Arte japonés:
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Cerámica

«Jōmon» es el nombre dado a la cerámica antigua producida en Japón durante la era prehistórica : es decir, todas las ollas, vasijas y figuras decorativas de cerámica cocidas con arcilla producidas desde el 14.500 a. C. hasta aproximadamente el 100 a. C. Así pues, la cultura Jomon comienza en el Paleolítico y continúa en el Neolítico (10.000-2.000 a.C.). De hecho, el término «Jōmon» se utiliza ahora para referirse a todo el período del arte japonés de la Edad de Piedra . Para ver cómo encaja la cerámica Jōmon en la cronología de la producción de cerámica en todo el mundo, véase: Cronología de la cerámica (26.000 a.C. a 1900).

Es casi seguro que las vasijas jomon estaban influidas por la cerámica china, que se había producido de forma continua desde la cerámica de la cueva de Xiangrendong (18.000 a.C.) y la cerámica de la cueva de Yuchangyang (16.000 a.C.). Alrededor del 14.500 a.C. la tecnología china se extendió a través de la frontera hacia Siberia, como demuestra la aparición de cerámica de la cuenca del río Amur que data del 14.300 a.C., y probablemente también cruzó el mar de Japón hacia Honshu. En cualquier caso, sabemos que la cerámica japonesa también comenzó en esta época, como demuestran las fechas de radiocarbono de los yacimientos más antiguos, a saber, Odaiyamamamoto I (Tohoku) (14.540 a.C.); la cueva de Fukui (Kyushu) (14.000 a.C.); y Kamino (Kanto) (13.500 a.C.).

La cerámica Jōmon se desarrolló durante seis períodos: el Jōmon Incipiente 14500-8000 a.C.; el Jōmon Inicial 8000-5000 a.C.; el Jōmon Temprano 5000-2500 a.C.; el Jōmon Medio 2500-1500 a.C.; el Jōmon Tardío 1500-1000 a.C.; y el Jōmon Final 1000-100 a.C. Para ver cómo el arte antiguo japonés , encaja en la evolución de las artes y oficios de todo el mundo, véase: Cronología del arte prehistórico (desde 2,5 millones a. C.).

La cerámica de los primeros Jōmon se fabricaba con arcilla sin refinar cocida en hogueras al aire libre. Las formas de las vasijas se limitaban a sencillos cuencos y jarras con bases puntiagudas o redondas, y la decoración se reducía a marcas de cuerda en las superficies exteriores. Sin embargo, a medida que avanzaba el Neolítico, la producción de cerámica se fue refinando. (Véase también: El arte neolítico en China : 7500-2000 A.C.). Así, las vasijas se hicieron más variadas en su forma, incorporando bases planas y tipos de decoración más ornamentados.

Las técnicas de cocción también mejoraron, aparecieron hornos primitivos y los cambios sociales provocaron un aumento de la demanda de nuevos tipos de cerámica. Con el tiempo, se crearon nuevos tipos de vasijas para su uso en ceremonias religiosas o rituales. En el periodo Jōmon medio y tardío se generalizaron las figurillas de arcilla «dogu», una gama de figuras antropomorfas que incluían extrañas formas con «ojos de anteojo».

El arte de los templos budistas

Japón es un tesoro de la mejor escultura del mundo, prácticamente toda budista, y al principio muy influenciada por prototipos del arte chino . Sin embargo, el arte budista medieval en Japón suele estar mucho mejor conservado que en China o Corea y, debido a la falta de ejemplos comparables, a menudo es difícil decidir si una determinada pieza de arte religioso es importada, «japonesa nativa» o «inmigrante».

La historia de Japón antes de la llegada del budismo se divide en tres épocas principales: el Jōmon (ca. 7500-200 a.C.), el Yayoi (200 a.C.-200 d.C.), y el Túmulo (200-600 d.C.) De estos periodos sobrevive sobre todo pequeña escultura de cerámica. Las figuras neolíticas del periodo Jomon son de loza gris y roja, los rasgos de su cuerpo perfilados por crestas e incisiones poco profundas, los grandes ojos redondos dan vida a la imagen abstracta. El periodo de Túmulos debe su nombre a los grandes montículos construidos por sus gobernantes, alrededor de los cuales se han encontrado un gran número de hanivas, cilindros de cerámica coronados por figuras de sirvientes, mujeres, animales y casas. Según el texto antiguo, haniwa sustituían a las personas vivas y los objetos reales que en épocas anteriores acompañaban a los grandes a la tumba, aunque la arqueología no lo ha confirmado.

La primera oleada de influencia budista llegó a Japón desde el reino de Baekje, en Corea. Se cuenta que, en 538, un gobernante coreano envió una imagen de bronce dorado de Buda al emperador de Japón. El emperador se declaró profundamente conmovido por la doctrina budista, pero debido a la aparición de una epidemia de peste, el regalo fue arrojado a un canal. Sin embargo, siguieron más imágenes y luego artistas (entre ellos un famoso maestro, Tachito, de China - véase Escultura budista china), y a finales del siglo VI el príncipe Shotoku, regente de Japón, acogió abiertamente el budismo. En esa época se fundó el famoso monasterio de Horyu, en la región de Nara, y se empezaron a fabricar imágenes en grandes cantidades.

Al principio, la escultura budista se limitaba a unos pocos temas: Shaka (el Buda histórico), Yakushi (el Buda de la curación), Miroku (o Maitreya, el Buda del futuro), Kwannon o Kannon (el bodhisattva de la compasión) y los reyes guardianes del norte, este, sur y oeste. Las dos trinidades budistas (Buda flanqueado por dos bodhisattvas) en bronce están inscritas por la mano de Tori, nieto del emigrante Tachito, que fue recompensado por ellas con un estatus social más elevado.

El estilo de esta escultura japonesa temprana está claramente tomado de ejemplos chinos (compárense, por ejemplo, los de Lunmen y Yungang), que a menudo entraron en Japón a través de Corea - como «Gangnon de Kudam (Baekje)», tradicionalmente atribuido a un artista coreano. Las formas son algo rígidas y alargadas, alisadas en suaves superficies degradadas, moteadas con caligrafía de pliegues descendentes y graciosos plisados. (Nota: Para ver cómo se extendió el arte y la artesanía de estilo chino por Asia Oriental, véase: Arte coreano .

Para más información sobre el arte budista chino primitivo, véanse Arte del periodo de las Seis Dinastías (220-589) y Arte de la dinastía Sui (589-618).

Durante los siglos VII y VIII , la madera se convirtió en el material favorito de los escultores japoneses. En ella tallaban y pulían volúmenes suavemente ondulados formados por contornos suaves, más o menos animados por motivos lineales. (Véase también: Escultura en jade) Uno de los mejores ejemplos de este periodo, sin embargo, está realizado en bronce, una colosal trinidad budista independiente en el templo Yakushi de Nara, probablemente de principios del siglo VIII. Las líneas del drapeado se curvan libremente alrededor del magnífico y macizo Yakushi; los bodhisattvas también son rollizos, encarnando la elegancia.

Estas enormes imágenes, probablemente derivadas directamente de prototipos chinos del periodo Tang, hoy perdidos, se encargaban a menudo en el periodo Nara (710-84) desde cada provincia para celebrar el paso de una plaga, la ascensión de un emperador, etc.; una de ellas, conservada en el templo Todai de Nara, consta de casi cinco toneladas de metal, aunque las figuras son huecas, fundidas con el método de la cera perdida. Para una guía de los principios estéticos del arte oriental, ejemplificados por la pintura, la escultura y las numerosas artesanías de China, véase: Arte tradicional chino: características .

Otro tipo de escultura, hecha de arcilla sin cocer, es evidente en las pequeñas figuras de discípulos afligidos, modeladas con soltura, del cuadro «Muerte de Buda» (711) del monasterio de Horyu. Cada discípulo es concebido como un individuo especial. Semejante realismo carga de un espléndido barniz seco el retrato del monje chino Ganjing, fundador del monasterio de Toshodai y ampliamente venerado en Japón como una especie de santo. De China parece haber traído consigo artistas y una nueva ola de influencia.

El enorme Kannon del templo de Toshodai, de 5,5 metros (18 pies) de altura, con mil manos (en realidad 953) creando un fantástico halo alrededor de su tranquilo rostro, también está lacado en seco. Mientras que Ganjing inicia una nueva y poderosa tradición de escultura de retratos, sin duda relacionada con la tendencia en China que culminó en las figuras individualistas de los Luohan, Kannon muestra un nuevo estilo melancólico y estático, con un drapeado de pesados pliegues curvos.

En el periodo Heian (784-1185) comenzó a florecer una secta esotérica, los budistas Shingon ; sus largos rituales requerían un gran número de imágenes que encarnaban un extenso panteón de poderes espirituales, cada uno de los cuales poseía atributos separados, a menudo fantásticamente complejos.

En el siglo XI, los escultores recurrieron a la técnica ) yosegi) de unir partes de madera tallada para crear figuras más complejas. Los elaborados rituales practicados durante el shogunato Kamakura (1185-1392) dejaron de estar bajo el patrocinio estatal, aunque se siguió realizando para ellos mucha escultura, tanto de gran tamaño como de gran calidad, con un ingenio cada vez más dinámico y un realismo insistente. Dos grandes escultores de madera del siglo XIII, Unkei y Kaikei, eran muy conocidos; sus estatuas de deidades guardianas son majestuosamente formidables.

Los templos budistas estaban decorados no sólo con esculturas, sino también con frescos, estandartes bordados, sedas figuradas, manuscritos ilustrados, dibujos y pergaminos impresos. Los individuos poseían tanto versiones en miniatura de las imágenes de los templos como pequeños santuarios portátiles, a veces tallados en materiales preciosos.

Zen, pintura en tinta

«Zen» es la pronunciación japonesa del chino «Chan», una vigorosa secta budista fundamentalista que floreció por primera vez en China durante las artes de la dinastía Tang (618-906). Supuso el abandono de los elaborados ritos y deberes del budismo tradicional tal y como se practicaba en los grandes monasterios, con su vasto aparato ceremonial y sus tesoros de pinturas y esculturas. Los monjes zen buscaban la iluminación a través de la iniciación personal, el ascetismo y la meditación concentrada, y esperaban alcanzarla en medio de las actividades cotidianas.

Durante el shogunato Kamakura (1185-1332), el budismo zen fue abrazado por gran parte de la clase guerrera. Los shogunatos eran dictaduras militares que gobernaban Japón en nombre de un emperador títere, quien, junto con sus cortesanos, era considerado por el shogunato como esteta, frívolo y constreñido por el ceremonialismo. En contraste, los shogunatos desarrollaron el budismo zen, una casta y un código de samuráis («guerreros») cuya ética y destreza se basaban en los preceptos zen. En sus artes marciales de espada, arco y lanza, la disciplina Zen, el entrenamiento mediante el cual se puede alcanzar la iluminación, desempeñaba un papel importante. Los golpes de los samuráis debían ser espontáneos e instantáneos, sin pensamientos extraños que se interpusieran entre la necesidad y la acción. Una cualidad similar se cultivaba en el dibujo con tinta.

En el siglo XIV, durante el periodo Muromachi (1333-1573), la pintura a tinta -especialmente la realizada por los sacerdotes zen- dominaba el arte de Japón, al igual que el arte asiático en la China continental. Se basaba en la pintura de tinta y jabón de la China de la era Song: la tinta china negra pura ) shujboku) era el medio principal, y sus temas también procedían del repertorio chino -principalmente paisajes y estaciones, pero también retratos .

La estética exigía inmediatez de visión, un reflejo espontáneo de la sensibilidad ante la naturaleza; estaba estrechamente basada en los cánones chinos, pero se conseguía mediante técnicas de meditación zen. Varios artistas establecieron gradualmente este estilo chino en Japón - entre ellos Shubun (activo en el siglo XIV) y Bunsei (activo en el siglo XV), pero el más grande de ellos fue Sesshu (1420-1506), que quizá siga siendo el más grande pintor japonés, que trabajó con tinta, aunque también él, como sus predecesores, estuvo muy influido por los grandes artistas de la dinastía Song (906-1279), entre ellos el monje zen Muqi, y el pintor Ming Dai Jin .

De Sesshu se dice que, durante su aprendizaje en China (1467-68), fue considerado el mejor pintor de tinta vivo del país. De hecho, la línea del pincel de Sesshu era más rígida y angulosa que la de los pintores de la época Song, y expresaba su experiencia y conocimiento de la naturaleza con mayor libertad y mayor individualidad, superando la armonía académica de forma y espíritu que buscaban entonces los maestros chinos. Las generaciones posteriores de artistas japoneses tomarían constantemente su ejemplo de él, sobre todo los artistas de la escuela de la familia Kano .

Según la tradición, el fundador de la escuela de Kano fue Kano Masanobu (1434-1530), que empezó pintando en el estilo suave de su maestro Shubun y luego desarrolló una expresión más decorativa en composiciones notablemente claras y equilibradas, sobre todo en una enorme serie, en su mayor parte perdida, de frescos y biombos para monasterios zen. Su hijo Kano Motonobu (1476-1559) consolidó el estilo de Kano en trazos fuertes y líricos, reflejando su admiración por Sesshu, así como los estilos de los grandes maestros de la China de la era Song. Al igual que su padre, trabajó en monasterios zen y contribuyó en gran medida a que la escuela de Kano alcanzara un estatus oficial bajo el shogunato.

Los grandes castillos sobre elevados zócalos de piedra construidos por la nobleza durante el reinado de los shogunes Momoyama (1568-1615) en respuesta a la importación de cañones ofrecían vastas superficies murales para la pintura, una oportunidad a la que los artistas de Kano respondieron con vigor e imaginación.

Un gran genio fue Kano Eitoku (1543-1590), nieto de Motonobu. Introdujo en el sobrio estilo de la pintura a tinta el rico colorido y la fundición en oro característicos de las tradiciones decorativas seculares del yamato-e, y en sus biombos representaba enormes árboles o rocas dibujados con grandes y extensas líneas sobre un fondo dorado, brumoso e intangible. Por desgracia, poco de su obra ha sobrevivido tras la destrucción de los palacios y castillos en los que trabajó. También existen biombos decorativos, atmosféricos, asimétricos, ejecutados por su contemporáneo Hasegawa Tohaku (1539-1610), quien, sin embargo, es más conocido por su pintura monocroma y la sutileza de sus pinceladas aparentemente aleatorias. La escuela de Kano continuó floreciendo hasta el siglo XVIII, perdiendo gradualmente su inspiración.

El austero estilo zen de la pintura cobró nueva vida en el periodo Edo (1615-1867), cuando la simplicidad y la franqueza fueron reafirmadas por Niten (1584-1645), pintor-pintor y espadachín samurái cuya pincelada tiene la correspondiente rapidez y generalización. La vívida pincelada monocroma de Niten se complementó con la de sus contemporáneos Sotatsu (m. 1643) y Koetsu (1558-1637), que no sólo eran pintores de tinta (aunque no en el estilo zen), sino también artistas decorativos que desempeñaron un papel importante en el renacimiento del yamato-e.

En esta época, el concepto de Zen ya no era tan estricto. La ceremonia del té, originalmente practicada por los monjes como un ritual contemplativo, había llegado a cultivarse como una actividad estética más que religiosa, y es a partir de los periodos Momoyama y principios Edo cuando sobreviven los recipientes más finos, finamente casuales y decorados asociados a ella. El renacimiento del zen también estimuló el desarrollo de la forma alusiva y epigramática del verso de 17 sílabas haiku y su análogo pictórico haiga, perfeccionado por el poeta-artista Yosa Buson (1716-1783). Casi la misma estética sustentaba la pintura practicada por los monjes zen para poner a prueba su perspicacia intuitiva: una versión extrema, «mínima» del principio que siempre ha guiado la pintura japonesa a tinta: expresar lo máximo con lo mínimo.

Para fechas importantes en el desarrollo de la cultura de Asia oriental, véase: Cronología del arte chino (18.000 a.C. hasta la actualidad).

Yamato-e

El estilo secular de pintura, que los japoneses llaman yamato-e, «pintura japonesa», surgió originalmente de los estilos chinos de la dinastía Tang, que penetraron en Japón y fueron asimilados a principios de la Edad Media. Originalmente era un estilo cortesano, claramente distinto de la pintura directamente inspirada en el ejemplo chino posterior que dominó el arte durante los shogunatos Kamakura y Muromachi (1185-1573). Su estética más formal, más decorativa y más colorista se oponía por completo a la espontaneidad, la intuición y la expresión personal -generalmente monocroma- de los artistas zen, aunque, como hemos visto, ambos estilos interactuaban hasta cierto punto.

Los rasgos del yamato-e aparecen muy pronto en los famosos retratos de dignatarios de la corte realizados por Fujiwara Takanobu (1141-1204), que reflejan las convenciones extremadamente estrictas que regían la comunicación de la nobleza japonesa medieval. Los rostros aparecen ahora muy estilizados, con un énfasis en el diseño gráfico sencillo animado por detalles decorativos. En su día, sin embargo, su realismo provocó un escándalo.

Los ejemplos más importantes de yamato-e son los pergaminos pintados. En el periodo Heian (784-1185), los pergaminos budistas de la era Tang importados de China inspiraron probablemente los largos pergaminos narrativos, emakimono, que reflejaban los refinados y cultos placeres de la corte imperial. Un grupo de los primeros y mejores de ellos ilustra la famosa novela del siglo XI sobre la vida en la corte de la dama Murasaki «El cuento de Genji», donde se alternan escenas con pasajes de texto. Las figuras, delineadas con tinta negra, están dibujadas según una fórmula. Son sus elegantes ropajes los que definen su identidad y estatus, en lugar de sus rostros reducidos a óvalos vacíos, donde las narices se representan como pequeños ganchos y los ojos como diminutas garrapatas negras. Los edificios están en su mayoría sin tejado y en una proyección tal que permiten ver las escenas interiores.

Los pergaminos narrativos de otro tipo pero de estilo afín trataban de las vidas de los santos budistas japoneses o de la historia de Japón, a menudo violenta, presentada a veces de forma satírica, a veces de forma muy dramática. Los rollos del siglo XII del Ban Dainagon son quizás los más dramáticos. Destacan porque los episodios sucesivos se combinan en una representación continua, transmitida por innumerables figuras animadas y brillantemente dibujadas, de apenas un milímetro de altura, a medida que el largo pergamino se despliega de derecha a izquierda. Todas las clases sociales, desde los nobles hasta los campesinos, aparecen representadas con gesticulaciones frenéticas que expresan emociones tumultuosas.

A partir de estos primeros prototipos, se practicó y se desarrolló activamente la habilidad de representar el género animado con líneas llamativas y colores decorativos en una larga serie de pergaminos narrativos que han sobrevivido casi hasta nuestros días.

La tradición dominante fue la escuela familiar de Tosa, establecida en el entorno conservador y ceremonial de la sagrada corte imperial de Kioto . Los primeros artistas de Tosa cultivaron una exquisita técnica de decoración de superficies, con ricas combinaciones de colores y grandes cantidades de pan de oro. La escuela decayó durante los primeros shogunatos, pero su esplendor decorativo volvió a entrar en la corriente principal de la pintura japonesa en los siglos XVI y XVII, siendo resucitada por Tosa Mitsunobu (1434-1525).

Tomando como ejemplo la escuela de Tosa, los pintores Koetsu y Sotatsu (también conocidos por sus experimentos con la tinta, véase más arriba) desarrollaron un estilo colorista en el Kioto de principios del siglo XVII que fue retomado por Ogata Korin (1658-1716), ferviente admirador de Sotatsu. Los espléndidos y elegantes biombos y pergaminos de Korin combinaban elementos de la imaginería tradicional de la pintura china y del folclore japonés, presentados con un diseño dramático y un extraordinario sentido del color y la textura. También pintó, en contraste con el esplendor formal de sus obras puramente decorativas, animados estudios naturalistas.

El último y más destacado periodo del yamato-e data del traslado del shogunato de Kioto a Edo, la actual Tokio, en 1615. El arte para los habitantes de Edo, una clase urbana del nuevo tipo próspera, no era una cuestión de ceremonia social o expresión religiosa, sino que servía únicamente para el placer.

Para su placer, el revivido estilo yamato-e se aplicó a pinturas de género, como el biombo Matsuura, lleno de damas con espléndidos trajes modernos. Tal era el tema del ukiyo-e, y la principal técnica de los artistas del ukiyo-e, la xilografía, fue desarrollada en el siglo XVII en Edo, particularmente por Moronobu (c. 1618-1694), que fue uno de los primeros en utilizar el proceso para la ilustración de libros . Moronobu se consideraba un seguidor de la tradición yamato-e y firmaba en consecuencia.

El arte erótico fue practicado por todos los artistas del periodo Edo; Shigimura Jihei (en activo a finales del siglo XVII) realizó magníficos grabados de danzas eróticas que gozaron de gran popularidad.

Otra artesanía japonesa inventada durante el periodo Edo es el origami, el arte de plegar papel.

La gama de expresión del yamato-e se extendió desde su refinada formalidad inicial hasta el estilo sentimental, opulento y a veces tosco del periodo Edo. Uno de sus muchos vástagos fue el arte de la pintura lacada. Varios artistas famosos experimentaron con la pintura de laca, entre ellos Koetsu y Korin en el siglo XVII.

La laca china se producía desde la antigüedad y se hizo muy popular durante el arte de la dinastía Ming (1368-1644). Durante el periodo Edo, los japoneses adquirieron una extraordinaria habilidad para pintar pequeñas tazas y platillos de laca, y especialmente botiquines con compartimentos conocidos como inro . Se sujetaban al cinturón del portador mediante un cordón sujeto con netsuke, una pequeña talla en madera, marfil o piedra semipreciosa. En relieve o redondo, dentro de un compás sorprendentemente pequeño y miniaturizado, los artesanos japoneses podían crear efectos asombrosos y fantásticos.

Ukiyo-e

El tema ukiyo-e, «pinturas del mundo flotante», apareció por primera vez en biombos y pergaminos, pero fue retomado por los grabadores en madera a finales del siglo XVII. Las xilografías Ukiyo-e, publicadas como ilustraciones para novelas y como pinturas por derecho propio, se realizaban en los talleres de grabadores especializados a partir de bocetos de artistas, y su estilo típicamente caligráfico ya había tomado forma en los grabados coloreados a mano realizados por Kaigetsudo Ando (activo en 1700-14) y sus ayudantes.