Arte de vanguardia: definición, significado, historia Traductor traducir

¿Cuál es el significado de "vanguardia"?

En arte fino , el término "vanguardia" (del francés para "vanguardia") se usa tradicionalmente para describir a cualquier artista, grupo o estilo, que se considera significativamente por delante de la mayoría en su técnica, tema o aplicación. Esta es una definición muy vaga, sobre todo porque no hay un consenso claro en cuanto a que la OMS decida si un artista se adelanta a su tiempo, o QUÉ se entiende por adelantarse. Para decirlo de otra manera, ser vanguardista implica explorar nuevos métodos artísticos, o experimentar con nuevas técnicas, para producir un mejor arte. El énfasis aquí está en el diseño, más que en el accidente, ya que parece dudoso que un pintor o escultor pueda ser accidentalmente vanguardista. Pero, ¿qué constituye el arte "mejor"? ¿Significa, por ejemplo, una pintura que es más agradable estéticamente? ¿O más significativo? ¿O de colores más vivos? ¡Las preguntas siguen y siguen!

Quizás la mejor forma de explicar el significado del arte de vanguardia es utilizar la analogía de la medicina. La gran mayoría de los médicos siguen las reglas generales al tratar a los pacientes. (Del mismo modo, la mayoría de los pintores siguen las convenciones tradicionales cuando pintan). Sin embargo, un grupo muy pequeño de médicos e investigadores experimentan con métodos radicalmente nuevos. (Este grupo corresponde a artistas de vanguardia.) La mayoría de estos nuevos métodos no llevan a ninguna parte, pero algunos cambian el curso de la medicina para siempre. (Picasso y Braque’s Cubismo tuvo un efecto similar en el art.)

Radical Incluso Subversivo

Según los informes, el término fue aplicado por primera vez al arte visual a principios del siglo XIX por el escritor político francés Henri de Saint-Simon, quien declaró que los artistas sirvieron como vanguardistas en el movimiento general del progreso social, por delante de los científicos y otras clases. Sin embargo, desde principios del siglo XX, el término ha conservado una connotación de radicalismo y conlleva la implicación de que para que los artistas sean verdaderamente vanguardistas deben desafiar el statu quo artístico, es decir, su estética , sus convenciones intelectuales o artísticas, o sus métodos de producción, hasta el punto de ser casi subversivos. Usando esta interpretación, Dada (1916-24) es probablemente el último ejemplo del arte visual de vanguardia, ya que desafió la mayoría de los fundamentos de la civilización occidental.

Historia del arte vanguardista

El Renacimiento italiano fue probablemente la época más vanguardista en la historia de la pintura y la escultura. Las figuras de la Sagrada Familia Bíblica fueron representadas de una manera completamente natural, una desviación radical de las obras de arte bizantinas, incluso góticas. Además, la desnudez se volvió no solo aceptable, sino también el tipo más noble de imágenes figurativas: testigo de la expulsión de Masaccio del jardín del Edén (1426, Capilla Brancacci, Florencia) de Masaccio, y la escultura de bronce hipermoderna David por Donatello (c.1440, Museo Bargello, Florencia).

A pesar de un breve florecimiento de Caravaggio, quien revitalizó la tendencia humanista en la pintura con sus representaciones campesinas de Cristo y otros miembros de la Sagrada Familia (y Giuseppe Arcimboldo con sus retratos de frutas y verduras), las tradiciones hipermodernas del Renacimiento fueron gradualmente reemplazado por repetición, imitación y total conformidad. Las grandes Academias Europeas de Bellas Artes, apoyadas por la Iglesia Católica, introdujeron un conjunto de reglas y convenciones inquebrantables, que los artistas ignoraron a su propio riesgo: a los desviados se les negó la entrada a los Salones y otras exposiciones oficiales. Quizás solo en Holanda hubo un espíritu genuino de exploración artística, especialmente en la forma de retratos intensamente evocadores de Rembrandt, y el nuevo tipo de pintura de género exquisitamente representada por Jan Vermeer y otros.

No fue hasta que el polvo se asentó después de la Revolución Francesa que los artistas realmente comenzaron a experimentar nuevamente. Comenzó con pintura de paisaje . Corot y otros de la Escuela Barbizon iniciaron una nueva tradición de plein-air; el pintor simbolista alemán Caspar David Friedrich inyectó a sus paisajes una nueva forma de romanticismo; y el género fue llevado a niveles aún más altos y extraordinarios por el genio inglés JMW Turner. Pintura de la historia También se convirtió en vanguardia con obras como la de Goya 3 de mayo de 1808 (1814, Prado, Madrid), que no tenía héroes ni mensaje inspirador.

La siguiente escuela realmente vanguardista fue Impresionismo , – el primer gran movimiento de arte Moderno – que convirtió las convenciones de color al revés. De repente, la hierba podría ser roja y los pajares podrían ser azules, dependiendo del efecto momentáneo de la luz solar como lo percibe el artista. Hoy, el impresionismo puede ser visto como una corriente principal, pero en la década de 1870 el público, así como la jerarquía artística, se escandalizaron. En lo que a ellos respecta, la hierba era verde y los pajares eran amarillos, y eso fue todo.

Arte vanguardista de principios del siglo XX

Las primeras tres décadas del arte del siglo XX dieron lugar a una ola de movimientos y estilos revolucionarios. Llegar primero Fauvismo (1905-8) cuyos esquemas de color eran tan dramáticos y antinaturales que sus miembros fueron llamados ’bestias salvajes’. Entonces Cubismo analítico (1908-12), probablemente el más intelectual de todos los movimientos de vanguardia, que rechazó la idea convencional de la perspectiva lineal en favor de un mayor énfasis en el plano de la imagen bidimensional, escandalizando las academias de artes de Europa, junto con los visitantes de El Salón de los Independientes de París y Nueva York Show de armería (1913) – en el proceso. Mientras tanto, en Dresde, Múnich y Berlín, el expresionismo alemán fue el estilo de vanguardia, tal como lo practican Die Brucke (1905-13) y Der Blaue Reiter (1911-14), mientras que en Milán, el futurismo introdujo su mezcla única de movimiento y modernidad..

Cinco importantes distribuidores de arte de vanguardia, en París, durante el período 1900-30, incluyen a Solomon R Guggenheim (1861-1949), Ambroise Vollard (1866-1939), Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979), Paul Guillaume (1891-1934) y Peggy Guggenheim (1898-1979). En Alemania, el gran centro de la vanguardia expresionista, fue el de Walden Galería Sturm .

Pero el movimiento más iconoclasta de todos los tiempos es quizás Dada, fundado por Tristan Tzara (1896-1963) que se encendió en Zurich en 1916 antes de extenderse a París, Berlín y Nueva York. Los dadaístas rechazaron la mayoría, si no todos, los valores burgueses del arte visual, a favor de una embriagadora mezcla de anarquismo e innovación hipermoderna. El último incluía una serie de ideas subversivas que ahora se consideran relativamente convencionales, como la creación de arte basura desde ’ objetos encontrados ’(Duchamp’s’ readymades ’), y la introducción del collage 3-D (Schwitters’ Merzbau). También se puede decir que los artistas de Dada inventaron Performance Art y Happenings, así como Conceptual Art, más de cincuenta años antes que sus sucesores posmodernos. El sucesor menos intransigente de Dada fue el surrealismo, que divirtió pero finalmente no pudo mantener el impulso para el cambio. Después de Dada, podría decirse que solo el pintor holandés Piet Mondrian, con su estilo De Stijl de abstracción geométrica (neoplasticismo), fue auténticamente experimental. En el arte plástico, la vanguardia fue representada hábilmente por el modernista Constantin Brancusi, el futurista Umberto Boccioni, el artista cinético Alexander Calder y Barbara Hepworth, la escultora de Yorkshire que, en su célebre obra de 1931, Pierced Form , introdujo el ’agujero’ a El arte de la escultura.

Arte vanguardista de mediados del siglo XX

El vanguardismo durante la década de 1940 en adelante, entró en forma y comenzó. Esto fue en parte porque arte abstracto dominado, y había muy poco acerca de la abstracción que era fundamentalmente nueva. En Estados Unidos, es verdad, Jackson Pollock (1912-56) inventó pintura de acción ; Mark Rothko (1903-70) invirtió sus composiciones abstractas con emoción colorida, mientras que Robert Motherwell y Barnett Newman invirtieron las suyas en narrativa; pero a mediados de los años 60 la abstracción era una fuerza gastada. El minimalismo lo simplificó e intentó inyectarle un mensaje más potente, pero el público no estaba realmente interesado. Ellos preferían mucho Arte pop – La nueva estética de los años 60 que de repente hizo que el arte fuera accesible nuevamente. Sin embargo, a excepción de algunos artistas multimedia excepcionales, como Robert Rauschenberg y Andy Warhol, y posiblemente el escultor Claes Oldenburg, el arte pop se mantuvo a la moda pero predecible. (Para más información, vea Pop Art de Andy Warhol de los años sesenta y setenta.) Mientras tanto, en Italia, a fines de los años sesenta, las humildes materias primas utilizadas en los ensamblajes, instalaciones y performance art de Arte Povera reforzó la naturaleza experimental del movimiento, mientras que en América tanto la madera arte de ensamblaje de Louise Nevelson (1899-1988) y las ’acumulaciones’ de Arman (1928-2005) añadido a la cultura pop. Mientras tanto, en Europa, durante los años 50 y principios de los 60, los artistas experimentales Jean Dubuffet proporcionaron una muestra de vanguardia (ver Art Brut ) e Yves Klein, así como el escultor suizo y Jean Tinguely (1925-91) que se unieron a Alexander Calder en el desarrollo arte cinético .

Una figura influyente en el arte de vanguardia estadounidense de las décadas de 1940 y 1950 fue John Cage (1912-92), el compositor y grabador. Conocido por su revolucionaria composición musical 4 minutos y 33 segundos (¡que no contenía una sola nota de música!), Cage dio una conferencia en el Black Mountain College e influyó en artistas como Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

Arte vanguardista de finales del siglo XX

Arte posmodernista llegó a fines de los años sesenta y principios de los setenta. Condujo a la aparición de nuevas formas de arte contemporáneo , gran parte de lo cual era, por definición, casi vanguardista. Estas nuevas formas de arte incluyen: Arte feminista popularizado por Judy Chicago (n. 1939) y Carole Schneemann (n. 1939); Fotografía Artística , ejemplificado por Robert Mapplethorpe (1946-89) y Nan Goldin (b.1953); además Arte de instalación , ejemplificado por Joseph Beuys (1921-86), Bruce Nauman (nacido en 1941), Christian Boltanski (nacido en 1944), Richard Wilson (nacido en 1953) y Martin Creed (nacido en 1968); Videoarte creado por Bill Viola (nacido en 1951) y otros; Arte conceptual , tipificado en obras de Sol LeWitt (n. 1928), Eva Hesse (1937-70) y Joseph Kosuth (nacido en 1945); Arte de performance y su estilo asociado de Acontecimientos , ejemplificado por Allan Kaprow (n. 1927), Yves Klein (1928-62), Wolf Vostell (1932-98), Gunter Brus (n. 1938), Hermann Nitsch (n. 1938), Gilbert y George , y el Movimiento Fluxus . Para una forma de arte contemporáneo no comercial, ver: Escultura de hielo – posiblemente la última palabra en "objetos encontrados". Una de las últimas modas creativas es una forma extrema de Arte Corporal , ejemplificado por las actuaciones de alto riesgo del artista serbio Marina Abramovic (nacido en 1946).

Para obtener información sobre los mejores lugares para el arte de vanguardia en todo el mundo, consulte: Las mejores galerías de arte contemporáneo .

A finales de los años ochenta y noventa surgió un grupo de vanguardia del Reino Unido conocido como Jóvenes artistas británicos (YBA), cuyos miembros incluían el Ganadores del Premio Turner Mark Wallinger (n. 1995), Rachel Whiteread (n. 1963), Gillian Wearing (n. 1963), Damien Hirst (n. 1965), Douglas Gordon (n. 1966), Chris Ofili (n. 1968) y Steve McQueen (nacido en 1969). Otro miembro controvertido fue Tracey Emin (n. 1963). Estos jóvenes artistas posmodernos atrajo una gran controversia por su enfoque desafiante, incluso subversivo, a su tema y uso de materiales (estiércol de elefante, gusanos, tiburón muerto, sangre humana), lo que conmocionó tanto a los críticos de arte como al público. Aun así, su enfoque vanguardista revitalizó el arte británico y les ganó muchos seguidores, incluido el patrocinio de Charles Saatchi , El principal coleccionista británico o arte contemporáneo, junto con numerosas exposiciones en el famoso Galería Saatchi y la exposición Sensation (1997) en la Royal Academy de Londres.

Para otras exposiciones de obras posmodernas en todo el mundo, ver: Mejores festivales de arte contemporáneo .

¿Quién es el artista más vanguardista del mundo?

Una pregunta imposible de responder, así que te daré nuestros mejores candidatos. Estos incluyen: JMW Turner (un pintor posiblemente 50 años adelantado a su tiempo); Claude Monet (el primer revolucionario de la pintura moderna); Ilya Repin (el primer pintor en capturar los detalles auténticos de la vida en Rusia); Picasso (por su dominio del arte figurativo y abstracto en casi todos los medios); Marcel Duchamp (el pionero de Dada y Object Art, del cual surgió el arte conceptual); el equipo de marido y mujer Christo y Jeanne-Claude ( empaquetage , o packaging); Andy Warhol (el primer y posiblemente el mejor posmodernista); Gilbert y George (esculturas vivas); Damien Hirst (el publicista más grande del arte) y, por supuesto, el terrorista del graffiti Banksy . En arquitectura, los principales candidatos incluyen: Le Corbusier (Charles-Edouard Jeanneret) (1887-1965), el arquitecto utópico funcionalista y pionero del brutalismo; y Frank O. Gehry (nacido en 1929), el campeón de Deconstructivismo tanto en América como en Europa.

¿Cuáles son las pinturas más vanguardistas del siglo XX?

Aquí están nuestras sugerencias, enumeradas en orden cronológico:

¿Cuáles son las esculturas más vanguardistas del siglo XX?

Aquí están nuestras sugerencias: