Judy Chicago:
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Biografía

Uno de los mejores artistas contemporáneos Judy Chicago fue una de las principales pioneras de Arte feminista en la década de 1970, una tendencia de arte contemporáneo que surgió del movimiento de Liberación de la Mujer en América y Gran Bretaña, a fines de la década de 1960. Judy Chicago fue una artista feminista activa e influyente que buscó cambiar las actitudes culturales y transformar los estereotipos, para darles a las mujeres una mayor igualdad. A corto plazo, buscó aumentar las oportunidades disponibles para las mujeres dentro del sistema de arte estadounidense y reinterpretar el historia del Arte desde una perspectiva más feminista. Ella es mejor conocida por su colaboración arte de instalación diseñado para ampliar el perfil histórico de las mujeres y mejorar su representación en las artes visuales. Su obra más famosa es The Dinner Party (1979, Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista, Museo de Brooklyn, Nueva York), que celebra los logros de mujeres reales y legendarias a lo largo de la historia, al tiempo que defiende la artesanía "femenina". de costura, bordado y arte cerámico, contrarrestando esto con artesanías "masculinas" como metalistería y soldadura. En 1970, Judy Chicago enseñó el primer curso sobre arte femenino que se llevó a cabo en Estados Unidos; sus estudiantes incluyeron a Dori Atlantis, Suzanne Lacy, Cay Lang, Karen LeCocq, Jan Lester, Judy Schaefer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding, Nancy Youdelman, Cheryl Zurilgen, y luego en 1971 cofundó el Programa de Arte Feminista en el Instituto de Artes de California con Miriam Schapiro, así como el lugar de instalación y presentación, " Womanhouse ". Ella también es conocida por ella Arte del Holocausto, a saber, su instalación "El Proyecto del Holocausto".

Nota: Además de Judy Chicago, otro artistas modernos quienes se convirtieron en pioneras de las ideas feministas incluyeron: Miriam Schapiro (1923-2015), una figura destacada en el movimiento artístico de Patrones y Decoración; video-artista Doris Totten Chase (1923-2008); pintor / grabador Nancy Spero (1926-2009); "artista de mantenimiento" Mierle Laderman Ukeles (nacido en 1939); y la artista de performance Carolee Schneemann (n. 1939). Artistas posmodernos estrechamente asociados con el arte feminista incluyen la artista de video Martha Rosler (n. 1943); artista grafico Barbara Kruger (nacido en 1945); artista de video e instalación Dara Birnbaum (n. 1946); artista de performance Marina Abramovic (n. 1946) famosa por su alto riesgo arte Corporal ; artista de instalación Maureen Connor (n. 1947); y la diseñadora gráfica Sheila Levrant de Bretteville (n. 1940).

Vida temprana y entrenamiento

Nacida Judy Cohen en la ciudad de Chicago, de donde tomó su nombre adoptivo, creció en un hogar intelectual judío y comenzó dibujo a la edad de tres años. A los cinco años estaba segura de que iba a convertirse en artista, y a los ocho comenzó a asistir a clases en el Instituto de Arte de Chicago. En 1950, cuando tenía once años, su padre murió prematuramente de peritonitis, pero su apoyo activo al Partido Comunista Americano y sus opiniones progresistas sobre las mujeres y los derechos de los trabajadores tendrían un efecto significativo en la perspectiva y filosofía de Judy. Así las cosas, continuó con sus clases durante su adolescencia, antes de obtener una Maestría en Bellas Artes de la UCLA. A pesar de perder trágicamente a su joven esposo Jerry Gerowitz en un accidente automovilístico en 1961, completó su maestría en 1964, después de lo cual amplió su formación tomando cursos de pintura en aerosol en una escuela de reparación de automóviles, y en talla de madera y otras técnicas escultóricas. Mientras tanto ella Art º – después de un breve asentimiento en dirección a principios de los 60 minimalismo – se volvió más expresivo y personal, y comenzó a incluir representaciones explícitas de los órganos femeninos.

Feminismo y Arte Feminista

A medida que avanzaba la década, se interesó cada vez más en el movimiento feminista y comenzó a incorporar temas más feministas en su arte. Fue el comienzo de su búsqueda de toda la vida como artista feminista para reconocer los logros de las figuras femeninas (en la historia y en las artes) y para celebrar los sentimientos y experiencias únicas de las mujeres, al mismo tiempo que hacía campañas para cursos de arte y feminismo. mayores oportunidades para exponer con museos como MOMA y el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York. En 1969, se volvió a casar, pero esta vez en lugar de tomar el nombre de su esposo, adoptó el apellido Chicago, como una declaración personal de independencia.

En 1970, Chicago, junto con su colega artista Miriam Schapiro, fue pionera en un enfoque radicalmente nuevo en la educación feminista cuando lanzó y enseñó el primer curso de arte solo para mujeres (conocido como el Programa de Arte Feminista) en Fresno State College, un experimento que repitió. año siguiente en el Instituto de Artes de California en Valencia. El curso se centró en aumentar la conciencia del feminismo y la identidad femenina, como se expresa en diferentes tipos de arte, como arte conceptual y arte de performance, además de legitimar lo femenino artesanía como bordados y bordados. De este experimento educativo surgió " Womanhouse ", un lugar de arte creado por Chicago y sus estudiantes para proporcionar un espacio para la enseñanza, el debate, la exhibición y el rendimiento. En 1973, Womanhouse se mudó al taller de Feminist Studio , fundado por Chicago, Sheila Levrant de Bretteville y la académica de arte Arlene Raven, en un lugar completamente separado en Los Ángeles. A su debido tiempo, Womanhouse se transformó en el " Edificio de la Mujer ", que rápidamente se convirtió en un centro clave en la comunidad artística femenina en Los Ángeles, y en un símbolo importante del movimiento feminista de los años setenta.

Nota: Además de su trabajo como profesora de artes y activista feminista durante la década de 1970, Chicago (como Georgia O’Keeffe antes de ella) comenzó a crear obras con imágenes florales, en línea con su creencia de que las flores son el símbolo de la feminidad y el núcleo femenino y que las mujeres están definidas y unidas por sus órganos sexuales. En los ojos de críticos de arte, este énfasis en la biología – "cuando todo está dicho y hecho, ser mujer significa tener una vagina" – es el punto ciego de Chicago. Hoy, por ejemplo, la ideología feminista ha progresado considerablemente desde las nociones más simples de los años setenta.

La cena (1974-79)

En 1974, Chicago comenzó a hacer su instalación monumental – "The Dinner Party" – un homenaje directo a la historia feminista. Consiste en una mesa triangular para banquetes, completa con treinta y nueve cubiertos, cada uno adornado con lino bordado, un cáliz, cubiertos y un plato de porcelana adornado con motivos de vulva. El piso blanco de la instalación (llamado Heritage Floor) está hecho de azulejos de porcelana triangulares, cada uno con los nombres de 999 mujeres eminentes adicionales. Los componentes del trabajo, en sí mismo un esfuerzo de colaboración que involucró a más de 100 mujeres contribuyentes, fueron ejemplos tangibles de los tipos tradicionales de arte decorativa creado principalmente por mujeres. "The Dinner Party" se abrió al público en marzo de 1979 en el Museo de Arte de San Francisco (ahora el Museo de Arte Moderno de San Francisco), obteniendo rápidamente un montón de malas críticas. Descrito como "kitsch" y "obsceno" por Hilton Kramer (1928-2012), principal crítico de arte de The New York Times, la instalación fue desmantelada y almacenada, ignorada por otros museos e instituciones en todo Estados Unidos. En 2007, unos treinta años después, fue transportado por todo el país y reinstalado en el Centro Elizabeth Sackler de Arte Feminista en Brooklyn, Nueva York. Se destaca sobre todo como un símbolo del primer movimiento artístico feminista, que algunos historiadores de arte consideran como uno de los más importantes. movimientos de arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo 20.

Años despues

En sus últimos años, continuó creando arte y promoviendo sus preocupaciones feministas, aunque su perspectiva se amplió un poco. Durante la década de 1980 se preocupó por la falta de imágenes de nacimiento en el arte visual (instalación " Proyecto de nacimiento " 1980-85), después de lo cual produjo una serie de pinturas a gran escala sobre el tema de la masculinidad ("Powerplay" 1983-86). Luego, en colaboración con el fotógrafo Donald Woodman (luego esposo número tres), pasó ocho años (1985-93) acumulando imágenes del Holocausto para su aclamada instalación, titulada " El Proyecto del Holocausto: de la oscuridad a la luz ". Una obra multimedia, incluía arte de vidrieras, carpintería metálica y fotografía tanto como arte de tapiz y Pintura acrílica. Desde entonces, sus actividades han abarcado habilidades tan diversas como el soplado de vidrio, la costura, la pirotecnia y la enseñanza. Sin embargo, es mejor conocida por el arte feminista definitorio que creó en la década de 1970.

Libros

Chicago es autora de varios libros importantes que documentan las obras de arte feministas de ella y otras artistas femeninas. Incluyen: The Birth Project (Doubleday, 1985); Más allá de la flor: la autobiografía de una artista feminista (Penguin, 1997); Mujeres y arte: territorio en disputa (con Edward Lucie-Smith) (Watson-Guptill, 1999); Through the Flower: My Struggle as a Woman Artist (Authors Choice Press, 2006); Frida Kahlo: cara a cara. (Prestel USA, 2010); y tiempo institucional: una crítica de Studio Art Education (The Monacelli Press, 2014).

Otras artistas feministas del siglo XX

Para obtener biografías de mujeres artistas involucradas en el movimiento feminista que no se citan anteriormente, consulte lo siguiente: