David Hockney:
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Amado artista inglés

El pintor, grabador, fotógrafo y escenógrafo David Hockney es uno de los artistas ingleses más exitosos e influyentes. Con base en Estados Unidos durante gran parte de su vida creativa adulta, su reputación se basa en su excelente dibujo habilidades, así como su trabajo innovador en el campo de grabado y fotocollage. Visto como miembro fundador de los británicos Arte pop movimiento en la década de 1960, ha sido objeto de innumerables exposiciones individuales en todo el mundo, incluidas una gran retrospectiva itinerante organizada en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, la Galería Tate, Londres en 1988 y el Royal Academia de Artes de Londres (1995-6).

Aunque ha atraído un cierto grado de controversia por su condición de homosexual, sigue siendo, junto con JMW Turner y John Constable, uno de los artistas ingleses más populares y, sin duda, el hombre de Yorkshire más famoso del mundo. arte contemporáneo. (Nota: para una comparación con otros pintores, ver: Los mejores artistas contemporáneos.)

Primeros días

Nacido en Bradford, el cuarto de cinco hijos, Hockney obtuvo una beca para la Bradford Grammar School, donde su pasión por el arte lo determinó a convertirse en artista y lo llevó a solicitar una transferencia a la escuela de arte. Esto fue concedido a regañadientes por sus padres, pero solo después de haber demostrado la fuerza de sus convicciones con una campaña de no conformidad en el aula, garabateando y dibujando historietas en cuadernos en lugar de trabajar en sus lecciones. También pasaba las tardes en la escuela dominical dibujando caricaturas de Jesús. Sin embargo, al mismo tiempo, su obvio talento artístico le valió premios y reconocimientos. Al final, sus padres se rindieron y lo enviaron a la Bradford School of Art , donde estudió anatomía, perspectiva lineal y dibujando desde el desnudo, mostrando su precoz dibujo en una serie de retratos, y pinturas de óleo. Sobre todo, comenzó a comprender que la pintura era un proceso de ver y pensar, más que una simple imitación. Sus primeras obras de arte fueron abstractas mientras admiraba las composiciones de pintores como Francis Bacon, y con frecuencia viajaba a Londres para visitar varias exposiciones de arte. También comenzó a producir su primer color. litografías. En 1957, aprobó el Diploma Nacional en Examen de Diseño con honores, después de lo cual hizo sus 2 años de Servicio Nacional como hospital ordenado debido a su estado de objetor de conciencia como Metodista. Luego comenzó un curso de postgrado de 3 años en el Royal College of Art de Londres, junto con sus compañeros de estudios RB Kitaj, Allan Jones, Peter Phillips, Derek Boshier y Patrick Caulfield.

Royal College of Art

Hockney inmediatamente se sintió como en casa en la atmósfera y los alrededores del Royal College, prosperando en el parentesco de otros artistas, y entró en un importante período de autodescubrimiento. En particular, se encontró libre para hablar sobre su orientación de género con otros hombres homosexuales. Sin embargo, ante todo, fue un estudiante dedicado y altamente motivado, decidido a explorar tantas formas de arte como sea posible para descubrir su propio estilo. Por lo tanto, inicialmente se dedicó a dibujar de la vida en dos elaborados estudios de un esqueleto antes de experimentar con arte abstracto. También estaba buscando formas de incorporar un tema personal en su arte. Esto lo llevó a pintar obras sobre su poesía y vegetarianismo favoritos, e incluso comenzó a incorporar alusiones a su orientación de género, escribiendo palabras como "queer" y "amante poco ortodoxo" en algunas de sus imágenes. Estas inscripciones pronto dieron paso a declaraciones más abiertas en una serie de pinturas producidas en 1960-1961 sobre el tema del amor gay, que incluía We Two Boys Together Clinging (1961). El impacto de su tema fue realzado por las rudimentarias figuras dibujadas casi infantilmente, los graffitis garabateados y la textura rugosa de la superficie de la pintura. Estas imágenes derivan mucho del lenguaje falso de Jean Dubuffet, así como de las pinturas de Picasso, cuya retrospectiva de 1960 en la Tate Gallery tuvo un gran impacto en el estilo de Hockney. Estas primeras pinturas irreverentes e irónicas de ’pop’ más sus obras más formales, junto con su creciente interés en diversas formas de arte Grafico e impresión, rápidamente marcó a Hockney como un artista de gran potencial. Todavía solo 23 años, la versatilidad y el estilo de su pintura, aliados a su personalidad exuberante y madura le dieron un aura de autoridad. Él ya estaba mostrando en varias exposiciones de arte Moderno, incluido el London Group 1960.

Luz principal del arte pop británico

En 1961, junto con Peter Blake, Derek Boshier, Allen Jones, RB Kitaj y Peter Phillips, Hockney expuso en la Exposición de jóvenes contemporáneos (una muestra anual de obras de estudiantes de arte británicos): un evento que primero llamó la atención sobre el estilo emergente de Arte pop británico, y trajo a Hockney la fama añadida como uno de sus cabecillas. Durante el verano vendió varias pinturas para pagar su primer viaje a Nueva York, donde él y sus amigos visitaron la mayoría de las galerías y museos de la ciudad, así como los lugares gay de moda. Mientras estuvo allí, utilizó las instalaciones del Instituto Pratt para trabajar en su dibujar y pintura, incluida una idea para una versión moderna de William Hogarth’s "Rake’s Progress", un proyecto de impresión que completó dos años después. La atmósfera de libertad personal que encontró en Nueva York también alimentó su autodescubrimiento. Comenzó a decolorarse el cabello y comenzó a presentar una nueva imagen.

Medalla de oro y éxito financiero temprano

Al regresar a Inglaterra en el otoño para completar sus estudios en el Royal College of Art, Hockney atrajo una gran atención de críticos, profesores y compañeros de estudios en varias exposiciones estudiantiles. Su obra de arte tenía un toque poético y reintrodujo la narrativa de una manera moderna con notable ironía. A principios de 1962, ejemplificó su creciente rango con una exposición de un conjunto de pinturas bajo el título Demonstrations of Versatility, cada una ejecutada en un estilo diferente: plano, ilusionista, escénico, estilo de género. La fuerza del dibujo de Hockney, su pintura de género, retratos, influencias literarias, un enfoque fuertemente personal y una madurez creciente como persona, todo combinado para permitirle establecer una identidad artística clara para sí mismo. A pesar de no aprobar sus exámenes de Historia del Arte, recibió la medalla de oro del Royal College of Art para 1962. Al año siguiente, vendió los grabados de su versión actualizada de Rakes Progess por la increíble suma de £ 5, 000. Este nivel de éxito comercial significó que se independizó poco después de dejar la universidad y, a diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, no tuvo que depender de la enseñanza para llegar a fin de mes. A partir de este momento, fue representado por el influyente comerciante de arte John Kasmin.

los Angeles

En 1963, después de terminar sus estudios, Hockney viajó a Nueva York, Berlín y Egipto para obtener inspiración e ideas para ilustraciones. En Nueva York se encontró Andy Warhol, quien – junto con Roy Lichtenstein – Fue una de las estrellas en ascenso del arte pop estadounidense. También vio a un amigo, Henry Geldzahler, curador del Museo Metropolitano de Arte, que lo animó a visitar Los Ángeles, lo que Hockney hizo al final del año. Era todo lo que esperaba y más. Llegó sin conocer a nadie y, sin embargo, en el lapso de 7 días encontró un lugar para quedarse en Santa Mónica, arregló un estudio para sí mismo, aprobó el examen de manejo, compró un automóvil e incluso condujo a Las Vegas, donde ganó algo de dinero. juego. El estilo de vida y el paisaje de Los Ángeles se convirtieron en características importantes del trabajo de Hockney, en más de un sentido. Pasando gran parte del día en el paseo marítimo de Santa Mónica, admiraba a los hermosos niños que desfilaban por la playa. Para capturar el colorido paisaje urbano de California, cambió de sus amados aceites al nuevo medio de acrílicos y desarrolló su propio estilo característico de pintura naturalista-realista. Su trabajo de 1964, The California Collector, incluyó su primera representación de una piscina de Los Ángeles, una imagen que repetiría innumerables veces, empleando una manera plana y moderna con líneas onduladas en bucle para retratar el agua en movimiento, y una superficie de rompecabezas semi-abstracta que recuerda. de obras de Jean Dubuffet. Además de las piscinas, sus temas también incluían a los hombres californianos esculpidos que encontró, como en obras como Man in Shower en Beverly Hills (1964), mientras que él también comenzó a usar fotografía, especialmente fotomontaje, para desarrollar sus composiciones.

Como era de esperar, el ambiente de todo tipo de Riviera de California tuvo un gran impacto en la vida profesional y privada de Hockney. Había fantaseado con el lugar mucho antes de mudarse allí, y ya había producido Domestic Scene, Los Ángeles (1963), una pintura que representa a dos hombres en una ducha, derivados de fotos de revistas. De hecho, se podría decir que su mudanza a Los Ángeles fue la realización de su fantasía de un paraíso sensual y desinhibido de piscinas, sol perpetuo y jóvenes rubios. También es justo decir que su brillante imagen californiana también atrae a nuestras propias tendencias escapistas, y puede ser un factor importante en su atractivo como artista. ¿Sentiríamos lo mismo por él si hubiera escapado a Bratislava o Pittsburgh? Me pregunto.

Creciente fama

En 1964 Hockney pasó un tiempo enseñando en la Universidad de Iowa y, durante los siguientes dos años, enseñó en la Universidad de Colorado en Boulder, en Los Ángeles y en Berkeley. El reconocimiento dentro de la profesión de las artes continuó su camino. En 1964, organizó su primera exposición individual estadounidense en la Galería Alan en Nueva York, donde recibió excelentes avisos y vendió todas las pinturas. En 1966, disfrutó de no menos de cinco exposiciones individuales en Europa. En el mismo año, conoció a un estudiante estadounidense de diecinueve años llamado Peter Schlesinger , con quien tuvo su primera verdadera relación amorosa. En 1967, la pareja regresó a Europa y recorrió el continente, el mismo año en que Hockney completó su famosa pintura A Bigger Splash, y cuando su pintura Peter Getting Out of Nick’s Pool, ganó el premio de pintura John Moores en la Walker Art Gallery en Liverpool.. Fue también durante este período que Hockney comenzó a hacer escenografías para teatros a ambos lados del Atlántico.

Diseño de teatro

Fue durante la década de 1960 que comenzó su interés de por vida en el diseño de escenarios para el teatro, la ópera y el ballet. Su primera comisión involucró a Ubu Roi de Jarry en el Royal Court Theatre de Londres en 1966. Esto fue seguido por diseños para el Progreso del rastrillo de Igor Stravinsky (Festival de Glyndebourne 1974), y Die Zauberflöte de Mozart (Festival de Glyndebourne 1978), así como una comisión para disfraces y decorados para una triple actuación de obras de Satie, Poulenc y Ravel en la Metropolitan Opera de Nueva York. Más tarde, creó sets para una obra de Stravinsky en la Metropolitan Opera, Puccini’s Turandot en San Francisco, Wagner’s Tristan und Isolde en Los Ángeles y Strauss’s Die Frau ohne Schatten en la Royal Opera House, Covent Garden, Londres.

En 1968, Hockney regresó a Londres con Schlesinger, quien comenzó a estudiar en la Slade School of Fine Art. También pintó sus primeros grandes retratos dobles, como los de Fred y Marcia Weisman, y Christopher Isherwood y Don Bachardy. El año terminó con una exposición individual en Nueva York en la Galería André Emmerich.

Al año siguiente, Hockney aceptó una oferta para convertirse en profesor invitado en la Kunsthochschule en Hamburgo en 1969, pero en casa su relación con Schlesinger comenzaba a deteriorarse, un proceso capturado en una película en un documental franco sobre la vida de Hockney que se estaba haciendo en ese momento por Jack Hazan

1970

Mientras tanto, en 1970, la primera gran exposición retrospectiva de Hockney se celebró en la Whitechapel Art Gallery de Londres, y el artista continuó siendo agasajado como una figura importante en el mundo del arte inglés. La retrospectiva viajó posteriormente a Hannover, Rotterdam y Belgrado. En 1971 Hockney completó su pieza más famosa de arte de retrato – Sr. y Sra. Clark y Percy (más tarde votaron la pintura moderna más popular en la Galería Tate).

Para entonces, las preocupaciones de Hockney por parecer moderno se habían desvanecido y comenzó a tener más confianza para permitir que su representación naturalista del mundo hablara por sí misma. Pero algunas de sus imágenes de principios de los años 70 continuaron sufriendo una apariencia bastante sin vida debido a su excesiva dependencia de las fuentes fotográficas. (Se han hecho críticas similares al pintor de género contemporáneo escocés Jack Vettriano.) Afortunadamente, continuó sobresaliendo en dibujos de la vida, como se ejemplifica en retratos con pluma y tinta como Nick y Henry a bordo, Nice to Calvi (1972).

En 1973, Hockney se fue a trabajar a París por un corto tiempo, donde colaboró ​​con Aldo y Piero Crommelynck, los antiguos maestros impresores de Picasso, para producir un conjunto de grabados en memoria del gran genio español que había muerto a principios de ese año. En 1974, el Museo de Artes Decorativas de París celebró una importante exposición de las obras de Hockney. También fue el año en que se completó la película biográfica de Jack Hazan sobre la vida de Hockney, titulada A Bigger Splash. Aunque inicialmente sorprendido por la franqueza de la película sobre su condición de homosexual y su relación con el mucho más joven Schlesinger, Hockney finalmente aprobó su lanzamiento.

A mediados de la década de 1970, Hockney abandonó pintura de bellas artes durante un tiempo para concentrarse en el dibujo y el grabado, así como en nuevas comisiones para diseños de escenarios y teatros. Su continua curiosidad con las diferentes formas de arte lo llevó a producir considerables cuerpos de trabajo en diferentes medios, como Paper Pools y otros trabajos de papel pulpeado de 1978, así como una serie de experimentos de prueba con polaroid y fotografía de 35 mm, en los que produjo cientos de imágenes compuestas (uniones) en un intento de aplicar la analítica de múltiples ángulos Cubista técnica a un medio mecánico. En 1978 tomó residencia permanente en Hollywood Hills con vista a Los Ángeles.

1980

Durante la década de 1980 Hockney recurrió a la fotografía. collage, empleando una cámara Polaroid. Condujo por el suroeste de los Estados Unidos tomando miles de fotos que luego ensambló en montajes panorámicos, como Tú haces la foto, Zion Canyon, Utah. (Posteriormente, estos fotomontajes fueron objeto de una retrospectiva de la fotografía del artista en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles). Estas obras formaron parte de una fascinación continua por los artefactos técnicos que culminaron en la producción de impresiones caseras en fotocopiadoras., así como imágenes transmitidas por fax o diseñadas en una computadora. También reprodujo algunas de las teorías de perspectiva de estos collages en pinturas como A Visit with Christopher and Don, Santa Monica Canyon (1984), que comprende dos lienzos que miden aproximadamente 2 X 6 metros.

En 1981, como un desvío de este trabajo de cámara, Hockney participó en el arte figurativo exposición Un nuevo espíritu en la pintura en la Royal Academy of Arts de Londres, presentando cuatro nuevas pinturas. Y en 1983, comenzó una serie de autorretratos, permitiendo al espectador ver al hombre detrás del pincel y exponiendo su vulnerabilidad en el proceso. Más exposiciones y comisiones siguieron. En 1985 se le encargó diseñar la portada y una serie de páginas interiores para la edición francesa de la revista Vogue. Otra comisión importante involucró a Quantel Paintbox, un programa de software que permitió al artista dibujar directamente en la pantalla de la computadora. Su trabajo resultante apareció en una serie de la BBC en el programa. En 1988, se realizó una gran retrospectiva del trabajo de Hockney en Los Ángeles, que luego recorrió Nueva York y Londres.

1990s

En la década de 1990, Hockney continuó jugando con las nuevas tecnologías. Empleó una copiadora láser a color para crear imágenes en algunas de sus obras y reprodujo algunas de sus pinturas. Sobre todo, estaba impresionado con la vitalidad de color producido por estos dispositivos. Este deseo constante de experimentar también se ejemplificó en el conjunto de Pinturas muy nuevas iniciadas en 1992. Estas fueron semi-abstractas paisaje vistas de la costa del Pacífico y las montañas de Santa Mónica, representadas en una sucesión de perspectivas profundas, vistas deslumbrantes, luz y color brillantes, al estilo de Picasso y Matisse. En 1995 se abrió una retrospectiva de sus dibujos en la prestigiosa Royal Academy de Londres. Esto fue seguido en 1998 por una retrospectiva en el Museo Ludwig, Colonia; y un espectáculo similar en la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea en Turín, en el Musée de l’Elysée en Lausana, y en los Rencontres Internationales de la Photographie en Arles, y en el Kunsthalle Krems en la Baja Austria. La década terminó con una exposición individual de su pintura en el Centro Georges Pompidou, en París.

2000s

Ahora en sus 60 años, Hockney aún conservaba un gran interés en el historia del Arte. En el programa de televisión de 2001 Secret Knowledge, afirmó que el famoso Viejos maestros del Renacimiento y Barroco utilizó técnicas de cámara oscura para proyectar una imagen del sujeto sobre la superficie de la pintura, reservando al pintor la simple tarea de rellenar el contorno con color. Según Hockney, esta técnica explicaba cómo estos artistas lograron alcanzar la calidad fotográfica de sus retratos, aunque el Centro de Renovación de Arte se ha opuesto firmemente a su punto de vista y ha publicado argumentos en contra en varios artículos, incluidas las experiencias de artistas vivos que no tienen uso para tales dispositivos y todavía producen pinturas de calidad fotorrealista.

En 2006, el Galería Nacional de Retratos en Londres realizó una importante exhibición del retrato de Hockney, incluidos autorretratos, que comprende más de 150 de sus pinturas, dibujos, grabados, cuadernos de bocetos y collages fotográficos realizados en los últimos 40 años. (Ver también: Galería Nacional de Londres)

En 2007, Bigger Trees Near Warter, una vista monumental a escala de un sotobosque en Yorkshire, y la imagen más grande de Hockney, que mide 15 pies por 40 pies, apareció en la Exposición anual de verano de la Academia Real. Pintado en plein air En 50 lienzos individuales, durante un período de 5 semanas, el trabajo fue donado por el artista a la Galería Tate al año siguiente.

En 2008, Hockney disfrutó de exposiciones individuales en The Arts Club de Chicago, Chicago, y Leslie Sacks Fine Art, Los Ángeles. Sus obras ahora cuelgan en el mejores museos de arte alrededor del mundo.

Premios y registros

Hockney fue nombrado Compañero de Honor (CH) en 1997 y también es Académico (RA) de la Royal Academy of Arts de Londres.

En 2004, su obra A Bigger Grand Canyon, una serie de 60 pinturas que forman una gran composición, fue comprada por Galería Nacional de Australia por $ 4.6 millones.

En junio de 2006, su pintura A Bigger Splash se vendió por £ 2.6 millones, un récord para una pintura de Hockney.

Resumen

Visto como uno de los grandes Pintores del siglo XX, La reputación de Hockney como artista se basa principalmente en la calidad y precisión de su dibujo, como en su retrato; así como la calidad y diversidad de sus grabados, como en su conjunto de 16 grabados que comprenden una versión autobiográfica moderna de Rakes Progress de William Hogarth, así como sus obras litográficas y sus Ilustraciones para catorce poemas para CP Cavafy, para Grimm’s Six Fairy Tales y la guitarra azul. Sin embargo, estas obras de arte ejemplares no logran capturar la individualidad extraordinaria, la innovación energética y el talento absoluto del niño de Yorkshire, cuyo sueño era convertirse en artista.

Para otro pintor del norte de Inglaterra con un estilo bastante diferente, ver: LS Lowry (1887-1976), conocido por sus paisajes urbanos poblados por su firma "matchstick men".