Arte tradicional chino: características, estética Traductor traducir

Cómo se compara el arte oriental con el arte occidental

Las naciones orientales desde Persia hasta China se desarrollaron civilizaciones distinguido por arte antiguo impregnado de las cualidades del espíritu. La forma griega era rechazar lo incognoscible, desconfiar de lo que el cerebro no podía identificar, y (en cambio) avanzar mediante la intelectualización, fijar en las obras de arte el ideal naturalmente bello, racional, deducido. Así Arte griego surge de la observación sensible y da como resultado representaciones claras y realistas, o, en arquitectura, en estructura lógica y funcional, escasamente ornamentada.

La forma oriental , como lo ejemplifica arte chino – es descartar el fenómeno natural observado, buscar la esencia de la vida en valores intuitivamente aprehendidos, en intimaciones espirituales y en los elementos abstractos del color y la organización creativa creativa. El arte oriental, menos obviamente humanista, natural e intelectual, alimenta el espíritu. Sus glorias se logran en los reinos de lo casi abstracto, lo contemplativamente místico y lo ricamente sensual.

Posiblemente, lo mejor del arte occidental ha surgido cuando las olas de influencia han surgido desde el Este. Así como las religiones más profundas de Europa vinieron de Asia, también las de Europa arte visual ha sido más rico y más cálido y satisfactorio cuando el clasicismo y el intelectualismo más bien desnudos de Occidente se han enriquecido con el misticismo, el color (en el sentido más amplio) y la estética refinada de los invasores del Medio y Lejano Oriente. No puede haber ninguna duda de que hoy Occidente está desilusionado sobre el arte de su período posterior al Renacimiento, y finalmente es consciente de que el logro griego, a pesar de su perfección de formas, se limitó a un segmento estrecho del campo abierto al artista; que el cuerpo más grande de arte profundo y magistral pertenece a China y Persia, y, en un grado ligeramente menor, a India, Indonesia y Japón.

El filósofo hindú, en un esfuerzo por expresar lo inexpresable, ofrece una figura que es útil para el observador occidental consternado por la extrañeza superficial del arte oriental. El alma, dice, es un ojo interior . No mira hacia el mundo externo sino hacia las realidades eternas. Ve el universo en esencia, en significado espiritual. El Oriental dirige su arte a este ojo interno en lugar de tratar de complacer al ojo externo por familiaridad o imitación inteligente, o el intelecto por expresión razonada. Los elementos abstractos en el arte – color, ritmo, vitalidad formal – son un lenguaje inteligible para el alma y bienvenidos a la visión interna.

Este ojo en el centro de la conciencia, atrofiado en la mayoría de los hombres occidentales por negligencia, o cegado deliberadamente a favor del intelecto de razonamiento, se puede abrir, se vuelve sensible con el uso. Solo detecta los placeres más alegres y profundos posibles para el arte. Se refiere a esos valores asociados con el sentimiento más que con la declaración, no pide traducción a través de los sentidos y el cerebro, transporta al espectador de inmediato a la fuente en la que el artista encontró su inspiración y concibió su imagen.

El ojo occidental, se podría decir verdaderamente, ha sido investigador, nervioso, ansioso por un informe objetivo, despectivo de lo desconocido. Ha sido ciega a la forma y tímida a la imaginación. Pero ahora por primera vez desde Arte renacentista Un gran número de personas occidentales están tratando de entender las implicaciones del símbolo del ojo interno. Reconocen que sin calmar la mente y desarrollar una visión contemplativa interna no pueden esperar captar el mensaje y saborear la belleza formal de un bronce Zhou o una pintura de paisaje Song.

pintura china Es extraño porque es una expresión de la quietud del alma, de la contemplación espiritual. Su lenguaje es más de movimiento y estado de ánimo abstracto y universal que de efecto observado y detalles naturales concretos. Habla mejor a aquellos que se encuentran tranquilo con silencioso, que llegan a él inocentes de expectativas realistas.

Incluso un monstruo enérgico tallado por un escultor Han es más un producto del sentimiento evocado por la idea del monstruo, y por las masas de piedra, que una representación.

El observador que sinceramente desea experimentar la obra de arte oriental, no menos que el artista que desea romper las restricciones impuestas por el intelecto sobre la creación, hace bien en reflexionar sobre el símbolo del ojo en el centro del ser. Reflexionando y entendiendo, puede encontrar nueva quietud en la vida; nueva visión, incluso éxtasis, en la contemplación; y un nuevo mundo de disfrute formal se abrió ante él en el ámbito del arte oriental. En el mejor de los casos, puede experimentar el resplandor del alma, la iluminación sofocante del ser interior, que viene con la rendición al espíritu y su participación en el ordenamiento creativo rítmico de la existencia.

Como última palabra sobre el espíritu y la intención del arte asiático, se puede decir que no muestra un paisaje como exhibición. Pretende más bien permitir al espectador sentir su unidad con el orden creativo, la unidad armoniosa en la fuente de toda la vida. De manera similar, la pintura y la escultura religiosa asiática existen, no para instruir, impresionar y glorificar, como lo hace Western arte religioso , pero para permitirse un sentimiento de paz absoluta, de rectitud, de alegría sofocante. Este arte es a la vez una experiencia visual directa y gratificante, el medio para una autoidentificación cósmica y un transmisor del sentimiento de orden como la base del mundo material espiritual.

Cualquiera sea la respuesta personal de uno, ya no es posible negarse a colocar el cuerpo del arte asiático por encima de cualquier otro continente. En la gran cantidad de obras maestras de pintura y escultura Legado a edades posteriores, en el esplendor y la sensibilidad de la vida artística de las personas cultas en una era tras otra, y sobre todo en la riqueza plástica y sensual de las llamadas artes menores, en cerámica y porcelana, en textiles y vestuario telas, y en talla de jade y laca , el este es superior.

En general, es una sorpresa para los occidentales, en su suposición de superioridad, quizás bien fundada en los campos de la ciencia, la invención y la guerra, que los orientales desprecian las artes de Occidente. Han examinado el realismo y lo han encontrado un tipo de expresión inferior. Echan de menos el acento de la calma cósmica, los signos abstractos de la penetración espiritual, la serenidad que viene después de la contemplación.

En la corriente mundial del arte no hay corriente, excepto posiblemente Arte egipcio , alguna vez fluyó a través de tantos milenios con un acento distintivo único como el de los chinos. los arte de la antigua Persia ha florecido a intervalos durante un período tan largo, pero con interrupciones. Al lado de estos dos, arte japonés y la cultura parece comparativamente nueva e inmadura; Sin embargo, tiene una historia ininterrumpida de mil cuatrocientos años, y sus artes florecieron siglos antes de que naciera el idioma inglés.

Es hora de que nosotros, del Nuevo Mundo, de Europa y América, reconozcamos esta cultura asiática mayor, que la aceptemos como una corriente principal en la corriente del arte más importante del mundo. Al relatar nuestro logro occidental con él, necesitaremos reconocer no solo su belleza superior, sino también la influencia enriquecedora que ha tenido en nuestra propia cultura visual, no solo en Arte bizantino y el Mosaicos de Rávena , pero en la España árabe, en Venecia, en la Europa del siglo XIX; quizás también – en algún circuito no trazado desde Asia a través del puente de Bering – influyendo Arte oceánico y quizás por un camino de regreso a la cultura estadounidense derivada de Europa.

La magnificencia del arte chino primitivo

Cultura paleolítica en China produce las alfarería, las armas de piedra y los implementos de hueso habituales artesanía y artesanía. Las vasijas de arcilla están adornadas de forma algo más compleja y sensible que la cerámica en muchas otras culturas neolíticas. Una información importante extraída de los hallazgos y conclusiones de los arqueólogos es que los chinos de los tiempos históricos descienden de antepasados ​​de la Edad de Piedra que residen en el mismo suelo. Esto había sido cuestionado: durante mucho tiempo los eruditos occidentales creyeron que la cultura china había sido importada en una etapa avanzada de alguna región hacia el oeste. Ahora, a partir de la evidencia de tumbas no posteriores al 3000 a. C., y de restos de la Edad del Bronce, se demuestra una continuidad. Esto no excluye la probabilidad, incluso la certeza, de que las influencias del exterior se sintieran una y otra vez. Ver también: Arte neolítico en China (7500-2000 a. C.).

La secuencia histórica de ciertas características se estableció por primera vez en algunos recipientes de bronce fechados vagamente "después del siglo XIV a. C.", pero la magnífica decoración y la artesanía experta indican un largo período de experimentación y maduración. El carácter ceremonial de los calderos, vasijas y campanas, a menudo grabados con inscripciones conmemorativas, no deja dudas de que aquí Arte de la Edad de Bronce Ya estaba marcado por una profunda habilidad y el uso de materiales suntuosos. Posiblemente los aristócratas feudales o señores de la guerra disfrutaron de su cultura en medio de condiciones de explotación excepcionalmente salvaje y asesinatos en masa y en un contexto de superstición cruda; pero las reliquias de Art º y el ritual son, sin embargo, espléndidos y eternamente elocuentes de una civilización avanzada, aunque bárbara.

Aunque la historia china se narra desde aproximadamente el año 1000 a. C., no es hasta el siglo III a. C. que los estudiosos describen las formas de vida en detalle. Los reyes sacerdotes y los señores feudales dieron paso al primer emperador universal, que oficialmente tomó ese nombre, que unió al país en un solo imperio, construyó la Gran Muralla y continuó con la magnificencia establecida de la costumbre y el arte de la corte. Su dinastía dio lugar a aquello con lo que se asocia el primer gran florecimiento del arte escultórico, la dinastía Han, que duró desde 206 a. C. hasta 220 d. C. Este es uno de los períodos de escultura verdaderamente sobresalientes en toda la historia mundial. En el mismo período, el objetivo y los métodos de pintura se volvieron fijos; Sin embargo, las obras están casi totalmente perdidas. La cerámica también fue llevada a nuevos refinamientos.

Para fechas importantes en la evolución de las artesanías tradicionales en China, ver: Cronología del arte chino (18, 000 AEC – presente).

El budismo La religión entra en el arte chino

Dado que el arte en China está tan en sintonía con la vida espiritual, conviene recordarnos que en el siglo VI a. C. había vivido en ese país dos de los más grandes profetas religiosos de todos los tiempos, el taoísta Laozi (Lao-Tsé) y Confucio. Fue el siglo de la llegada de Buda a la India, y el que precedió al surgimiento de la filosofía profana y la investigación intelectual en Grecia (en gran medida tomaron el lugar de la religión en el mundo clásico a partir de entonces). No se puede perder la conexión entre la pintura china y la filosofía taoísta, serena, centrada en el espíritu. El budismo, cuando se introdujo efectivamente en China durante la era de Arte de la dinastía Han (206 a. C. – 220 d. C.), trajo sus propios métodos y sus propios emblemas, y estos fueron absorbidos, no sin una prolongada influencia del arte indio-budista, en la práctica china de la escultura y la pintura durante la dinastía Wei, hacia el final de el período de cuatrocientos años que se extiende entre los logros de las dinastías Han y Tang.

Fue durante la era de Arte de la dinastía Tang que la cultura del este asiático registró sus mayores triunfos. En las riendas de tres siglos de esta dinastía (618-906 CE) las artes se extendieron a tierras anexas y determinaron la dirección de Arte coreano así como el de Japón. El budismo chino fijó su curso, algo alejado del ascetismo de la India. Una nota más humanista sugiere la influencia sobreviviente de Laozi, presagiando el taoísmo posterior en el que las dos religiones encontraron un acuerdo armonioso. En pintura y escultura, en porcelana y en pequeña escala. escultura de terracota , en textiles y jade, este fue uno de los períodos más prolíficos y emocionantes en el historia del Arte , correspondientemente incidentalmente con la Edad Oscura estancada en Europa. Poetas, pintores y eruditos fueron invitados a la corte imperial y alentados a continuar su trabajo bajo el generoso patrocinio imperial.

La mayoría de las autoridades consideran que la pintura es el logro cultural clave de la era de Arte de la dinastía Song (960-1279) el más magistral en el campo de la pintura, aunque está de acuerdo en que la escultura luego disminuyó. Este período está representado hoy por muchas más obras reales, incluido el primer gran cuerpo sobreviviente de pintura de paisaje – a menudo directamente asociado con el énfasis taoísta en los valores internos y abstractos.

Hay otra fase notable, por no decir increíblemente encantadora, de chino arte cerámico en el período Ming (1368-1644). Pero eso corresponde a la posterior época del Renacimiento en el mundo occidental. Mientras tanto, las obras de arte de las dinastías Tang y Song demandan atención, ya que están relacionadas a tiempo con el Arte cristiano medieval de los pueblos occidentales, y en las artes plásticas también debemos considerar la escultura de bronce de dinastías anteriores.

Bronces ceremoniales

El artista-artesano fue un personaje importante en la cultura de la sociedad china desde el final del segundo milenio antes de Cristo se deduce de los bronces ceremoniales producidos en ese momento y durante los siguientes quince siglos. Es tan habitual designar solo escultura y pintura independientes por el término " arte fino "que las vasijas decoradas a veces se pasan por alto como ejemplos de diseño magistral. Pero hay una cualidad magnífica, incluso monumental, sobre los grandes jarrones de bronce, urnas de sacrificio y calderos del período anterior a Han. (Para comparar, vea el estilo La Tene: Caldero Gundestrup c.100 a. C.)

En ellos, los chinos combinaron un manejo creativo de grandes formas con una extraordinaria riqueza de decoración. La coordinación de la expresividad funcional y la ornamentación es tan perfecta como lo es en la producción de objetos de metalurgia utilitarios o ceremoniales de cualquier civilización. Los famosos cubiertos de alto relieve de Roma parecen carecer de integridad y moderación en esta compañía. El punto a observar es que, a pesar de la riqueza de ornamentos, incluso su profusión, el vaso promedio está fuertemente delineado, y los valores estructurales y utilitarios se acentúan en lugar de oscurecerse.

Los motivos de los chinos orfebrería difieren con los períodos sucesivos y los cambios en la vida nacional, y los tipos de ornamentación varían desde el patrón completo más delicado e intrincado hasta las convencionalizaciones en relieve de formas animales o figuras geométricas más pronunciadas. Los motivos reconocibles anteriores son como formalizaciones, casi abstractas, de animales fantasiosos, como dragones y ogros, y la fuente probablemente se debe buscar en las antiguas religiones animistas.

La masividad tan característica de los primeros tiempos persiste en los bronces Han. Pero la decoración se ve frenada. A veces hay un patrón de superficie rico, pero es más ligero, a menudo grabado: la costumbre anterior de fundir todo el recipiente, con su adorno, en una sola pieza, había dado como resultado un corte más profundo y un relieve más fuertemente dinámico. El hecho de que los artistas Han deberían tener un ornamento refinado sin afectar la vitalidad más grande y la vida plástica del objeto, conservando la pureza y la fuerza de los contornos, es testimonio de una sensibilidad creativa excepcional. Los recipientes simples y admirablemente funcionales de esa época se considerarían en otros lugares como del período más temprano y viril de un desarrollo de arte, en lugar de ser representativos de una fase que se produjo después de mil quinientos años de producción experta en el campo.

En ejemplos posteriores – para la fabricación de bronce continuó, aunque parcialmente reemplazado por porcelana, a través de las dinastías Tang y Song – la fuerza y ​​la inventiva formal se filtraron. Los recursos habituales de la decadencia (copia sin vida, el uso de patrones de existencias y la elaboración excesiva de adornos) finalmente cerraron la historia de un oficio único. Es probable que las costumbres religiosas que dieron origen tanto a los usos de muchos tipos de embarcaciones como a los motivos ornamentales hayan desaparecido. Habían proporcionado inspiración al artista y alentado al patrón; pero cuando la ceremonia cambió, el arte declinó. Lo que definitivamente se sabe de los bronces está ligado a la tumba (importante siempre para los chinos que adoran a los antepasados) y referencias literarias al sacrificio y al ritual conmemorativo. Los espejos de bronce Tang a menudo son finamente decorativos de una manera bastante profusa, pero los anteriores, en este caso también, son más intrigantes y más vivos.

Tallas De Jade

La forma de adorno de los vasos y campanas de bronce se repite en miniatura en talismanes de jade o sellos del período anterior a Han. Hay, por cierto, en esto talla de jade – como en los bronces ornamentales – una sorprendente semejanza con las composiciones decorativas de la civilización maya en México y América Central, lo que da lugar a la interesante hipótesis de un probable vínculo cultural entre Asia y Arte precolombino en Estados Unidos, aunque esto no ha sido probado históricamente.

Los jades chinos son una contribución destacada y celebrada para el mundo. arte de joyería . Se extienden desde amuletos no decorados en forma de disco, anillo o tableta, con forma de realzar la belleza nativa de las piedras translúcidas, suficientemente hermosas en sí mismas como "pedazos cristalizados de luz de luna", pasando por emblemas abstractos y ornamentales, hasta piezas de figuras en miniatura. En este último caso, la formalización suele ser rígida, y los animales solo se describen brevemente.

Si bien los ejemplos antiguos nos atraen hoy por su belleza escultórica firme pero como una joya, tenían para los artistas y usuarios en los primeros tiempos un valor simbólico adicional. No solo se encuentran en las tumbas, sino que también se usan comúnmente como hechizos o fetiches, si podemos juzgarlos colocándolos en la boca y los ojos de los muertos. Quizás se sospeche la estructura elaborada de simbolismo preciso erigido en los días posteriores por los eruditos chinos, que atribuyeron un significado específico a cada color, patrón o motivo ornamental; pero uno puede creer que las ideas de la antigua pero cambiante adoración de la naturaleza y los antepasados ​​dieron mayor importancia a estos encantos. Por lo tanto, el jade verde, rojo, blanco y azul, cada uno en forma tradicional, puede significar Norte, Sur, Este y Oeste, mientras que hubo los "signos" apropiados para el cielo y la tierra, para la fertilidad y para la paz; y dos formas naturales, una al lado de la otra, pueden haber sido sinónimo de felicidad conyugal. Todo esto está relacionado con la intrincada red de rituales, sacrificios y costumbres funerarias que subyacen a la observancia religiosa antes de la introducción del budismo. Pero hoy todo lo que cuenta es que los jades tallados están dotados de la nobleza y la vida formal que a veces llamamos belleza.

cerámica

Cerámica china es una tercera instancia de dominio superior en aquellos primeros tiempos antes de que la escultura y la pintura surgieran en lo que ahora se considera "forma china característica". Desde tiempos inmemoriales, las vasijas de arcilla chinas habían adquirido un refinamiento excepcional. [Para la mayoría del mundo cerámica antigua , ver Xianrendong Cave Pottery , 18, 000 a. C., de la provincia de Jiangxi, sureste de China; y Cerámica Cueva Yuchanyan , 16, 000 a. C., de la vecina provincia de Hunan.] La superioridad en este oficio continuaría hasta épocas posteriores hasta que "china" se convirtiera en el nombre de la cerámica más terminada del mundo, sin importar dónde se hiciera. Los persas y los chinos eran maestros supremos en este campo. El arte cerámico chino está ejemplificado por lo extraordinario Ejército de terracota (c.246-208 a. C.), creado durante la era de Arte de la dinastía Qin (221-206 a. C.), y de renombre mundial Porcelana china , especialmente la porcelana azul y blanca desarrollada durante la era de Arte de la dinastía Ming (1368-1644) en Jingdezhen, a finales del período Kangxi.

Escultura

Monstruos de piedra de gran tamaño, monumentalmente impresionantes, de espíritu incomparable, magníficamente decorativos; diminutas placas de bronce u oro, peronés y amuletos, virilmente rítmicos en silueta y masa, fuertemente formalizados; figuras incomparablemente elegantes en arcilla y porcelana, jugadores de polo y camellos y damas de la corte, con indescriptible plenitud y sofisticación escultórica: estas son imágenes que se me ocurren al mencionar la escultura china: tres ramas completamente diferentes de la arte plástico de talla, cada uno dominado dentro de una sola cultura. Incluso entonces, uno no ha mencionado las estatuas budistas de cuevas que son superadas solo por las figuras hindúes, y un tipo muy especial de arte mural de bajo relieve, y las figuras medievales de Bodhisattvas que constituyen uno de los tipos más nobles y serenos de Escultura religiosa en la historia. Ninguna otra tierra exhibe una gama de excelencia tan grande en un solo arte, desde una placa en miniatura hasta una estatua monumental, desde una declaración austera más simple hasta una decoración magníficamente elaborada, desde la calma hasta la exuberancia y la elegancia enérgica.

Pero para comenzar la descripción de estos emocionantes monumentos y figuras y emblemas con forma de joya con una apariencia de orden, volvamos a la era sombría antes de la adhesión de Han en 206 a. C. Entonces existió, dice la leyenda, o historia, bronce colosal estatuas , pero en su mayoría parecen haber sido fundidos por dinero en regímenes posteriores. Hay, de hecho, sorprendentemente poca escultura en la ronda, teniendo en cuenta el dominio alcanzado desde hace mucho tiempo en el diseño y la fundición de los platos de bronce, jarrones y campanas, y en la talla de encantos de jade en miniatura. El arte existe más bien en figuras accesorias a los bronces utilitarios. No es raro que pequeños animales vigorosos se pongan de pie como centinelas en las esquinas del recipiente ceremonial, o se acuesten cómodamente contra la tapa; mientras que otros, más formalizados, constituyen manijas o boquillas o simplemente prestan acentos compositivos. A menudo, casi desaparecen en abstracciones geométricas.

En la dinastía Han, sin embargo, los vemos caer, por así decirlo, a la intemperie. Pronto hay animales de bronce, animales de piedra y animales de arcilla. Los ositos de bronce son especialmente conocidos; hay en ellos una tendencia al realismo, pero son muy simples y ampliamente proporcionadas para un efecto formal. Una amplia gama de mascotas favoritas aparece en arcilla, en miniatura, como figuras para depositar en las tumbas, de modo que el difunto pueda tener a su lado a los compañeros que valora en la vida. A este respecto, también hay figuras de damas finas, lo que indica un cambio gratificante en la etiqueta. Una esposa había sido enterrada viva con su esposo muerto, pero ahora una efigie de arcilla fue enterrada como sustituto. Junto con las esposas y los sirvientes están los encantadores cerditos, gallinas y patos. Casi ninguno de estos, figura humana o animal, debe compararse con las estatuillas verdaderamente superadoras de la era Tang, unos pocos siglos después; pero hay muchos ejemplos fascinantes y gratificantes, y una niña recatada rara o un caballo enérgico de uno de esos antiguos enterramientos chinos todavía despierta nuestra más profunda admiración.

La estatua monumental de un caballo junto a la tumba del general Ho Ch’u-ping, que había viajado hasta el oeste hasta la frontera persa, data de los arqueólogos aproximadamente en el año 117 a. C. y es uno de los ejemplos más antiguos de un tipo de conmemoración. arte que floreció en China a través de muchos siglos. Pero es mejor omitir esta y la otra gran escultura del período Han, y la mayor parte del período de las Seis Dinastías, a los animales de piedra verdaderamente grandiosos de los siglos V y VI. Estos pueden dividirse en dos tipos: leones más o menos simples, y leones con adiciones que los convierten en monstruos sobrenaturales: quimeras y demás. En prácticamente todo, la concepción escultórica y el tratamiento son tan directos, simples y creativos que las figuras se elevan a un plano de nobleza formal. Están llenos del espíritu del animal y del espíritu de la escultura creativa. En su organización masiva, proporcional y rítmica son impresionantes, viriles, incluso dramáticos. Aquí, en grande, está la misma vitalidad escultórica o energía de movimiento, combinada con la convencionalización suave y rítmica, que se encuentra en el nivel supremo en los bronces de animales pequeños. Existe en ambos campos el enriquecimiento lineal de la superficie, el uso de siluetas con eco en líneas incisas, de formas redondeadas menores repetidas y yuxtapuestas. Hay pocas exhibiciones escultóricas en toda la historia tan conmovedoras, pocas esculturas monumentales tan esencialmente correctas.

Los más grandes aún se encuentran donde los colocaron sus creadores, a menudo cubiertos total o parcialmente por la suciedad de las edades. Hoy se levantan ejemplos, medio descubiertos, en una granja o campo, que recuerdan las glorias de la vida china hace catorce siglos. ¿O debería uno decir, "las glorias de la muerte china"? Porque estas eran figuras funerarias, marcadores que señalaban el camino a la tumba de un hombre célebre, o tal vez indicaban el camino del espíritu desde la tumba. No existe un registro en otra parte en una escala igualmente colosal de la preocupación de toda la vida del hombre por la vida más allá de la muerte, excepto en Egipto. Las artes funerarias y conmemorativas de estas dos civilizaciones antiguas ofrecen un campo fructífero de estudio comparativo.

El arte de la era Han había continuado el ornamentalismo de los períodos anteriores, y era directo y vigoroso. A pesar del trazado lineal, agregado en la superficie de las masas montañosas de los leones y quimeras, así como en los pequeños bronces, la sensación general de simplificación y de ritmo unificado había persistido en la escultura post-Han. Al buscar la fuente de esta influencia duradera en obras grandes y pequeñas, y predominantemente en figuras de animales, uno vuelve a una de las teorías más fascinantes de la historia del arte.

Orígenes escitas de la escultura de metal china

Esta teoría dice que siglos antes, en el lejano norte o oeste de Asia, se había originado un tipo de escultura distintiva e instantáneamente reconocible en metales, conocida hasta hace poco como "el arte animal escita". Y que con el paso del tiempo, a través de las reiteradas migraciones de los bárbaros de las estepas euroasiáticas, al sur y al este al principio, luego al oeste, el estilo se había llevado a Persia y a los valles superiores de China, donde se afianzó y se convirtió en un raíz principal de la escultura pre-budista y, en el oeste, en áreas dispersas de la "cultura bárbara" desde Finlandia y la tierra de los vikingos, hasta la España visigoda y Lombardía. Era esencialmente el arte de las tribus nómadas del norte, que se derramó de ese reservorio asiático que había mantenido desde tiempos inmemoriales a las tribus cambiantes y mixtas, arias y mongolas, conocidas por la historia posterior de una manera sombría como escitas, sármatas y hunos.

La evidencia que se ve en las supervivencias del arte en sí está firmemente a favor de un origen común para las figuras de animales de Luristán de Persia, la escultura de animales primitivos de China y los originales escitas encontrados en la Rusia baja. Los raros ejemplos del norte de Europa son tan similares tanto en motivos como en sentimientos o métodos escultóricos, que una relación asumida es al menos defendible; e incluso hay razones para preguntarse si el etrusco Es posible que la formalización (tan pronto se extinguió después de que los romanos clasificados le pusieron las manos encima) no haya surgido del contacto con el Escultura rusa de escita. Últimamente, la tendencia entre los arqueólogos ha sido abandonar el nombre de "arte escita", para hablar del "arte animal euroasiático" o "el arte de las estepas". Algunas autoridades, que intentan conciliar la terminología del arte con una u otra clasificación racial, hablan de este desarrollo como arte indogermánico o como el estilo iraní-europeo. Al menos una autoridad amplía la idea y la etiqueta "Amerasiatic".

La única certeza es que una de las grandes manifestaciones del arte escultórico existe en una exhibición de animales en metal ampliamente dispersa pero reconociblemente relacionada, que se encuentra en las tumbas de los jefes escitas en el sur de Rusia y Siberia, en las tumbas de los guerreros en Luristán en el oeste Persia, y en las tumbas en las fronteras del oeste de China. Los muchos ejemplos descubiertos en estos tres escondites principales se combinan con piezas extrañas descubiertas a lo largo de los senderos europeos del arte de la Edad de Bronce.

El estilo escita, si aún podemos llamarlo así, se extinguió en su propia tierra a menos que tenga algo que ver con el vigor del arte ruso-bizantino. En Persia floreció una vez, en un distrito restringido, se perdió de vista, aunque afectó a otras artes visuales. Solo en China fue absorbida, o más bien triunfó, y encontró vida continua durante un período de muchos siglos; su espíritu se extendió desde los osos de bronce en miniatura y los jabalíes y los ciervos hasta las monumentales quimeras de piedra.

Las características del estilo son tres: (1) estricta formalización decorativa; (2) extraordinaria vitalidad plástica; y (3) una fuerte simplificación de los motivos principales junto con un rico contrajuego de formas menores. Se puede decir que la fuerza, la unidad dentro de la riqueza, constituye una virtud fundamental de todo arte en el que la excelencia formal y el adorno sensual se combinan de manera experta; pero el efecto de la energía concentrada, del movimiento enérgico, dentro de una composición profusamente decorativa, aquí se domina de manera abrumadora en muchos de los broches, talismanes y placas. Ya sea en una hebilla dorada de la propia Escitia, o en un arnés de Luristan, o en un ciervo ornamental en bronce del Desierto de Ordos, existe el movimiento vital, el ritmo animal dominante y convincente, amortiguado en un contorno decorativo y estampado. accesorio.

Hay una impresión de amplitud incluso en piezas pequeñas. Prácticamente siempre hay distorsión del objeto como lo vería la cámara: aquí no se respira el realismo de Escultura Mesopotámica o de Grecia o Roma. Es arte decorativa , no naturalismo, lo que el artista ha pretendido: vigoroso, ornamentalismo directo, y siempre la extraordinaria audacia y virilidad. Casi siempre, también, se evita la simetría, una evitación inevitable en cualquier arte tan dinámico y tan individualizado.

La mayoría de los ejemplos en miniatura del estilo (con mucho, la mayor proporción de todo el rango) están en bajo relieve. Incluso cuando técnicamente "en la ronda", la figura se aplana considerablemente. Animales, solos o en grupos, figuras libres geometrizadas hasta que sus contornos formen sus propios marcos con una regularidad casi matemática, placas ornamentales perforadas para dar nitidez adicional a la silueta, mangos de dagas vigorosamente tallados: estos son típicos. También existe ese otro toque no realista, el aumento de la elegancia formal por el diseño de la superficie, a veces por líneas trazadas; más a menudo, como corresponde a la escultura, mediante repeticiones de formas menores de hinchazón, como en los cuernos de un ciervo o una cabra montés, o en la crin de un caballo o un león. Este tipo particular de contrapunto escultórico no se manipula en ninguna otra parte con tal efecto revelador.

Justo cuando el "estilo animal" entró en China todavía es incierto. Puede haber sido una infusión gradual, como una ola tras otra de invasores del vago "Oeste". Hay una posibilidad de que los vasos de bronce pre-Han hayan ganado sus máscaras y garras de animales y ocasionalmente figuras completas de animales por contacto con Occidente, si no a través de la invasión de ese barrio. Ciertamente, una amplia gama de motivos decorativos en ejemplos anteriores lo indica. Cuando apareció la escultura independiente, el tema era tal que solo se puede asumir el origen extranjero; los animales son tan importantes para los cazadores, no para los agricultores como los chinos.

Los ejemplos reales más cercanos a los prototipos de escita y Luristán se encuentran en las fronteras occidentales de la antigua China, principalmente en el desierto de Ordos, de donde derivan su designación como los bronces de Ordos. De la misma dirección vinieron los anfitriones y líderes que una y otra vez conquistaron la nación china estática pero duradera.

Hasta que los arqueólogos y los antropólogos integren más del rompecabezas de la interpenetración cultural y los cambios tribales, es infructuoso hacer más que aceptar el hecho de una herencia euroasiática común, y notar que en China la vitalidad del arte animal, lentamente modificada en its miniature forms, passed over into larger sculpture: the result being those outstandingly decorative monumental lions which served as the point of departure for this disgression. Pero es probable que el mundo escuche más, y no menos, el arte materno de las estepas asiáticas.

Arte Religioso Budista

El budismo siguió las rutas comerciales hacia la China de los emperadores Han medios en los siglos justo antes y después del nacimiento de Cristo. La influencia griega ya se había sentido en la India, y esto condujo a la primera representación de Buda como hombre; pero Oriente no pudo renunciar a su formalismo por el realismo helenístico, y el tratamiento escultórico se convirtió en convencional y decorativo. En India, ciertas actitudes y accesorios se habían vuelto estereotipados; y en otra dirección (con una expresión brahmánica pre-budista) había un arte escultural profuso y exuberante de formas multiplicadas y áreas repetidas de alto y bajo relieve. (Ver también India: pintura y escultura .)

Todo esto se trasladó a China, corporalmente, tal vez, en ciertos ejemplos de las cosas más pequeñas, cuando a mediados del siglo I d. C. un emperador, que soñaba con un santo en Occidente, envió emisarios a Asia Central y recibió noticias y símbolos de Buda y su religión. Ciertamente, no fue mucho más tarde que China se llenó de santuarios y monasterios de la fe budista.

Debido a que la nueva religión celebró el cuerpo humano como el templo del espíritu, el hombre se convirtió por primera vez en un motivo principal en el arte chino. La serenidad y la compasión entraron en la expresividad; en actitud y expresión facial por un lado, y en el manejo escultórico por el otro. Llegó un nuevo tipo de ritmo plástico, ayudado por un contrajuego lineal melodioso y elegante.

A partir de las figuras típicas de Buda y del Bodhisattva, una figura a medio camino entre lo humano y lo divino, tomadas corporalmente de la India, se desarrollaría una larga línea de efigies religiosas. Esto culminó en los Bodhisattvas suntuosamente enriquecidos pero tranquilos y no involucrados de la era Tang. Los mejores de ellos parecen respirar un espíritu de paz y armonía y reposo, para impregnar el templo o santuario con luz espiritual. El método escultórico se ajusta perfectamente a la intención supra-mundana: refuerza el simbolismo religioso por su dignidad y su juego de volumen y plano felizmente establecido y delicado eco. Las figuras constituyen un recordatorio impresionante de la antigua verdad de que el espíritu de una era y un pueblo pueden expresarse de manera más vital en las formas de arte.