John Cage:
compositor estadounidense, artista, biografía Traductor traducir

Artista de vanguardia

Una figura icónica en arte de vanguardia En los Estados Unidos durante la década de 1950, el compositor y artista John Cage es conocido en particular por su controvertida ’composición musical’ de 1952 4 minutos 33 segundos (4’33 ") (que no contenía una sola nota de música), junto con sus enseñanzas en Black Mountain College sobre una variedad de temas artísticos: estos incluyen la India Pintura de arena, formas de Arte de performance como Acontecimientos (p. ej., el "Evento" de la jaula de 1952), así como otros más convencionales grabado (principalmente grabados) Ejerció una influencia significativa en Arte americano durante la década de 1950, especialmente en el trabajo del artista pionero Allan Kaprow (1927-2006), artistas pop Jasper Johns (b.1930) y Robert Rauschenberg (1925-2008), el expresionista abstracto Robert Motherwell (1915-91) y la bailarina Merce Cunningham (1919-2009), y anunciaron movimientos tales como Neo-Dada Europeo Fluxus y métodos como arte basura. Un estudiante de pintura, arquitectura y, más tarde, dibujo, su círculo de amigos incluía a varios de los principales artistas europeos y estadounidenses, como los dadaístas Marcel Duchamp, el surrealista alemán Max Ernst y el pintor caligráfico Mark Tobey. Junto con algunas otras personas altamente creativas, se puede decir que Cage es un precursor de arte posmodernista En América.

Biografía

Nacido en Los Ángeles en 1912, Cage estudió con el compositor no convencional Arnold Schoenberg, quien revolucionó la música moderna al romper con la armonía y las implicaciones teleológicas de la tonalidad. La invención de John Cage en 1938 del "piano preparado". Junto con su papel inicial en la evolución de la música grabada y electrónica, estableció su reputación de vanguardia a mediados de siglo arte Moderno de Nueva York Sin embargo, al leer las reseñas de sus interpretaciones, se dio cuenta de que sus composiciones no comunicaban las emociones que él mismo había experimentado en ellas. El punto de inflexión llegó después de la actuación de Perilous Night, escrita por Cage en 1945. El fracaso de los críticos en comprender la pieza llevó a Cage a cambiar completamente de dirección: abandonó la idea de comunicarse en el arte y, en cambio, centró su atención en la idea de abrir los oídos del oyente a lo que existía en el entorno: una experiencia no determinada, separada de la intención artística.

El descubrimiento de Cage del budismo zen a mediados de la década de 1940 parece haber impulsado la forma de este cambio radical. Mientras que los artistas de la Escuela de nueva york En cuanto al psicoanálisis y extrajo el arte de la introspección personal, el estudio de Zen de Cage fomentó un desapego de la crisis emocional y la idea de que el arte se origina en la contemplación no interpretativa de la naturaleza. Inspirado por los readymades de Duchamp (objetos cotidianos que Duchamp presentó inalterados como obras de arte), Cage consideraba el mundo cotidiano como la fuente del arte. Al igual que Duchamp, con quien se hizo amigo en 1941, atacó el mito heroico de la Escuela de Nueva York y se opuso a la psicología como base para el arte: "No hay lugar para la emoción en una obra de arte", comentó más tarde.
Cage miró a los sentidos como Duchamp había mirado al intelecto; ambos rechazados expresionismo. En 1950, Cage incluso comenzó a usar el azar, lo que vio como el principio operativo central de la naturaleza; en otras palabras, quería emular el proceso subyacente de la naturaleza sin retratar sus manifestaciones reales.

En lugar de usar la oportunidad para evitar la conciencia superficial, como en Dada y Surrealismo, Cage esperaba evitar por completo la determinación personal. Este intento de aniquilar el ego artístico, así como la distinción entre el arte y la experiencia cotidiana, no tenía precedentes y contrastaba directamente con la postura de sus contemporáneos en la Escuela de Nueva York. Sin embargo, Cage se parecía a ellos en su énfasis en la espontaneidad y el proceso.

En 1950, el apartamento de Cage en el Lower East Side se había convertido en un lugar de encuentro para un grupo de amigos interesados ​​en la nueva música y el baile. Christian Wolff (entonces estudiante de secundaria) llegó un día con el I Ching o el Libro de los Cambios, que Pantheon acababa de publicar. El libro llegó a Cage en el momento justo, y usó las monedas y los gráficos de I Ching para componer su Música de los cambios de 1951 como un homenaje al libro. Cage lanzó tres monedas seis veces, cuyos resultados se correlacionaron con un gráfico, que a su vez determinó el tono de cada nota. Luego pasó por un procedimiento similar para el timbre y la duración. Siguió este proceso elaborado para evitar dejar que la elección personal interfiera con los procedimientos casuales. Como la pieza dura cuarenta y cinco minutos, Cage tuvo que hacer una cantidad extraordinaria de lanzamientos.

Composición: 4 minutos 33 segundos (4’33 ")

En su teoría del "espacio sonoro total", Cage afirmó que la música involucra todo el sonido, incluido el sonido no musical y la ausencia de sonido. El sonido tiene cuatro características esenciales: tono, timbre, volumen y duración; por el contrario, el silencio, observó Cage, solo tiene duración. En su pieza silenciosa de 1952, titulada 4 minutos y 33 segundos (4’33 "), el intérprete no emite ningún sonido durante este período exacto. Influenciado por las" Pinturas blancas "en blanco de Rauschenberg de 1951, Cage eliminó todo de esta pieza excepto el tiempo (el característica compartida de sonido y silencio) y los sonidos casuales del entorno.

Las operaciones fortuitas de la Música de los cambios produjeron resultados que, una vez que Cage los estableció, permanecieron fijos. Pero en la pieza silenciosa, la antipatía de Cage hacia los patrones deliberados lo llevó aún más lejos, a la indeterminación, que supone un flujo continuo. Abrazó la verdadera aleatoriedad de los sonidos ambientales en la pieza silenciosa para que el oyente escuchara de manera neutral. Su trabajo posterior de 1962, O’OO " llevó esta idea un paso más allá al especificar que cualquier persona podría realizarla de cualquier manera. Aunque Cage le dio crédito a Morton Feldman por liderar el camino hacia la indeterminación, la posibilidad de Cage (o" aleatoria ") de música e ideas del sonido ambiental ("concreto") ciertamente influyó en la música de Feldman, así como en la de Earle Brown, Christian Wolff y La Monte Young.

Colaboración con la bailarina Merce Cunningham

Cage tuvo un intercambio de ideas particularmente importante con la bailarina y coreógrafa Merce Cunningham. Cage y Cunningham comenzaron a trabajar juntos en 1943, un año antes del primer recital en solitario de Cunningham en Nueva York (mientras todavía bailaba con la Compañía Martha Graham). Su colaboración rompió bruscamente con la tradición coreográfica al permitirle al bailarín individual cualquier movimiento significativo para él o ella y aliviando al intérprete de cualquier obligación de contar una historia, simbolizar algo o encontrar equivalentes para la música. La música, los escenarios y los bailarines individuales funcionaban de forma independiente pero simultánea. Cage y Cunningham crearon sistemas, los superpusieron y luego vieron lo que sucedió cuando chocaron.

Merce Cunningham cambió el lenguaje de la danza. Para él, cualquier movimiento, no importa cuán ordinario (caminar, caer, saltar) podría constituir un baile. Además, ninguna acción en la danza tenía ningún significado más allá de lo que era en sí misma, insistió; Al igual que Cage, Cunningham quería principalmente atraer los sentidos del espectador. También quería poner al descubierto la pura fisicalidad del baile. Sus ideas coreográficas son complejas y enfatizan la disciplina de la técnica, exigiendo frecuentemente que el bailarín trabaje descalzo para lograr una relación más directa y controlada con el piso. Con los seis bailarines en el reparto de la tropa de Cunningham como solistas, cubrirían todo el escenario a la vez; como en una pintura "allover" de Jackson Pollock (1912-56) o Willem de Kooning (1904-97).

El punto culminante de las giras de Merce Cunningham con Cage en la década de 1940 fue su visita al Black Mountain College en 1948. Cage había estado intrigado por la universidad desde finales de los años 30. Pero la presentación de 1948 Cage / Cunningham de La rosa de la medusa de Erik Satie, dirigida por Arthur Penn, fue un evento electrizante. Con esta actuación, Cage estableció una amistad con Josef Albers (1888-1976), el maestro de arte de la escuela. Sin embargo, cuando Cage comenzó a trabajar con azar e indeterminación, Albers afirmó que Cage había "renunciado a su responsabilidad como artista" y rompió relaciones.

"Evento" de John Cage de 1952: el primer acontecimiento

Sin embargo, fue Cage’s Theatre Piece # 1 (a menudo llamado simplemente "el evento") realizado en Black Mountain College en 1952 que alcanzó el estatus legendario como el primer "Suceso" y el comienzo de la música y el baile al azar. En el "evento" de 1952, el profesor de Black Mountain MC Richards y el poeta Charles Olsen leyeron poesía desde las escaleras; Las "Pinturas blancas" de Rauschenberg colgaban sobre su cabeza mientras tocaba los discos de Edith Piaf en un viejo fonógrafo; David Tudor tocaba el piano; Merce Cunningham bailaba dentro y alrededor de la audiencia (perseguida por un perro ladrando); y Cage se sentó en una escalera durante dos horas, a veces leyendo una conferencia sobre la relación de la música con el budismo zen, a veces escuchando en silencio. Todos hicieron lo que eligieron hacer durante ciertos intervalos de tiempo asignados, y toda la experiencia estuvo tan llena de información sensorial que no parece haber dos explicaciones similares. De hecho, la individualidad de la experiencia de cada observador fue central para la aspiración de Cage.