargo, incluso en la Amsterdam protestante, se mantuvo una modesta demanda de pinturas religiosas. Una de las comisiones más importantes recibidas por el joven Rembrandt, fue cinco pinturas para el Príncipe Frederick Henry de Orange, el principal soldado en las guerras holandesas contra la España católica, sobre el tema de la Pasión de Cristo. Además de su habilidad como retratista, Rembrandt se convirtió en el mejor pintor religioso del protestantismo holandés, conocido por obras como: The Blinding of Samson (1636), The Sacrifice of Isaac (1636), Susanna and the Elders (1647), Betsabé con la carta del rey David (1654), Jacob bendiciendo a los hijos de José (1656), y El regreso del hijo pródigo (1666-69).
Arte católico de contrarreforma
La Iglesia Católica Romana respondió a la Reforma Protestante con la Contrarreforma. El Arte de la Contrarreforma católica fue diseñado para comunicar los principios distintivos de la liturgia y la fe católicas a fin de fortalecer la popularidad del catolicismo. Se lanzó al mismo tiempo que la pintura manierista se estaba imponiendo en Italia, un estilo altamente expresivo que utilizaba la distorsión para el efecto, como se ejemplifica en la imagen de Parmigianino Madonna con el cuello largo (1535, Uffizi). Preocupados por el hecho de que el arte católico otorgaba demasiada importancia a las cualidades decorativas, y no lo suficiente a los valores religiosos, negando así sus efectos educativos en los feligreses, las autoridades católicas decretaron que el arte bíblico debería ser directo y convincente en su presentación narrativa, que en sí misma debería ser precisa en lugar de fantasiosa, y sobre todo debe fomentar la piedad. La desnudez y otras imágenes inapropiadas fueron prohibidas. Para ver un ejemplo de un piadoso artista manierista que adaptó su estilo de acuerdo con las enseñanzas de la Iglesia, vea: Federico Barocci (1526-1612).
En resumen, el único propósito del arte de la Contrarreforma era glorificar a Dios y las tradiciones católicas, y promover los sacramentos y los santos. Así, el fresco del Juicio Final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina fue muy criticado por su desnudez, por mostrar a Jesús sin barba y por incluir el personaje pagano de Caronte. La pintura de Paolo Veronese La Última Cena fue (no sin razón) atacada por incluir trajes extravagantes, alemanes borrachos y enanos junto con una gran multitud de personas. De hecho, Veronese simplemente esquivó el problema al renombrar la imagen Fiesta en la Casa de Levi .
La Iglesia Católica lanzó la Contrarreforma para luchar por los corazones y las mentes de los cristianos que se habían "pasado" al protestantismo. Con este fin, la Sociedad de Jesús ( Societas Jesu ), fundada por S. Ignacio de Loyola y comúnmente conocida como los jesuitas, fue establecida formalmente en 1540 por el Papa Pablo III, como un importante cuerpo docente y orden misionera. El arte jesuita fue adecuadamente inspirador. Primero, el arquitecto Giacomo Barozzi (Vignola) recibió el encargo de diseñar una iglesia para el nuevo orden: La Iglesia del Santo Nombre de Jesús ( Il Gesu ) (1568-73), para la cual el pintor barroco Giovanni Battista Gaulli pintó el fabuloso trompe. l’oeil frescos del techo Otra iglesia jesuita, la San Ignazio, fue el escenario de lo que podría decirse que es el mejor ejemplo de pintura de quadratura jamás creada: El triunfo y la apoteosis de San Ignacio de Loyola (1691-4) de Andrea Pozzo. No existe un mayor ejemplo de la pintura de la Contrarreforma, y no hay mejor ejemplo de las diferencias entre el arte protestante y el católico.
Rubens (1577-1640)
Un católico devoto, el artista flamenco Peter Paul Rubens se convirtió en el exponente más influyente de la pintura de la Contrarreforma en el norte de Europa. Famoso por sus pinturas religiosas y de historia a gran escala, llenas de color sensual y drama, socializó en los principales círculos de la sociedad europea como artista y diplomático. A pesar de la distancia que separa a Rubens del feligrés ordinario, algunas de sus imágenes católicas, como el famoso tríptico Descenso de la Cruz (Rubens) (1612), se mueven intensamente, y su impacto en los pintores posteriores fue enorme. Ver también: Sansón y Dalila (1610).
Caravaggio (1571-1610)
El pintor barroco temprano italiano Caravaggio fue uno de los héroes de la campaña de arte de la Contrarreforma católica. No por su piedad, sino porque pintó a Cristo, la Virgen María, los Apóstoles y los Santos, con un naturalismo tan increíble. La marca de realismo poco sofisticado de Caravaggio fue el estilo perfecto para el mensaje de la Iglesia. Le dio a los eventos bíblicos clave una inmediatez que ningún otro pintor había logrado. Al abandonar las pretensiones estilísticas del manierismo tardío, un estilo que solo era entendido por una minoría educada, proporcionó el impacto inspirador instantáneo exigido por el Concilio de Trento. Sus mejores obras incluyen: El llamado de san Mateo (1600) El martirio de san Mateo (1600) Conversión en el camino a Damasco (1601), Cena en Emaús (1602) La sepultura de Cristo (1601-3), La crucifixión de San Pedro (1601), y La muerte de la virgen (1601-6). Su uso dramático de la luz y la sombra continuó después de su muerte por los seguidores del llamado caravagismo.
El Greco (1541-1614) y la escuela de español
España es el único estado europeo que ha surgido de una lucha religiosa entre el cristianismo y el islam (el dominio musulmán sobre la mayor parte de la península ibérica duró 718-1492). Por lo tanto, no es sorprendente que la escuela de pintura española produjera una forma de arte cristiano que fuera consistente con la inquebrantable devoción del país por la causa católica. Su mayor exponente fue Domenikos Theotokopoulos, llamado El Greco . Después de entrenar en pintura de iconos bizantinos, trabajó en Venecia antes de establecerse en España. Aquí creó una serie de retratos extáticos de Cristo y los Santos, cuya intensidad de expresión atraía directamente a los sentimientos espirituales del espectador. Estas poderosas pinturas sagradas, con sus figuras alargadas, perspectiva distorsionada y esquemas de color no naturales hicieron de El Greco el padre del arte de la Contrarreforma en España. Sus pinturas católicas más famosas incluyen: La Trinidad (1577-9); El desnudo de Cristo (1579); El entierro del conde Orgaz (1586); Cristo expulsando a los comerciantes del templo (1600); La resurrección (1600) y La apertura del quinto sello del Apocalipsis (1608). Aunque no tenían nada del naturalismo de Caravaggio, estas imágenes eran obras maestras espirituales y, por lo tanto, estaban totalmente en línea con los requisitos doctrinales del Vaticano.
Después de El Greco llegó Francisco de Zurbarán (1598-1664), un artista fuertemente influenciado por el quietismo español, que se especializó en pinturas sagradas a gran escala para órdenes religiosas como los cartujos, capuchinos, dominicanos y otros. El contemporáneo de Zurburan, Jusepe Ribera (1591-1652) fue una figura clave en la Escuela Napolitana de Pintura (1600-56), y uno de los primeros seguidores de Caravaggio. Las obras de ambos pintores son famosas por su veracidad visual, claroscuro audaz y tenebrismo, lo que les dio un gran drama e intensidad. Ver también: Cristo crucificado (1632) por Diego Velázquez.
La intensidad espiritual lograda por los pintores españoles también se vio en las obras de escultores españoles, como Alonso Berruguete (c.1486-1561), el más grande de todos los escultores del Renacimiento en España, cuyas obras maestras incluyen: el retablo del monasterio de La Mejorada Valladolid (1526), y los puestos del coro en la Catedral de Toledo (1539-43); Juan de Juni (1507-1577), destacado por su expresividad emotiva, como en sus dos grupos del Entierro de Cristo (1544 y 1571). Juan Martínez Montañes (el "Dios de la Madera"), famoso por sus crucifijos de madera y figuras religiosas, como El Cristo Misericordioso (1603) y el Retablo de Santiponce (1613); y Alonso Cano (el "Miguel Ángel español"), cuya obra maestra es La Inmaculada Concepción (1655).
Bernini (1598-1680) y la escuela italiana
Ningún otro artista italiano encarnado católico Arte barroco mejor que Gianlorenzo Bernini , cuya producción de arte religioso incluyó la obra maestra escultórica El éxtasis de Santa Teresa (1645–52), dentro de la Capilla Cornaro especialmente diseñada de la iglesia de Santa Maria della Vittoria. El idioma barroco generó un estilo arquitectónico melodramático, ejemplificado por el diseño de Bernini para la Plaza de San Pedro (1656-67) y los enfoques de la Basílica de San Pedro en Roma. Un favorito de Urbano VIII, y rival de Francois Duquesnoy (1594-1643) y Alessandro Algardi (1598-1654), la estatura de Bernini en Roma (aunque no su creatividad) coincidía con la del francés Nicolas Poussin (1594- 1665), el fundador del clasicismo francés, cuyas pinturas religiosas incluyen El martirio de San Erasmo (1628), La peste en Ashdod (1630), The Israelite Gathering Manna in the Desert (1639), The Boy Moses Pisotea la corona del faraón (1645) y The Holy Family on the Steps (1648).
NOTA: La escultura barroca alemana también podría ser impresionante. Ver, por ejemplo, el extraordinario Altar Mayor de la Virgen María (1613-16), en la Iglesia de San Nicolás en Uberlingen, esculpido por el maestro tallador Jorg Zurn (1583-1638).
Murales de la iglesia (Quadratura)
Probablemente la forma más espectacular de pintura cristiana fue el techo de la iglesia. pintura mural (llamado quadratura ), a menudo ejecutado con efectos ilusionistas de trompe l’oeil . Esta decoración de techos abovedados / abovedados de iglesias comenzó durante el Renacimiento en Italia. Los ejemplos del Renacimiento incluyeron: la Sala delle Prospettive fresco (c.1517, Villa Farnesina) de Baldessare Peruzzi; y la Asunción de la Virgen (1524-30) por Correggio, que decoraba el techo abovedado de la Catedral de Parma.
Los murales barrocos incluyen el célebre fresco Aurora (1621-3, Villa Ludovisi, Roma) de Guercino y Agostino Tassi; la Asunción de la Virgen (1625-7) en el duomo de la iglesia de S. Andrea della Valle, de Giovanni Lanfranco (1582-1647); los frescos del Palazzo Barberini de Pietro da Cortona, incluyendo Alegoría de la Divina Providencia (1633-9); y el Apoteosis de San Ignacio (1688-94, Sant’Ignazio, Roma) por Andrea Pozzo.
Murales cristianos rococó notables, todos de Giambattista Tiepolo, incluyen los frescos del Palazzo Labia (c.1745) en Venecia; los frescos de Wurzburg Rezidenz (1750-3) en Alemania; y el fresco de Apoteosis de España (1763-6) en el Palacio Real de Madrid.
Pinturas arquitectónicas de iglesias
Una característica interesante de Christian dibujo de la época barroca fueron los dibujos arquitectónicos, grabados y pinturas de interiores de iglesias. Tres de los principales exponentes de este género fueron: el artista de Haarlem, Pieter Saenredam, conocido por su precisión arquitectónica y sus imágenes de interiores encalados de iglesias ( Interior de Buurkerk, Utrecht , 1645); Emanuel de Witte , que estaba menos preocupado por la precisión técnica y más interesado en la atmósfera de la iglesia ( Interior de la sinagoga portuguesa en Amsterdam , 1680); y el pintor italiano ( vedutista ) Giovanni Paolo Panini ( Interior de la Basílica de San Pedro, Roma , 1731).
Arquitectura de la iglesia del barroco
Arquitectura barroca Abandonó la simetría equilibrada de los diseños renacentistas a favor de líneas y superficies curvas dramáticas que combinaban arte y arquitectura en una entidad dinámica, creando efectos ilusorios de luz, color y textura. Las iglesias barrocas se caracterizaron por una combinación de cúpulas, capillas decoradas, frescos en cuadratura y otros adornos, como lo demuestran estas cuatro estructuras.
Basílica de San Pedro (Roma) (1506-1626)
Construida por primera vez sobre el legendario lugar de enterramiento de San Pedro, durante la época del emperador Constantino I, Basílica de san pedro es uno de los sitios católicos más sagrados. El edificio actual fue diseñado principalmente por Donato Bramante, Miguel Ángel, Carlo Maderno y Bernini, y encarna la transición artística del Renacimiento al Barroco. Coronado por una cúpula de 433 pies de altura, está repleto de obras de arte invaluables, incluida la escultura de mármol de Miguel Ángel Pieta (1500), tallada por el artista en un solo bloque de mármol de Carrara a la edad de 25 años. San Pedro está fuertemente asociado con la iglesia cristiana primitiva, el papado, la contrarreforma y se considera el mejor edificio de su época.
Basilica di Santa Maria della Salute, Venecia (1631-87)
Diseñado por el arquitecto italiano Baldassarre Longhena como muestra de agradecimiento a la Virgen María por liberar la ciudad de la peste, esta basílica de dos cúpulas que se encuentra en la península entre el Canal Grande y el Zattere en Venecia, combina rasgos griegos, islámicos y barrocos clásicos. Es uno de los hitos más famosos de la ciudad.
St Paul’s Cathedral, Londres (1674-1710)
Diseñado por Sir Christopher Wren, St Paul’s es una catedral de la Iglesia de Inglaterra que se encuentra en el sitio de la iglesia original, fundada en 604. La sede del obispo de Londres, la catedral fue construida como parte del importante programa de reconstrucción supervisado por Wren, luego del Gran Incendio de Londres. Su cúpula de 365 pies de altura es uno de los lugares más conocidos de Londres.
Abadía de Melk, Austria (1702-36)
Diseñado y construido por el arquitecto y maestro albañil austríaco Jakob Prandtauer, combina elementos barrocos italianos con diseño tradicional austriaco. Ubicada en altos acantilados con vistas al río Danubio, su iglesia abacial combina una cúpula alta y torres gemelas. El exterior de la abadía es una masa de superficies onduladas y elevadas torretas y torres, mientras que sus interiores y pasillos fueron decorados por muchos de los principales artistas de Austria. Alberga varias características famosas, como el Salón de Mármol, la Escalera Imperial y una biblioteca que contiene una extensa colección de textos medievales raros.
Arte cristiano en la era moderna (1750-2000)
A mediados del siglo XVIII, los países católicos se estaban llenando de catedrales, iglesias, abadías, monasterios y conventos, en el caso de ciertas ciudades como Nápoles, casi de manera absurda. Como resultado, las comisiones eclesiásticas comenzaron a agotarse. Al mismo tiempo, con el advenimiento de la Ilustración del siglo XVIII, la Revolución industrial y los trastornos políticos como la Revolución francesa de 1789, la Iglesia cristiana europea perdió terreno ante el nacionalismo, el socialismo y otros sistemas de valores. Además, recaudó menos dinero para gastar en estatuas religiosas u otras formas de arte eclesiástico. En el siglo XIX, la Iglesia era menos importante como mecenas de las artes que los reyes y los nobles, mientras que la demanda de la clase media de retratos, paisajes topográficos y otras obras seculares aumentaba rápidamente.Los pintores pueden disfrutar de una carrera próspera simplemente concentrándose en arte de retrato o varios tipos de pintura de paisaje , sin pintar nunca un tema religioso, algo hasta ahora desconocido en los países católicos, aunque considerado durante mucho tiempo como normal en los protestantes.
Solo en el Nuevo Mundo se erigieron un número significativo de nuevas iglesias. El tipo de arquitectura elegida fue generalmente renacentista: ver, por ejemplo, la basílica de Baltimore de estilo neoclásico (1806-21), la primera catedral católica romana en los Estados Unidos, diseñada por Benjamin Henry Latrobe; la catedral de San Patricio decorada en estilo gótico, Nueva York (1858-79), diseñada por James Renwick; Trinity Church de Richard Upjohn, Nueva York (1841-6), otra obra maestra del revivalismo gótico; y Trinity Church, Boston (1872-77), diseñada por Henry Hobson Richardson en un estilo románico renacentista.
Solo un importante ejemplo innovador de la arquitectura de la iglesia cristiana se construyó en Europa durante el siglo XIX: la Sagrada Familia, Barcelona (1883), diseñada en un estilo neogótico altamente decorativo por Antoni Gaudí. Celebrando la Sagrada Familia y los misterios de la fe católica, esta extraordinaria iglesia con su formación de estructuras abovedadas en forma de árbol incluye cinco torres y doce campanarios. Hecho de piedra y hormigón, el edificio está adornado en partes con baldosas cerámicas, acabados de pompón y numerosas esculturas, pero aún no está completamente terminado. Gaudi mismo se inspiró en el movimiento Arts and Crafts y estuvo asociado con la escuela modernista catalana.
Menos iglesias significaban menos escultura y menos decoración eclesiástica. Pero aparecieron algunas obras nuevas, como Cristo Redentor (1926-31), la gran esteatita estatua con vista a Río de Janeiro, en Brasil. Diseñado por Heitor da Silva Costa, y esculpido por Paul Landowski, es la estatua Art Deco más grande del mundo. Otras piezas notables de la escultura cristiana moderna incluyen: Tarcisius, Christian Martyr (1868, Musee d’Orsay, mármol) tallado
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