Estética: definición, significado Traductor traducir

Derivado de la palabra griega «percepción» ) aisthesis) y utilizado por primera vez en el siglo XVIII por el filósofo alemán Alexander Baumgarten, el término «estética» ) estética o estética) se refiere a los principios que rigen la naturaleza y la apreciación de la belleza, especialmente en las artes visuales . Desde el punto de vista académico, la estética se refiere al área de la filosofía que trata cuestiones de belleza y gusto artístico.

La subjetividad interior del arte

La belleza no es un tema que atraiga la uniformidad de opiniones. Cada uno de nosotros tiene una perspectiva diferente sobre lo que es bello y lo que no lo es. En consecuencia, es casi imposible llegar a una definición consensuada de la estética del arte.

No hay nada nuevo en este problema. Críticos de arte, conservadores e historiadores han discutido sobre ello durante siglos. Sin embargo, en las últimas décadas, representantes del arte actual, como Jeff Koons (nacido en 1955), Tracey Emin (nacida en 1963), Damien Hirst (nacido en 1965) y otros, han producido una serie de obras nuevas que se parecen muy poco a los ejemplos tradicionales de las bellas artes. Esto plantea la pregunta: ¿cuáles son los límites del arte? Véase también: Primitivismo y arte primitivo .

Definición de los límites del arte

Obviamente, no todo puede ser arte. Pero, ¿cómo establecemos los límites? Por ejemplo, ¿cómo distinguimos (digamos) una obra de magia de una obra de arte escénica? O, ¿cuál es la diferencia entre un experimento científico y una instalación artística ? O, ¿cuándo se convierte un documental en una obra de arte?

El enfoque procedimental da la respuesta

El enfoque procedimental, que define el arte según el procedimiento de su creación, puede ayudar a definir qué es el arte. Funciona de la siguiente manera: (1) Si el artista Jack aplica varias capas de pintura roja a un gran trozo rectangular de madera que pretende exponer como cuadro en una galería de arte local, se trata efectivamente de una obra de arte. (2) Por otro lado, si Bob, un decorador de interiores, aplica varias capas de pintura roja a una pieza de madera similar que luego instala como puerta de entrada en la casa de un cliente, se trata de una puerta, no de una obra de arte. En pocas palabras, si pretendo que algo sea arte, es arte; si no, no lo es.

¿Es arte el arte malo?

Un momento, ¿qué quiero decir cuando utilizo la expresión «mal arte»? Supongo que quiero decir que «¡no me gusta!» En otras palabras, no se trata de un juicio objetivo sino personal, puramente subjetivo. (Puede que no me guste una escultura de (digamos) Picasso, pero probablemente estaría de acuerdo en que sigue siendo arte).

La verdad es que, aunque el enfoque procesual nos ayuda a separar el arte de lo que no lo es, no nos ayuda a distinguir lo bueno de lo malo.

El último conjunto de estéticas europeas capaz de distinguir el buen arte del malo fue el que utilizó el gobierno nazi para definir «el arte degenerado» ) entartete kunst). Al mismo tiempo, Stalin y Andrei Zhdanov utilizaron la estética del «realismo socialista» para indicar directamente directrices a los artistas de la Unión Soviética. Ambos ejemplos ilustran el peligro de que una poderosa minoría elitista intente imponer normas estéticas al resto de la sociedad.

En resumen, a menos que vayamos a reintroducir «la policía del arte», tenemos que aceptar que el mal arte seguirá existiendo. De hecho, tanto desde un punto de vista práctico como filosófico, necesitamos que los cuadros malos, la plástica mala y las instalaciones malas destaquen como obras maestras.

El valor de las artes aplicadas

Entre las muchas cuestiones de belleza y estética que aborda la filosofía del arte está la pregunta: ¿cuál es la diferencia entre arte y artesanía (entre bellas artes y arte decorativo)? Incluso hoy en día, estos dos campos están separados por un enorme abismo: facultades separadas, profesiones separadas, sistemas de financiación separados, exposiciones separadas, etcétera. ¿Está todo esto justificado? La respuesta es: depende de su sistema de valores. Si crees que dibujar y pintar son de algún modo más sublimes o intelectuales que crear un diseño impresionante para un coche nuevo -o una vidriera, un tapiz, una caja de ébano lacado o un par de pendientes-, entonces podrías responder «sí». En cambio, si crees que todas estas actividades pueden ser igual de creativas, responderías «No».

Históricamente, el dibujo, la pintura y la escultura se han clasificado durante mucho tiempo como «bellas artes» -una forma noble de «arte por el arte»-, mientras que la artesanía, junto con su prima moderna «las artes aplicadas» (principalmente el diseño), se consideraban disciplinas menores. Afortunadamente, esto está cambiando en el siglo XXI.

Irónicamente, el impresionismo -el movimiento artístico más famoso del mundo, liderado en su día por Claude Monet- se benefició en gran medida del tubo «de pintura» (tubo) mejorado inventado en 1841 por el artista estadounidense John Rand, que facilitó enormemente la pintura plein air.

¿Qué hace que un cuadro sea bueno?

Esta es otra cuestión clave de la estética con la que tienen que lidiar constantemente los comisarios y organizadores de exposiciones de todo el mundo. Por ejemplo, ¿cuánto del valor artístico de un cuadro se debe a su impacto visual y cuánto a su contenido intelectual? ¿Son mejores los cuadros realistas o naturalistas que los abstractos? No es sorprendente que estas preguntas tengan innumerables respuestas.

Arte popular frente a buen arte

Casi todos los años aparece alguna tendencia o estilo de moda. Muchos consumidores la siguen, pero la abandonan al cabo de un tiempo al ser suplantada por el siguiente gran estilo. ¿Sigue el arte el mismo camino que la industria de la moda?

Tomemos como ejemplo la industria de los museos de arte. A la hora de planificar una exposición, ¿deben los comisarios seleccionar pinturas, esculturas, instalaciones y otras obras de arte contemporáneo porque representan arte de la más alta calidad o porque atraerán visitantes al museo?

Por ejemplo, ¿debe el jurado del Premio Turner seleccionar una preselección de artistas por su talento artístico o porque atraerán la atención sobre el concurso y su exposición? (Véase también Ganadores del Premio Turner).

Estas preguntas ponen de relieve un problema importante. Los museos se consideran lugares bastante aburridos, por lo que exponer una obra de arte impactante o muy controvertida puede ayudar a atraer al público. Del mismo modo, el Premio Turner necesita publicidad para sobrevivir y prosperar. En ambos casos, los organizadores pueden responder seleccionando obras de arte que crean que entretendrán al público, aunque su nivel artístico sea inferior al de otras obras. Aunque esta estrategia tiene ventajas evidentes a corto plazo, ¿tiene sentido a largo plazo?

Por ejemplo, ¿qué ocurre cuando los estudiantes de arte empiezan a darse cuenta de que para triunfar en el mundo del arte -en lugar de desarrollar una serie de habilidades creativas específicas- tienen que dar con alguna idea estrafalaria y controvertida que llame la atención? La respuesta es que buscan una idea que llame la atención y así se convierten en artistas. Por desgracia, como todos sabemos, se utilizan técnicas como la violencia, la blasfemia y otros métodos similares para llamar la atención de la gente. Puede ser popular, pero ¿será arte?

TIPOS DE ARTE
Sobre obras de arte hechas con materiales reciclables, véase: Arte basura . Sobre pinturas y esculturas realizadas por artistas ajenos a la corriente dominante, véase Arte outsider . Sobre las obras de enfermos mentales, véase : Art Brut .

EL MEJOR ARTE DEL MUNDO
Para una lista de los mejores ejemplos de pintura al óleo, acuarela y técnica mixta desde 1300 hasta la actualidad, véase: Las mejores pinturas de todos los tiempos . Para las mejores obras tridimensionales, véase Las mejores esculturas de todos los tiempos .