Retratos de arte pop de Andy Warhol:
características de las pinturas de serigrafía Traductor traducir

NOTA
Andy Warhol ahora es considerado como uno de los grandes artistas posmodernos del siglo XX. Junto con Francis Bacon, sus obras se encuentran entre las más importantes del mundo. Las 10 pinturas más caras y su contribución a Arte americano No se puede sobreestimar. Como el artista famoso de la Arte pop movimiento, él – junto con el pintor Roy Lichtenstein escultor Claes Oldenburg, y otros – redefinidos arte contemporáneo de los años 60 y 70. Su serigrafía el retrato revitalizó el género de arte de retrato convirtiéndolo en uno de los más innovadores retratistas del siglo XX.

Introducción

El entusiasmo de Andy Warhol Para la estética de la televisión, las columnas de los periódicos de la sociedad y las revistas de admiradores eran completamente contrarias al modelo europeo del luchador artista de vanguardia que los expresionistas abstractos habían seguido. Warhol exigía riqueza y fama, y ​​consideraba a cualquiera que los tuviera fascinante. Además de esto, su "paleta de barra de labios y peróxido" es, como señaló Adam Gopnik (New Yorker, 10 de abril de 1989), "un sentido del color totalmente original que hace que todas las paletas americanas anteriores se vean europeas". La negación de Warhol de cualquier originalidad definió su identidad artística, y el aspecto fresco de sus pinturas, explotando las últimas técnicas de arte comercial, lo validaron.

Parte de la habilidad única de Warhol radica en su reconocimiento de que una persona puede comunicarse a través de los medios de manera mucho más efectiva que un objeto de arte, e intentó definir su existencia completamente en el plano superficial de imágenes reproducibles. En su catálogo de exhibición de 1968 para el Moderna Museet en Estocolmo, escribió: "Si quieres saber todo sobre Andy Warhol, solo mira la superficie de mis pinturas, y ahí estoy. No hay nada más". Desde principios de la década de 1960 hasta su muerte en 1987, Warhol utilizó hábilmente tanto el estilo como los medios de comunicación, y al hacerlo expuso los valores superficiales de la sociedad contemporánea con una franqueza subversiva y muy adelantada a su tiempo. Mostró que toda fama es igual y básicamente sin sentido en un mundo de imágenes en constante cambio; su propia imagen pública puede haber sido irresistiblemente glamorosa, pero su superficialidad también dejó un vacío emocional inquietante.

Nota: Otros artistas pop incluidos: Alex Katz (nacido en 1927), Ray Johnson (1927-95), Tom Wesselmann (nacido en 1931), James Rosenquist (nacido en 1933), Jim Dine (nacido en 1935) y Ed Ruscha (nacido en 1937).

Fondo

Warhol nació cerca de Pittsburgh en 1928 en una familia de inmigrantes eslovacos de clase trabajadora bizantina-católica. Después de graduarse en diseño gráfico de Carnegie Tech en 1949, se mudó a un departamento en la ciudad de Nueva York con su compañero de clase Philip Pearlstein (nacido en 1924) y rápidamente logró el éxito como artista comercial. Los dibujos de zapatos de Warhol en el New York Times para Miller y compañía le dieron un reconocimiento especial, y en una década fue uno de los artistas comerciales mejor pagados de la ciudad, ganando $ 65, 000 al año. Warhol continuó su carrera en artes gráficas hasta diciembre de 1962, pero desde el principio tuvo aspiraciones privadas de convertirse en un artista exitoso.

Estilísticamente, los intentos de Warhol por el arte en la década de 1950 estaban estrechamente relacionados con su trabajo comercial en publicidad, y varios de los métodos y técnicas de su práctica de diseño comercial anticipaban aspectos de su arte posterior. Por ejemplo, organizó "fiestas para colorear" para producir sus anuncios y delegó varias tareas a su madre, tácticas que repetiría más tarde en su amplio uso de asistentes para fabricar su obra de arte. Del mismo modo, su técnica de dibujar, o rastrear imágenes de revistas, en papel y luego transferirlas en tinta húmeda sobre un fondo preparado se repitió más tarde en su adopción de la serigrafía.

Características del arte pop temprano de Warhol

Si bien varias de las prácticas artísticas de Warhol de la década de 1950 persistieron en su trabajo posterior, difícilmente se puede decir que hayan conducido inevitablemente a la impactante franqueza con la que de repente comenzó a adoptar un estilo de arte comercial en su pintura a fines de 1959. Tampoco fue Existe un precedente para su apropiación radical de los temas directamente de los medios de comunicación por sus grandes pinturas de imágenes de cómics y anuncios en periódicos (por ejemplo, Campbells Soup Can, 1962). Según Barry Blinderman (Modern Myths: An Interview with Andy Warhol, 1981), a principios de los años sesenta, Warhol usó un proyector para transcribir y ampliar sus fuentes con precisión mecánica, y en sus declaraciones de prensa rechazó cualquier originalidad en su trabajo. Sin embargo, abandonó los cómics como tema desde el momento en que se encontró con las pinturas de cómics de Roy Lichtenstein en la Galería Leo Castelli en 1961, revelando un agudo instinto por la necesidad de crear un estilo original.

Después de decidirse por un tema (anuncios baratos, cómics y titulares de los periódicos sensacionalistas), Warhol jugó con varios estilos entre 1960 y 1962. En algunas composiciones, transcribió sus fuentes de manera suelta con gotas de pintura para darles el tipo de carácter expresivo encontrado en la pintura gestual. Al mismo tiempo, creó otras imágenes con bordes duros y precisos, un estilo frío y mecánico en el que finalmente se decidió, llamándolos sus pinturas "sin comentarios".

Warhol disfrutó de las imágenes producidas en masa no selectivas y adormecedoras promovidas por la publicidad en los medios. Su arte expresaba y exaltaba la "similitud" de la cultura de masas que aborrecían los llamados intelectuales involucrados en el expresionismo abstracto. En su libro The Philosophy of Any Warhol (1975), dijo que lo que le gustaba de Estados Unidos era que sus consumidores más ricos compraban muchas de las mismas cosas que los más pobres. "El presidente bebe Coca-Cola, Elvis bebe Coca-Cola: todos beben Coca-Cola. Y ninguna cantidad de dinero puede comprarle a alguien una Coca-Cola mejor porque todas las Coca-Cola son iguales.

Aun así, su elección de temas no fue aleatoria ni arbitraria. Como Kynaston McShine revela en su publicación Andy Warhol: una retrospectiva (1989, MOMA, Nueva York), muchas de sus primeras imágenes – "Pelucas", "¿Dónde está tu ruptura?", "Antes y después", sobre productos que prometen mejoras corporales en postura, cabello y músculos más grandes, reflejan las inseguridades físicas de Warhol. Incluso Superman y Popeye, a quienes pintó en 1960-61, son personajes que experimentan transformaciones físicas instantáneas. La interpretación de McShine se ve corroborada por los intentos de Warhol de mejorar su apariencia en la década de 1950, al usar una peluca plateada y someterse a una cirugía estética para remodelar su nariz en 1957.

Warhol no tuvo una exposición de sus pinturas pop en Nueva York hasta que Eleanor Ward las promovió en la Galería Stable en el otoño de 1962, aunque colgó algunas de ellas (por ejemplo, Publicidad, Little King, Superman, Antes y Después, y Los sábados Popeye) como telón de fondo de los maniquíes de moda en una exhibición de grandes almacenes que organizó para Bonwit Teller en abril de 1961. Fue Irving Blum de la Galería Ferus (Los Ángeles) quien le dio su primera exposición de la galería, en el otoño de 1962: una instalación de treinta y dos latas de sopa Campbell’s, que miden 20 X 16 pulgadas cada una. Warhol, siempre al día con la última tendencia, puede haberlos pintado como una respuesta a las latas pintadas de bronce de Ale (1960) de Jasper Johns, pero superaron la escultura de Johns en la suave neutralidad de su estado producido en masa. Las imágenes son tan irresistiblemente lo que son; no son latas de sopa, sino imágenes, que separan al "significante" del "significado" más absolutamente que casi cualquier pintura creada hasta ese momento. Aunque algunos de los dibujos de latas de sopa de Warhol aún conservan una cualidad delicada y gestual ya en 1962, las treinta y dos latas no tienen rastro de gesto expresivo o individualidad.

Serigrafías: eliminando el toque del artista

Warhol pintó las latas y los titulares de los periódicos de 1961 y 1962 a mano, pero a fines de 1962 descubrió cómo transferir una fotografía fotográfica a una serigrafía e inmediatamente cambió a esta técnica, eliminando todos los rastros del toque del artista y produciendo un desprendimiento más mecánico imagen. Además, llegó a depender cada vez más de asistentes para crear sus pinturas. En junio de 1963 empleó a Gerard Malanga para trabajar a tiempo completo en las pinturas de serigrafía y gradualmente otros asistentes se unieron a la nómina. Operaron como el personal en una oficina de diseño gráfico. Cuando Warhol comenzó a trabajar en su Marilyn Monroes, por ejemplo, Malanga y Billy Name realizaron la mayor parte del trabajo, como cortar cosas y organizar las pantallas, mientras caminaba por las filas haciendo preguntas como "¿Qué color crees que sería bueno?" Warhol hizo un punto deliberado de su no participación, creyendo que alguien más debería poder hacer todas sus pinturas por él. Afirmó que la razón por la que usaba asistentes y trabajaba de la manera que lo hacía era porque quería ser una máquina y crear un aspecto totalmente "neutral", sin ningún toque humano. Sin embargo, la verdad es que fácilmente podría haber contratado el trabajo si realmente hubiera querido una apariencia auténticamente comercial. Tal como estaban las cosas, prefirió incluir algún error humano ocasional, como la desalineación de las pantallas, el entintado desigual y las manchas intermitentes.

Marilyn Monroes Lips (1962, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC) tiene el aspecto de una tira de impresión imperfecta, donde la línea negra y la pantalla a color no encajan y la calidad de la tinta varía ampliamente. La repetición banal creada por los procesos comerciales del mercado de masas parece estar en conflicto con una presencia individual (aunque pasiva) tanto en esta pintura como en Gold Marilyn Monroe (1962, Museum of Modern Art, NY). La repetición otorga a las imágenes una apariencia anónima e impasible, mientras que las características específicas de cada unidad fabricada de manera imperfecta logran afirmarse, creando una incómoda disonancia entre la fachada mecánica y el sentido del individuo enterrado dentro de ella. Así, tanto el observador como el artista se reducen a ser nada más que voyeurs pasivos, experimentando la vida como una línea de montaje de imágenes producidas en masa.

Estrella de cine y fotos de desastres: un vacío aterrador

El creciente número de retratos de Marilyn Monroe, Liz Taylor y otras estrellas de cine tuvieron mucho que ver con el entusiasmo de Warhol por el glamour y el brillo de Hollywood. En Andy Warhol (1968), su catálogo de exhibición para el Moderna Museet en Estocolmo, declaró: "Me encanta Hollywood. Es hermoso. Todos son de plástico. Quiero ser de plástico". Era el último fanático, el último consumidor. Sin embargo, su "Marilyn Monroes" también tiene un lado oscuro. Fueron hechos después del suicidio de la actriz en agosto de 1962. Además, la repetición mecánica de su retrato la hace parecer superficialmente transparente, negándole cualquier sentido de individualidad debajo de la imagen de la superficie. Constituye una despersonalización aterradora de un ser humano, y quizás refleja la propia imagen del artista de sí mismo. Ya en 1975, por ejemplo, escribió: "Todavía me persigue la idea de mirarme al espejo y no ver a nadie, nada".

Durante la cobertura televisiva de una tragedia nacional como el suicidio de Marilyn Monroe o el asesinato y el funeral de John F. Kennedy (todo lo cual Warhol pintó obsesivamente), los mismos videos se reproducen una y otra vez durante días. Los "Marilyns" de Warhol y otros retratos de múltiples imágenes tienen la misma repetición anestésica.

En 1963, Warhol comenzó a trabajar en una serie de desastres, por ejemplo, Saturday Disaster (1964, Rose Art Museum, Brandeis University) que desarrolló aún más la calidad mórbida de los "Marilyns". Basó la serie en horripilantes fotografías policiales y tabloides de accidentes automovilísticos. víctimas, la silla eléctrica y la bomba atómica. Reprodujo las imágenes en una variedad de colores y patrones decorativos. Estas imágenes son inquietantes no solo por su horrorosa explicidad, sino también porque el desprendimiento de Warhol sugiere una despersonalización horrible: un vacío emocional que refleja La alienación de la vida en los años sesenta.

En 1962 y 1963, Warhol creó varios retratos del artista neodada Robert Rauschenberg, a quien veneraba por haber salido de la pobreza a la fama. En cierto sentido, el ejemplo de Rauschenberg ejemplificó el famoso dicho de Warhol de que "en el futuro todos serán mundialmente famosos durante quince minutos". Warhol se sintió muy atraído por la noción de celebridad como una especie de producto de consumo que cualquiera puede poseer.

La fábrica (1963-67)

A finales de 1963, el estudio de Warhol fue reubicado en una antigua fábrica en East Forty-sevenh Street. "The Factory", como se le conoció, evolucionó gradualmente a un lugar lleno de personalidades de moda chic y otras "personas hermosas", drag queens, junto con miembros de la música underground, muchos de ellos ocupados con drogas y / o comportamientos extraños.. Al parecer, Warhol necesitaba estar rodeado de rarezas y artistas, por decadencia y libertinaje, así como por bellas artes. En cualquier caso, Warhol todavía estaba produciendo en 1964. De hecho, mirando hacia atrás, muchos críticos de arte todavía están convencidos de que el importante trabajo de Warhol data de 1960 a 1964.

En 1965, la creciente fama de Warhol atraía a otras celebridades de Nueva York, que querían ver y ser vistas en The Factory. Al mismo tiempo, los medios de comunicación acosaron a Warhol, mientras que los visitantes y los colgadores buscaban su atención. Durante el otoño de 1965, en la inauguración de la exposición de Warhol en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia, cuatro mil personas entraron en dos pequeñas habitaciones y el personal tuvo que quitar las pinturas de las paredes por seguridad. ¡Fue una exposición de arte sin arte!

"Me preguntaba qué había hecho gritar a toda esa gente", recordó Warhol más tarde, en el libro Popism (1980, Warhol & Hackett). "Fue increíble pensar que ocurriera en una inauguración de arte. Pero entonces, no estábamos solo en la exhibición de arte, sino en la exhibición de arte".

En 1966, la multitud de The Factory comenzó a congregarse por las noches en un restaurante en Union Square conocido como Max’s Kansas City. Era popular entre artistas y escritores y sus cuartos traseros albergaban un circo de exhibicionismo, drogas y sexualidad. Los visitantes famosos incluyeron a Truman Capote, Bobby Kennedy, junto con figuras influyentes del establecimiento de la ciudad, así como su metro. Pero Warhol siguió siendo el catalizador: la presencia que inspiraba o provocaba pasivamente a las personas a vivir sus fantasías, mientras miraba o tomaba fotografías.

Una de las galerías de arte posmodernista más prestigiosas de Nueva York era propiedad de Leo Castelli. Warhol siempre había querido tener una exposición individual allí (Roy Lichtenstein había tenido una allí en 1962), y Castelli finalmente le dio una en 1964. Su primera presentación fue sobre las "Flores" en las que Warhol se alejó del naturalismo en su vida. paleta: no es que sus trabajos anteriores fueran en ningún sentido naturalistas, pero tendía a usar una escala de valores que correspondía a la naturaleza, o una escala más artificial con al menos un parecido residual. A partir de 1964, comenzó a incorporar colores totalmente no naturalistas en su paleta: por ejemplo, pintando "Latas de sopa Campbell’s" turquesas y rosas en lugar de las rojas y blancas y creando "Autorretratos" multitonos con una cara azul y cabello amarillo..

En 1966, al convertirse en la principal celebridad artística de Nueva York de los años sesenta, con una exposición en la galería más de moda, Warhol se aburría de la pintura y prácticamente se detenía, prefiriendo centrarse en promover una actuación psicodélica y multimedia llamada "El plástico explosivo". Inevitable ", con la banda de rock Velvet Underground. También recurrió cada vez más al cine, filmando The Chelsea Girls (1966), la primera película underground financieramente exitosa, aunque sumamente aburrida. Esto fue seguido por una serie de películas atroces que no pudieron justificar totalmente sus facturaciones artísticas. Esto no fue una sorpresa, ya que sus primeras películas fueron inflexiblemente warholescas en su pasividad. Todo lo que hizo fue simplemente apuntar la cámara a alguien y dejarla correr, no había banda sonora, como en su película de 6 horas y sin acción titulada Sleep (1963). En Eat (1963), la cámara enfoca continuamente durante 45 minutos en el artista pop Robert Indiana mientras devora un hongo En Empire (1964), la cámara enfoca rígidamente durante 8 horas en la parte superior del Empire State Building.

Declinación artística

En 1967, The Factory se mudó a 33 Union Square West y la escena se volvió cada vez más extraña hasta junio de 1968, cuando Warhol fue baleado y gravemente herido por una groupie Valerie Solanas, que tuvo un pequeño papel en una de sus películas. El ambiente de carnaval terminó abruptamente. Warhol fue declarado muerto en la mesa de operaciones, pero afortunadamente revivió. Después de pasar 8 semanas en el hospital, regresó a The Factory como un hombre asustado. A pesar de su temor de que podría perder su creatividad sin el estímulo del caos de tipo carnaval a su alrededor, el acceso al estudio fue más estricto. The Factory se concentró en el arte de producción en masa que se vendería: es decir, recuerdos comerciales de la vanguardia que Warhol llamó "Business Art.

De hecho, las obras de arte de Warhol se produjeron utilizando métodos de línea de montaje desde 1963, a mediados de los años 60, The Factory fabricaba hasta 80 pinturas de serigrafía por día y, en un momento, una película cada semana. En cualquier caso, a mediados de 1969, las bellas artes de Warhol se habían secado en gran medida. Como Brigid Polk, uno de los asistentes de estudio de Warhol, fue citado diciendo: "Lo he estado haciendo todo durante el último año y medio. Andy ya no hace arte. Está aburrido". Era cierto, en gran medida. Warhol había dirigido su atención a otras empresas como Entrevista, su revista de chismes de la alta sociedad.

Nuevos retratos

A principios de la década de 1970, Warhol reavivó su interés en la pintura con una serie de retratos de la sociedad y fotografías del líder comunista chino Mao Zedong, por ejemplo. Mao (1973, Instituto de Arte de Chicago). En este momento, Warhol se había convertido en un artista-celebridad internacionalmente conocido, el artista más comentado después de Picasso, y un invitado habitual en eventos sociales y eventos culturales de la lista A. A medida que el juego final de Vietnam comenzó a desarrollarse, junto con las revelaciones políticas y criminales de Watergate, tanto el muy rico como el movimiento de protesta contracultural se preocuparon por los símbolos. Las pinturas de Warhol del presidente Mao divirtieron a los coleccionistas de arte adinerados y al mismo tiempo confirmaron el predominio del capitalismo occidental al transformar al icónico campeón de la revolución mundial en un producto de consumo para los ricos.

Aparecieron más pinturas de retratos. De hecho, los retratos de serigrafía de la sociedad de Warhol de los años setenta revitalizaron el género del retrato. Muchos se imprimieron en terrenos preparados de pinceladas de textura en un formato estándar de dos paneles de 40 X 40 pulgadas, y muchos de los sujetos adquirieron la apariencia de objetos plásticos adimensionales.

¿Qué es real?

En los años setenta y ochenta, Warhol asumió más comisiones de publicidad y diseño. Incluso se convirtió en un producto de consumo, cuando apareció en el catálogo de Navidad de 1986 para Neiman-Marcus: anunciaba una sesión de retratos con Warhol a un costo de $ 35, 000. La asociación cada vez más intensa de Warhol con el estatus y el dinero explotó la superficialidad y el materialismo de la cultura de consumo estadounidense en los años 70 y 80, ya que las personas en todas partes comenzaron a sentirse más alienadas con la irrealidad de la vida. Como el propio artista admitió: "No sé dónde se detiene lo artificial y dónde comienza lo real". Una triste admisión del sumo sacerdote del arte pop, quien hizo una carrera al revelar la "verdad" sobre la sociedad moderna.

Las pinturas y dibujos de arte pop de Andy Warhol se pueden ver en muchas de las mejores galerias de arte contemporaneo y en el mejores museos de arte Al rededor del mundo.