Pintura clásica india: pinturas rupestres de Ajanta, Bagh 4 019 Traductor traducir Autor del texto original - Neil Cоllins

Para más información sobre el arte del subcontinente indio,
por favor mira: India: arte de la pintura, la escultura, la arquitectura .

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Introducción

La conquista de la India por el Islam durante un período de cinco siglos dividió el arte indio en dos corrientes: un período clásico, que comenzó con la fundación del Imperio Manrya en el siglo III a. C. y que terminó con la infiltración musulmana en los siglos XIII y XIV; y el llamado período mogol (mogol), del siglo XIV al XIX, durante el cual los esplendores de las estructuras antiguas fueron aprovechados por una nueva sociedad que dio origen a un lenguaje plástico hasta ahora desconocido. Entre estas dos fases, un período de tres siglos, del 13 al 16, sirvió como amortiguador entre el impacto del hinduismo y el del Islam, y fue un momento de transición artística.

Para ver cómo la pintura clásica en la India encaja en la evolución de Arte asiático , por favor mira: Cronología del arte chino (18, 000 AEC – presente).

Pintura clásica

En el siglo II a. C., el arte indio había encontrado un estilo propio, que expresaba movimiento, naturalismo y contemplación. Las admirables esculturas de Bharjut y Bhaja son prueba de ello. Esta vigorosa arte antiguo , todavía algo ingenuo, cayó bajo la influencia del arte greco-budista de Gandhara, en los albores de la era cristiana. Este fue uno de los efectos secundarios de las conquistas épicas de Alejandro Magno de antigüedad clásica y permitió que el arte indio desarrollara su propia técnica y expandiera su campo de expresión. Es a este arte maduro, en plena posesión de sus técnicas y temas, a donde pertenecen las primeras obras conocidas de pintores indios.

El antiguo tratado sobre pintura , el Vishnudharmottaram , afirma: "La pintura es la mejor de todas las artes". No hay duda de que la India antigua experimentó una intensa actividad en el campo de la pintura: la cantidad de obras escritas dedicadas al tema son pruebas suficientes, con otras referencias en poesía y drama. De estos escritos aprendemos que pinturas murales decoraba las paredes de casas, palacios y templos. La mente analítica india había clasificado sus géneros y técnicas: las escenas de alegría y amor debían decorar casas privadas, mientras que las obras que involucraban lo sobrenatural estaban reservadas para salas de audiencias reales y lugares de culto. Pintura de la figura de hombres y dioses estaban sujetos a ciertas reglas; Los expertos debatirían la noción de relatividad en la concepción plástica de lo bello. Y sin embargo, de todas estas obras, nada queda hoy; han desaparecido, junto con la arquitectura de madera con la que estaban asociados.

Afortunadamente para el historia del Arte , seguidores del brahmanismo (una religión caracterizada por un sacerdocio y la división de la gente en castas – sucesor del vedismo), budismo y jainismo (un movimiento religioso reformador, fundado en el siglo VI a. C., dirigido contra el brahmanismo) dieron sus templos y encuentros – alberga un carácter más permanente; Los primeros templos de la cueva proporcionaron pintura con un hogar más duradero. Aunque estas cuevas estaban adornadas con rostros de dioses, no debemos olvidar que esto pintura rupestre , desde su inicio, fue secular. Las religiones de la India han dejado su huella, al igual que el cristianismo ha influido en Occidente, pero en general estas pinturas están investidas con una imagen de un ideal contemporáneo de belleza para atraer y convencer a las personas.

NOTA: Para ver ejemplos de la arquitectura asiática más famosa, consulte: Templo de Angkor Wat Khmer , (Camboya); Templo Kandariya Mahadeva (Khajuraho, India); y Taj Mahal (Uttar Pradesh, India)

Pintura budista (Ajanta, Bagh, Sigiriya)

El arte budista clásico está asociado con un período de paz y prosperidad que llegó al norte de la India durante la época del gran imperio Gupta. (La dinastía Gupta, fundada por Chandragupta, gobernó en India central desde 320 hasta 455.) El esplendor de esta dinastía justifica la atribución del término "Gupta" para cubrir la producción total de obras en esta edad de oro del arte indio. Sin embargo, debe enfatizarse que el gran centro religioso de Ajanta no entró en los territorios del imperio Gupta, y que desde el siglo II hasta el siglo VII, este sitio pasó bajo el control sucesivo de Satavahana, Vakatake, Kalachuri y Chaloukya. Por lo tanto, no podemos decir con seguridad que haya influencias directas de Gupta en el trabajo en Ajanta. Sin embargo, no cabe duda de que el espíritu clásico que inspiró el arte indio durante los siglos V, VI y VII fue el fruto de esa emulación cultural e intelectual que fue desarrollada y promovida más allá de sus fronteras por el último gran Imperio indio. (Para desarrollos en China, ver: Escultura Budista China c.100-presente.)

Pintura de Ajanta (siglo I a. C. – siglo VII d. C.)

A los monjes budistas se les prohibió cualquier estadía prolongada en las ciudades y, por lo tanto, buscaron refugio de los monzones en grutas naturales, tal como lo hacen hoy los ascetas indios modernos. Tan pronto como la comunidad llegó a ser próspera, recortaron para sí mismos monasterios y santuarios de los acantilados que bordearon los Ghats occidentales. Estas cuevas estaban bastante aisladas pero siempre accesibles para los laicos. Limitaron las rutas comerciales que unían el Deccan con la India central y occidental, y los principales seguidores del budismo fueron reclutados de los comerciantes y comerciantes. En cierto sentido, las cuevas de Karli, Bhaja, Nasik, Aurangabad, Ajanta y Bagh eran casas de la fe budista.

De todos estos complejos (y solo en unos pocos se conservan pinturas), el más importante y justamente famoso es el de Ajanta. Las cuevas de Ajanta se comenzaron alrededor del siglo II a. C. y continuaron hasta el siglo séptimo. Fueron excavados a una distancia de más de seiscientos metros, en el costado de una roca que sobresale como un arco redondeado sobre el río Waghora. El sitio tiene una grandeza salvaje muy adecuada para inspirar tanto un estado de angustia metafísica como de meditación. (Para ejemplos anteriores de pintura rupestre de la Edad de Piedra, ver también: Arte parietal : 40, 000-10, 000 AEC.)

Hay veintinueve cuevas budistas compuestas de viharas, o monasterios, y chaityas, o lugares de reunión para los monjes y los fieles. Los incontables esculturas que los decoraban eran originalmente policromados, así como todas las superficies planas. Temas y temas a gran escala fueron pintados en las paredes, mientras que los techos estaban cubiertos con patrones decorativos y figuras en serie.

Solo trece de las cuevas tienen fragmentos de pinturas, la más importante de las cuales se encuentra en dos chaityas , que datan del siglo I a. C., y en cuatro de las viharas ; Estos se hicieron entre los siglos V y VII.

Las técnicas empleadas en pintar el arte religioso en Ajanta son peculiares del norte de la India. La superficie rocosa de la cueva está cubierta en primer lugar con una gruesa capa de tierra ferruginosa o de color óxido, unida por materia orgánica. Sobre esta base se aplicó un revestimiento liso de cal, de una fracción de pulgada de espesor, al que se le añadió una aplicación de pegamento para fijar el color. La composición se esbozó en bermellón sobre la superficie lisa de marfil. Las áreas así demarcadas recibieron una base, una especie de tierra verde , sobre la cual se aplicaron los colores en detalle. (Para la gama de pigmentos utilizados, ver: paleta de colores prehistóricos .)

Finalmente, los contornos se delinearon en negro o marrón. Aunque las técnicas para obtener alivio de la luz y la sombra no eran conocidas por el pintor indio en este momento, en el siglo V, al menos, estaba usando un método de alivio de la superficie, un efecto que obtuvo a través del raspado o el aburrimiento. Es notable cómo el artista indio logró dar una ilusión de profundidad, a pesar de su técnica de pintura plana; Lo logró únicamente a través de la asombrosa exactitud y sensibilidad de su dibujo. No hay nadie que pueda superar al artista indio al transmitir, con la ayuda de curvas simples, la idea de plenitud y plenitud, una sensación de peso o la fragilidad del cuerpo femenino.

Pigmentos de color fueron elegidos con respecto a su resistencia a la humedad y la piedra caliza, y todos tenían bases minerales: colores tierra de rojo ocre y amarillo ocre, verde hecho de silicatos de hierro finamente machacados, blanco y negro. Sin embargo, como explica el Vishundharmottaram , podrían obtener "una variedad ilimitada de colores al mezclar hasta tres colores y mediante el juego de la imaginación y la emoción". A partir del siglo V se utilizó el azul, extraído del lapislázuli que los comerciantes indios buscaban tan lejos como Persia. Rara y costosa, este azul solo se aplicó en casos especiales y para resaltar ciertas escenas, como las salpicaduras de azul que rodean con cariño al gran Bodhisattva en la primera de las chaityas . El oro nunca se usó, su efecto se logró a través de una mezcla de verde y amarillo.

La composición de los frescos es bastante especial; Es imposible traducir su extraordinaria exuberancia. Las primeras cuevas todavía son bastante hieráticas, particularmente donde se ve a un Buda predicando a sus discípulos. Esta pintura tiene la noble severidad del tímpano Autun. Pero la composición, que al principio tenía la forma de una tira ilustrada, aparece repentinamente en las viharas como un diseño que no solo va de izquierda a derecha sino de arriba a abajo en toda la superficie de las paredes. Las escenas se suceden una a otra más bien como los desvanecimientos vinculados de las técnicas cinematográficas. Las historias se cuentan simultáneamente y en varios niveles; La única indicación de que el centro de interés se ha movido podría ser una característica arquitectónica, un árbol o una cara alejada de otra persona. Cada fase pictórica está rodeada por una zona de suspenso, cada escena está marcada por un ritmo que regula el ritmo de la sinfonía.

El profesor Philippe Stern relaciona este estilo con la influencia del sánscrito clásico, un lenguaje salmódico donde "las palabras se unen mediante reglas de asonancia y encuentros entre vocales, formando compuestos largos, frases largas y prolongadas que aseguran continuidad y fluidez sin interrupción, mientras que los ritmos y los movimientos ondulantes del lenguaje le permiten a uno seguir la oración, la formación de palabras sigue siendo exacta ".

Las pinturas de Ajanta son fundamentalmente consagraciones a la iconografía budista: la vida de Buda y una sucesión de jatakas , fábulas que ilustran los innumerables renacimientos animales y humanos, que precedieron a su reencarnación como el Bendito. Estos jatakas han proporcionado a los artistas indios una fuente inagotable de inspiración; su gusto por naturalismo ha encontrado aquí un pretexto admirable para representar a sus animales favoritos: elefantes, monos, vacas, pájaros, todos apareciendo en un fondo de vegetación, tratados con esa combinación de exactitud y estilización que encontramos nuevamente en el pintura en miniatura de Rajput.

La compasión, la renuncia y la meditación inherentes al budismo son evidentes en estas pinturas y les dan un halo de dulzura y vida interior. Entre las escenas de la vida de Buda, la más conmovedora y posiblemente la más importante es la que se representa en la pared del fondo de una cueva de vihara . El pintor nos ha representado el momento en que, después de su iluminación, Buda, ante la insistencia de su padre, el rey Sudodhana, acuerda ir a predicar la Palabra en su lugar de nacimiento, la ciudad de Kapilavastu, y se presenta, mendigando un cuenco en la mano, en el umbral de su antiguo palacio. Su esposa, Yashodara, a quien no ha visto en siete años, sale sosteniendo a su hijo frente a ella. Uno siente que ella tiene una loca esperanza de recuperarlo. El niño, casi consciente del drama que se está representando, levanta una mano vacilante hacia el cuenco de mendicidad de su padre. El rostro de Yashodara, volteado hacia el Buda, que se erige alto e inmenso a su lado, expresa toda la angustia de su pobre amor humano, mientras que los ojos entrecerrados de Buda, su rostro imperturbable presentando una sonrisa, muestran serenidad perfecta y completo desapego. El pintor ha acentuado la diferencia al darle al Bendito una forma colosal, lo que hace que la presencia de su esposa e hijo a sus pies sea aún más irrisoria. Por su severidad, severidad y alto grado de espiritualidad, esta pintura es comparable con la más bella de las primitivas italianas de la trecento , en Florencia y Siena.

De manera similar, imbuidos de una profunda espiritualidad, pero con intransigencia y un toque de teatralidad, están los dos famosos Bodhisattvas que flanquean la entrada a la antecámara al final del pasillo interior de una de las cuevas de vihara . El más notable de los dos y el más conocido es el Gran Bodhisattva con un Loto en Avalokitesvara ; Su belleza suave, su gracia meditativa aunque ligeramente afeminada, y su perfección plástica son indescriptibles. La composición alrededor de la figura se suma a la impresión de dulzura, moderación y sentimiento divino. Las figuras femeninas, a pesar de sus poses lánguidas y aparente sensualidad, parecen un poco avergonzadas por sus encantos. Aquí encontramos el fruto maduro de una civilización que había alcanzado su cenit; pero también podemos percibir en esta pintura los síntomas de una decadencia estilística. Aquí el virtuosismo y la seducción tienen un lugar más destacado que la intensidad y el fervor de las obras anteriores. El naturalismo da paso a la gracia formal. La religión, al adoptar el arte secular, lo ha codificado y la pintura se ha alejado mucho de su objetivo original, que, como se define en el Vishnudharmottaram , era "presentar imágenes exactas".

Sin embargo, como observamos anteriormente, las pinturas de Ajanta no son solo el resultado del pensamiento budista sino de toda la cultura de la época. De esta manera, la literatura sánscrita, y en particular el drama sánscrito, que floreció en los siglos V y VI, Kali-dasa, el gran dramaturgo indio, pertenece a este período, ha influido en las concepciones plásticas de los temas y las actitudes humanas. Las cifras se expresan con una ligera exageración típica del teatro. Hay tipos de personajes tomados del teatro indio: el héroe joven, fuerte y guapo; la heroína con su lánguida gracia atrapada entre la lujuria amorosa y la timidez; el confidente, que lleva mensajes de ida y vuelta entre los amantes; el codicioso materialista Brahman; el noble asceta benevolente.

Las pinturas de Ajanta son, por lo tanto, la expresión de una creencia religiosa y una tradición cultural general; También revelan detalles de la vida india durante el período Gupta. Podemos imaginarlo despreocupado y patriarcal, refinado y bucólico. Vemos la delicada arquitectura de sus frágiles palacios de madera, sus patios interiores, donde la vida se vivió con todo su lujo y sencillez. Los príncipes y princesas están adornados con joyas y rodeados de innumerables sirvientes, orquestas y bailarines; viajan a lomos de elefantes o en carros decorados, dibujados por elegantes caballos asiáticos. Sin embargo, sus muebles son del tipo más rústico, y solo la presencia de algunos utensilios de metales preciosos, colocados directamente en el suelo, indican la riqueza de los dueños de la casa. Del mismo modo, los disfraces son muy simples, hombres y mujeres con taparrabos a rayas, con el pecho desnudo. Probablemente las mujeres se cubrieron con ese material extremadamente fino y transparente que se hace en el norte de la India y que siempre ha sido muy popular. Nos encontraremos con este material muy delgado en pinturas posteriores del norte de la India. Debemos señalar, al respecto, que ni la desnudez ni el amor físico han sido un tema prohibido en la India. Por el contrario, la feminidad, el cuerpo de una mujer, se exalta como símbolos de la esencia femenina del universo y, más tarde, el amor de una mujer se convirtió en un medio importante para obtener la salvación. También debemos señalar la posición favorable que las mujeres ocupan en la pintura y en la sociedad india de esta época, una posición que está confirmada por la literatura india.

Pero la sociedad que estamos describiendo se mantuvo fija en este punto. Este hecho es aún más sorprendente cuando uno se da cuenta de que una joven doncella en su baño usa las mismas ollas pequeñas de metal grabado en las pinturas que se usaron hasta hace unos años en la India actual. Doncellas lánguidas, masticando betel, que toman de pequeñas cajas talladas, se sientan bajo el refugio de pequeños patios que están flanqueados por delicadas columnatas; Esta escena podría haberse encontrado hasta hace muy poco en las provincias de la India actual. Los artesanos se sientan en sus puestos de madera elevados a lo largo de las calles del pueblo, y algunos todavía están haciendo las maravillosas joyas con las que se adornaron los héroes de los frescos.

Pintura Bagh (Siglo VI – Siglo VII)

Doscientos cuarenta kilómetros al noroeste de Ajanta, en el oeste de Malva, se encuentran las cuevas budistas de Bagh. Durante casi media milla están salpicados a lo largo de un acantilado de arenisca friable y, en consecuencia, han sufrido daños considerables. La mayoría de ellos fueron pintados; existieron fragmentos importantes hasta aproximadamente 1950, aunque prácticamente han desaparecido hoy. Si bien las copias se hicieron a principios de siglo, no pueden recuperar la belleza del original. Sin embargo, dan pistas preciosas sobre el estilo general, el movimiento y la sensación de profundidad que los caracteriza. De hecho, si bien están estrechamente vinculados con el arquetipo de Ajanta, las pinturas de Bagh muestran una frescura, una bonhomie, una felicidad vibrante, casi terrenal, que contrasta fuertemente con la moderación e introspección de su modelo. los pintura al fresco Las técnicas son idénticas, pero las figuras, una vez pintadas, no se vuelven a perfilar, lo que aumenta la impresión general de espontaneidad despreocupada. Los temas tratados se presentan de una manera más amplia y abierta que los de Ajanta: una larga procesión de elefantes seguida de príncipes y princesas parece estar en camino a un festival de primavera. Las mujeres, aferradas a las terrazas, las ven pasar. La sección más impresionante es un grupo de músicos, que rodean a dos bailarines de pelo largo. El movimiento giratorio y frenético del conjunto es bastante notable y retrata una alegría puramente pagana. Esta pintura es una expresión cálida y viva (aunque sin duda provincial) del arte budista clásico.

Sigiriya (siglo V)

La tradición dice que el devoto emperador budista Asoka (reinó 264-226 a. C.) de la dinastía Maurya envió a su propio hermano Mahendra, en 250 a. C., para convertir a los cingaleses a la nueva fe. Parecía haber tenido tanto éxito que Sri Lanka sigue siendo uno de los principales bastiones del budismo hinayana.

Le debemos los hermosos frescos de Sigiriya a un rey parricida. En la cima de una enorme roca, a 600 pies de altura, tenía una fortaleza de palacio excavada en la piedra. Solo se llega por un camino estrecho cortado de la roca. Alrededor de un tercio del camino hacia arriba, en los bolsillos protegidos por un voladizo, a cuarenta pies sobre el camino, hay pinturas que representan portadores de regalos y ofrendas, fragmentos de una vasta composición que deben haber acompañado al visitante durante la mayor parte de su ascenso. Veintiuno de estas cifras permanecen. La irregularidad de la superficie interior de la roca no permitió al pintor completar las siluetas en su totalidad: las mujeres parecen emerger de las nubes, sus cuerpos ocultos desde la mitad del muslo. Son contemporáneos con las pinturas de la cueva No. 16 en Ajanta y tienen la misma gracia y distinción, pero con un sentido adicional de realismo. Hay una atención al detalle en la observación del cuerpo humano aquí que no es tan evidente en las pinturas de Ajanta. Estas damas y sus doncellas, de piel más oscura y que se mantienen un poco al fondo, parecen haber sido pintadas de tal manera que acentúan su tipo étnico en lugar de sus personalidades individuales. Sus características faciales no solo difieren entre sí, sino que su postura, su estilo de cabello y los detalles de su ropa varían. Esto podría ser fácilmente una galería de retratos de damas de la corte. Este es, quizás, el único ejemplo en la pintura india clásica de una personalización tan cuidadosa.

La sensación de volumen y profundidad es particularmente notable, gracias a una técnica que consistía en cortar primero el diseño en la superficie lisa de la pared, antes de poner el rojo. El esquema, por otra parte, fue revisado varias veces para enfatizar el alivio. Los colores son los mismos que los utilizados en Ajanta, incluidos el amarillo ocre, el marrón rojizo y el verde mineral, pero a estos ciertamente se les agregó un azul cobre, del cual ahora hay pocos rastros. Un esquema final en negro, como en el norte de la India, dio mayor importancia a los detalles. La idea de estas mujeres, su gracia sensual e inquietante, sus manos finas y flexibles entremezcladas con las flores traídas como ofrendas, tiene poco que ver con el budismo. Parecería aquí que se ha llegado a un punto en el que la belleza es glorificada por sí misma, donde hay una búsqueda puramente estética de la forma perfecta, de la cual el gran Bodhisattva nos dio un anticipo en Ajanta.

En Ajanta, Bagh y Sigiriya notamos una relajación de la estricta pureza del budismo clásico a favor de un nuevo dinamismo, una estética y sensualidad, que pronto se expresaría libremente en el arte de Brahman.

Pintura brahmánica (Badami, Panamalai, Sittanavasal, Ellora, Tanjore)

Los grandes imperios indios colapsaron con las invasiones hunas a fines del siglo VI, pero las nuevas dinastías, que dividieron la península, continuaron con las tradiciones artísticas de Ajanta. El arte clásico continuó con el mismo brillo. Pero el budismo se había ido; en cambio, los nuevos reinos dedicaron sus santuarios a los dioses de un revivir el brahmanismo. La pintura, manteniendo las características de la era anterior (belleza y plenitud de forma, elegancia y seguridad de línea) fue lenta pero seguramente seducida por la pasión y la grandeza del panteón hindú. El arte ahora comenzó a dedicarse por completo a expresar la infinita complejidad de este prodigioso vórtice.

Pintura Badami (siglo VI)

En el siglo VI creció un poder en el Deccan que gobernaría el sur de la India durante los siguientes doscientos años. Estos fueron los primeros Chalukyas occidentales. Hicieron su capital en Badami, donde, como en Pattadakal, Aihole y Mahakuteshvara, construyeron muchos templos finos. El sitio de Badami es muy hermoso: acantilados e imponentes monolitos de torre de piedra rosa sobre un lago azul. En un santuario rupestre de Badami dedicado a Vishnu (segundo en la trinidad Brahman de Brahma, Vishnu y Shiva), construido en 578, encontramos nuestro primer ejemplo de pintura de Brahman.

De los frescos que alguna vez cubrieron las paredes de esta gruta, solo queda un fragmento; Ocupa la superficie cóncava de una gruesa cornisa que protege la entrada de la veranda. Es difícil decir cuál era el tema real de la composición, pero esas figuras, que aún son distinguibles, son exquisitamente elegantes. Las cabezas redondeadas en relieve suave están dibujadas en líneas finas y delicadas. Esta delicadeza probablemente proviene de la técnica del sur de la India de aplicar los colores a un fresco secco . La ternura y el encanto suave y casi amistoso que emana de esta pintura son característicos de todas las obras del período Chalukya: elegante, sobrio, humano. Sus rostros dulces, medio borrados por el tiempo, son idénticos a los pares bellamente esculpidos que decoran el interior del templo Malikarjuna en Pattadakal.

Pintura Panamalai y Sittanavasal (Siglo VIII – Siglo IX)

El reinado de los primeros Chalukyas occidentales se destacó por la larga lucha que tuvieron contra los Pallavas, que desde el siglo VI fueron los soberanos de la India, al sur de Toungabhadra. Hasta el siglo IX, los Pallavas salpicaron su territorio con muchos templos y legaron al arte los maravillosos complejos de Mahavalipuram y Kantchipuram. Solo quedan pequeños fragmentos de su pintura en Kantchipuram, y sesenta y dos piezas algo más grandes en Panamalai y Sittanavasal.

En Panamalai, en una de las paredes del templo, Talagirishvara, hay una deslumbrante figura femenina; El delicado y nítido contorno, la fluidez de los colores nos dan una idea de la perfección técnica alcanzada por estas personas del sur. La posición de la joven, con una rodilla doblada y el cuerpo gentilmente inclinado hacia atrás, es idéntica a la de la princesa en Ajanta, al lado de la escena del nacimiento de Buda en la Cueva No. 2. Es una postura que también encontramos en las esculturas de Kajurao del siglo XII y es, con toda probabilidad, una de las poses características de las heroínas de la literatura sánscrita.

El segundo grupo de pinturas, y el más importante de los del período Pallava, se encuentran en un templo jainista, cortado de la ladera de una colina cerca del pueblo de Sittanavasal. Los frescos, que pueden datarse de la primera mitad del siglo IX, están en bastante buenas condiciones. En los pilares de la veranda hay pinturas de dos bailarines en silueta fina y delicada y un grupo de otras tres personas. los dibujo , como en Panamali, es firme, preciso y elegante; Está hecho en rojo parduzco, y se destaca al lado del amarillo pálido de los cuerpos modelados. El techo de esta terraza está decorado con una composición muy notable que representa a tres jóvenes a punto de recoger flores de loto en un estanque donde beben elefantes, búfalos y pájaros. Este entretejido de animales y plantas, en verdes y marrones, tiene una cadencia admirable y la estilización de toda la pintura no quita nada de su frescura y gracia. Los cuerpos encantadores y juveniles de los jóvenes apenas se completan, pero el dibujo es muy seguro. El loto, algunos en yema y otros en flor, halo de enormes hojas redondeadas, y con sus largos tallos sinuosos, es la pieza central de este grupo obviamente simbólico.

Pintura de Ellora (siglos VIII-IX)

En la segunda mitad del siglo VIII, los primeros Chalukyas occidentales fueron exterminados por una nueva dinastía, los Rashtrakutas, que controlaron el norte de Deccan durante más de un siglo. A estos príncipes les debemos uno de los monumentos más bellos, y ciertamente el más extraordinario, en India, el Kailasha de Ellora. Es un inmenso templo monolítico, completamente esculpido en la roca masiva. De las treinta y cuatro cuevas en Ellora, doce son budistas, diecisiete brahmanes y cinco jainistas. Emiten desde un abrupto acantilado vertical sobre el barrido horizontal de una plataforma natural y dominan la parte norte de la vasta meseta de Deccan. En este gran grupo, que contiene las piezas más bellas de la India. escultura de piedra , solo tenemos dos ejemplos de pintura, en Kailasha y en la gruta jainista llamada Indra Sabha.

Los frescos de Kailasha se encuentran en el techo del porche occidental. Están cubiertos por tres capas sucesivas de pinturas, y ahora están en proceso de renovación. El más antiguo debe ser de la época en que se construyó el templo en la segunda mitad del siglo VIII. Aquí vemos dioses y diosas en vuelo, enanos y un ser mitológico a horcajadas sobre un monstruo. La técnica es la misma que en Badami, pero aquí el dibujo es más importante que el modelado. El ritmo de Brahman se vuelve más y más definido a medida que los préstamos budistas se vuelven menos. Shiva está bailando, y la meditación es reemplazada por un júbilo cosmético.

Esta intensidad, esta aceleración del movimiento, es aún más sorprendente en los fragmentos muy encantadores de la cueva jainista, que datan de mediados del siglo IX y muestran a los dioses en vuelo y a Shiva bailando con un asombroso virtuosismo. Un personaje vuela en el cielo, revelando su espalda y sus nalgas curvadas, sus manos unidas por encima de su cabeza; Es sorprendente en la perfección de su técnica y su brillo seguro. Aquí los cuerpos tienen la elegancia, la delgadez y la ligera angularidad de la figura femenina en Panamalai, pero hay un gran grado de estilización. El artista se ha liberado de las convenciones de Ajanta. El brahmanismo nunca es didáctico como el budismo; No hay ningún intento de convencer o persuadir, pero uno se deja llevar por la emoción de la escena. El naturalismo es demasiado pesado y se rechaza a favor de la esquematización, una forma más ordenada de expresar la geometría simbólica de las formas.

Pintura Tanjore (siglo XI)

Mientras los Rashtrakutas gobernaban en el norte del Deccan, una nueva dinastía, los Cholas, se hizo cargo del poder menguante de los Pallavas en el sur y lo mantuvo desde mediados del siglo IX hasta principios del siglo XIII. El templo muy especial arquitectura del sur desarrollado en el período Chola, el ejemplo más perfecto es el gran templo de Shiva en Tanjore.

En seis de las habitaciones en la base de la gran torre de este santuario, se han descubierto frescos que datan de la construcción del edificio (principios del siglo XI) debajo de pinturas de los siglos XVII y XVIII. Los restauradores ahora están trabajando en las pinturas importantes. En general, las pinturas representan escenas sobre el dios Shiva. Lo más notable son los bailarines; Con su prodigiosa fuerza expresiva transmiten un sentimiento de alegría triunfante. Aunque pueden parecerse a los genios voladores de Ellora, aquí algo más carnal anima su ser, hincha sus cuerpos y da mayor curva a su forma. Su entusiasmo, mucho más violento aquí, se refleja en la torsión del pecho del bailarín. Los colores de los pigmentos minerales parecen aplicarse libremente. Según estudios recientes, se aplicaron al fresco sobre yeso húmedo. Como todas las pinturas indias, los contornos están grabados en rojo y negro, y las figuras solo están ligeramente rellenas. Se han encontrado nuevos frescos en un ambulatorio, y una vez que este grupo haya salido a la luz tendremos uno de los ejemplos más importantes de pintura clásica india.

Arte budista clásico tardío en Bengala y Sri Lanka (siglos XI-XII)

En el siglo V, el budismo nació en las fronteras de Nepal, y fue en este rincón del noreste de India donde la fe budista, perseguida desde la península por un triunfante brahmanismo, fue encontrar su último refugio.

Manuscritos iluminados de Pali (siglos XI-XII)

La dinastía Pali, gobernantes desde 750 hasta mediados del siglo XII, fueron mecenas de un movimiento intenso, artístico y religioso, con el brahmanismo y el budismo de pie al lado del otro, aunque los palis siempre tuvieron una clara predilección por la fe tardía. El arte Pali se fundó en las ruinas del imperio Gupta, cuyo estilo continuó, aunque de una manera más preciosa y afectada. Sus mayores éxitos fueron en el campo de la arquitectura. Las pinturas murales de Pali prácticamente han desaparecido, pero algunas manuscritos iluminados permanecer. Se llevaron a cabo en los grandes monasterios budistas, el más famoso de los cuales, Nalanda, fue el centro turístico de innumerables peregrinos del sudeste asiático.

Los manuscritos se ejecutaron en hojas de palma, de formato largo y estrecho, y se mantuvieron unidos por hilos que pasaban por las páginas, todo atado entre dos piezas de madera. Las ilustraciones son escasas y se realizan en marcos pequeños de 3 pulgadas por 2 pulgadas insertadas dentro del texto. Como en las pinturas murales, los contornos de este ilustración de libro se hacen en rojo o negro y luego se rellenan los colores; Los colores son blanco, rojo, amarillo, verde y azul índigo. La composición es simple y generalmente incluye un dios (Buda o un Bodhisattva) rodeado de alumnos, o su alter ego femenino ( shakti ); estos últimos a veces ocupan un lugar de honor en las pinturas. Aquí tocamos el budismo tántrico, y aunque estas pinturas dan una impresión de calma y dignidad, hay una pista de esta tendencia Mahayana hacia el erotismo y la magia.

Los manuscritos, el más antiguo de los cuales, hasta donde se sabe, no se remontan más allá del siglo XI, son de gran interés, ya que revelan el resultado final de la pintura budista clásica en la India. (Para más información sobre textos iluminados, ver: Historia de los manuscritos iluminados – 600-1200).

En la segunda mitad del siglo XII, el Islam conquistó Bengala y arrasó los monasterios. El budismo fue finalmente eliminado en la península y se vio obligado a buscar refugio en Nepal y el Tíbet, donde desarrolló una iconografía extremadamente compleja, aunque con estilo permaneció fiel a sus orígenes pali.

Pintura de Polotmaruva (siglo XII)

Sri Lanka, que permaneció fiel al budismo a pesar de los dos siglos de ocupación de Chola, experimentó una nueva fase artística y religiosa con su independencia recuperada en el siglo XII. La capital de la isla, Polonnaruva, estaba salpicada de templos y palacios ornamentados que, según las crónicas, estaban cubiertos con muchas pinturas. Sin embargo, los únicos que quedan de este período son los exquisitos frescos en el pequeño templo de Tivamka. Desafortunadamente, están en malas condiciones, pero nos ayudan a estudiar el desarrollo de la pintura budista en la parte sur de la India.

A pesar de las recientes invasiones de Chola, los frescos no fueron pintados al estilo Tanjore y carecen de la intensidad y vivacidad de este arte. Aquí la influencia de Brahman se rechaza categóricamente a favor de la interioridad y dulzura budistas. El artista ha regresado a Ajanta para inspirarse, agregando ese naturalismo sensual, despreocupación y simplicidad que vimos en las obras de Sri Lanka del siglo V Pero las figuras pintadas en Polonnaruva son algo más sobrias, más abstractas, más religiosas que las opulentas señoritas de Sigiriya. Hay escenas de jatakas , una procesión de fieles, todos concebidos con libertad y flexibilidad. Algunas personas están pintadas de verde. El verde, de hecho, es el único color que se utilizará junto con los tonos amarillo ocre del conjunto. El follaje es muy hermoso y dibujado con gran facilidad, evocando la abundancia de la densa jungla cingalés.

Por su delicadeza, su serenidad y su gracia bastante lánguida, las pinturas de Polonnaruva muestran un retorno definitivo al clasicismo budista puro; Esta fue posiblemente una reacción simple contra el intento de hegemonía de Brahman, o puede haber sido el estancamiento de una inspiración limitada por la repetición continua de los mismos temas. Las técnicas de dibujo perfectas nos hacen lamentar, más aún, la pérdida de estas composiciones seculares.

Ahora hemos llegado al final del período clásico. A principios del siglo XIV, las incursiones musulmanas penetraron directamente en el sur de la India. La nueva época debía ser tensa y conmovedora, pero no una para la expresión de los ideales clásicos. Nació un arte de transición, que abrió el camino a un nuevo lenguaje visual.

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