Arte coreano: características, historia, desarrollo Traductor traducir
Caracteristicas
Tradicionalmente, el arte coreano se ha tomado en gran medida del estética de ambos arte chino y arte japonés , utilizando conceptos, motivos, técnicas y formas similares. Pero a pesar de esta estrecha asociación con el características del arte tradicional chino A lo largo de los siglos, los artistas coreanos han desarrollado un estilo distintivo propio. El carácter único del arte coreano reside en su discreta simplicidad y espontaneidad, junto con un sentimiento de armonía con la naturaleza.
Una de las principales características del arte coreano es su estrecha asociación con naturalismo , una característica que ya era notable en la época del período de los Tres Reinos (c.57 a. C. – 668 CE), pero completamente establecida por el período de Silla (668–935). La práctica de aceptar la naturaleza como es, condujo a una apreciación altamente desarrollada por lo simple y lo sin adornos. En talla de madera Por ejemplo, los escultores coreanos favorecieron la belleza inalterada del grano de madera natural. En arte cerámico , el alfarero coreano no estaba interesado en lograr la perfección técnica (en sus superficies, curvas o formas), sino en resaltar las características naturales de sus materiales y medios.
La simplicidad también se aplica al uso de dispositivos y motivos decorativos y la intervención de la mano humana se mantiene al mínimo. Además, la evitación de los extremos ha sido una característica habitual de la mayoría tipos de arte en Corea. Por ejemplo, las líneas con extrema rectitud o curvas extremas rara vez se ven. Así, la línea recta y audaz de un tazón chino hecho en la era de Arte de la dinastía Song (960-1279) se convierte en una modesta curva en un barco coreano del mismo período. De hecho, los artistas coreanos tienden a evitar todas las líneas en negrita, ángulos agudos y planos con ángulos abruptos, así como colores extremos. No es sorprendente, por lo tanto, en coreano arquitectura , el techo chino con curvas pronunciadas se convierte en una variante de suave pendiente. En términos de impacto general, el efecto de una obra de arte coreana es típicamente suave y suave: las líneas son fluidas y la impresión es de una sutil armonía interna. Para fechas importantes en la evolución de Arte asiático y cultura, ver: Cronología del arte chino (18, 000 AEC – presente).
Historia y desarrollo
Cultura prehistórica
La evidencia arqueológica indica que las personas llegaron a Corea desde Siberia, a través de Manchuria durante la Edad de Piedra tardía. La península coreana contiene numerosos rastros de arte prehistórico y artefactos que datan de Cultura paleolítica (antes de 10, 000 BCE). Estilo de rayos X siberiano arte roquero , por ejemplo, se ha encontrado cerca de la costa sureste de Corea, junto con una variedad de ollas y utensilios de arcilla primitivos. coreano cerámica antigua mejorado durante la era de Arte neolítico (c.10, 000-3, 000 BCE) con la creación de vasos de fondo plano decorados con patrones en zigzag, seguidos de cerámica con patrón de peine (c.3, 000 BCE). Estos estilos pueden haber tomado elementos prestados de Arte neolítico en China (c.7, 500-2, 000 a. C.), pero es más probable que hayan sido influenciados por las tradiciones siberianas. Para más detalles cronológicos, ver: Cronología de la cerámica (26, 000 a. C.-1900).
Ver también: Arte de la Edad de Piedra más antiguo: 100 obras más antiguas .
Signos más claros del impacto de China en arte antiguo en la península de Corea surgió durante la Edad del Bronce, a medida que las mercancías pintadas de Corea comenzaron a verse bajo la influencia de Cultura Xia (c.2100-1600), Arte de la dinastía Shang (c.1600-1050) y Arte de la dinastía Zhou (1050-221 a. C.). Sin embargo, la influencia siberiana se mantuvo, especialmente en forma de dagas y espejos de bronce muy similares a los utilizados por los pueblos escitas de la estepa euroasiática. La metalistería coreana de la Edad del Bronce también compartió ciertas características con Cultura celta de Hallstatt que floreció en Europa central durante este tiempo (c.1000 aC). La práctica de principios talla de jade También comenzó durante la Edad de Bronce. La elaboración de pequeños "jades" tubulares y en forma de coma con piedras como jade, microclina, jaspe y similares, en Corea del Sur, comenzó mucho antes, en el Período Medio de la Cerámica Mumun (c. 850-550 a. C.), y fue Más tarde continuó durante los Tres Reinos. Nota: la cerámica Mumun tuvo una influencia importante en el japonés Cerámica de Jomon del período.
La influencia de Arte de la dinastía Han china (206 a. C. – 220 a. C.) se hizo inconfundible durante la Edad del Hierro (c.300 a. C. en adelante), cuando China comenzó a crear colonias en el noroeste de Corea, alrededor del 108 a. C. Una de esas colonias, Nangnang, cerca de la actual Pyongyang, se convirtió en un centro de Cerámica china , tanto como escultura de bronce y trabajos en metal, que conducen a la difusión de la cultura china en toda la península.
Período de los Tres Reinos (c.57 AEC – 668 CE)
El arte coreano durante la historia registrada data del 57 a. C., el comienzo del período de los Tres Reinos (c. 57 a. C. – 668 d. C.), durante el cual el país fue gobernado por tres monarquías: el reino de Goguryeo (Koguryo) (c. 37 a. C.-668 CE) una cultura austera con vínculos con el norte de China, que floreció en el norte del país (capital, Pyongyang); el reino de Baekje (Paekche) (c. 18 a. C. – 660 d. C.), con sede en la región de Kongju-Puyo, en el suroeste de Corea, cuya corte era más amigable con el sur de China; y el reino más remoto de Silla (57 a. C. – 668 d. C.) con sede en el sureste de Corea (capital Gongju [Kyongju]), al este del río Naktong. Los tribunales de Baekje y Silla también desarrollaron fuertes lazos con Japón. Los gobernantes de Baekje, por ejemplo, fueron los primeros en introducir la escritura china en Japón, mientras que el gres gris de Silla se repitió en Japón como la cerámica Sue del período Tumulus, o Kofun.
Un catalizador importante para el desarrollo de arte visual durante el Período de los Tres Reinos, fue la introducción del budismo en Goguryeo desde China, alrededor del año 372 CE. Diseño arquitectónico, en forma de templos y pagodas budistas; arte plástico , en ambos estatua -forma y relieves, incluidos escultura de teracota , bronces, así como jades y talla de marfil ; todos se beneficiaron del nuevo patrocinio del arte religioso. En el siglo VI, el budismo se había convertido en la fe nacional, y desde entonces hasta el siglo XV, proporcionó casi todos los temas más importantes del arte coreano.
En coreano escultura , el rostro del Buda tiende a ser más redondo y expresivo que el idioma asiático habitual, y lleva la distintiva "sonrisa de Baekje". El estilo recuerda el modelado escultórico practicado en el sur de China, particularmente en la dinastía Nan (sur) Liang (502–557), una época en la que se cree que muchos escultores chinos y otros artesanos fueron a Baekje.
Caligrafía se introdujo por primera vez en Corea durante el Período de los Tres Reinos, alrededor de 300-400 CE, posiblemente junto con el budismo, y se fortaleció durante el Período de Silla, cuando Kim Saeng fue reconocido como el primer maestro caligráfico coreano.
El arte funerario fue otra rama importante del arte coreano de la época, aunque poco ha sobrevivido. Una notable excepción es la tumba del siglo VI del Rey Munyong en Kongju (ahora un sitio del Patrimonio Mundial), excavada en 1971, que contenía una gran cantidad de objetos preciosos, incluidos hermosos ejemplos de orfebrería , así como una gran cantidad de obras decorativas, como pinturas y ejemplos de laca en el estilo chino De hecho, las tumbas coreanas fueron decoradas con frecuencia con pintura mural – ahora en su mayor parte destruido – generalmente ejecutado en colores amarillo intenso, rojo parduzco, verde, morado y negro.
Desde aproximadamente el siglo VI en adelante, esto pintura al fresco mostró signos de una mejora considerable, ya que cayó bajo la influencia de los chinos artes de las seis dinastías (220-618 CE), y Arte de la dinastía Sui (589-618). El color se intensifica, se introducen temas taoístas para reemplazar el estilo anticuado de pintura de género y arte de retrato También se ve en las tumbas por primera vez.
Durante las últimas décadas del Período de los Tres Reinos, escultura de piedra se hizo popular en el reino de Silla, con Gongju como centro de producción. El impulso para esto deriva de Arte de la dinastía Tang (618-906) con su interés distintivo en la masa corporal.
En arte decorativa , la metalistería preciosa se desarrolló especialmente durante los Tres Reinos, produciendo una amplia gama de arte de joyería , en oro, bronce dorado, plata, jade y vidrio. Los artículos típicos incluyen coronas y diademas, aretes, collares, pulseras y anillos para los dedos.
El tipo más representativo de cerámica coreana producida durante los Tres Reinos es el gres duro, gris y sin esmaltar hecho en Silla. Las formas de vasos predominantes incluyen jarras y vasos montados. Los hombros de estos frascos de grayware están típicamente adornados con una variedad de figuras humanas y animales. En Baekje, varias baldosas de arcilla marcadas con relieves de paisajes aparecieron durante el siglo VII, anunciando la llegada de pintura de paisaje en la península coreana
Período Silla (668-935)
En 668, los reinos Baekje y Goguryeo fueron conquistados por el gobernante Silla, en alianza con los Tang chinos. Esto marcó el comienzo de casi tres siglos de cultura de Silla, la edad de oro del antiguo arte coreano. Los eruditos y los monjes budistas viajaron a China para probar su cultura cosmopolita embriagadora, mientras que en casa la ciudad de Gongju fue modelada en la capital Tang de Changan. En adelante, el sureste de Corea se convirtió en el centro cultural del país, mientras que los territorios del norte disminuyeron.
Bajo el gobierno de Silla, el budismo disfrutó de un renacimiento, con varios templos finos construidos en la provincia de Kyongsang. Otros desarrollos arquitectónicos incluyen el uso generalizado de granito. Las pagodas de granito coreano, por ejemplo, contrastan con las pagodas de madera de Japón y las de ladrillo de China. Los bronceistas fueron responsables de una gran cantidad de campanas del templo, así como de recipientes especiales para las cenizas sagradas del Buda Shakyamuni (cajas de sharira) y estatuas budistas. A finales del siglo IX, los suministros de bronce casi se agotaron, lo que provocó que muchas estatuas estuvieran hechas de hierro.
El período de Silla fue el apogeo del naturalismo coreano en la escultura. Para empezar, estuvo fuertemente influenciado por el fuerte estilo Tang, pero en el siglo VIII comenzó a adquirir una apariencia naturalista suavizada, como lo ejemplifican Amitabha y Maitreya (c.721) del sitio del Templo Kamsan, y el cuerpo masivo pero elegante y la cara redonda y tranquila del principal Buda monumental en el templo de la cueva Seokguram. Los bodhisattvas coreanos también se inspiraron en figuras Tang, como las esculpidas para el Templo Baojing en Xian, China (c.703). Sin embargo, en la década de 770, la escultura de Silla ya había comenzado a degenerarse, un proceso acelerado a principios del siglo IX por el declive general del reino de Silla.
En el área de artes decorativas y artesanía , La cerámica de Silla destaca por sus urnas de cerámica, marcadas por un esmalte de plomo verde amarillento y decoradas con estampados florales estampados. Además, se encargaron tejas y baldosas de barro decoradas con flores de loto y otros motivos florales para los templos y palacios budistas. Las campanas de bronce eran otra especialidad de Silla, como lo demuestra la enorme campana de bronce del Rey Songdok (771, Museo Nacional de Gongju) emitida para el Templo Pongdok. También se produjeron santuarios de bronce en miniatura para templos budistas.
Período de la dinastía Goryeo (918-1392)
Fue durante el período de la dinastía Goryeo que Corea se dio a conocer por primera vez al mundo occidental; El nombre ’Goryeo’ es el origen del nombre moderno del país. El fundador de Goryeo, Wang Geon (gobernado 918-43), estableció una nueva capital en Gaeseong, ubicada en la actual Corea del Norte. Su política de expansión hacia el norte condujo a conflictos en la frontera norte. A pesar de los sucesivos ataques de tribus del norte de Manchuria, los intercambios culturales con la dinastía Song en China florecieron durante el período inicial de Goryeo, dejando profundas huellas en las artes y artesanías de Goryeo.
El siglo XII fue una época de paz y prosperidad para Corea. Fue durante este período que se produjo parte de la mejor cerámica de celadón. Los celadones de Goryeo vidriados, de color jade clásico, de estilo clásico, fueron particularmente favorecidos en China, durante la era del arte de la dinastía Song, donde se los conocía como "los primeros en el cielo". Los celadones coreanos se caracterizaban por su decoración con incrustaciones de sanggam. La almohada dura de Goryeo celadon (c.1150), ahora en el Museo Británico , Londres, es típico de los hechos para la aristocracia y para los monjes budistas. Utilizado para dormir por la noche, este tipo de almohada a menudo se enterraba con su dueño cuando él / ella moría. Decorado con una fina incrustación de sanggam, el ejemplo del Museo Británico presenta un patrón calado basado en cadenas de conexión. La incrustación en varios tipos de material fue ampliamente utilizada en el período Goryeo, no solo en artículos de celadón sino también en lacas y metales. Inlay aparece en algunas de las obras de arte más exquisitas de Goryeo.
Si bien hay muchos ejemplos sobrevivientes de las artes decorativas de Goryeo, quedan pocos restos de la pintura secular de la dinastía. Yi Nyeong (activo durante el reinado de Injong, 1122-46) fue un pintor famoso y sus obras fueron elogiadas por el emperador Huizong de la dinastía Song. Una actividad académica de moda del período Goryeo fue crear tinta y lavar pinturas de los llamados ’Cuatro Caballeros’, a saber, bambú, flor de ciruelo, orquídea y crisantemo.
Un golpe de estado ocurrió en 1170, después de lo cual los militares mantuvieron el poder durante casi un siglo, hasta que las invasiones mongolas (1231-59) llevaron a la restauración de la autoridad política de la corte. En 1259, el gobernante Goryeo firmó un tratado de paz con los mongoles, que pronto será comandado oficialmente por la dinastía Yuan bajo Kublai Khan (1215-94). Por primera vez, la península de Corea (así como la propia China) fue controlada por un pueblo extranjero. Se instigó una extensa mongolización de la corte de Goryeo: los príncipes de la corona de Goryeo se vieron obligados a vivir en la capital de Yuan hasta que se convirtieran en rey, y a casarse con princesas mongolas; la gente se vio obligada a tomar nombres mongoles, hablar el idioma mongol y adoptar vestimenta y peinados mongoles. Como en China, Arte de la dinastía Yuan no era conocido por su interés o aliento a la cultura coreana nativa.
Fue bajo los mongoles que el neoconfucianismo se introdujo en Corea desde China. Pintores chinos fueron invitados a Corea y se produjeron muchos ejemplos exquisitos de arte budista durante este período. A pedido de la corte china de la dinastía Yuan, los escribas y pintores eruditos de Goryeo fueron a China, trayendo sutras iluminados como el manuscrito iluminado del Sutra Avatamsaka (Hwaomgyong) (siglo XIV, Museo de Arte de Cleveland). El frontispicio de este texto sagrado de varios volúmenes, con sus pinceladas doradas, representa un patio del templo frente al cual se encuentra un grupo de figuras. La figura más alta, Buda del Futuro (Maitreya), se dirige a un peregrino arrodillado que le pregunta sobre el camino hacia el despertar espiritual. Todo el texto del sutra está pintado en plata. Goryeo manuscritos iluminados fueron incluidos junto a las pinturas budistas como objetos de tributo y fueron atesorados en China por sus cualidades estéticas y religiosas. Los manuscritos iluminados también fueron muy elogiados en Muromachi, Japón, donde una gran cantidad de obras de Goryeo sobreviven en los templos budistas.
Durante el período Goryeo, el budismo fue adoptado como la religión del estado; Los templos budistas aumentaron en número y todos los aspectos del arte budista florecieron. El deseo de promover el budismo en realidad llevó al desarrollo de la imprenta en Corea. A principios del siglo XIII, por ejemplo, se inventó el tipo de metal móvil para facilitar la distribución de textos; El libro impreso en metal más antiguo del mundo, Jikji ("Antología de las grandes enseñanzas zen de los sacerdotes budistas"), contiene lo esencial del budismo zen. Mientras tanto, todo el código budista fue tallado en más de 80, 000 bloques de madera, conocidos como "Tripitaka Koreana". Sin embargo, hacia el final de la dinastía Goryeo, el budismo comenzó a fracasar como la doctrina oficial del estado. De hecho, la corrupción y el declive del budismo en el período final del gobierno de Goryeo contribuyeron a la caída de la dinastía Goryeo.
Período de la dinastía Joseon (1392-1910)
Los gobernantes de Joseon abandonaron el budismo Goryeo y adoptaron el neoconfucianismo como la ideología coreana oficial. Para acelerar el declive del pensamiento budista y transformar el país en una sociedad neoconfuciana, el rey fundador de Joseon, Yi Seonggye (1335-1408) y sus asesores neoconfucianos, anunciaron una serie de medidas anti-budistas para reducir la riqueza y la influencia de los monasterios budistas, así como de los clanes familiares aristocráticos que hasta ahora habían controlado los asuntos gubernamentales. Todo esto llevó a una nueva clase de élite, los literatos neoconfucianos, a hacerse cargo de la burocracia gobernante.
La dinastía Joseon revitalizó las tradiciones culturales nativas de Corea mientras apoyaba a Ming China y su lugar en el centro de Confucio civilización . Joseon Corea recurrió a las fuentes chinas clásicas en busca de inspiración, y en pintura , el paisaje surgió como el género primario. Un Gyeon (activo 1440-70), pintor oficial de la corte de Joseon, fue el pintor más destacado de Corea en el siglo XV. Adoptó modelos chinos clásicos de la era Song, pero expresó claramente los estilos y visiones estéticas de Joseon. Su enfoque de la pintura de paisajes influyó en muchos otros artistas coreanos durante su vida. En su pintura en pergamino de seda a tinta y color Dream Journey to the Peach Blossom Land (1447, Biblioteca de la Universidad de Tenri, Nara, Japón), An Gyeon empleó áreas fuertemente contrastadas de pinceladas claras y oscuras y vigorosas para representar un sueño relacionado con él. su patrón, el príncipe Anpyeong. La hermosa Tierra de Flor de Durazno se ve a la derecha de la pintura, encerrada por un anillo de picos dentados. Un Gyeon no solo entendió y practicó las tradiciones de pintura china , pero también los interpretó con un ojo fresco.
Además de crear obras imaginarias de este tipo, se esperaba que los pintores de la corte pintaran retratos de miembros de la realeza y funcionarios, así como registros pictóricos de ceremonias cortesanas. Un gran número de académicos y funcionarios coreanos eran artistas, especializados en caligrafía y su arte hermano de pintura de tinta y lavado – los dos tipos más prestigiosos de arte fino y por lo tanto más apropiado para la clase literaria.
La supresión del budismo significaba que arte religioso disminuyó tanto en volumen como en calidad, a pesar de que las ideas budistas siguieron siendo una potente fuerza cultural, particularmente entre las clases bajas. La iconografía budista también llegó al coreano. arte popular o minhwa , un estilo de pintura ingenuo que representa figuras míticas y símbolos de la suerte, como ciervos, tigres y grullas. Las obras de Minhwa se produjeron en grandes cantidades a partir del siglo XVII para satisfacer el apetito del público por esas imágenes. Por lo general, los pintores Minhwa eran personas comunes que viajaban por todo el país pintando cuadros para celebrar un evento de la vida.
En el campo de la cerámica, el género más valorado del período Joseon, un período que coincidió con Arte de la dinastía Ming – era de porcelana blanca, que encarnaba los ideales neoconfucianos de pureza y frugalidad. Sin embargo, a principios del período de la dinastía Joseon hubo un desarrollo paralelo en el gres buncheong. Buncheong, originalmente bunjang hoecheong sagi (cerámica gris-verde decorada con polvo), es reconocible por el color de su esmalte, que varía de gris y verde a azul. Los ceramistas que utilizaron la técnica de esgrafiado (raspado) primero aplicaron un deslizamiento blanco a la superficie del cuerpo de arcilla, después de lo cual grabaron un diseño en él. Luego se eliminaron las huellas restantes del deslizamiento para revelar el cuerpo; el artículo fue cubierto con un esmalte y luego disparado. El estilo buncheong desapareció después del siglo XVI cuando los alfareros de Joseon se sintieron atraídos por Porcelana china , en particular Ming ware.
Nota : para detalles de las artesanías producidas en la India durante el período de la dinastía Joseon, ver: Pintura india posclásica (Siglos XIV-XVI), Pintura mogol (Siglos XVI-XIX) y Pintura Rajput (Siglos XVI-XIX).
A fines del siglo XVII, la identidad emergente de Corea como nación independiente comenzó a reflejarse en su arte. En el siglo dieciocho, el logro más notable de la pintura coreana fue el desarrollo de jingyeong sansu (paisaje de visión verdadera). En lugar de pintar paisajes idealizados de estilo chino, pintores coreanos como Jeong Seon (1676-1759) representaron paisajes coreanos, como lo ejemplifica su obra maestra titulada Vista completa de las montañas de diamantes (1734, Leeum, Museo de Arte de Samsung, Corea del Sur). [Nota: los coreanos Joseon percibieron a Ming China (1368-1644) como el centro legítimo de la civilización confuciana; la élite de Joseon estaba bien versado en los clásicos chinos y los artistas pintaban paisajes idealizados derivados de modelos chinos. Sin embargo, todo esto cambió cuando China cayó ante la dinastía Manchu Qing en 1644. A partir de ese momento, Joseon Corea se consideró el guardián de la civilización confuciana, y la tierra y el pueblo coreanos se convirtieron en la preocupación de muchos eruditos. Es en este contexto que Jeong creó este trabajo.]
Otra tendencia importante fue la producción de pinturas de género con representaciones humorísticas de la vida, como Threshing Rice (1780), en el que Gim Hongdo (1745-1806) representa a un granjero holgazán y fumador de pipa que supervisa a los campesinos trabajadores. Tales obras atrajeron a la creciente clase media de Corea. Gim’s Seodang (Escuela del pueblo) (finales del siglo XVIII, Museo Nacional de Corea, Seúl) representa a un maestro confuciano y sus alumnos. La pintura es típica de su género en que el artista se enfoca en los individuos y sus expresiones mientras deja el fondo en blanco.
Durante su fase tardía, la sociedad de Joseon se adhirió con menos rigidez a las austeras virtudes confucianas del período temprano, y disfrutó de una mayor prosperidad. El espléndido uso del azul cobalto pigmento de color se puso de moda y floreció la producción de porcelana coreana azul y blanca. La creciente afluencia de la clase media llevó a un gusto por el lujo en el Artes Aplicadas , y la laca con incrustaciones de nácar en diseños elaborados se hizo popular. Desafortunadamente, aunque la vida cultural coreana floreció durante todo el siglo XIX, el país enfrentó una rebelión interna y una agresión extranjera. En 1910, la dinastía Joseon finalmente colapsó después de que Corea fue invadida por el Imperio japonés como parte de su política expansionista.
Periodo moderno
Cuando los japoneses invadieron por primera vez, la pintura tradicional coreana fue dirigida por Cho Sok-Chin (1853-1920) y An Chung-sik (1861-1919). Cho fue el último de los pintores de la corte de Joseon y An el último pintor erudito. Pero ambos practicaban el estilo sureño enervado de Arte de la dinastía Qing , con su énfasis en la técnica de la yema del dedo.
Es importante darse cuenta de que los ocupantes japoneses de Corea hicieron un intento concentrado de suprimir el arte indígena en Corea, destruyendo pinturas de temas coreanos, cerrando escuelas de arte coreano y obligando a los pocos artistas restantes a pintar temas japoneses en estilos japoneses. La intención era transformar el arte coreano en arte japonés.
Arte tradicional coreano
En 1911, la antigua familia imperial coreana fundó una academia de pintura para promover el estilo tradicional que, a pesar del cierre en 1919, entrenó a varios pintores importantes. En la década de 1930, el estilo de la pintura coreana comenzaba a cambiar bajo el impacto de las influencias japonesas y europeas. En 1922, por ejemplo, los japoneses habían instituido una exposición anual de pintura para artistas coreanos, diseñada para fomentar un nuevo "tipo de pintura académica de estilo japonés". En este momento, las únicas instalaciones modernas para estudiar pintura estaban controladas por los japoneses. Así, a pesar de la resistencia de los tradicionalistas coreanos, la tradición japonesa dominó. Los pintores importantes de este período incluyeron a Kim Eun-ho (1892-1979), Yi Sang-beom (1897-1972), Ko Hui-dong (1886-1965), Pyon Kwan-shik (1899-1976) y No Su- Hyon (1899-1978). Después de la Segunda Guerra Mundial, la pintura tradicional asumió una forma de expresión mucho más moderna, como se puede ver en las obras de artistas radicales como Kim Ki-chang, su esposa Pak Nae-hyon y Pak No-su. Todos estos pintores fueron capacitados por expertos en medios tradicionales, como dibujo a pluma y tinta , tinta y pintura de lavado y pintura de acuarela . Sus imágenes exhiben un sentido seguro de composición y color, y también tienen la calidad de genuina arte abstracto .
Arte coreano de estilo occidental
En lo que respecta al arte de estilo occidental, la principal tradición del coreano pintura al óleo a lo largo de la ocupación japonesa fue la escuela de representación que tuvo sus raíces en Impresionismo . Entre los mejores pintores de esta categoría estaban Yi Chong-u, To Sang-bong (1902-77), Kim In-sung (1911-2001) y Pak Tuk-sun. Además del nuevo medio de petróleo, el arte occidental introdujo el concepto renacentista de representación realista con ilusión tridimensional y perspectiva lineal , junto con la noción de arte como una carrera a seguir como una profesión de tiempo completo en lugar de simplemente un pasatiempo para caballeros. Sin embargo, como hemos visto, casi todos estos cambios se introdujeron durante la ocupación japonesa de 1910 a 1945, todos los coreanos arte Moderno de este período fue refractado a través de Japón.
Esta dualidad de la pintura tradicional versus la occidental se mantuvo después de la guerra: la pintura de estilo occidental fue practicada por artistas entrenados en Japón, como Ko Hui-dong, Lee In-sung (1912-1950) y Kim Hwan-ki (1913-74); y la pintura tradicional de estilo oriental fue practicada por artistas como Lee Sang-bom y Kim Eun-ho (1892-1979), quienes usaron tinta tradicional o tinta de color.
A mediados de la década de 1950, un grupo de jóvenes artistas progresistas formó un movimiento llamado Informel (según el estilo europeo de Art Informel ), que promovió el estilo occidental de arte abstracto , iniciado por el expresionismo abstracto en América. Por el contrario, el arte monocromo de la década de 1970 fue un intento de crear un auténtico arte coreano, utilizando la superficie plana del lienzo como base fundamental para expresar una armonía pasiva, tranquila y meditativa. En la década de 1980, los artistas pertenecientes al movimiento Minjung Misul (Arte Popular) comenzaron a explorar temas sociales y se vincularon con las protestas políticas de esa década. Otro importante contribuyente contemporáneo al arte coreano es el artista del video. Nam June Paik (1932-2006). Después de abandonar Corea durante la guerra civil, comenzó en el arte de la actuación antes de cambiar a video e instalación.
Recursos adicionales
Para obtener más información sobre las artesanías de Asia oriental, consulte lo siguiente:
Ejército de terracota chino (c.208 a. C.)
India: pintura y escultura
Impresiones en madera Ukiyo-e (c.1670-1900)
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