Paul Gauguin, pintor francés Traductor traducir

NOTA: Para el análisis de obras de pintores simbolistas como Paul Gauguin,
por favor mira: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

Introducción

Gauguin es considerado por muchos críticos de arte como uno de los mejores artistas de todos los tiempos. Un destacado exponente francés de Post impresionismo, quien fue una influencia clave en el historia del Arte A principios del siglo XX, Paul Gauguin se esforzó por expresar sus emociones internas en el lienzo, en gran medida mediante el uso de color. Apoyado por el coleccionista de arte Ambroise Vollard, El estilo único de Gauguin de Pintura francesa allanó el camino para el sintetismo y el cloisonismo (obras de estilo 2D con bloques de color puro con bordes negros), así como el primitivismo. Influenciado inicialmente por el francés Impresionismo Gauguin es mejor conocido por sus obras expresionistas primitivistas, caracterizadas por áreas planas de color, pintadas cuando vivía en el Pacífico Sur. Aunque no fue particularmente apreciado durante su vida, su Pintura posimpresionista tuvo un gran impacto en los pintores previos a la Primera Guerra Mundial y más allá. Su mas famoso pinturas expresionistas incluyen: La visión después del sermón (1888, Galería Nacional de Escocia); Brooding Woman (1891, Worcester Art Museum), The Spirit of the Dead Keeps Watch (1892, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY), ¿De dónde venimos, qué somos? ¿A dónde vamos? (1897, Museum of Fine Arts, Boston), Nevermore (1897, Courtauld Institute Galleries, Londres) y la exquisita Girl with a Fan (1902, Folkwang Museum, Essen). Ahora considerado como uno de los grandes artistas modernos, muchas de sus pinturas están disponibles como impresiones en forma de arte del cartel.

Vida temprana

Gauguin nació en París durante la revolución de 1848. Su padre, un oscuro periodista liberal, huyó al exilio después del golpe de estado de 1851, llevando a su familia con él. Sin embargo, murió durante el viaje, en Panamá, mientras que la familia continuó a Lima, Perú, donde se defendieron por cuatro años. La madre de Gauguin era hija de la escritora y activista socialista francesa Flora Tristan, aunque sus antepasados ​​eran nobles peruanos. El joven Gauguin estuvo marcado desde la infancia por la atmósfera imaginativa y mesiánica de su círculo familiar. De hecho, los colores y las imágenes del Perú más tarde serían fuertes influencias en el arte de Gauguin. A los 7 años, la familia regresó a Francia y se mudó a Orleans para vivir con su abuelo. Entre los 17 y los 23 años trabajó como aprendiz de piloto en la marina mercante, navegando entre Sudamérica y Escandinavia. En 1871 regresó a París y, alentado por su padrino, Arosa, comenzó una carrera muy exitosa con el corredor de bolsa Bertin. Dos años más tarde se casó con una niña danesa, Mette Gad, quien le dio cinco hijos en rápida sucesión.

Comienza a pintar a tiempo parcial

Gauguin había estado interesado en Art º desde pequeño, y en su tiempo libre comenzó a pintar. Como era, Arosa era una especie de coleccionista de arte. Su ejemplo, y la amistad de Gauguin con el impresionista. Camille Pissarro (1830-1903), alentó a Gauguin a visitar galerías de arte y comprar obras de artistas emergentes, incluidos numerosos Pinturas impresionistas – por los gustos del propio Pissarro, Johan-Barthold Jongkind (1819-91) Edouard Manet (1832-83), Armand Guillaumin (1841-1927), Paul Cezanne (1839-1906), Renoir (1841-1919), Degas (1834-1917) y Mary Cassatt (1845-1926). En una ocasión gastó más de 17, 000 francos.

Visitó la ahora famosa exposición impresionista de 1874 en París y se inspiró tanto que decidió convertirse en un artista a tiempo completo. Mientras tanto, comenzó a pintar y esculpir como aficionado. Trabajó desde la vida con Bouillot, y pintó al estilo de Bonvin y Lepine ) La Seine au pont d’Iena 1875, Musee d’Orsay). En 1876 expuso una pintura en el Salón . Fue especialmente influenciado por Pissarro, quien lo ayudó en su temprana carrera de pintura y lo alentó a "buscar la naturaleza que se adapte a su temperamento". Pissarro le presentó a Cezanne, y Gauguin estaba tan cautivado con el estilo del artista más viejo que Cezanne comenzó a temer que robaría sus ideas. Los tres trabajaron juntos durante algún tiempo en Pontoise. A medida que progresaba en su arte, Gauguin se mudó a su propio estudio y participó en las exposiciones impresionistas de 1881 y 1882 (ver Exposiciones Impresionistas Paris), siendo elogiado con entusiasmo por Huysmans por un desnudo sólido y realista (1881, NCG, Copenhague). Otras pinturas de este período incluyen: Efecto de la nieve (1879, Museo de Bellas Artes, Budapest); Retrato de la hija de Gauguin Aline (1879, Colección privada); Estudio de un desnudo: Suzanne Sewing (1880, NCG, Copenhague); En la ventana (1882, Hermitage, San Petersburgo); Bouquet (1884, Hermitage, San Petersburgo) y Ganado (1885, Galleria d’Arte Moderna, Milán).

Para obtener más información sobre la evolución inicial del arte impresionista, consulte lo siguiente: Impresionismo: orígenes, influencias ; y Impresionismo: historia temprana. Para la progresión de estilos, ver: Desarrollos de pintura impresionista.

Artista a tiempo completo (1885-91)

Estos éxitos alentadores y una crisis financiera lo llevaron a abandonar su carrera comercial en 1883 para concentrarse completamente en la pintura. Durante dos años, entre Ruán y Copenhague, Gauguin intentó encontrar un equilibrio en su vida, pero resultó imposible y cuando regresó a París en junio de 1885, su vida familiar había terminado. Abandonó a su esposa y su familia y se fue a vivir a Pont-Aven en Bretaña, donde se encontró Emile Bernard y Charles Laval. En 1886 mostró 19 lienzos en la octava Exposición Impresionista, donde su originalidad ya era evidente en los inquietantes ritmos de sus paisajes.

Fue en Pont-Aven donde forjó un nuevo estilo. Ya no satisfecho con los límites del impresionismo, buscó expresar un estado interior en lugar de solo la apariencia de la superficie. Entonces él y un grupo de Pintores postimpresionistas decidieron aplanar su pintura, para que parezca bidimensional, reduciendo así la vista a sus fundamentos básicos.

Conocido como Sintetismo , este estilo requería trabajar más desde la memoria y las imágenes internas, en lugar de la naturaleza, y por lo tanto rompió con la teoría impresionista. Se convirtió en la mayor innovación y contribución de Gauguin a pintura de bellas artes y usó sus esquemas de colores vivos para expresar emoción en lugar de reflejar un tono natural, una libertad que le permitió hacer el suelo rojo, el cielo verde o amarillo. El sintetismo a veces también se conoce como cloisonnismo , pero esto es un error: aunque el cloisonnismo presenta bloques de color similares, a diferencia del Synthetism los encierra en gruesos contornos negros.

Un viaje a Martinica en 1887 con Lavel le mostró el valor sintético de los colores y revivió la influencia de Cezanne y Degas. A su regreso, y durante su segunda estancia en Pont-Aven en 1888, Gauguin se unió a Anquetin y Bernard en sus experimentos realizados bajo la influencia de Puvis de Chavannes (1824-98) y de grabados japoneses. Fue un momento decisivo para Gauguin, quien, a los 40 años, estaba elaborando un estilo original integrando el cloisonnismo y simbolismo de sus amigos con su propia experiencia de color. La "simplicidad rústica y supersticiosa" de la Visión después del Sermón (1888, Galería Nacional de Escocia), o las armonías escarlatas de La Fete Gloanec (c.1888, Museo de Orleans) proclamaron el dominio de Gauguin de su medio. Otras pinturas notables de este período incluyen: Las cuatro muchachas bretonas (c.1886, Neue Pinakothek, Munich); y Breton Girls Dancing, Pont-Aven (1888, Galería Nacional de Arte, Washington DC).

En 1888 pasó tres meses dramáticos en Arles, de octubre a diciembre de 1888 con su amigo. van Gogh (1853-1890). Las pinturas de este período incluyen: Café nocturno en Arles (1888, Museo de Bellas Artes Pushkin); Mujeres de Arles en el Jardín Público, Mistral (1888, Instituto de Arte de Chicago) y Cosecha de uvas en Arles (1888, Museo de Arte de Ordrupgard, Copenhague).

Una exposición individual organizada por Theo van Gogh en noviembre de 1888, luego su participación en las exposiciones colectivas del Cercle Volponi durante la Exposición Parroquial y las de Les Vingt en Bruselas, reveló, a pesar del sarcasmo, la posición de liderazgo de Gauguin en el llamado Colegio de Pont-Aven. Aun así, se sintió inquieto: pensó que el arte occidental se había vuelto demasiado imitativo y carecía de profundidad simbólica. Esto lo atrajo a Arte africano y otras formas de arte tribal, que parecía lleno de significado simbólico y no dependía de colores naturales para expresar su significado. Era un arte de amplios espacios planos y figuras delineadas en pintura oscura. Este tipo de arte primitivo Se caracterizó por proporciones corporales exageradas, tótems de animales, diseños geométricos y contrastes. Aplicó estos elementos a su arte, como se puede ver en obras como The Schuffenecker Family (1889, Musee d’Orsay); Autorretrato de caricatura (1889, Galería Nacional de Arte, Washington DC); El Cristo amarillo (1889, Buffalo, Galería de arte Albright-Knox); Víspera. No escuches al mentiroso (1889, Marion Koogler McNay Art Museum, San Antonio, Texas). Era una mezcla compleja de misticismo egocéntrico ) The Agony in the Garden, Palm Beach, Florida Museum) con un gusto por lo extraño y bárbaro ) Nirvana, Retrato de Meyer de Haan (1889, Hartford, Connecticut, Wadsworth Atheneum).

Sale de Francia hacia Tahití (1891-3)

En 1891, en un intento por escapar de los valores urbanos occidentales y "todo lo que es artificial y convencional", decidió abandonar Francia y dirigirse a los Mares del Sur. Una subasta bastante exitosa de sus obras en París (febrero de 1891) le permitió navegar el 4 de abril después de un banquete ofrecido en su honor por los simbolistas. En Tahití esperaba encontrar un mundo virgen, pero la Polinesia francesa ya había sido colonizada por misioneros occidentales, por lo que tuvo que crear el mundo que buscaba, en su cabeza.

Durante los años siguientes produjo progresivamente más pinturas de estilo primitivo, tallados en madera y gráficos, mientras se esforzaba por expresar la mitología de Arte oceánico. Comenzó con composiciones primitivas y espirituales como La Orana Maria (Hail Mary) (1891, Metropolitan Museum of Art, NY), Woman with a Flower (1891, NCG, Copenhagen), Two Tahitian Women On the Beach (1891, Musee d ’Orsay) y ¿Cuándo te casarás? (1892, Kunstmuseum Basel), así como obras simbólicas como Brooding Woman (1891, Worcester Art Museum) y We Shall Not Go to Market Today (1892, Kunstmuseum Basel) y Arearea (1892, Musee d’Orsay). Además, exploró una serie de mitos y supersticiones en obras como The Moon and The Earth (1892, MoMA, NY) y The spirit of the Dead Keeps Vigil (1892, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo NY), y produjo algunos destacados ejemplos vívidamente coloreados de pintura de paisaje como Tahitian Landscape (1893, Minneapolis Institute of Arts).

Regresa a Francia (1893-5)

Sin ningún medio de apoyo, Gauguin regresó a Francia de 1893 a 1895. Deprimido por su aislamiento, y cultivando ostentosamente un aire de exotismo que en adelante sería bastante artificial, realizó su primera gran exposición individual en la galería de Paul Durand-Ruel, pero vendió solo 11 lienzos y tuvo éxito principalmente en despertar curiosidad. Las pinturas de esa época eran un intento agresivo y nostálgico de recordar lo que había experimentado en Tahití y mostrar los males de la civilización. Regresó a Pouldu y Pont-Aven, donde resultó herido en una pelea y no pudo moverse. Fue entonces cuando hizo un asombroso grupo de grabados en madera en los que expresó el terror silencioso de las prácticas religiosas en Tahití, haciendo uso de una técnica precisa llena de contrastes, que revivió la forma de los primeros grabados en madera.

Tahití: Período final (1895-1903)

Después de verse obligado a vender el contenido de su estudio, Gauguin regresó a Tahití en marzo de 1895. Solo y en deuda, deprimido y enfermo, atravesó una terrible crisis, que empeoró con la muerte de su hija Aline. Un sentido de la miseria del destino humano, y una creciente necesidad de solidez plástica y ritmos clásicos, encontraron relevancia en obras como Nevermore (1897, Courtauld Institute Galleries, Londres). En 1897, antes de su intento de suicidio en febrero de 1898, pintó su composición más grande de la historia ¿De dónde venimos? ¿Dónde estamos? ¿A dónde vamos? (Museum of Fine Arts, Boston), un testamento pictórico en el que "lo prematuro se desvanece y surge la vida" suntuosamente a través del tema austero.

Después de 1898, apoyado regularmente por el comerciante parisino Ambroise Vollard, y luego por varios admiradores fieles, incluido Fayet, Gauguin se encontró libre de preocupaciones materiales, aunque constantemente en desacuerdo con las autoridades civiles y religiosas de la isla. Expresó su sentido mesiánico de que estaba siendo perseguido en dos publicaciones, Les Guepes y Le Sourire, ilustradas con grabados en madera, y en los grabados que decoraban su casa ) La Maison du Jouir, Musée d’Orsay Paris y MFA Boston) En 1899, pintó Tahitian Women with Mango Blossoms (Metropolitan Museum of Art, NY) y Three Tahitians (National Gallery, Edimburgo), que nuevamente reveló el extraño encanto secreto de los amplios volúmenes que utilizó.

Después de establecerse en Atuana en la isla Marquesas de Hiva Oa en 1901, Gauguin se debilitó progresivamente y acentuó con pinceladas vibrantes la delicada relación entre sus verdes, violetas y rosas: ver, El oro de sus cuerpos (1901, Musee d ’ Orsay); La llamada (1902, Museo de Cleveland); Jinetes en la playa (1902, Stavros Niarchos Collection Paris y Folkwang Museum Essen). También produjo una de sus obras más inquietantemente bellas: Girl with a Fan (1902, Folkwang Museum, Essen).

En sus últimos años escribió mucho, cartas a sus amigos, un estudio de El espíritu moderno y el catolicismo y Antes y después, una meditación importante, aunque anecdótica y romántica, sobre su vida y su trabajo. Murió el 8 de mayo de 1903 de sífilis, su sistema debilitado por el alcohol y un estilo de vida disipado. Está enterrado en las Islas Marquesas, Polinesia.

Legado

Aunque murió en relativa oscuridad, sus pinturas se hicieron populares poco después de su muerte. El coleccionista ruso Sergei Shchukin compró numerosas obras, que ahora se muestran en el Museo Pushkin de Bellas Artes en Moscú, yy el Ermita En San Petersburgo. Raramente salen a la venta, y si lo hacen, pueden venderse por hasta $ 40 millones. Esto refleja su poderosa influencia en arte Moderno de principios del siglo XX.

A través de exposiciones organizadas después de su muerte, especialmente sus retrospectivas en el Salon d’Automne en 1903 y 1906: la influencia de Gauguin pronto se extendió mucho más allá del círculo de Pont-Aven y el Nabis, que aprendió sobre él a través de Paul Serusier (1864-1927). El trabajo de Jens Willumsen (1863-1958) en Dinamarca, Edvard Munch (1863-1944) en Noruega, Paula Modersohn-Becker (1876-1907) en Alemania, Ferdinand Hodler (1853-1918) en Suiza, Nonell en España, y también Picasso (1881-1973) en sus períodos ’Azul’ y ’Naranja’, todos presagian el impacto aún más significativo que tuvo en Henri Matisse (1869-1954) y fauvistas como Kees van Dongen (1877-1968) y Andre Derain (1880-1954), así como cubistas como Roger de La Fresnaye (1885-1925), expresionistas como Alexei von Jawlensky (1864-1941) Raoul Dufy (1877-1953), Max Pechstein (1881-1955) y Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), y a los orfistas les gusta Robert Delaunay (1885-1941).

Además, junto con Cezanne y Van Gogh, Gauguin fue un artista central en la histórica exposición Postimpresionista de Londres, titulada: Manet y los Postimpresionistas (1910), organizada por Roger Fry (1866-1934).

El trabajo de Gauguin aparece en muchas de las mejores museos de arte en Europa y América Un museo Gauguin se estableció en Tahití en 1965 y contiene muchos documentos relacionados con su vida y obra.