Mark Rothko: pintor expresionista abstracto, fundador de Color Field Painting Traductor traducir

NOTA: Para el análisis de obras de pintores abstractos como Mark Rothko,
por favor mira: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

Biografía

Una de las figuras más innovadoras en arte abstracto en América a mediados del siglo XX, el pintor judío-estadounidense nacido en Letonia, Mark Rothko (Marcus Rothkowitz) fue el pionero principal de Expresionismo abstracto, un movimiento provocado por el colapso de los valores morales después de la Segunda Guerra Mundial. Junto con Clyfford Still (1904-80) y Barnett Newman (1905-70) se convirtió en un miembro destacado de la Escuela de nueva york y pionero de Pintura de campo de color. Las obras clave de Rothko incluyen: Remolino lento en el borde del mar (1944, MOMA); Multiforme (1948, Galería Nacional de Australia, Canberra); Sin título (violeta, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo) (1949, Museo Guggenheim, Nueva York); Green and Maroon (1953, Colección Phillips, Washington DC); Sin título (Púrpura, Blanco y Rojo) (1953, Instituto de Arte de Chicago); y Light Red over Black (1957, Tate Gallery, Londres). Ahora clasificado entre los gigantes de la modernidad Arte americano, Rothko es considerado como uno de los mejores pintores abstractos del siglo 20 Su color saturado pinturas abstractas – algunos de los cuales están disponibles en línea en forma de arte del cartel – influido en muchas de las generaciones más jóvenes de artistas modernos incluyendo a Frank Stella (1936), Helen Frankenthaler (1928), Kenneth Noland (1924) y otros, y allanó el camino para movimientos como Pintura de borde duro y otros estilos de 1960 Abstracción post-pictórica.

Juventud

El padre de Rothko era farmacéutico e intelectual. La familia emigró a los Estados Unidos en 1913. Su padre murió poco después de llegar a su nueva tierra, dejando a la familia sin ingresos. Rothko comenzó la escuela y trabajó vendiendo periódicos a un lado. Después de graduarse recibió una beca para Yale. No le gustaba la actitud burguesa de otros estudiantes y abandonó en su segundo año. Solo regresó 46 años después para recibir un título honorífico.

Entrenamiento Artístico

En cambio, se inscribió en la Nueva Escuela de Diseño, donde sus instructores incluyeron al pintor emigrante. Arshile Gorki, quien también fue una influencia clave en Willem De Kooning. Ese verano, Rothko se unió al Liga de estudiantes de arte dirigido por el artista de bodegones Max Weber. Fue Weber quien alentó a Rothko a ver el arte como una herramienta para expresar sus emociones. La pintura inicial de Rothko fue completamente representativa, incluyendo obras como Mujer sentada, 1938 (Colección Christopher Rothko); Metro, 1937 y Street Scene, 1937 (ambos Galería Nacional de Arte, Washington DC).

Introducido al color

En 1932 se familiarizó con el pintor Milton Avery, 18 años mayor que él, conocido como el "Matisse americano". Influyó en el pintor más joven, que comenzó a pintar formas de manera más simple y comenzó a aplicar pintura en finas capas de color. Alrededor de este tiempo Rothko también se hizo amigo de Adolfo Gottlieb (1903-74) Barnett Newman (1905-70), John Graham y Joseph Soloman. Pasaron vacaciones juntos, pintando y discutiendo arte. Rothko tuvo su primera exposición individual en 1933 en el Museo de Portland. A fines de la década de 1930 se estaba moviendo en la dirección de sus obras abstractas más famosas posteriores.

Arte abstracto: pinturas multiformes

En la década de 1940, el estilo de pintura de Rothko experimentó un cambio radical, principalmente en respuesta al caos y al derramamiento de sangre de la Segunda Guerra Mundial. Influenciado por nuevas ideas traídas a Nueva York por emigrantes europeos como Max Ernst, Joan Miro y Piet Mondrian, se movió cada vez más hacia el arte abstracto a medida que exploraba una gama de estilos enraizados en el expresionismo y el simbolismo. Esta decisión también fue influenciada por su nueva amistad con el artista abstracto. Todavía Clyfford.

En 1946, desplegó sus nuevas pinturas ’multiformes’, que son vistas como su transición entre el surrealismo y la abstracción pura. (Para un contraste en el estilo, vea las pinturas acrílicas más expresivas del contemporáneo más joven de Rothko Robert Motherwell.) Las pinturas consistían en manchas de color borrosas, desprovistas de cualquier figura o paisaje humano reconocible.

Expresionismo abstracto: pintura de campo de color (c.1948-68)

En la década de 1950, este estilo multiforme se había convertido en su estilo característico de pintura expresionista abstracta, conocido como "Pintura de campo de color". Pintó al óleo y en lienzos muy grandes: quería que el espectador se sintiera abrumado por el color, que se sintiera parte de la pintura. Como dijo: "Me doy cuenta de que históricamente la función de pintar cuadros grandes es pintar algo muy grandioso y pomposo. La razón por la que los pinto, sin embargo… es precisamente porque quiero ser muy íntimo y humano. Pintar un cuadro pequeño es ubicarte fuera de tu experiencia, mirarlo con un vidrio reductor. Sin embargo, si pintas la imagen más grande, estás dentro. ¡No es algo que mandas! "

Desarrollo de la paleta de colores de Rothko

Durante este tiempo, Rothko’s pintura presentaba colores brillantes y vibrantes, y en particular usaba muchos rojos y amarillos. Los ejemplos incluyen Yellow Greens, 1953 (Estate of Frederick Weisman); Amarillo, rojo, azul sobre azul, 1953 (colección privada); Azafrán, 1957 y Azul, Amarillo, Verde sobre Rojo, 1954 (Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York). A partir de 1957 y hasta sus últimos años, Rothko tendió a adoptar una paleta más oscura. Usó menos rojos, amarillos y naranjas y en su lugar usó más marrones, grises, azules oscuros y negros. Aplicó capas muy finas de pintura una sobre la otra, lo que permitió color irradiar a través, dando una sensación de drama y luz.

Reconocimiento de MOMA New York

Como hombre, Rothko estaba constantemente sacudido por la ansiedad y la incertidumbre sobre su habilidad como artista. Pero el críticos de arte Me gustó lo que vieron. En 1950, el Museo de Arte Moderno compró una de sus pinturas y sus obras fueron representadas en espectáculos de todo el mundo durante la década. La revista Fortune lo nombró como un artista para invertir, y por primera vez en su vida, sus finanzas comenzaron a mejorar. Sin embargo, a pesar de su creciente fama, temía que la gente no entendiera su arte, que simplemente lo compraran fuera de moda en lugar de porque comprendieron su concepto. En 1958 recibió una comisión importante para amueblar el edificio Seagram recién terminado en Park Avenue en Nueva York. Esta fue la primera vez que Rothko produjo una serie de obras conectadas. Pintó aproximadamente 40 en total y usó una paleta cálida de rojo oscuro y marrón. Esto le trajo una gran publicidad, y más coleccionistas hicieron cola para comprar sus obras.

Murales de la capilla en la Universidad Católica de St Thomas en Houston

Sin embargo, en la década de 1960 y con la llegada del arte pop, la popularidad del expresionismo abstracto comenzó a disminuir. Artistas jóvenes como Andy Warhol y Roy Lichtenstein se convirtió en los nombres de moda del día. Rothko los describió como "charlatanes y jóvenes oportunistas". Pero los críticos interpretaron el surgimiento del Pop Art como el lomo de la muerte para el expresionismo abstracto. Pero en 1964 recibió una comisión lucrativa para pintar una serie de pinturas murales para la capilla de la Universidad Católica St Thomas en Houston. Desafortunadamente no vivió para ver las pinturas instaladas, aunque les dijo a sus amigos que sentía que la capilla era su declaración artística más importante. En 1970 su asistente lo encontró muerto en su cocina. Se había cortado los brazos con una navaja. Tenía 66 años de edad.

Reputación y legado

En mayo de 2012, en Christie’s New York, el trabajo de Rothko Orange, Red, Yellow (1961) se vendió por $ 86.9 millones – $ 14 millones más que los $ 72.8 millones pagados por su White Center: Yellow, Pink and Lavender on Rose (1950), en 2007 En 2014, su trabajo Sin título (púrpura, naranja, marrón) (1952) se vendió en Sotheby’s New York por $ 66.2 millones. Hoy ocupa su lugar en uno de los pintores más importantes de arte Moderno. Su radical negativa a copiar la naturaleza redujo la pintura a grandes y vibrantes campos de colores. Considerado como uno de los grandes Pintores del siglo XX del género abstracto, sus obras han influido en numerosos pintores de muchas escuelas diferentes; véase, por ejemplo, Patrick Heron (1920-99) – y sigue siendo una figura clave en el arte estadounidense del siglo XX. Sus pinturas se pueden ver en muchos de los mejores museos de arte en todo el mundo, incluida la Galería Nacional de Arte de Washington DC.

Para una comparación, lea sobre la vida y carrera del lírico "Impresionista abstracto" Philip Guston (1913-80), quienes eventualmente cambiaron de la abstracción al arte representativo.