Arte coreano:
características, historia, desarrollo Traductor traducir

Tradicionalmente, el arte coreano se ha inspirado en gran medida en la estética del arte chino y japonés, utilizando conceptos, motivos, técnicas y formas similares. Pero a pesar de esta estrecha relación con las características del arte tradicional chino, los artistas coreanos han desarrollado su propio estilo distintivo a lo largo de los siglos. La singularidad del arte coreano reside en su discreta sencillez y espontaneidad, y en su sentido de la armonía con la naturaleza.

Una de las principales características del arte coreano es su estrecha relación con el naturalismo, característico del periodo de los Tres Reinos (c. 57 a.C.-668 d.C.) pero plenamente establecido en el periodo de Silla (668-935). La práctica de aceptar la naturaleza tal y como es condujo a una apreciación muy desarrollada de la simplicidad y la falta de adornos. Por ejemplo, en la talla en madera, los escultores coreanos favorecían la belleza permanente del grano natural de la madera. En el arte de la cerámica , los ceramistas coreanos no estaban interesados en alcanzar la perfección técnica (en superficies, curvas o formas), sino en resaltar las características naturales de los materiales y el medio.

La simplicidad también se aplicaba al uso de dispositivos y motivos decorativos, y se minimizaba la intervención de la mano humana. Además, evitar los extremos era una característica común de la mayor parte del arte coreano. Por ejemplo, es raro encontrar líneas con formas extremadamente rectas o extremadamente curvas. Así, la audaz línea recta de un cuenco chino fabricado durante el arte de la dinastía Song (960-1279) se convierte en una modesta curva en una vasija coreana del mismo periodo.

De hecho, los artistas coreanos tendían a evitar todas las líneas atrevidas, los ángulos agudos y los planos muy inclinados, así como los colores extremos. No es sorprendente, por tanto, que el tejado chino de curvas pronunciadas se transforme en una versión suave en la arquitectura coreana . En términos de impacto general, el efecto de una obra de arte coreana suele ser suave y fluido: las líneas son suaves y se crea una impresión de sutil armonía interior.

Fechas importantes en el desarrollo del arte y la cultura asiáticos véase: Cronología Arte chino (18.000 a.C. hasta la actualidad).

Historia y desarrollo

Cultura prehistórica

Las pruebas arqueológicas sugieren que los humanos llegaron a Corea desde Siberia a través de Manchuria a finales de la Edad de Piedra. La península coreana contiene numerosos vestigios de arte prehistórico y artefactos pertenecientes a la cultura paleolítica (hasta 10.000 a.C.). Por ejemplo, cerca de la costa sureste de Corea se han encontrado pinturas rupestres de estilo siberiano, junto con una serie de vasijas y utensilios de arcilla primitivos. La cerámica antigua coreana mejoró durante el Neolítico (c. 10.000-3.000 a.C.), cuando aparecieron vasijas de fondo plano decoradas con motivos en zigzag, seguidas de la cerámica festoneada (c. 3.000 a.C.). Estos estilos pueden haber tomado elementos del arte neolítico de China (c. 7.500-2.000 a.C.), pero es más probable que estuvieran influidos por las tradiciones siberianas. Para más detalles cronológicos, véase: Cronología del arte alfarero (26.000 a.C.- 1900).

Ver también: Arte de la Edad de Piedra: 100 primeras obras .

Los signos más claros de la influencia china en el arte antiguo de la península coreana aparecieron en la Edad de Bronce, cuando la cerámica pintada coreana empezó a verse influida por la cultura Xia (c. 2100-1600), el arte de la dinastía Shang (c. 1600-1050) y el arte de la dinastía Zhou (1050-221 a.C.). Sin embargo, sobrevivió la influencia siberiana, sobre todo en forma de dagas y espejos de bronce muy similares a los utilizados por los pueblos escitas de la estepa euroasiática.

La metalistería coreana de la Edad del Bronce también comparte algunos rasgos comunes con la cultura celta de Hallstatt, que floreció en Europa central en esta época (c. 1000 a.C.). La práctica de las primeras tallas de jade también comenzó en la Edad del Bronce. La fabricación de pequeños jades «en forma de coma y tubulares» utilizando piedras como jade, microclina, jaspe, etc., comenzó mucho antes en Corea del Sur, en el periodo medio de la cerámica Mumun (c.850-550 a.C.), y continuó en el periodo de los Tres Reinos. La cerámica Mumun tuvo una gran influencia en la cerámica japonesa y Jōmon de la época.

La influencia del arte chino de la dinastía Han (206 a.C-220 d.C.) se hizo evidente durante la Primera Edad del Hierro (c. 300 a.C. en adelante), cuando China comenzó a establecer colonias en el noroeste de Corea, c. 108 a.C.. Una de estas colonias, Nannan, situada cerca de la actual Pyongyang, se convirtió en un centro de cerámica china, así como de escultura en bronce y metalistería, lo que propició la difusión de la cultura china en la península.

Periodo de los Tres Reinos (c. 57 a.C. - 668 d.C.)

El arte coreano de la historia comienza en el año 57 a.C., el comienzo del periodo de los Tres Reinos (c. 57 a. C.-668 d. C.), durante el cual el país estuvo gobernado por tres monarquías: el reino de Goguryeo (c. 37 a. C.-668 d. C.), con una cultura ascética vinculada al norte de China que floreció en el norte (capital Pyongyang); el reino de Baekje (c. 18 a. C.) 18 a.C.-660 d.C.), con sede en la región de Gongju-Puyo, en el suroeste de Corea, cuya corte era más amistosa con el sur de China; y el reino de Silla (57 a.C.-668 d.C.), más remoto, que estaba situado en el sureste de Corea (capital Gongju o Gyeongju), al este del río Nakdong.

Las cortes de Baekje y Silla también desarrollaron estrechos vínculos con Japón. Por ejemplo, los gobernantes de Baekje fueron los primeros en introducir la escritura china en Japón, y la cerámica gris de Silla se reprodujo en Japón como cerámica Sue del periodo Tumulus, o Kofun.

Un importante catalizador para el desarrollo de las artes visuales durante el periodo de los Tres Reinos fue la introducción del budismo en Goguryeo desde China alrededor del año 372 d.C.. El diseño arquitectónico en forma de templos y pagodas budistas; las artes plásticas, tanto en forma de estatuas como de relieves, incluida la escultura terakote, de bronce, así como el jade y la talla de marfil, se beneficiaron del nuevo mecenazgo del arte religioso. En el siglo VI, el budismo se había convertido en la fe nacional, y desde entonces hasta el siglo XV proporcionó casi todos los temas más importantes del arte coreano.

En la escultura coreana el rostro de Buda es generalmente más redondeado y expresivo que en el lenguaje asiático habitual, y lleva la característica «sonrisa de Baekje». Este estilo se asemeja al modelado escultórico practicado en el sur de China, especialmente durante la dinastía Nan (meridional) Liang (502-557), cuando se cree que muchos escultores y otros artesanos chinos fueron a Baekje.

La caligrafía apareció por primera vez en Corea durante el periodo de los Tres Reinos, ca. 300-400 EC. - posiblemente junto con el budismo- y se intensificó durante el periodo de Silla, cuando Kim Saeng fue reconocido como el primer maestro coreano de caligrafía.

El arte funerario fue otra rama importante del arte coreano de la época, aunque ha sobrevivido poco. Una notable excepción es la tumba del rey Munyong, del siglo VI, en Kongju (hoy Patrimonio de la Humanidad), excavada en 1971, que contenía una enorme cantidad de objetos preciosos, entre ellos finos ejemplos de joyería, así como una gran variedad de obras decorativas, como pinturas y ejemplos de lacería de estilo chino. De hecho, las tumbas coreanas solían estar decoradas con pinturas murales -hoy en gran parte destruidas-, normalmente ejecutadas en ricos colores amarillo, marrón-rojo, verde, morado y negro.

A partir del siglo VI, aproximadamente, esta pintura al fresco mostró signos de considerable mejora, al quedar bajo la influencia del arte chino de las Seis Dinastías (220-618 d.C.) y del arte de la dinastía Sui (589-618). Se intensifica el color, se introducen los temas taoístas, que sustituyen al obsoleto estilo de pintura de género, y el arte del retrato aparece por primera vez en las tumbas .

En las últimas décadas del periodo de los Tres Reinos, la escultura en piedra se popularizó en el reino de Silla, con Gongju como centro de producción. El impulso para ello fue el arte de la dinastía Tang (618-906), con su característico interés por la masa corporal.

En las artes decorativas, el tratamiento de los metales preciosos se desarrolló especialmente durante el periodo de los Tres Reinos, dando lugar a una amplia gama de joyas de oro, bronce dorado, plata, jade y cristal. Las piezas típicas eran coronas y tiaras, pendientes, collares, brazaletes y anillos.

El tipo más representativo de cerámica coreana producida durante el periodo de los Tres Reinos es la cerámica dura, gris y sin vidriar fabricada en la región de Silla. Las formas de recipiente predominantes incluyen jarras y copas con bisagras. Los hombros de estas jarras de cerámica gris suelen estar decorados con diversas figuras humanas y animales. En Baekje, en el siglo VII, aparecieron unos azulejos de arcilla con representaciones de paisajes en relieve, que fueron precursores de la aparición de la pintura paisajista en la península coreana .

En el campo de las artes decorativas y la artesanía, la cerámica de Silla se caracteriza por las urnas, que se distinguen por su vidriado de plomo de color verde amarillento y están decoradas con motivos florales estampados. Además, se encargaban tejas de arcilla para techos y suelos decoradas con flores de loto y otros motivos florales para templos y palacios budistas. Las campanas de bronce eran otra especialidad de Silla, como demuestra la enorme campana de bronce del rey Songdok (771, Museo Nacional de Gongju) fundida para el templo de Pondok. También se fabricaban santuarios de bronce en miniatura para templos budistas.

La dinastía Goryeo (918-1392)

Fue durante la dinastía Goryeo cuando Corea se dio a conocer al mundo occidental; el nombre moderno del país deriva del nombre «Goryeo». El fundador de Goryeo, Wang Kyung (gobernó entre 918 y 943), estableció una nueva capital en Kaesong, situada en la actual Corea del Norte. Su política de expansión hacia el norte provocó conflictos en la frontera septentrional. A pesar de los sucesivos ataques de las tribus septentrionales de Manchuria, el intercambio cultural con la dinastía Song de China floreció a principios del periodo Goryeo, dejando una profunda huella en el arte y la artesanía de Goryeo.

El siglo XII fue una época de paz y prosperidad para Corea. Fue durante este periodo cuando se fabricó la mejor cerámica celadón. Los celadones vidriados de estilo clásico y color jade de Goryeo fueron especialmente populares en China, durante la era artística de la dinastía Song, donde se les conocía como «los primeros bajo el cielo». Los celadones de Goryeo se caracterizaban por su singular decoración sanggam incrustada.

Una almohada de celadón duro del periodo de Goryeo (c. 1150), ahora en el Museo Británico de Londres, es típica de las que se hacían para la aristocracia y los monjes budistas. Se usaban para dormir por la noche y solían enterrarse con el dueño tras su muerte. Decorado con finas incrustaciones sanggam, el ejemplar del Museo Británico presenta un patrón calado basado en cadenas conectadas. La incrustación de varios tipos de materiales se usaba mucho en el periodo de Goryeo, no sólo en la vajilla, sino también en la laca y el metal. La incrustación se encuentra en las obras de arte más exquisitas del periodo Goryeo.

Aunque han sobrevivido muchos ejemplos del arte decorativo de Goryeo, queda poco de la pintura secular de la dinastía. Yi Nyong (activo durante el reinado de Injong, 1122-1146) fue un pintor de renombre, y su obra fue muy elogiada por el emperador Huizong de la dinastía Song. Un pasatiempo erudito de moda en el periodo Goryeo era pintar con tinta y aguada a los llamados «Cuatro Caballeros»: bambú, flor del ciruelo, orquídea y crisantemo.

En 1170 se produjo un golpe de estado, tras el cual los militares mantuvieron el poder durante casi un siglo, hasta que las invasiones mongolas (1231-59) llevaron a la restauración del poder político de la corte. En 1259, el gobernante de Goryeo firmó un tratado de paz con los mongoles, que pronto pasaron a ser gobernados oficialmente por la dinastía Yuan bajo el liderazgo de Khubilai Khan (1215-1294). Por primera vez, la península coreana (al igual que la propia China) estaba bajo el control de una nación extranjera.

Se inició la mongolización a gran escala de la corte de Goryeo: se obligó a los príncipes herederos de Goryeo a vivir en la capital de Yuan hasta que se convirtieran en reyes y a casarse con princesas mongolas; se obligó a la población a adoptar nombres mongoles, a hablar la lengua mongola y a adoptar vestimentas y peinados mongoles. Al igual que en China, el arte de la dinastía Yuan no era famoso por su interés o fomento de la cultura coreana nativa.

Fue bajo los mongoles cuando el neoconfucianismo llegó a Corea desde China. Se invitó a artistas chinos a Corea, y durante este periodo se produjeron muchos ejemplos exquisitos de arte budista. A petición de la corte china de la dinastía Yuan, escribas eruditos y artistas de Goryeo viajaron a China, trayendo consigo sutras iluminados, como el manuscrito iluminado «del Sutra Avatamsaka» (Hwaomgyeong) (siglo XIV, Museo de Arte de Cleveland). El frontispicio dorado de este texto sagrado en varios volúmenes representa el patio de un templo con un grupo de figuras de pie frente a él. La figura más alta, el Buda del Futuro (Maitreya), se dirige a un peregrino arrodillado que le pregunta por el camino del despertar espiritual. Todo el texto del sutra está escrito con pintura plateada.

Los manuscritos iluminados de Goryeo, junto con las pinturas budistas, se utilizaban como ofrendas y se valoraban en China por sus cualidades estéticas y religiosas. Estos manuscritos también eran muy apreciados en el Japón Muromachi, donde se conserva un gran número de obras de Goryeo en templos budistas.

Durante este periodo, el budismo fue aceptado como religión del Estado. Aumentó el número de templos budistas y florecieron todos los aspectos del arte budista. El deseo de promover el budismo llevó al desarrollo de la impresión de libros en Corea. Por ejemplo, a principios del siglo XIII, se inventaron los tipos móviles de metal para facilitar la distribución de textos. El libro impreso en metal más antiguo que se conserva en el mundo, el «Jikji» («Antología de enseñanzas zen de grandes sacerdotes budistas») - Contiene los principios básicos del budismo zen.

Mientras tanto, todo el códice budista se talló en más de 80.000 bloques de madera conocidos como «Tripitaka Koreana». Sin embargo, hacia el final de la dinastía Goryeo, el budismo empezó a perder su poder como doctrina oficial del Estado. La corrupción y el declive del budismo en el último periodo de Goryeo contribuyeron a la caída de la propia dinastía Goryeo.

Dinastía Joseon (1392-1910)

Los gobernantes de Joseon abandonaron el budismo de Goryeo y adoptaron el neoconfucianismo como ideología oficial de Corea. Para acelerar el declive del pensamiento budista y convertir el país en una sociedad neoconfuciana, el rey fundador de Joseon, Yi Songgyo (1335-1408), y sus asesores neoconfucianos anunciaron una serie de medidas antibudistas destinadas a reducir la riqueza y la influencia de los monasterios budistas, así como de los clanes familiares aristocráticos que aún controlaban los asuntos del Estado. Todo ello condujo a que una nueva élite, los literatos neoconfucianos, se hiciera con el control de la burocracia gobernante.

La dinastía Joseon revivió las tradiciones culturales originales de Corea, manteniendo al mismo tiempo la China Ming y su lugar en el centro de la civilización confuciana . La Corea del periodo Joseon buscó inspiración en las fuentes clásicas chinas, y el paisaje se convirtió en un género importante de la pintura .

Ahn Kyung (activo entre 1440 y 1470), pintor oficial de la corte de Joseon, fue el pintor más destacado de Corea en el siglo XV. Adoptó los modelos clásicos chinos de la era Song, pero creó un estilo y una visión estética distintivos de Joseon. Su enfoque del paisaje influyó en muchos otros artistas coreanos a lo largo de su vida. En su cuadro «Viaje de ensueño al país de los melocotoneros en flor» (1447, Biblioteca de la Universidad de Tenri, Nara, Japón), pintado en tinta y color sobre un pergamino de seda, Ahn Kyung usó zonas claras y oscuras muy contrastadas y pinceladas vigorosas para representar un sueño que le contó su mecenas, el príncipe Anpyeong. El hermoso país de los melocotoneros en flor puede verse en la parte derecha del cuadro, rodeado por un anillo de picos escarpados. An Gyeong no sólo entendía y practicaba las tradiciones de la pintura china, sino que también las interpretaba con una mirada nueva.

Además de crear obras imaginativas de este tipo, los artistas de la corte debían pintar retratos de la realeza y los funcionarios, así como registros pictóricos de las ceremonias de la corte. Muchos eruditos y funcionarios coreanos eran ellos mismos artistas, especializados en caligrafía y en las artes afines de la pintura a tinta y al ras, dos de las bellas artes más prestigiosas y, por tanto, más adecuadas para la clase letrada.

La supresión del budismo significó que el arte religioso disminuyera tanto en volumen como en calidad, aunque las ideas budistas siguieron siendo una poderosa fuerza cultural, especialmente entre las clases bajas. La iconografía budista también se reflejó en el arte popular coreano, o minhwa, un estilo ingenuo de pintura que representaba figuras míticas y símbolos alegres como ciervos, tigres y grullas. A partir del siglo XVII, se produjeron grandes cantidades de obras en este estilo para satisfacer el apetito del público por este tipo de imágenes. Los artistas minhwa solían ser personas corrientes que viajaban por el país pintando cuadros para conmemorar algún acontecimiento de la vida.

En el campo de la cerámica, el género más apreciado del periodo Joseon -periodo que coincidió con el arte de la dinastía Ming era la porcelana blanca, considerada la encarnación de los ideales neoconfucianos de pureza y ahorro. A principios de la dinastía Joseon, sin embargo, se desarrolló paralelamente la producción de gres buncheon. El buncheon (originalmente «bunjang chocheon sagi», un gres decorado con polvo gris verdoso) se reconoce por el color del vidriado, que va del gris verdoso al azul. Los ceramistas que utilizaban la técnica del esgrafiado aplicaban primero una barbotina blanca a la superficie del cuerpo de arcilla, tras lo cual grababan un diseño en ella. A continuación, se retiraban los restos de barbotina y quedaba al descubierto el cuerpo cerámico; la pieza se vidriaba y se cocía. El estilo Buncheon desapareció después del siglo XVI, cuando los alfareros de Joseon empezaron a interesarse por la porcelana china , especialmente la de Ming

Para más información sobre el arte y la artesanía producidos en la India durante la dinastía Joseon, véanse Pintura india postclásica (siglos XIV-XVI), Pintura mogol (siglos XVI-XIX) y Pintura rajput (siglos XVI-XIX).

A finales del siglo XVII, la identidad emergente de Corea como estado independiente comenzó a reflejarse en su arte.

En el siglo XVIII, el logro más notable de la pintura coreana fue el desarrollo del jingyeong sansu (paisaje de apariencia real). En lugar de pintar paisajes idealizados al estilo chino, artistas coreanos como Jeongseong (1676-1759) representaron paisajes coreanos, ejemplificados por su obra maestra titulada «Vista amplia de las montañas Diamante» (1734, Lium, Museo de Arte Samsung, Corea del Sur).

Los coreanos de Joseon percibían la China de la era Ming (1368-1644) como el centro legítimo de la civilización confuciana, la élite de Joseon estaba familiarizada con los clásicos chinos y los artistas pintaban paisajes idealizados basados en modelos chinos. Sin embargo, todo cambió cuando China cayó en manos de la dinastía manchú Qing en 1644. A partir de entonces, la Corea de Joseon empezó a verse a sí misma como guardiana de la civilización confuciana, y la tierra y el pueblo coreanos se convirtieron en la preocupación de muchos eruditos. Es en este contexto en el que Choson produjo esta obra.

Otra tendencia importante fue la creación de pinturas de género con representaciones humorísticas de la vida, como «Trillando arroz» (1780), en la que Gim Hondo (1745-1806) representaba a un granjero perezoso y fumador de pipa que observaba a los esforzados campesinos. Estas obras atraían a la creciente clase media coreana. El cuadro Gim «Seodan (Escuela del pueblo)» (finales del siglo XVIII, Museo Nacional de Corea, Seúl) representa a un maestro confuciano y sus alumnos. La pintura es típica de su género, ya que el artista se centra en los rostros y sus expresiones, dejando el fondo en blanco.

En la última fase, la sociedad de Joseon se adhirió menos estrictamente a las estrictas virtudes confucianas del primer periodo y disfrutó de una mayor prosperidad. Se puso de moda el profuso uso del pigmento colorante azul cobalto y floreció la producción de porcelana coreana azul y blanca.

La creciente prosperidad de la clase media propició el gusto por el lujo en las artes aplicadas , y se popularizó la laca con incrustaciones de nácar en elaborados diseños. Por desgracia, aunque la vida cultural coreana floreció a lo largo del siglo XIX, el país se enfrentó a rebeliones internas y agresiones extranjeras. En 1910, la dinastía Joseon se derrumbó después de que Corea fuera invadida por el Imperio Japonés como parte de su política expansionista.

Periodo moderno

Cuando los japoneses invadieron el país, la pintura tradicional coreana estaba dirigida por Cho Seok-chin (1853-1920) y Ahn Chun-sik (1861-1919). Cho fue el último de los pintores de la corte de la era Joseon, y Ahn fue el último artista erudito. Pero ambos practicaron el estilo meridional del arte de la dinastía Qing, con su énfasis en la técnica de los dedos.

Es importante tener en cuenta que los ocupantes japoneses de Corea intentaron deliberadamente suprimir el arte autóctono destruyendo los cuadros con temas coreanos, cerrando las escuelas de arte coreanas y obligando a los pocos artistas que quedaban a pintar temas japoneses al estilo japonés. La intención era convertir el arte coreano en arte japonés.

Arte tradicional coreano

En 1911, la antigua familia imperial coreana fundó una academia de pintura para promover el estilo tradicional que, a pesar de su cierre en 1919, formó a varios artistas importantes.

En la década de 1930, el estilo de la pintura coreana empezó a cambiar bajo la influencia japonesa y europea. En 1922, por ejemplo, los japoneses crearon una exposición anual de pintura para artistas coreanos con el fin de promover un nuevo «tipo japonés de pintura académica». En esa época, las únicas herramientas modernas para el estudio de la pintura estaban controladas por los japoneses. Así, a pesar de la resistencia de los tradicionalistas coreanos, la tradición japonesa era dominante. Entre los artistas más destacados de este periodo se encuentran Kim Eun-ho (1892-1979), Yi Sang-bom (1897-1972), Ko Hui-dong (1886-1965), Pyung Kwang-sik (1899-1976) y Noh Soo-hyun (1899-1978).

Después de la II Guerra Mundial, la pintura tradicional adoptó formas de expresión más modernas, como puede verse en la obra de artistas radicales como Kim Ki-chang, su esposa Park Nae-hyun y Park No-soo. Todos ellos dominaban medios tradicionales como la pintura a pluma y tinta, la pintura a tinta y aguada y la acuarela . Sus pinturas demuestran un sentido seguro de la composición y el color, y tienen la calidad del auténtico arte abstracto .

Arte coreano de estilo occidental

En lo que respecta al arte de estilo occidental, la principal tradición de la pintura al óleo coreana durante la ocupación japonesa fue una escuela representativa enraizada en el impresionismo . Entre los mejores artistas de esta categoría estaban Yi Jong-woo, To Sang-bong (1902-1977), Kim In-sun (1911-2001) y Park Tuk-sun.

Además del nuevo medio del óleo, el arte occidental introdujo en el Renacimiento el concepto de representación realista con ilusión tridimensional y perspectiva lineal, así como la noción del arte como una profesión a tiempo completo a la que dedicarse, no sólo un pasatiempo de caballeros. Sin embargo, como hemos visto, casi todos estos cambios se introdujeron durante la ocupación japonesa de 1910 a 1945, todo el arte moderno coreano de este periodo se refractó a través de Japón.

Este dualismo entre pintura tradicional y occidental persistió después de la guerra: la pintura de estilo occidental era practicada por artistas formados en Japón como Ko Hui-dong, Lee In-sung (1912-1950) y Kim Hwan-ki (1913-1974); y la pintura tradicional de estilo oriental era practicada por artistas como Lee Sang-bom y Kim Eun-ho (1892-1979), que utilizaban tinta tradicional o tinta de color.

A mediados de la década de 1950, un grupo de jóvenes artistas progresistas formó un movimiento llamado Informel (en honor al estilo europeo del Arte Informel) que promovía un estilo occidental de arte abstracto, que tenía sus orígenes en el Expresionismo Abstracto estadounidense. En cambio, el arte monocromo de la década de 1970 fue un intento de recrear el auténtico arte coreano, utilizando la superficie plana del lienzo como base fundamental para expresar una armonía pasiva, tranquila y meditativa.

En los años 80, los artistas pertenecientes al movimiento Minjung Misul (Arte Popular) empezaron a explorar temas sociales y se asociaron a las protestas políticas de esa década. Otro importante representante del arte coreano contemporáneo es el videoartista Nam Jun Baek (1932-2006). Tras abandonar Corea durante la Guerra Civil, empezó a dedicarse a la performance y luego se pasó al vídeo y la instalación.

Recursos adicionales

Para más información sobre las artes y la artesanía de Asia Oriental, véase

El ejército chino de terracota (ca. 208 a.C.)
India: pintura y escultura
Grabados en madera Ukiyo-e (ca. 1670-1900)

EVOLUCIÓN DEL ARTE
Para las fechas de otras culturas primitivas, véase: Cronología del arte prehistórico . Sobre fechas y cronología posteriores: Cronología de la Historia del Arte . Sobre movimientos y periodos: Historia del arte .