Arte chino: características, historia Traductor traducir

Aislada por montañas, desiertos y océanos de otros centros de evolución humana, China desarrolló su propia civilización autosuficiente pero altamente desarrollada, que se caracterizaba por una notable combinación de tecnología avanzada, arte antiguo y conciencia cultural. Por ejemplo, las cerámicas más antiguas del mundo – son la cerámica rupestre Xianrendong de la provincia de Jiangxi y la cerámica rupestre Yuchanyang de Hunan. Este influyente desarrollo cerámico se extendió a Siberia – véase Cerámica de la cuenca del río Amur (14.300 a.C.) – y a Japón en forma de cerámica Jomon (14.500 a.C.). Por extraño que parezca, hasta ahora han aparecido pocas pruebas de una tradición significativa de arte rupestre en la China continental.

El centro original de la cultura china se encontraba a lo largo del gran río Amarillo que atraviesa la llanura del norte de China, donde los asentamientos estables se remontan al menos al 4.000 a.C. Para más detalles, véase: Arte neolítico en China (7500-2000 a.C.). Los descubrimientos arqueológicos, sobre todo de tumbas de gente adinerada, indican que desde aproximadamente el 2500 a.C. los chinos cultivaban gusanos de seda, tenían herramientas finamente trabajadas y producían una amplia gama de artefactos culturales.

Posteriormente, entre el 2500-100 a.C., los artistas chinos dominaron numerosas formas de bellas artes, incluyendo la cerámica china (que se originó en China alrededor del 10.000 a.C. y que incluye la porcelana china); la talla de jade y otros trabajos en metal y la joyería ; el trabajo en bronce (principalmente vasijas ceremoniales); la escultura budista y la escultura secular en terracota (véase, por ejemplo, el artículo sobre China). Véase, por ejemplo, el artículo sobre el ejército chino de terracota) ; pintura china y caligrafía ; y artesanías como el lacado.

Además de las artes, China tenía su propia historia de inventos científicos y tecnológicos, muchos de los cuales se habían extendido a Europa desde Oriente. Además, hacia 1800 a.C., la avanzada cultura china también había desarrollado un sistema de escritura que sigue siendo la base de la escritura china moderna. Véase también: Cronología del arte prehistórico (2,5 millones - 500 a.C.). Sobre el arte del subcontinente indio, véase: India, pintura y escultura .

Dinastías chinas: una cronología sencilla

China data de sus dinastías, palabra acuñada por los historiadores occidentales a partir de una raíz griega que significa «poder, fuerza o dominación». Sucesivas oleadas de invasores surgieron de la masa continental de Asia Central, de las estepas y conquistaron, gobernaron y a su vez asimilaron. Las diversas artes de China se desarrollaron según los intereses y el mecenazgo de cada dinastía y los caprichos de los gobernantes regionales. Las relaciones comerciales con sus vecinos de Asia Oriental también fueron un importante estímulo para el desarrollo de las bellas artes chinas, especialmente la cerámica y las artes de la laca.

Características del arte chino

Aspecto metafísico, taoísta
Desde los tiempos del arte prehistórico, la sociedad china – casi totalmente agrícola o rural hasta el siglo XX – siempre ha concedido gran importancia a la comprensión de la naturaleza y a la coexistencia con ella. La naturaleza se percibía como una manifestación visible de los poderes creadores de Dios, utilizando la interacción de las fuerzas vitales yin (femenina) y yang (masculina). El objetivo principal del arte chino, centrado inicialmente en la propiciación y el sacrificio, pronto evolucionó hacia la expresión de la comprensión humana de estas fuerzas vitales en diversas formas artísticas, como la pintura (especialmente paisajes, bambú, pájaros y flores), la cerámica, las esculturas en relieve y similares.

Los chinos también creían que la energía y el ritmo creados por el artista estaban estrechamente relacionados con la fuente subyacente de esa energía. Creían que el arte – especialmente la caligrafía y la pintura – era capaz de refrescar el alma del artista o de detenerla espiritualmente, dependiendo de la armonía de su práctica y del carácter de la propia persona. Véase también: Arte tradicional chino: características .

Moral, aspecto confuciano
El arte chino también tenía funciones sociales y moralizantes. Por ejemplo, los primeros frescos representaban a emperadores benévolos, ministros sabios, generales leales y sus opuestos malvados como ejemplos y advertencias a los observadores. El arte del retrato tenía una función moral similar, que buscaba enfatizar no tanto los rasgos faciales o figurativos del sujeto como su carácter y su estatus en la sociedad.

De carácter inspirador, pero no religioso
A menudo se encargaba a los pintores de la corte que representaran acontecimientos auspiciosos y conmemorativos, pero la pintura religiosa de alto nivel es desconocida en el arte chino. Incluso el budismo, que estimuló la creación de muchas obras maestras, fue en realidad importado. Y lo que es más importante, los temas utilizados en el arte tradicional chino eran casi siempre nobles o inspiradores. Así, se evitaban temas demasiado realistas como la guerra, la muerte, la violencia, el martirio o incluso la desnudez . Además, la tradición artística china no separa la forma del contenido: no basta, por ejemplo, con que la forma sea exquisita si el tema no es instructivo.

Esencia interior, no apariencia exterior.
A diferencia de los artistas occidentales, los artistas chinos no estaban interesados en reproducir la naturaleza o crear una representación realista de (por ejemplo) un paisaje. En su lugar, se centraban en expresar la esencia interior del tema. Recordemos que las rocas y los arroyos se consideraban objetos «vivos», manifestaciones visibles de las fuerzas invisibles del cosmos. Así pues, el papel del artista consistía en captar las características espirituales del objeto, más que las materiales.

Simbolismo en las artes visuales chinas
El arte chino está lleno de simbolismo, ya que los artistas suelen tratar de representar algún aspecto de la totalidad que reconocen intuitivamente. Además, el arte chino está lleno de símbolos especiales: el bambú representa el espíritu, que puede ser doblegado por las circunstancias pero no puede romperse; el jade representa la pureza; el dragón simboliza a menudo al emperador; la grulla, la larga vida; la pareja de patos, la fidelidad en el matrimonio. Entre los símbolos vegetales figuran orquídea, otro símbolo de pureza y fidelidad; y pino, que simboliza la resistencia. Sin embargo, algunos historiadores del arte prefieren describir el arte chino como esencialmente expresionista y no simbólico.

Influencia del artista aficionado
Durante los Reinos Combatientes y la dinastía Han, el crecimiento de las clases mercantil y terrateniente trajo consigo un creciente número de amantes del arte y mecenas que disponían de tiempo libre. En el siglo III d.C. surgió una élite de eruditos aficionados a la poesía, la caligrafía, la pintura y otras artesanías. Estos aficionados solían despreciar a los artistas profesionales de clase baja empleados por la corte imperial y otras autoridades regionales o civiles. Además, esta división de los artistas tuvo posteriormente un impacto significativo en el carácter del arte chino. A partir de la dinastía Song (960-1279), los artistas se asociaron estrechamente con formas cada vez más refinadas de tinta y dibujo, caligrafía, y su trabajo se convirtió en un importante medio de intercambio en una economía social en la que hacer regalos era un paso vital para establecer contactos personales. Al igual que la capacidad para escribir cartas o poesía, la habilidad para destacar en caligrafía y pintura ayudaba a establecer el estatus de una persona en una sociedad culta.

Historia del arte chino

Para una lista de fechas relacionadas con el arte y la cultura en China (así como en Corea y Japón), véase: Cronología del arte chino (18.000 a.C. – hasta la actualidad). Véase también: Arte de la Edad de Piedra más antigua: 100 mejores obras .

El arte de la Edad de Bronce durante la dinastía Shang (1600-1050 a.C.)

La dinastía Shang se consideraba mítica hasta que se descubrieron hojas de buey con inscripciones en el noroeste de China en 1898. (Pero véase también: «Cultura de la dinastía Xia» circa 2100-1600.) En la misma región, cerca de Anyang, se descubrió un gran número de vasijas de bronce con inscripciones en escritura china antigua. Una vez descifradas y comparadas, permitieron a los estudiosos cotejar la historia de la sociedad Shan con los nombres y fechas de los reyes. Se trataba de una federación de ciudades-estado cuyas armas de bronce les permitieron dominar el valle del Hoang-ho (o Huang-he, río Amarillo) y su afluente, el Wei.

En muchos aspectos, los shang se parecían a los príncipes micénicos alabados por Homero. Sus vasos y vasijas de bronce – el principal logro del arte de la dinastía Shang – se hacían por fundición directa así como por el método de cire-perdue (cera perdida). Los reyes y sus sirvientes las utilizaban para ceremonias rituales y sacrificios. Las inscripciones que llevan indican el nombre del propietario y del fabricante, así como la finalidad de la ceremonia. Las vasijas se enterraban con sus dueños y adquieren una pátina verde, azul o roja según la naturaleza del suelo. Se dividen en tres categorías principales: vasijas para cocinar, incluida la comida ritual, vasijas para calentar o verter el mijo, y vasijas para el lavado ritual. Eran objetos utilitarios y funcionales, pero ello no les impedía ser magníficas obras de arte. Los motivos del mundo animal, como el dragón y la cigarra (vida y fertilidad) o el fabuloso tao-tieh, parecido a un toro y un tigre, eran los más utilizados.

A partir de 1986, los arqueólogos realizaron una serie de descubrimientos sensacionales en el yacimiento arqueológico de Sanxingdui, situado cerca de la ciudad de Nanxing, en el condado de Guanhan, provincia de Sichuan. Estos hallazgos incluyen numerosos ejemplos monumentales de escultura de bronce de la dinastía Shang (1700-1050), que han sido datados con carbono en torno a 1200-1000 a.C. Revelan una avanzada cultura Sanxingdui, que, a diferencia de todas las investigaciones históricas previas, parece haberse desarrollado independientemente de otras culturas del Río Amarillo. Véase: Bronces de Sanxingdui (1200-1000 a.C.).

Otro logro de la dinastía Shang fue la invención de la caligrafía, que se produjo alrededor del 1700 a.C.. También se puso de moda la acuarela, que se dice que comenzó hacia el 4000 a.C. Para las artes comparadas de la época, véase: Arte mesopotámico (ca. 4500-539 a.C.) y el posterior Arte egipcio (3100 a.C. – 395 d.C.).

Arte de la Edad de Hierro de la dinastía Zhou (1050-221 a.C.)

Las tierras Shang fueron dominadas por los montañeses Zhou del oeste, quienes capturaron la capital de Anyang en 1027 AEC. El arte de la dinastía Zhou tomó mucho prestado de la cultura Shang y produjo vasijas del mismo tipo pero con algunas diferencias. La evolución estilística fue gradual, y sólo se produjeron cambios notables después de que los Zhou se trasladaran al este, a una nueva capital, Luoyang, en el 722 a.C. La escultura en altorrelieve de motivos Shang dio paso al bajorrelieve y los registros. La ornamentación se hizo cada vez más geométrica hasta evolucionar a motivos con alas y espirales y ganchos y espirales.

La confusión política acabó con la dictadura (221-206 a.C.) del emperador Qin Shihuang, oriundo del estado de Qin (antes Chin, de ahí el nombre de China-China). Derrotó al feudalismo y sustituyó a los comandantes de campo por funcionarios o comisarios. Sus consejeros pertenecían a las escuelas de los legalistas que afirmaban la autoridad del Estado. Las tradiciones debían ser olvidadas y todos los libros destruidos, especialmente los escritos de Confucio . El arte de la dinastía Qin carecía de importancia en comparación con sus actividades políticas y administrativas. Qin Shihuang dotó a China de una administración unificada y un sistema de carreteras; construyó canales y amplió las fronteras del país. También encargó una enorme serie de figuras de terracota conocidas como el Ejército de Terracota (c. 246-208 a.C.). La producción de las 8.000 estatuas llevó unos 38 años e implicó a unos 700.000 artesanos y otros trabajadores.

Tras la muerte de Qin Shihuang y un periodo de guerra civil, el poderoso bandido Liu Pang ascendió al trono y fundó la longeva dinastía Han, que rehabilitó a Confucio pero mantuvo las reformas administrativas de Qin Shihuang y gobernó China mediante una administración centralizada.

Arte de la dinastía Han (206 a.C. y 220 d.C.)

Durante la era del arte de la dinastía Han, una nueva perspectiva naturalista prevaleció en las artes visuales. Esto es particularmente evidente en las vajillas de bronce y las figurillas de cerámica llamadas min-chi, que la gente enterraba con los muertos en las tumbas. Los chinos creían en el más allá y les gustaba rodearse de imágenes familiares, sobre todo de las cosas que les daban placer en la tierra, como perros y caballos, bailarinas y concubinas. Estas figurillas nos permiten saber exactamente cómo vestían los súbditos de la dinastía Han, qué comían, qué herramientas utilizaban, a qué juegos jugaban, qué animales domésticos criaban y el aspecto de las casas en las que vivían. Muchas de las figuras han sido cubiertas con esmalte de plomo; otras han sido pintadas. Todas son interesantes, y su elegancia estilizada es a menudo sorprendentemente bella. Se produjeron grandes cantidades de jarrones de bronce, así como esculturas de bronce de hombres y caballos, que muestran el mismo naturalismo estilizado que las figuras de cerámica. Fue un periodo excelente para el desarrollo de la laca china, la talla del jade y la fabricación de telas de seda

Pintura e impresión de la dinastía Han

La seda (fruto de la morera) se cultivó en China durante algún tiempo, y la seda se convirtió en un monopolio chino. Era uno de los principales productos de exportación a Persia y Oriente Próximo a lo largo de las rutas de caravanas a través de Asia Central conocidas como la «Ruta de la Seda». La pintura y el dibujo Han sobre seda, sobre laca o sobre piedra y azulejos muestran una mano muy viva y una gran ligereza de tacto. Hacia el final del reinado (siglo I d.C.), se descubrió la técnica de la fabricación de papel. Esto supuso una importante contribución a las artes al proporcionar un soporte barato y generalizado tanto para el dibujo como para la escritura. También dio lugar al arte chino del plegado del papel (o Zhezhi) y al arte japonés del Origami . Cuando más tarde se inventó la imprenta de bloque, los chinos dispusieron de medios para difundir las leyes y la literatura por todo el Imperio. Las lenguas eran muchas y variadas, pero la escritura ideográfica era la misma en todo el país. Esto facilitaba la administración y daba a los chinos una cultura unificada. En su forma caligráfica, la escritura se convirtió en un arte por derecho propio, una forma de arte que gozaba de la más alta estima entre los intelectuales chinos. Se convirtió en una forma de vida, el dominio de unos pocos, entre ellos artistas, poetas y eruditos - aquellos cuyo arte se basaba en la caligrafía.

Budismo y anarquía

Tras la decadencia de la dinastía Han en el 220 EC. China vivió casi cuatro siglos de fragmentación durante el periodo de las Seis Dinastías (220-589). Este estado de caos se vio exacerbado por las invasiones procedentes del norte y centro de Asia. Los hambrientos jinetes de las estepas se sintieron irresistiblemente atraídos por una sociedad agrícola con grandes ciudades. Adoptaron la cultura china superior, se asimilaron y llevaron estilos de vida sedentarios – el proceso se repitió varias veces.

Entre los invasores del siglo VI se encontraba un pueblo centroasiático llamado Tuoba, que fundó la dinastía Wei y gobernó la mitad norte de China desde 386 hasta 534. Su contribución artística más memorable al arte del periodo de las Seis Dinastías (220-589) fue la adopción oficial del budismo, una religión nacida en la India que llevaba tiempo penetrando en China. (Nota: apareció en China ya en el siglo I d.C., aunque no se practicó ampliamente hasta alrededor del año 300 d.C.). Su fundador, el Buda viviente, vivió en la frontera nepalesa poco antes que Confucio. El budismo se extendió por Gandhara a lo largo de la Ruta de la Seda hacia el este. Finalmente llegó a la frontera china, donde se encontraron pinturas murales y estandartes, así como numerosas estatuas talladas en hileras en las paredes de rocas y cuevas, en los vastos santuarios de Dunhuang y Yungang. Como no chinos, los Wei adoptaron el budismo como forma de autoafirmación. La élite confuciana siempre lo había considerado una enseñanza extravagante y supersticiosa. El arte budista chino, incluida la pintura, la escultura y la arquitectura, floreció durante la dinastía Jin oriental (317-420), las dinastías del Sur y del Norte (420-581), la dinastía Sui (589-618) y la mayor parte de la dinastía Tang (618-906).

Escultura budista

Sin escultura budista china habría muy poca escultura china en piedra . Las escuelas budistas Mahayana y Amitabha, que prevalecieron en China, exigían la representación del Buda en sus formas pasada, presente y futura, así como Bodhisattvas (aspirantes a Budas) y asistentes. Tras la difusión del monacato budista, se extendieron por todo el país en piedra o bronce. La escultura de los Wei, especialmente en las cuevas del Pueblo Lung, es de una belleza insuperable: figuras alargadas idealizadas con cabezas oblongas y sonrisas enigmáticas, sentadas con las piernas cruzadas, con largas túnicas que caen en rítmicos pliegues hacia abajo, – la representación misma de la dicha mística. Las posturas, los gestos y los símbolos eran estereotipos de origen indio. Los chinos parecían encontrar en el budismo la respuesta al problema del sufrimiento humano, la respuesta del amor y la oración, y la esperanza del Nirvana.

El arte de la dinastía Tang (618-906)

China fue reunificada en 589 d.C. por un poderoso general que fundó la dinastía Sui (589-618). El régimen político y militar, arte la dinastía Sui se inspiró casi por completo en Buda, y fue seguida por la dinastía Tang (618-906), cuyo máximo dirigente, el emperador Taizong (Tai-tsung), extendió el imperio hasta Asia Central y Corea y permitió que florecieran todas las religiones y razas en una atmósfera de tolerancia y curiosidad intelectual. La capital, Changan, se convirtió en un gran centro cosmopolita, al igual que Guangzhou (Cantón) y otros puertos del sur. Musulmanes, cristianos (nestorianos) y maniqueos convivían con budistas, taoístas y confucianos.

A Taizong le sucedió su hijo y una hábil pero feroz concubina, la emperatriz Wu, que apoyaba el budismo e incluso cayó bajo el hechizo de un monje parecido a Rasputín. Su sucesor, el emperador confuciano Hsuan-tsung, presidió una corte brillante y fundó la Academia de Literatura; amaba la música, la pintura y la poesía, así como los caballos. La sociedad Tang bullía de energía y optimismo. El dinamismo Tang se deja sentir en todas las artes. La escultura en piedra, influida por el estilo indio Gupta, muestra formas convexas redondeadas que combinan la carne india con el ritmo lineal chino.

Los murales de Dunhuang, de estilo Tang, muestran una dinámica línea de pincel y la misma plenitud de formas en vivos colores. Las pinturas seculares de las tumbas son aún más animadas; representan a hombres poderosos y mujeres adineradas con amplios ropajes y poses teatrales, mostrando un agudo disfrute de la vida. Pocas pinturas sobre seda o papel han sobrevivido – esto basta para atestiguar el mismo amor por los colores vivos y el interés por la pintura de paisajes que fructificó bajo las dinastías posteriores. Fue una época en la que el arte de la poesía, estrechamente vinculado a la pintura y la caligrafía, produjo sus primeras obras maestras, entre ellas obras de Bai Ju (Po-chu-i), Ling-po y el pintor Wang-wei.

En cuanto a la joyería y los metales preciosos, especialmente la plata, es detectable la influencia del antiguo arte persa : muchos artistas iraníes, huyendo de los conquistadores árabes, se establecieron en China, pero, como en el caso de todas las demás influencias extranjeras, la persa fue absorbida y se convirtió inequívocamente en china, en espíritu y mente. Algunos de los mejores ejemplos del arte decorativo Tang pueden verse en el tesoro Shoso-in del complejo del templo Todai-ji de Nara (Japón). De hecho, los japoneses ya buscaban inspiración en China.

Para ver cómo el arte y la artesanía chinos se extendieron por Asia Oriental, véase: Arte coreano (ca. 3000 a.C.).

Desarrollo de la pintura Tang

La pintura paisajista china revivió a principios de la dinastía Tang, cuando los artistas empezaron a crear paisajes en un raro estilo monocromático – no tanto para reproducir la verdadera realidad del paisaje como para captar la atmósfera o el estado de ánimo de un lugar. Trece siglos más tarde , los pintores impresionistas, como Claude Monet, utilizaron un razonamiento similar para crear un tipo de paisaje totalmente distinto.

Además, volvió la pintura de figuras . Utilizando colores vivos y elaborados detalles, artistas como Zhou Fang representaron el esplendor de la vida en la corte Tang, al Emperador, sus damas de palacio y sus caballos. En contraste con el estilo de Zhou Fang, rico en colorido, el pintor Daozi sólo utilizaba tinta negra y trazos suaves para crear dibujos a tinta tan espectaculares que las multitudes se reunían para verle pintar. A partir de entonces, los dibujos a tinta ya no se consideraron meros dibujos llenos de color, sino que se valoraron como obras de arte completas.

Cerámica y porcelana Tang

La cerámica moderna, y especialmente las figuras de tumbas ) min-chi), nos ofrecen una vívida imagen de la sociedad Tang: los caballos tan favorecidos por los Tang, camellos, músicos, malabaristas, comerciantes ambulantes, muchos de los cuales estaban fuertemente enfatizados por rasgos faciales extranjeros, bailarines, dignatarios y generales, guardianes de tumbas y espíritus de la tierra. Todos estos testigos de la época están brillantemente coloreados con un rico vidriado policromado de flujo libre – una invención china reciente, hecha de óxidos de cobre, hierro y cobalto, al igual que los jarrones y otros recipientes de cerámica o loza. Son redondos, bellamente ejecutados y siempre perfectamente equilibrados.

En esta época los chinos habían redescubierto y perfeccionado otro de sus inventos – el arte de fabricar porcelana (una cerámica dura y translúcida fundida a altas temperaturas con «piedra china» (petunce) y feldespato). Este arte se ha perdido desde la dinastía Shang (1600-1050 a.C.). La porcelana blanca de mayor calidad se fabricó en la dinastía Tang y pronto viajó a Japón, Persia y Oriente Próximo.

China nunca abrió tanto sus fronteras al comercio exterior y a las ideas extranjeras como durante el periodo Tang, cuando floreció la marina mercante y los ejércitos chinos invadieron el Turquestán Occidental. A lo largo de la Ruta de la Seda, una sucesión de reinos oasis bajo influencia china proporcionó un flujo bidireccional de objetos e ideas entre Oriente y Occidente. China vendía porcelana, rollos de seda y ropa, y a cambio importaba cobalto, métodos metalúrgicos e ideas estilísticas persas. Todo esto cesó en el año 751 d.C., cuando el ejército chino sufrió una aplastante derrota en Tallas (Turquestán) a manos de los invasores musulmanes que habían conquistado Persia e invadido Asia Central. Quedaba un vínculo con el mundo exterior: los puertos del sur de China con sus grandes colonias de comerciantes extranjeros, pero éstos fueron destruidos por una ola de nacionalismo al final de la dinastía, y China inició una política de aislamiento que continuó hasta nuestros días.

Arte de la dinastía Song (960-1279)

Tras un periodo de agitación conocido como el periodo de las Cinco Dinastías (907-60), un enérgico general reunificó China fundando la dinastía Song. A pesar de la constante amenaza de invasión, Kaifeng, la nueva capital, se convirtió en uno de los centros de civilización más exquisitos jamás conocidos, especialmente durante el reinado del emperador artista Huizong, que se rodeó de artistas y amasó una impresionante colección de sus obras. Dedicó demasiado tiempo al arte en detrimento de su ejército, pues en una incursión relámpago, los bárbaros Dunhu, llamados Zhurchen, invadieron la corte y destruyeron Kaifeng y toda la colección de arte imperial.

Todo el norte de China cayó en manos de los jurchen. Los supervivientes se asentaron en Hangzhou, en el río Yangtsé, al sur del país, donde continuaron su búsqueda de cultura y belleza hasta que finalmente se vieron desbordados por la embestida mongola que ya había abrumado Asia y amenazaba a Europa.

La ideología dominante durante la dinastía Song (960-1279) fue el neoconfucianismo, una mezcla de las ideas de Confucio y el taoísmo con algo de ascetismo budista. Esto fue acompañado de un renovado interés por las tradiciones más antiguas de China, los escritos de autores clásicos y un fuerte sesgo anticuario que llevó a la copia de bronces Shang y Zhou. El budismo de Amitabha estaba en decadencia y degeneró en superstición.

Pero apareció en escena una nueva visión espiritual de la filosofía dhan (Zen japonés), en la que el hombre llega a la armonía consigo mismo y con la naturaleza a través de un destello momentáneo de intuición. Esta ideología influiría en la pintura, la caligrafía y la cerámica. Muki Fachang (Mu-chi) fue uno de sus representantes más famosos. La escultura de la dinastía Song continuó la tradición Tang, pero con mayor elegancia y un ritmo magistral de líneas fluidas, como puede verse en las representaciones del Bodhisattva Kuan-yin, el espíritu de la misericordia que se convirtió para los chinos en lo que la Madonna para muchos europeos.

Una comparación interesante con la escultura del periodo Song en el sudeste asiático son las estatuas de budas y bodhisattvas del templo jemer de Angkor Wat (1115-1145) , del siglo XII, en Camboya.

Pintura Song

La civilización Song alcanzó su apogeo en la pintura y la cerámica. Antes de la caída de Kaifeng existían dos escuelas de pintura bien diferenciadas: la de los pintores de la corte, virtuosos que hacían gala de una competencia suprema pero sin alma, ya fuera en color o tinta, sobre seda o papel, sus temas eran flores y animales, brotes de bambú y paisajes, y la segunda era obra de aficionados e individualistas. Estos funcionarios, eruditos y poetas pintaban como una forma de expresión personal, tanto intelectual como espiritual, como una manera de que los individuos se reconciliaran consigo mismos a través de la comunión con la naturaleza, al transmitir la esencia de un paisaje, una ramita de bambú o una libélula. La experiencia era tan personal que había cientos de estilos, cientos de maneras de delinear una hoja, una roca, una nube, igual que hay cien maneras de representar un personaje. Una pincelada sobre seda o papel no admite vacilaciones ni correcciones, sale directamente de la mente, y no puede hacerse espontáneamente sin una profunda contemplación previa. Los chinos inventaron el arte del paisaje como género, pero nunca fue puramente descriptivo, aunque se acercara a la realidad. Era un ejercicio espiritual que trataba de la esencia de las cosas.

De hecho, después de la caligrafía, el paisaje se considera la forma más elevada de la pintura china. Se cree que el inicio de la pintura paisajista clásica china se atribuye al famoso pintor de la dinastía Jin Gu Kaizhi (344-406). Sin embargo, el periodo 907-1127 se conoce como la «Gran Edad de la pintura paisajista china». En el norte, artistas chinos como Fan Quan, Guo Xi y Jing Hao crearon imágenes de altas montañas utilizando líneas negras nítidas, tinta y trazos afilados y punteados para resaltar la rugosidad de la piedra. En el sur, Jui Ran, Dong Yuan y otros pintaron colinas y ríos con trazos más suaves. Estos dos tipos de representación de temas y técnicas naturales se convirtieron en los principales estilos clásicos de la pintura paisajista china.

Surgieron varias técnicas pictóricas nuevas. Los artistas empezaron a representar la profundidad mediante el uso de contornos difuminados y el tratamiento impresionista de elementos en la media y la larga distancia de sus cuadros. Al mismo tiempo, los taoístas hacían hincapié en las cualidades emocionales y espirituales de la pintura y en la capacidad del artista para representar la armonía entre el hombre y la naturaleza.

Cerámica Song

Estos artistas y poetas también eran grandes amantes del arte cerámico, ya que un hermoso jarrón como una pieza de jade era a la vez un poema y una pintura. La cerámica estaba destinada tanto al uso como a la contemplación. Su calidad residía en el equilibrio entre su forma, reducida a lo esencial, y su vidriado, a través del cual apelaban a los sentidos visuales y táctiles. La riqueza artesanal que sustentaba su elegante sobriedad satisfacía a la mente confuciana. Se construyeron hornos por toda China, que trabajaban con diferentes arcillas y vidriados. Entre los más famosos estaban los que producían «loza craquelada» kuan «y loza rara «jiu». La porcelana, como la de color blanco cremoso de Ting o la de color azul pálido de Chingpai, con su decoración tallada, era la que más se acercaba a la perfección.

El arte de la dinastía Yuan (1271-1368)

Los mongoles, que invadieron China en la década de 1270 y proclamaron una nueva dinastía Yuan, adoptaron rápidamente la cultura china. Tenemos una descripción de la corte de Khubilai Khan escrita por el mercader veneciano Marco Polo, el primer europeo que visitó China (1275). La falta de patrocinio oficial durante la dinastía Yuan llevó a muchos artistas y calígrafos chinos a retirarse de la vida pública y recluirse, donde crearon un estilo artístico más erudito y espiritual. El periodo Yuan fue especialmente famoso por sus artistas, sobre todo «los cuatro grandes maestros», que se mantuvieron al margen de la corte mongola. Además de las bellas artes (que también incluyen la escultura budista), el periodo Yuan es conocido por sus artes decorativas, en particular la porcelana azul y blanca bajo vidriado, así como la cerámica lacada y el jade.

Arte de la dinastía Ming (1368-1644)

Los mongoles fueron derrocados por un levantamiento popular dirigido por un pastor y líder guerrillero que fundó la dinastía Ming con capital en Nanjing, trasladada más tarde a Pekín (Beijin). La corte Ming era tan encantadora como la Tang, pero estaba plagada de corrupción y paralizada por conflictos internos. La pintura siguió floreciendo como al final de la dinastía, volviéndose ultrasofisticada. Surgieron más estilos pictóricos, como la escuela Wu y la escuela Zhe. Pero el arte de la dinastía Ming es especialmente famoso por su porcelana blanca y azul, en la que el azul cobalto se aplica a la pasta bajo un vidriado transparente. Los ceramistas posteriores empezaron a utilizar esmaltes brillantes de tres a cinco colores. (Nota: esmalte – sobre todo esmalte cloisonné – se convirtió en una especialidad de las dinastías Ming y Qing). Las piezas estaban decoradas con alegorías, símbolos taoístas y budistas y diversos motivos de pájaros, flores y dragones. Gran parte de la arquitectura china que se conserva data de este periodo, pero carece de la imaginación de los edificios Song, con sus cornisas en voladizo y sus ménsulas.

El arte bajo los manchúes y la dinastía Qing (1644-1911)

En 1644, los manchúes del norte se aprovecharon del malestar económico y social de China. Eran un pueblo militar que admiraba la cultura china. Sus emperadores eran hombres poderosos que gobernaron el país con mano dura hasta finales del siglo XIX, pero la élite china no se mezcló con los manchúes durante mucho tiempo. Esto fue perjudicial para el desarrollo de la civilización china en un momento en que los europeos empezaban a desempeñar un papel importante en Asia.

Durante la era del arte de la dinastía Qing se produjo una reacción a las reglas tradicionales de la pintura, cuando los artistas conocidos como «individualistas» empezaron a utilizar un estilo más libre de piisma. Este nuevo método se fomentó en las décadas de 1700 y 1800, cuando ricos mecenas de centros comerciales como Yangzhou y Shanghai empezaron a encargar obras a artistas para que crearan nuevas y atrevidas pinturas.

Pero el emperador Kangxi y el emperador Qianlong siempre estarán asociados a los tipos de porcelana conocidos como famille-verte y famille-rose, más apreciados por los europeos que por los chinos, que preferían los sutiles colores monocromos. Famille verte (llamada Kangxi wucai, o Susancai) utiliza el verde y el rojo hierro con esmaltes de otros colores. Para Famille rose