Arte de vanguardia: definición, significado, historia Traductor traducir

En las artes visuales el término «vanguardia» (del francés «avant-garde») se ha utilizado tradicionalmente para describir a cualquier artista, grupo o estilo que se considera significativamente adelantado a la mayoría en su técnica, temática o aplicación. Se trata de una definición muy imprecisa, entre otras cosas porque no existe un consenso claro sobre QUIÉN decide si un artista se adelanta a su tiempo o QUÉ se entiende por adelantarse. Dicho de otro modo, vanguardia significa explorar nuevos métodos artísticos o experimentar con nuevas técnicas para crear un arte mejor. Aquí se hace hincapié en la intención y no en la casualidad, ya que es dudoso que un pintor o un escultor puedan convertirse en vanguardistas por casualidad. Pero, ¿qué es «el mejor» arte? ¿Significa, por ejemplo, que la pintura es más agradable estéticamente? ¿O más significativa? ¿O colores más vivos? Las preguntas siguen y siguen.

Quizá la mejor manera de explicar el significado del arte de vanguardia sea utilizar una analogía con la medicina. La inmensa mayoría de los médicos se atienen a las normas convencionales a la hora de tratar a sus pacientes. (Sin embargo, un grupo muy reducido de médicos e investigadores experimenta con métodos radicalmente nuevos. (Este grupo corresponde a los artistas de vanguardia.) La mayoría de estos nuevos métodos no conducen a nada, pero algunos cambian el curso de la medicina para siempre. El cubismo de Picasso y Braque tuvo una influencia similar en el arte).

Radical, incluso subversivo

Se dice que el término fue aplicado por primera vez a las artes visuales a principios del siglo XIX por el escritor político francés Henri de Saint-Simon, quien sostenía que los artistas sirven de vanguardia en el movimiento general del progreso social, por delante de los científicos y otras clases.

Sin embargo, desde principios del siglo XX, el término ha conservado un tinte de radicalismo e implica que, para que los artistas sean realmente vanguardistas, deben desafiar el statu quo artístico -es decir, su estética, sus convenciones intelectuales o artísticas o sus métodos de producción- hasta casi la subversión. Siguiendo esta interpretación, Dadá (1916-24) es probablemente el ejemplo definitivo de arte visual de vanguardia porque desafió la mayoría de los fundamentos de la civilización occidental.

Historia del arte de vanguardia

El Renacimiento italiano fue probablemente la época más vanguardista de la historia de la pintura y la escultura. Las figuras de la Sagrada Familia bíblica se representaron con total naturalidad, un cambio radical con respecto a las obras de arte bizantinas e incluso góticas. Además, el desnudo se convirtió no sólo en algo aceptable, sino también en el tipo más noble de representación figurativa, como atestiguan «El destierro del Jardín del Edén» de Mazaccio (1426, Capilla Brancacci, Florencia) y la escultura de bronce ««David» de Donatello (c. 1440, Museo del Bargello, Florencia).

A pesar del breve apogeo de Caravaggio, que revitalizó el movimiento humanista en la pintura con sus representaciones campesinas de Cristo y otros miembros de la Sagrada Familia, (y de Giuseppe Arcimboldo con sus retratos de frutas y verduras), las tradiciones hipermodernistas del Renacimiento fueron sustituidas gradualmente por la repetición, la imitación y la conformidad total.

Las grandes Academias de Bellas Artes europeas, apoyadas por la Iglesia católica, impusieron una serie de normas y convenciones inflexibles que los artistas ignoraban por su cuenta y riesgo: a los desviados se les negaba la entrada a los Salones y otras exposiciones oficiales. Tal vez sólo en Holanda hubo un auténtico espíritu de investigación artística, especialmente en los retratos intensamente expresivos de Rembrandt y el nuevo tipo de pintura de género exquisitamente realizada por Jan Vermeer y otros.

Tras la Revolución Francesa, los artistas comenzaron a experimentar de nuevo. Esto comenzó con la pintura de paisaje . Corot y otros miembros de la escuela de Barbizon iniciaron una nueva tradición de plein air; el pintor simbolista alemán Caspar David Friedrich dio a sus paisajes una nueva forma de romanticismo; y el genio inglés William Turner llevó el género a un nivel aún más alto e insólito. La pintura de historia también se hizo vanguardista a través de obras como «El tres de mayo de 1808 de Goya», (1814, Prado, Madrid) que no tiene héroes ni un mensaje edificante.

La siguiente escuela verdaderamente vanguardista fue el Impresionismo, - el primer gran movimiento del arte moderno - que puso patas arriba las ideas sobre el color. De repente, la hierba podía volverse roja y los pajares azules, según el efecto momentáneo de la luz solar percibida por el artista. Hoy en día, el Impresionismo puede considerarse una corriente dominante, pero en la década de 1870 el público, así como la jerarquía artística, se escandalizaron. Para ellos, la hierba era verde y los almiares amarillos, y eso era todo.

El arte de vanguardia de principios del siglo XX

Las tres primeras décadas del arte del siglo XX produjeron una oleada de movimientos y estilos revolucionarios. Primero llegó el fauvismo (1905-8), cuyos esquemas de color eran tan dramáticos y antinaturales que sus representantes fueron apodados «bestias salvajes». A continuación , el cubismo analítico (1908-12) -posiblemente el más intelectual de todos los movimientos de vanguardia-, que rechazó la idea tradicional de perspectiva lineal en favor de un mayor énfasis en el plano bidimensional de la imagen, escandalizando a las academias de arte de Europa y a los visitantes del Salón de los Independientes de París y de la exposición Armory de Nueva York (1913). Mientras tanto, en Dresde, Múnich y Berlín, el expresionismo alemán era el estilo de vanguardia propugnado por Die Brucke (1905-13) y Der Blaue Reiter (1911-14), mientras que en Milán el futurismo presentaba su singular combinación de movimiento y modernidad.

Cinco importantes marchantes de arte de vanguardia en París entre 1900-30 son Solomon Guggenheim (1861-1949), Ambroise Vollard (1866-1939), Daniel-Henrich Kahnweiler (1884-1979), Paul Guillaume (1891-1934) y Peggy Guggenheim (1898-1979). En Alemania, el gran centro de la vanguardia expresionista fue la galería Walden Sturm .

Pero el movimiento más iconoclasta de todos los tiempos es quizá el dadaísmo, fundado por Tristan Tzara (1896-1963), que estalló en Zúrich en 1916 y luego se extendió a París, Berlín y Nueva York. Los dadaístas rechazaban la mayoría, si no todos, los valores burgueses de las artes visuales, favoreciendo una embriagadora mezcla de anarquismo e innovación hipermoderna.

Esta última incluía una serie de ideas subversivas que ahora se consideran relativamente dominantes, como la creación de arte basura a partir de «objetos encontrados» (Duchamp tenía «readymades») y la introducción del collage tridimensional (Merzbau Schwitters). También podría decirse que los artistas dadaístas inventaron el arte de la performance y el heppening, así como el arte conceptual, adelantándose más de cincuenta años a sus sucesores posmodernos. El sucesor menos implacable de Dadá fue el Surrealismo, que divirtió pero finalmente no logró mantener el impulso de cambio.

Después de Dadá, quizá sólo el pintor holandés Piet Mondrian, con su abstracción geométrica al estilo de De Stijl (neoplasticismo), fue verdaderamente experimental. En las artes plásticas, la vanguardia estuvo hábilmente representada por el modernista Constantin Brancusi, el futurista Umberto Boccioni, el pintor cinético Alexander Calder y la escultora de Yorkshire Barbara Hepworth, que en su famosa obra de 1931 «Pierced Form» introdujo el «agujero» en el arte de la escultura.

Arte de vanguardia de mediados del siglo XX

El vanguardismo apareció en los años 40 y posteriores de forma discontinua. Esto se debe en parte a que dominaba el arte abstracto, y había muy pocas novedades fundamentales en la abstracción. En Estados Unidos, es cierto que Jackson Pollock (1912-1956) inventó la pintura de acción ; Mark Rothko (1903-1970) dotó a sus composiciones abstractas de emoción colorista, y Robert Motherwell y Barnett Newman de narratividad; pero a mediados de los años 60 la abstracción se había convertido en una fuerza anticuada.

El minimalismo la racionalizó y trató de darle un mensaje más poderoso, pero al público no le interesó. Se decantaron por el Pop Art, la nueva estética de los años 60 que, de repente, hizo que el arte volviera a ser accesible. Sin embargo, con la excepción de algunos artistas multimedia excepcionales como Robert Rauschenberg y Andy Warhol, y quizás el escultor Claes Oldenburg, el Pop Art siguió estando de moda pero era predecible. (Para más detalles, véase El Pop Art de Andy Warhol de los años sesenta y setenta).

Mientras tanto, en Italia, a finales de los sesenta, las modestas materias primas utilizadas en los ensamblajes, instalaciones y performances Arte Povera reforzaron la naturaleza experimental del movimiento, y en América el arte de ensamblaje de madera de Louise Nevelson (1899-1988) y los «ensamblajes» de Arman (1928-2005) se sumaron a la cultura pop. Al mismo tiempo, en la Europa de los años cincuenta y principios de los sesenta, los artistas experimentales Jean Dubuffet (véase Art Brut) e Yves Klein, así como el escultor suizo Jean Tinguely (1925-1991), que con Alexander Calder desarrolló Arte cinético .

Una figura influyente en el arte de vanguardia estadounidense de los años 40 y 50 fue John Cage (1912-1992), compositor y grabador. Famoso por su revolucionaria composición musical 4 minutos 33 segundos (¡que no contenía ni una sola nota musical!), Cage dio clases en el Black Mountain College e influyó en artistas como Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

Arte de vanguardia de finales del siglo XX

El arte posmoderno surgió a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Dio lugar a formas totalmente nuevas de arte actual, gran parte del cual era casi por definición vanguardista. Estas nuevas formas de arte incluyen el arte feminista popularizado por Judy Chicago (nacida en 1939) y Carol Schneemann (nacida en 1939); la fotografía artística ejemplificada por Robert Mapplethorpe (1946-1989) y Nan Goldin (nacida en 1953); y fotografía artística, ejemplificada por Robert Mapplethorpe (1946-1989) y Nan Goldin (n.1953).); también arte de instalación, ejemplificada por Joseph Beuys (1921-1986), Bruce Nauman (n.1941), Christian Boltanski (n.1944), Richard Wilson (n.1944), y Richard Wilson (n.1944).), Richard Wilson (n.1953) y Martin Creed (n.1968); Videoarte de Bill Viola (n.1951) y otros; Arte conceptual tipificado en la obra de Sol LeWitt (n.1928), Eva Hesse (1937-1970) y Joseph Kosuth (n.1945); Performance Art y el estilo relacionado Happening, ejemplificado por Allan Kaprow (nacido en 1927), Eve Klein (1927), etc.), Eve Klein (1928-1962), Wolf Vostell (1932-1998), Günter Brus (nacido en 1938), Hermann Nitsch (nacido en 1938), Gilbert y George, y el movimiento Fluxus . Sobre la forma no comercial del arte contemporáneo, véase: Escultura de hielo - quizás la última palabra en «objetos encontrados». Una de las últimas modas creativas es la forma extrema de Body Art, ejemplificada por las arriesgadas performances de la artista serbia Marina Abramović (n.1946).

Para obtener información sobre las mejores sedes de arte de vanguardia de todo el mundo, véase: Las mejores galerías de arte contemporáneo .

A finales de los años ochenta y noventa, surgió en el Reino Unido un grupo vanguardista conocido como los Jóvenes Artistas Británicos (YBAs), entre cuyos miembros se encontraban los ganadores del Premio Turner Mark Wallinger (n.1959), Rachel Whiteread (n.1959) y otros), Rachel Whiteread (n.1963), Gillian Wearing (nacida en 1963), Damien Hirst (nacido en 1965), Douglas Gordon (nacido en 1966), Chris Ofili (nacido en 1968) y Steve McQueen (nacido en 1969).

Otro miembro controvertido del grupo fue Tracey Emin (nacida en 1963). Estos jóvenes artistas posmodernos causaron una enorme controversia por su enfoque desafiante e incluso subversivo de los temas y el uso de materiales (estiércol de elefante, gusanos, tiburón muerto, sangre humana), que escandalizó tanto a los críticos de arte como al público. A pesar de ello, su enfoque vanguardista revitalizó el arte británico y les granjeó un gran número de seguidores, incluido el patrocinio de Charles Saatchi, el principal coleccionista británico de arte contemporáneo, así como numerosas exposiciones en la famosa Saatchi Gallery, y la exposición Sensation (1997) en la Royal Academy de Londres.

Para otras exposiciones de obras posmodernistas en todo el mundo, véase: Los mejores festivales de arte contemporáneo .

¿Quién es el artista más vanguardista del mundo?

Es imposible responder a esta pregunta, así que me limitaré a citar a nuestros principales candidatos. Entre ellos están: Joseph Mallord Turner (un artista 50 años adelantado a su tiempo); Claude Monet (el primer revolucionario de la pintura moderna); Ilya Repin (el primer artista que transmitió detalles auténticos de la vida en Rusia); Picasso (por su dominio del arte figurativo y abstracto en casi todos los medios); Marcel Duchamp (pionero del dadaísmo y del arte objetual, del que surgió el arte conceptual); el matrimonio Christo y Jeanne-Claude ) empaquetage, o empaquetado); Andy Warhol (el primero y posiblemente el mayor posmodernista); Gilbert y George (esculturas vivientes); Damien Hirst (el mayor autopromotor del arte); y, por supuesto, el terrorista del graffiti Banksy .

En el campo de la arquitectura, los principales candidatos son Le Corbusier (Charles-Edouard Jeanneret) (1887-1965), arquitecto funcionalista utópico y pionero del Brutalismo; y Frank O. Gehry (nacido en 1929), campeón del deconstructivismo tanto en América como en Europa.

¿Cuáles son las pinturas más vanguardistas del siglo XX?

Éstas son nuestras sugerencias, ordenadas cronológicamente:

- Las doncellas de Avignon (1907) Pablo Picasso
- Armonía en rojo (1908) Henri Matisse
- Desnudo, escalera descendente nº 2 (1912) Marcel Duchamp
- Círculo negro (1913), Kazimir Malevich
- Construcción blanda con judías hervidas (1936) Salvador Dalí
- Broadway Boogie Woogie (1942-) 3) Piet Mondrian
- Número 6 (1948) Jackson Pollock
- Amarillo y oro (1956) Mark Rothko
- Azul monocromo (1961) Yves Klein

¿Cuáles son las esculturas más vanguardistas del siglo XX?

Éstas son nuestras sugerencias:

- Formas únicas de continuidad en el espacio (bronce) (1913) de Umberto Boccioni
- Fuente (urinario) (1917) Marcel Duchamp
- Pájaro en el espacio (bronce) (1923) Constantin Brancusi
- Merzbau (collage 3D) (c. 1930-43) Kurt Schwitters
- Piercing Form (1931) Barbara Hepworth
- Fur Cup (1936) Meret Oppenheim
- Presidential Portraits, Monte Rushmore (1941) Gutzon Borglum
- Caballo (bronce) (1950) Marino Marini
- Cielo, Catedral (madera pintada) (1958) Louise Nevelson
- Dedication to New York (explosión) (1958) York (diseño de explosión) (1960) Jean Tingley
- Sin título (Stack) (hierro lacado) (1967) Donald Judd
- Mil años (instalación) (1990) de Damien Hirst
- Manzana, Kernels (1992) de Claes Oldenburg
- Puppy (plantas, madera, tierra) (1992) de Jeff Koons
- My Bed (instalación) (1999) Tracey Yemin
- 227. Lights On and Lights Out (Luces encendidas y luces apagadas) (instalación) (1990) de Damien Hirst
- Luces encendidas y luces apagadas (Arte conceptual) (2001) Martin Creed
- Controller of the Universe (Controlador del universo) (Herramientas y alambre) (2007) Damian Ortega