Jim Dine:
pintor pop estadounidense, escultor, artista gráfico:
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Biografía

Principalmente asociado con el estadounidense Arte pop movimiento de la década de 1960, el pintor, escultor, grabador y artista gráfico Jim Dine llamó la atención por primera vez como pionero de Acontecimientos y un miembro de Neo-Dada (1959-60). Poco después, se identificó, junto con Roy Lichtenstein (1923-97), Ray Johnson (1927-95), Andy Warhol (1928-87) Robert Indiana (nacido en 1928), Claes Oldenburg (nacido en 1929), Tom Wesselmann (nacido en 1931), James Rosenquist (n. 1933), Alex Katz (n. 1927) y Ed Ruscha (n. 1937) – como figura central en el arte pop. Sus cuadros Pop fueron pintados en un estilo que recuerda a expresionismo abstracto pero, como su contemporáneo más antiguo Robert Rauschenberg (1925-2008) – Dine es mejor conocido por su arte de ensamblaje y sus ingeniosas composiciones combinando el lienzo pintado con objetos encontrados, a menudo de naturaleza autobiográfica. Su trabajo posterior fue menos efectivo pero más tradicional en estilo, e incluyó la mayoría de los tipos de grabado incluso litografía y aguafuerte.

Vida temprana

Nacido en Cincinnati, Ohio, Jim Dine estudió arte en la Academia de Cincinnati (1951 – 3) y en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, después de lo cual obtuvo un título en arte fino de la Universidad de Ohio (1957). En el mismo año se casó con Nancy Minto y en 1958 se mudaron a Nueva York. Aquí, Dine se convirtió en uno de los primeros pioneros de Happenings, un tipo de caos arte de performance, junto con otros artistas jóvenes como John Cage (1912-92), Claes Oldenburg (nacido en 1929) y Allan Kaprow (1927-2006). Sus obras más conocidas fueron The Smiling Workman (interpretada en la Judson Gallery 1959) y The Car Crash (realizada en la Reuben Gallery 1960).

Conjuntos de arte pop y combinaciones de medios mixtos

Alrededor de 1960, Dine comenzó a crear sus primeros ensambles, en los que incorporó una gama de materiales "encontrados". Durante el mismo período, comenzó sus obras más conocidas: combinaciones de pinturas o esculturas de medios mixtos, a las que adjuntó artículos cotidianos, como ropa, electrodomésticos de cocina, artículos para el hogar, papel de desecho, etc. Algunas de estas ideas se convirtieron en una forma temprana de arte de instalación.

En 1962, el trabajo de Dine se incluyó en la innovadora exposición "Nueva pintura de objetos comunes", comisariada por Walter Hopps en el Museo Norton Simon. Otros participantes incluyeron, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Edward Ruscha, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode y Wayne Thiebaud. Vista como la primera exposición significativa de Pop Art en América, reveló un estilo de pintura que alteró fundamentalmente la naturaleza de arte Moderno. ¿Por qué? Porque fue el primer tipo de arte en ser accesible para Joe Public, en lugar de solo la élite. Se basó en imágenes instantáneamente reconocibles de artículos cotidianos o de consumo masivo, o imágenes de celebridades en películas, música o política. Por ejemplo, vea también: Pop Art de Andy Warhol (c.1959-73).

El propio Dine continuó incorporando una variedad de objetos personales y domésticos en sus pinturas a lo largo de los años 60, incluidos corbatas, zapatos, lavabos, cepillos de dientes; véase, por ejemplo, Child’s Blue Wall (1962, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY). Otra de sus obras, His Shoes Walking on My Brain (1960), consistía en una pintura primitiva de una cara con un par de zapatos adheridos a la frente. También empleó objetos de las artes, como cajas de pintura, paletas de colores y pinceles, y otras herramientas; véase, por ejemplo, Five Feet of Colorful Tools (1962, Museum of Modern Art, NYC). En 1964 comenzó a usar una imagen de la bata de baño de un hombre, tomada de un anuncio en el periódico, como base para un autorretrato recurrente: véase, por ejemplo, Autorretrato junto a una ventana coloreada (1964, Museo de Arte de Dallas). Este fue un ejemplo de una de las técnicas de marca de Dine: repetir la misma imagen una y otra vez, hasta que se asocie exclusivamente con Dine. (Otra imagen de Dine es el corazón). Hasta cierto punto, este tipo de enfoque subjetivista ha distinguido a Dine a lo largo de su carrera de otros artistas. Por lo tanto, a pesar de que era parte de un grupo neo-dadaísta que creó los acontecimientos, no progresó a Arte conceptual ; a pesar de que luego se asoció con Pop, no abrazó el estilo inexpresivo de Pop, o la posterior pureza de Minimalismo. Por otro lado, a fines de los años setenta y ochenta, fue identificado como un precursor de Neoexpresionismo y el nuevo estilo de pintura de figura. Además, durante los años 80 comenzó a dedicar más tiempo a escultura.

Exposiciones, premios y colecciones

En 1984, el Walker Art Center en Minneapolis, Minnesota, organizó una exposición de su obra titulada "Jim Dine: Five Themes". En 1989, el Instituto de Artes de Minneapolis exhibió "Jim Dine Drawings: 1973-1987". En 1994, fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño como académico completo. En 2004, la exposición "Dibujos de Jim Dine" se realizó en la Galería Nacional de Arte de Washington DC.

Las obras de Dine se encuentran en muchos de los mejores museos de arte americanos, incluyendo el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas, Washington DC; El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; el museo de arte moderno, Nueva York; la Colección Nacional de Bellas Artes, Washington, DC; Museo de Arte Moderno de San Francisco; el Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York; el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; y el Walker Art Center, Minneapolis.