Arte feminista: características, historia Traductor traducir

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¿Qué es el arte feminista? Definición y características

Una forma de arte posmodernista surgido como parte del movimiento de Liberación de la Mujer en Estados Unidos y Gran Bretaña a fines de la década de 1960, el arte feminista tenía como objetivo brindar a las mujeres un lugar justo y legítimo en el mundo. En un sentido general, buscó cambiar las actitudes culturales y transformar los estereotipos. Intentó, por ejemplo, desafiar al espectador a cuestionar el status quo dominado por los hombres, con la esperanza de fomentar una mayor igualdad. Más específicamente, las artistas feministas buscaron ampliar las oportunidades y roles disponibles para ellas dentro del sistema de arte estadounidense, y reinterpretar el historia del Arte desde una perspectiva más amigable para las mujeres. En términos generales, las artistas femeninas evitaron deliberadamente los tipos tradicionales de arte dominado por hombres, como pintura y escultura , aunque algunos de ellos (Nancy Spero, Miriam Schapiro y más tarde Kiki Smith y Jenny Saville) lograron resultados sobresalientes en estas áreas. En cambio, exploraron las formas más jóvenes de arte contemporáneo , incluyendo arte conceptual y video (Doris Totten Chase, Dara Birnbaum, Martha Rosler, Maureen Connor), junto con pintura corporal y otros tipos de arte Corporal (Carolee Schneemann, Marina Abramovic) y su disciplina hermana arte de performance (Rachel Rosenthal, la ’artista de mantenimiento’ Mierle Laderman Ukeles, Yoko Ono, Ana Mendieta). Otras disciplinas artísticas exploradas por las feministas incluyen fotografía (Cindy Sherman, Laurie Simmons, Nan Goldin), Fotomontaje (Anita Steckel), arte de instalación (Judy Chicago), así como diseño especialmente arte Grafico (Sheila Levrant de Bretteville, Barbara Kruger), y arte de palabras (Jenny Holzer) Nacido como un movimiento de protesta que exige la igualdad de género en las artes, el arte feminista logró crear mayores oportunidades para las mujeres y los artistas minoritarios. El movimiento estableció numerosos lugares de artes alternativas y persuadió a varias instituciones artísticas y museos importantes para elevar el perfil de mujeres artistas. Al hacerlo, allanó el camino para las generaciones posteriores de mujeres artistas contemporáneos alrededor del mundo. Como resultado, desde la década de 1990, las principales artistas femeninas han minimizado la agenda feminista en favor de un mayor enfoque en su arte. Como la artista italiana Leonor Fini (1908-96) comentó una vez: "Soy una pintora, no una pintora".

Historia

La primera ola de feminismo comenzó alrededor del cambio de siglo con el movimiento Suffragette . Desde entonces, varias artistas femeninas se mostraron activas en el tema de género, sin ser necesariamente "feministas". Estos pioneros incluyeron al impresionista Mary Cassatt , quien pintó un mural sobre el tema de Modern Woman (1893) para la Exposición Colombina del Mundo en Chicago; la artista del fotomontaje Hannah Hoch, la mexicana Frida Kahlo y el escultor Kathe Kollwitz, todos los cuales plantearon cuestiones sobre el poder y la representación en género; el pintor de origen alemán Eva Hesse , el artista ensamblador nacido en Rusia Louise Nevelson y el escultor francés Louise Bourgeois , quienes produjeron imágenes relacionadas con el tema de la domesticidad y el cuerpo femenino.

Arte feminista en las décadas de 1960 y 1970

El arte feminista propiamente dicho comenzó en Estados Unidos y Gran Bretaña a fines de la década de 1960, durante la llamada "segunda ola" del feminismo. Las mujeres activistas de este período se deleitaron con la "experiencia femenina", se hicieron pasar desnudas como figuras de diosas y aprovecharon al máximo las imágenes vaginales y la sangre menstrual. Exploraron medios como bordados y otros artesanía así como la noción de que el arte es esencialmente un esfuerzo colaborativo más que solista.

En un nivel práctico, los objetivos del movimiento eran triples: (1) facilitar a las mujeres artistas exhibir su trabajo; (2) organizar cursos sobre arte femenino; y (3) establecer una serie de organizaciones de arte y revistas para mujeres. Con este fin, se formaron una variedad de grupos de mujeres, incluidas Mujeres Artistas en Revolución (WAR) y la Galería AIR , para abordar las preocupaciones de las artistas feministas en la comunidad artística. Estos grupos presurizaron los principales museos de Nueva York, incluido el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano – Aumentar la proporción de exposiciones de artistas femeninas. Al mismo tiempo, el movimiento estableció varios lugares dedicados exclusivamente al arte de las mujeres, como el Women’s Interart Center en Nueva York (1970) y el Woman’s Building en Los Ángeles, que incorporó el Feminist Studio Workshop (FSW) fundado por Judy. Chicago, Sheila Levrant de Bretteville y la académica de arte Arlene Raven.

Además, en 1970 en Fresno State College, Judy Chicago enseñó la primera clase de arte para mujeres que se haya realizado en Estados Unidos. Sus estudiantes incluyeron a Dori Atlantis, Gail Escola, Suzanne Lacy, Cay Lang, Karen LeCocq, Jan Lester, Chris Rush, Judy Schaefer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding, Nancy Youdelman, Cheryl Zurilgen y otros. Luego, en 1971, Chicago y Miriam Schapiro lograron establecer el Programa de Arte Feminista en el Instituto de Artes de California.

También se lanzaron publicaciones periódicas feministas, incluyendo Feminist Art Journal (Nueva York, 1972), Women’s Art Journal (Knoxville, 1980) y Women’s Art Magazine (Londres, 1986). También se organizaron conferencias para hacer una lluvia de ideas y difundir la agenda feminista, dos eventos importantes fueron la Conferencia de Mujeres Artistas de la Costa Oeste en el Instituto de Artes de California (enero de 1972) y la Conferencia sobre Mujeres en las Artes Visuales, en la Escuela de Arte de Corcoran, Washington DC (abril de 1972).

Los eventos activistas combinados con el performance también fueron una característica habitual del feminismo estadounidense. En mayo de 1977, por ejemplo, las artistas feministas Suzanne Lacy y Leslie Labowitz dieron una serie de actuaciones en los escalones del Ayuntamiento de Los Ángeles destacando la violencia sexual contra las mujeres. La actuación incluyó un mapa de violaciones cometidas en toda la ciudad, así como consejos sobre defensa personal.

Al mismo tiempo, una serie de mujeres críticos de arte ayudó al movimiento a abordar cuestiones más amplias, como el estereotipo engañoso del "artista masculino" y el aparente fracaso de las mujeres para crear una parte igual del arte de alta calidad. El objetivo era reescribir los principios de estética y evaluación de arte – formulado hasta ahora por artistas masculinos – haciéndolos neutrales en cuanto al género. Contribuyentes importantes en esta tarea fueron Linda Nochlin, quien escribió un influyente ensayo titulado " ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas ?" (Art News, 1971), y Germaine Greer, quien escribió " The Obstacle Race " (1979). En Inglaterra, donde Margaret Harrison ya había establecido el London Women’s Liberation Art Group en 1970, una crítica similar fue organizada por las revisoras de arte Griselda Pollock y Rozsika Parker, quienes en 1973 crearon el Women’s Art History Collective para explicar, calificar y reparar la ausencia de mujeres del registro histórico. Examinaron el lenguaje utilizado por los críticos de arte a lo largo de la historia con sus términos cargados de género, como "obra maestra" y "viejo maestro". Al mismo tiempo, examinaron la posición de la mujer desnuda en el canon occidental e intentaron establecer por qué los hombres y las mujeres estaban (y están) representados de manera tan diferente.

NOTA: Además de Estados Unidos y Gran Bretaña, han surgido movimientos de arte feminista en Canadá, Europa (Dinamarca, Noruega, Rusia, España, Suecia), Australia, Japón y América Latina.

Arte feminista en la década de 1980

El nuevo conservadurismo de la década de 1980, encarnado por Reagan y Thatcher, puso fin al idealismo radical de los años 70. El arte feminista continuó progresando pero no como parte de un movimiento más amplio. En cambio, las mujeres artistas intentaron volver a explicar nociones como la feminidad y la feminidad, interpretándolas como un conjunto de comportamientos adoptados por las mujeres para ajustarse a las expectativas sociales de la feminidad.

Vale la pena registrar tres cosas distintas de la década de 1980. Primero, la aparición de un grupo de protesta activista conocido como " The Guerrilla Girls ", que protestó en nombre de artistas feministas en varios lugares disfrazados con máscaras de gorila, y luego realizó una serie de campañas de carteles. En segundo lugar, el uso de imágenes publicitarias y lemas para promover preceptos sociales orientados a las mujeres, por artistas feministas como Barbara Kruger y Jenny Holzer. En tercer lugar, el gran éxito de las mujeres artistas en el Jóvenes artistas británicos movimiento, a fines de la década de 1980 y principios de los 90. Tres de estos artistas, Rachel Whiteread, Gillian Wearing y Tomma Abts, se convirtieron Ganadores del Premio Turner , mientras que otros: la artista de ensamblaje Sara Lucas, el fotógrafo Sam Taylor Wood, los pintores Fiona Rae y Jenny Saville , y los instaladores Tracey Emin, Anya Gallaccio y Georgina Starr – alcanzaron la fama en una variedad de disciplinas.

Arte feminista en la década de 1990

Entre las artistas feministas más inclinadas teóricamente a fines de los años ochenta y noventa se incluyeron: la artista conceptual Mary Kelly, ahora profesora de arte en la Universidad de California, Los Ángeles, cuyo trabajo toma prestado tanto del marxismo como del psicoanálisis; la fotógrafa alemana contemporánea Katharina Sieverding, que usa maquillaje y pintura de la cara para explorar las fronteras de género; la artista multimedia alemana Iza Genzken, conocida por sus ensamblajes de objetos domésticos; la posmoderna estadounidense Lynda Benglis, mejor conocida por sus pinturas de cera y sus esculturas de látex; y la conceptual inglesa Helen Chadwick (1953-96), conocida por sus actuaciones e instalaciones feministas, pero quizás mejor conocida por fotocopiar su cuerpo junto a animales muertos.

Arte feminista en el siglo XXI

El crecimiento del individualismo en el arte continúa mitigando el mensaje feminista en el siglo XXI. A pesar de esto, se está avanzando hacia una mayor igualdad para las mujeres tanto en América del Norte como a nivel mundial. Esto ha sido ayudado por varias exposiciones importantes de obras de artistas femeninas, incluyendo " WACK! Art and the Feminist Revolution " en 2007, que contó con más de 120 artistas de Estados Unidos y otros lugares. Poco antes de esto, en 2006, el Proyecto de Arte Feminista , un sitio web y un recurso de información para artistas y académicos, se estableció en la Universidad de Rutgers, Nueva Jersey. En 2009, el Programa de Arte Feminista original fue conmemorado en una retrospectiva titulada " Un estudio propio: el legado del experimento feminista de Fresno ", que se llevó a cabo en la Galería de Arte Phebe Conley en el campus de Fresno en California. En junio de 2011, el documental titulado " ! Women Art Revolution ", dirigido por Lynn Hershman Leeson, se estrenó en los Estados Unidos. Basada en conversaciones grabadas y material de archivo que incluye artistas, historiadoras, curadoras y críticas femeninas, la película explora todos los desarrollos más importantes del arte feminista durante la década de 1970 y presenta a muchos de los artistas pioneros: Marina Abramovic, Judy Chicago, Miranda July, Barbara Kruger, Yoko Ono, Yvonne Rainer, B. Ruby Rich, Miriam Schapiro, Carolee Schneemann, Cindy Sherman, Ingrid Sischy y Marcia Tucker y The Guerilla Girls, que hicieron posible el movimiento.

Obras famosas del arte feminista

Las obras bien conocidas de artistas feministas incluyen:

Ritmo 0 (1974) por Marina Abramovic (nacido en 1946)
Arte de performance

Una de las actuaciones más conocidas del artista serbio con sede en Nueva York, el evento de 6 horas la involucra acostada en una posición prono rodeada de 72 objetos que (según un letrero) los miembros de la audiencia podrían usar en ella de cualquier manera que ellos eligen. Algunos objetos pueden dar placer; otros, dolor. Incluían una rosa, miel, aceite de oliva, una pluma, un látigo, unas tijeras, un bisturí, una pistola y una bala. Posiblemente la máxima expresión de la pasividad femenina, un anatema para las feministas, la actuación probó la reacción de la audiencia ante las oportunidades presentadas y afirmó la identidad del artista a través de las acciones de los demás. Al final, el cuerpo de Abramovic fue despojado, atacado, apuñalado y amenazado con disparar.

Semiótica de la cocina (1975) de Martha Rosler (n. 1943)
Video en blanco y negro con sonido
[Nota: "semiótica" significa el estudio de símbolos y su uso]

Considerado como la pieza icónica de feminista videoarte , esta parodia feminista de 6 minutos de un programa televisivo de cocina busca cambiar las nociones preconcebidas sobre el papel de la mujer en el hogar y cómo esto se representa en los medios de comunicación. Rosler, el presentador del programa, examina una variedad de utensilios de cocina, demostrando usos improductivos, ocasionalmente violentos, para cada uno. El video demuestra cómo el lenguaje de la domestividad ayuda a transformar a las mujeres en parejas y personas desiguales, e ilustra su enfoque en la experiencia de las mujeres en la vida cotidiana.

Uno de los ejemplos más conocidos de arte feminista, esta instalación es una exposición permanente en el Centro de Arte Feminista en el Museo de Brooklyn. Se compone de una gran mesa con cubiertos para 39 mujeres famosas de la historia y la leyenda. Cada ajuste tiene un cáliz de cerámica dorada, cubiertos y un plato de porcelana decorado con patrones inspirados en mariposas y vulvas. Además, los nombres de otras 999 mujeres eminentes están pintados en los azulejos debajo de la mesa. Aunque su mensaje histórico feminista es importante, en su exhibición de textiles, metalistería , bordados, bordados y arte cerámico , el trabajo también celebra el valor de la artesanía y arte decorativa , a diferencia de dominado por los hombres arte fino . Con la participación de más de 100 artistas y artesanos, The Dinner Party ilustra la tendencia feminista de rechazar la idea de un artista como un genio creativo individual, prefiriendo ver el arte como una experiencia de colaboración.

Este autorretrato fotográfico surrealista de sí misma como una ama de casa acicalada mirando por encima del hombro mientras está de pie junto a la estufa, es parte de una serie de autorretratos titulado "Fotogramas de película sin título" (1977-80). No es "real", sin embargo, nos muestra lo que existe y lo que nos controla: sexualidad, belleza y poder. El Museo de Arte Moderno de Nueva York compró las 69 fotografías en blanco y negro de la serie por un estimado de $ 1 millón.

Una foto de cerca de travestis sentados juntos en el asiento trasero de un automóvil, el trabajo ejemplifica su enfoque en las vidas y los amores de las comunidades marginales de toda la ciudad de Nueva York. El trabajo de Goldin explora los estereotipos que rodean los comportamientos sociales y sexuales: sus disparos son parte de la tendencia general hacia la captura de la desviación de las normas culturales, que comenzó durante la década de 1980.

Este eslogan consumista fotolitográfico ejemplifica el arte gráfico de Kruger que cuestiona los estereotipos sociales, especialmente los que involucran a las mujeres. Otro ejemplo es el doble eslogan "77 por ciento de los líderes antiaborto son hombres; 100 por ciento de ellos nunca quedarán embarazadas".

Creada en 1998, esta instalación fue preseleccionada para Premio Turner de Arte Contemporáneo , que no pudo ganar. Consistente en la cama de Tracey Emin, que se fue exactamente como estaba desde que se levantó una mañana, su notoriedad proviene de la naturaleza gráfica de los artículos que la acompañan. Estos incluyen sábanas manchadas con secreciones corporales, así como condones, ropa interior con manchas de sangre menstrual y otros objetos cotidianos. La estética posmoderna de la obra deriva de su narrativa personal y el uso de materiales no tradicionales.

Exposiciones de arte feminista

Exposiciones importantes de mujeres artistas posmodernos celebradas durante el siglo XXI incluyen: "¡WACK! Arte y la revolución feminista" comisariada por Connie Butler (2007, Museo de Arte Moderno de San Francisco); "Feminismos globales" comisariada por Linda Nochlin y Maura Reilly (2007, Museo de Brooklyn, Nueva York); "Rebelle" comisariada por Mirjam Westen (2009, Museo de Arte Moderno, Arnhem); "Kiss Kiss Bang Bang! 45 años de arte y feminismo" comisariada por Xavier Arakistan (2007, Museo de Bellas Artes de Bilbao); "Elles" (2009-2011, Centro Pompidou, París) que también viajó al Museo de Arte de Seattle; y "Doin ’It in Public, Feminism and Art at the Woman’s Building" (2012, Galería Ben Maltz, Otis College of Art and Design, Los Ángeles).

Otras artistas femeninas importantes

Para obtener biografías de otras mujeres artistas importantes activas en el siglo XX, no citadas anteriormente, consulte lo siguiente: